Được những người sáng tạo và những người theo dõi nó coi là một xu hướng rộng lớn trong nghệ thuật phản ánh việc tìm kiếm những ý nghĩa mới của các nghệ sĩ đương đại, nghệ thuật hậu hiện đại là câu trả lời trong cuộc tìm kiếm cuộc khủng hoảng văn hóa cổ điển này.
nghệ thuật hậu hiện đại
Người ta tin rằng vào thế kỷ XNUMX cái gọi là “cái chết của những nguyên tắc siêu cơ bản” đã diễn ra: Chúa, con người và tác giả. Nói cách khác, cơ sở tôn giáo đã bị lung lay, một cuộc khủng hoảng về ý tưởng nhân văn nảy sinh, và những người sáng tạo đi từ việc tạo ra một cái mới để suy nghĩ lại cái cũ.
Chủ nghĩa hậu hiện đại trong nghệ thuật là một phần của xu hướng toàn cầu đã được văn hóa và triết học thế giới tiếp nhận. Chủ nghĩa hậu hiện đại không phải là một phong cách riêng lẻ, mà là một phức hợp của nhiều phương hướng, được thống nhất bởi một cơ sở tư tưởng chung. Nhiều người trong số họ thậm chí còn đánh nhau.
Chủ nghĩa hậu hiện đại là một thuật ngữ có nguồn gốc từ tiếng Pháp (postmodernisme). Cái tên này phản ánh ý nghĩa của hướng đi đã thay thế nghệ thuật của thời đại chủ nghĩa hiện đại (đừng nhầm với chủ nghĩa hiện đại). Vào cuối thế kỷ XNUMX và đầu thế kỷ XNUMX, các phong trào theo chủ nghĩa hiện đại (hay tiên phong) đã giáng một đòn nặng nề vào nghệ thuật cổ điển. Nhưng dần dần những người sáng tạo không còn hài lòng với các cách tiếp cận chủ nghĩa hiện đại.
Song song với vô số phát triển công nghệ mới, chủ nghĩa hậu hiện đại đã dẫn đến những thử nghiệm nghệ thuật với các phương tiện mới và các loại hình nghệ thuật mới trong gần XNUMX thập kỷ, bao gồm nghệ thuật khái niệm, các loại hình trình diễn và sắp đặt nghệ thuật, và các trào lưu máy tính như thuyết giải cấu trúc và công nghệ chiếu .
Đặc điểm của chủ nghĩa hậu hiện đại
Jean-François Lyotard và các nhà lý thuyết khác mô tả nền tảng tinh thần của thời hiện đại như một niềm tin không thể lay chuyển vào một tiến trình ổn định của khả năng nén ngày càng chi tiết hơn của thế giới và cách tiếp cận dần dần tới tri thức hoàn hảo. Các hệ thống toàn trị của thế kỷ XNUMX vĩnh viễn làm mất uy tín của các mô hình như vậy.
Dưới đây là những lý do cho sự cần thiết phải định nghĩa chủ nghĩa hậu hiện đại là sự đoạn tuyệt có ý thức với tính hiện đại. Chủ nghĩa hậu hiện đại không chỉ bác bỏ niềm tin hiện đại vào sự tiến bộ, mà còn cả sự tồn tại của một thực tại khách quan có thể hiểu được. Lý thuyết và mỹ học hậu hiện đại cho rằng mọi tri thức, mọi tri giác, mọi lĩnh vực của ý thức và tồn tại đều là đối tượng của thuyết tương đối. Một khái niệm chính của chủ nghĩa hậu hiện đại là tính đa nguyên.
Mong muốn của Modernity là liên tục tạo ra một cái gì đó mới, và các phương tiện nghệ thuật được sử dụng để đạt được nó, được coi là tự động hóa, được thiết lập và lỗi thời trong chủ nghĩa hậu hiện đại. Nguyên tắc không có gì mới có thể được tạo ra làm cho việc sử dụng các trích dẫn trở thành một đặc điểm phong cách thiết yếu của nghệ thuật hậu hiện đại.
Nhu cầu về sự cởi mở trong khái niệm nghệ thuật và tác phẩm nghệ thuật cá nhân một mặt mở ra những khả năng gần như vô hạn: chủ nghĩa hậu hiện đại mở ra nhiều hình thức biểu đạt mới bằng cách vượt qua ranh giới của các thể loại.
Một kỹ thuật được sử dụng thường xuyên của thời kỳ hậu hiện đại là cắt dán. Thuật ngữ này, được đặt ra vào đầu thế kỷ XNUMX cho nhãn dán Dada, rộng hơn nhiều trong thời kỳ hậu hiện đại. Nó bao gồm, ví dụ, cài đặt quy mô lớn, kỹ thuật phim hoặc quy trình sáng tác âm nhạc.
Các tác giả như Umberto Eco (The Name of the Rose), các kiến trúc sư như Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Vienna) và các nghệ sĩ như Keith Haring cố gắng thu hẹp khoảng cách giữa hiểu biết tinh hoa về nghệ thuật và văn hóa đại chúng; đây cũng là một khía cạnh thiết yếu của mỹ học hậu hiện đại.
Nhiều tác phẩm hậu hiện đại, đặc biệt là trong nghệ thuật biểu diễn, không muốn được hiểu như một kết quả hoàn hảo, mà như một sự sắp đặt thử nghiệm. Phần trình bày sẽ rời rạc (văn học: Roland Barthes, Những mảnh vỡ của ngôn ngữ tình yêu) hoặc một tác phẩm đang được hoàn thiện (nhà hát khiêu vũ: William Forsythe, vở kịch của Scott) ở các giai đoạn phát triển khác nhau.
Các nhà phê bình nghệ thuật đưa ra những câu trả lời khác nhau cho câu hỏi chủ nghĩa hậu hiện đại trong hội họa là gì, vì văn hóa hậu hiện đại là một hiện tượng đa diện và không có một nền tảng tư tưởng rõ ràng. Những người theo chủ nghĩa hậu hiện đại đã không tạo ra một quy điển phổ quát, hơn nữa, họ từ chối tạo ra một quy luật về nguyên tắc. Có lẽ giá trị cơ bản duy nhất được tuyên bố bởi những người ủng hộ xu hướng này là quyền tự do ngôn luận vô tận.
Chủ nghĩa hậu hiện đại không phải là một phong trào, mà là một cách tư duy chung chung. Vì vậy, không có một danh sách các đặc điểm nào xác định “nghệ thuật hậu hiện đại”. Tuy nhiên, có một số đặc điểm là đặc trưng của nghệ thuật hậu hiện đại:
- Quyền tự do không giới hạn và tuyệt đối của nghệ sĩ trong việc lựa chọn các phương pháp thể hiện bản thân.
- Suy nghĩ lại các hình ảnh truyền thống, bao gồm chúng trong bối cảnh mới (do đó có sự phân phối rộng rãi các bản làm lại, diễn giải, trích dẫn nghệ thuật, cho vay, ám chỉ).
- Chủ nghĩa đồng bộ, nghĩa là sự kết hợp các yếu tố không đồng nhất thành một tổng thể duy nhất, đôi khi thậm chí mâu thuẫn với nhau (ví dụ, việc nghệ sĩ sử dụng các phong cách khác nhau trong một bức tranh, hoặc thậm chí kết hợp tranh với các loại hình nghệ thuật khác).
- Đối thoại, tức là nhìn đối tượng từ các góc độ khác nhau, từ vị trí của các «giọng nói» khác nhau, cuối cùng tạo ra một «bản giao hưởng» đa âm.
- Hình thức trình bày tác phẩm, mời người xem tham gia tác phẩm có ý nghĩa.
- Tính chất gây sốc của sự sáng tạo.
- Sự mỉa mai và tự trớ trêu của tác giả. Các nghệ sĩ bây giờ nghi ngờ nhiều hơn về "ý tưởng lớn" (ví dụ như mọi tiến bộ đều tốt).
- Chủ nghĩa hậu hiện đại là một biểu hiện của sự chán ghét rộng rãi với cuộc sống và sức mạnh của các hệ thống giá trị và / hoặc công nghệ hiện có để mang lại sự thay đổi tích cực. Kết quả là, quyền hạn, kinh nghiệm, kiến thức và động lực đã trở nên sai lệch.
- Nghệ thuật hiện đại không chỉ được coi là tinh hoa mà còn là người da trắng (theo nghĩa màu da), nam giới thống trị và không quan tâm đến thiểu số. Đây là lý do tại sao nghệ thuật hậu hiện đại ủng hộ nghệ thuật của các nghệ sĩ thế giới thứ ba, các nhà nữ quyền và thiểu số.
Nghệ thuật hậu hiện đại, đương đại và hậu hiện đại
Theo nguyên tắc chung, nghệ thuật hậu hiện đại và nghệ thuật đương đại ít nhiều được sử dụng đồng nghĩa với nhau. Tuy nhiên, từ quan điểm kỹ thuật, nghệ thuật hậu hiện đại có nghĩa là "sau hiện đại" và đề cập đến một thời kỳ cố định bắt đầu vào khoảng năm 1970, trong khi nghệ thuật đương đại chủ yếu đề cập đến giai đoạn thay đổi khoảng năm mươi năm ngay trước những năm XNUMX. Hiện tại.
Hiện tại hai khoảng thời gian này trùng khớp với nhau. Nhưng vào năm 2050, nghệ thuật hậu hiện đại (ví dụ từ 1970-2020) có thể đã bị thay thế bởi một thời đại khác, tuy nhiên nghệ thuật đương đại sau đó bao trùm khoảng thời gian cho đến năm đó.
Trong nghệ thuật thị giác, thuật ngữ hiện đại muộn dùng để chỉ các phong trào hoặc xu hướng bác bỏ một khía cạnh của nghệ thuật hiện đại nhưng vẫn giữ nguyên truyền thống của hiện đại. Các phong cách như Chủ nghĩa Biểu hiện Trừu tượng (1948-65) đã được thực hành bởi một số nghệ sĩ hiện đại cấp tiến, bao gồm Jackson Pollock và Willem De Kooning, những người phản đối nhiều quy ước chính thức của hội họa sơn dầu.
Tuy nhiên, cả Pollock và de Kooning đều không thể tạo ra bất cứ thứ gì giống như Bản vẽ xóa bỏ kỷ niệm của Rauschenberg, vì cả hai đều là những người tin tưởng mạnh mẽ vào các khái niệm về tính xác thực và ý nghĩa.
Lịch sử của nghệ thuật hậu hiện đại
Phong cách nghệ thuật quan trọng đầu tiên sau thời kỳ Phục hưng là nghệ thuật hàn lâm, được giảng dạy bởi các giáo sư trong các học viện. Trong nghệ thuật hàn lâm hội tụ nhiều phong cách và trào lưu, chẳng hạn như chủ nghĩa cổ điển và chủ nghĩa lãng mạn. Từ năm 1870, với sự xuất hiện của trường phái ấn tượng, nghệ thuật hiện đại đã xuất hiện. Những đặc điểm đầu tiên xuất hiện vào khoảng năm 1970, bây giờ được tóm tắt là nghệ thuật hậu hiện đại.
Nghệ thuật hiện đại hầu hết gắn liền với thế kỷ 1870-1970, chẳng hạn từ trường phái Ấn tượng đến nghệ thuật đại chúng. Bất chấp những thảm họa toàn cầu khác nhau (Chiến tranh thế giới thứ nhất, dịch cúm, sự sụp đổ của Phố Wall và cuộc Đại suy thoái) làm suy yếu nhiều điều chắc chắn về mặt đạo đức thời nay, các nghệ sĩ hiện đại nhìn chung vẫn duy trì một niềm tin vào các quy luật khoa học cơ bản của tự nhiên và hợp lý. nghĩ.
Nói chung, giống như hầu hết người phương Tây thời đó, họ tin rằng cuộc sống có ý nghĩa. Tiến bộ khoa học đó đương nhiên là tích cực, rằng phương Tây Cơ đốc giáo vượt trội hơn so với phần còn lại của thế giới, rằng đàn ông vượt trội hơn phụ nữ. Chủ nghĩa hiện đại cũng tin vào ý nghĩa, sự phù hợp và tiến bộ của nghệ thuật, đặc biệt là mỹ thuật và kiến trúc.
Theo bước chân của Leonardo và Michelangelo, họ tin vào nghệ thuật cao, nghệ thuật nâng cao và truyền cảm hứng cho người xem có học thức, chứ không phải "nghệ thuật thấp" chỉ mang tính giải trí cho đại chúng. Họ đã áp dụng một cách tiếp cận tiến bộ và coi nghệ thuật là thứ cần phải liên tục phát triển, được hướng dẫn bởi một nhóm các nghệ sĩ tiên phong hàng đầu.
Chiến tranh thế giới thứ hai và cuộc tàn sát đã khiến mọi thứ đảo lộn. Paris bất ngờ bị New York thay thế thành thủ đô của thế giới nghệ thuật. Trong hậu quả của sự tàn khốc của chiến tranh, tất cả nghệ thuật tượng hình đột nhiên dường như không còn phù hợp, vì vậy các họa sĩ hiện đại đã chuyển sang nghệ thuật trừu tượng để thể hiện bản thân.
Đáng ngạc nhiên là Trường học New York, với các bức tranh của Jackson Pollock và bức tranh trường màu bình tĩnh hơn của Mark Rothko, đã thúc đẩy một sự hồi sinh tạm thời trong nghệ thuật ở cả hai bờ Đại Tây Dương vào những năm 1950. Các họa sĩ Avant-garde đã thành công trong việc xác định lại các giới hạn của trừu tượng hội họa, nhưng vẫn nằm trong giới hạn của hiện đại. Họ tin tưởng vào việc tạo ra các tác phẩm nghệ thuật hoàn chỉnh, đích thực với nội dung quan trọng.
Nhưng thời hiện đại chắc chắn sẽ kết thúc. Những tiết lộ ngày càng nhiều về Shoah, các vụ thử bom nguyên tử, Khủng hoảng Tên lửa Cuba và Chiến tranh Việt Nam khiến người ta ngày càng thất vọng về cuộc sống và nghệ thuật.
Jasper Johns và Robert Rauschenberg đã sản xuất những tác phẩm hậu hiện đại đầu tiên của Neo-Dada và Pop Art vào giữa những năm 1950. Chẳng bao lâu nữa, Pop Art chính thống sẽ mở ra nghệ thuật hậu hiện đại, khi các mạng truyền hình Mỹ tập trung vào Tết Mậu Thân năm 1968 và sự hỗn loạn Công ước Quốc gia Dân chủ năm 1968.
Từ thời gian trôi qua trong lịch sử nghệ thuật, thái độ đối với nghệ thuật của nghệ sĩ và công chúng cũng có thể được thiết lập. Các nghệ sĩ và khán giả hiện nay không bị xác định bởi những ý tưởng cũ của các tổ chức giảng dạy và tài trợ về nghệ thuật là gì và nghệ thuật có thể là gì. Các khả năng và ứng dụng của nghệ thuật đã trở nên đa dạng hơn mà không cần phải bó buộc bản thân phải khoác lên mình một chiếc áo nịt ngực nhất định.
Kiến trúc hiện đại chịu ảnh hưởng của mong muốn tạo ra một phong cách hoàn toàn mới cho con người hiện đại. Các kiến trúc sư muốn loại bỏ tất cả các tham chiếu lịch sử và tạo ra một cái gì đó hoàn toàn mới. Điều này dẫn đến Phong cách Quốc tế (khoảng 1920-1970), một thiết kế tối giản về sự đều đặn.
May mắn thay, vào khoảng năm 1970, các kiến trúc sư hậu hiện đại bắt đầu hồi sinh kiến trúc thế kỷ XNUMX bằng cách thiết kế các cấu trúc với những đặc điểm thú vị rút ra từ văn hóa đại chúng và phong cách kiến trúc truyền thống hơn. Các cấu trúc dường như phá vỡ lực hấp dẫn cũng đã được thực hiện nhờ các khả năng mới do máy tính điều khiển trong khuôn khổ của thuyết giải cấu trúc.
Phong trào hậu hiện đại hình thành từ những năm 1960 và 1970, nhưng điều kiện tiên quyết cho sự xuất hiện của nó gắn liền với một cuộc khủng hoảng thế giới quan đã phát sinh từ rất lâu trước đó. Trong số đó: Luận án của Spengler về sự suy tàn của Châu Âu; sự sụp đổ của ý thức công chúng do Chiến tranh thế giới thứ nhất; sự xuất hiện trong khoa học những ý tưởng về sự mâu thuẫn và mơ hồ của trật tự thế giới (từ hình học phi Euclid đến vật lý lượng tử).
Thuật ngữ hậu hiện đại đã được sử dụng vào cuối thế kỷ 1950 và sau đó ngày càng tăng vào đầu thế kỷ 1970, nhưng chỉ trong những năm 1979 theo nghĩa hiện tại của nó. Cuối những năm XNUMX, hai tác giả chủ yếu góp phần thiết lập thuật ngữ này như một vật cố định vĩnh viễn: Jean-François Lyotard với tác phẩm La Condition postmoderne (Kiến thức hậu hiện đại, XNUMX) và Charles Jencks với tiểu luận Sự trỗi dậy của kiến trúc hậu hiện đại.
Với sự ra đời của thuật ngữ hậu hiện đại, chủ nghĩa hiện đại lần đầu tiên được định nghĩa như một kỷ nguyên lịch sử khép kín (giống như thời cổ đại hoặc thời Trung cổ trước đó). Hậu hiện đại đã trở thành một thuật ngữ phong cách, đặc biệt là trong kiến trúc.
Những người theo chủ nghĩa hậu hiện đại kết luận rằng thế giới hiện đại không thể được mô tả trong khuôn khổ của các cách tiếp cận cổ điển đối với triết học, khoa học và văn hóa. Do đó, các phương pháp nghệ thuật cổ điển không đủ để mô tả nó.
Sử dụng công nghệ
Kỷ nguyên của nghệ thuật hậu hiện đại đồng thời với sự ra đời của một số công nghệ hình ảnh mới (như truyền hình, video, Internet, và những công nghệ khác) và được hưởng lợi rất nhiều từ chúng. Phạm vi định dạng video và nhiếp ảnh mới đã làm giảm tầm quan trọng của nghệ thuật vẽ, và việc vận dụng các công nghệ mới đã cho phép các nghệ sĩ rút ngắn các quy trình truyền thống của việc tạo ra nghệ thuật, nhưng vẫn tạo ra một cái gì đó mới.
Các trào lưu và phong cách nghệ thuật hậu hiện đại
Cho đến nay chưa có phong trào nghệ thuật quốc tế lớn nào trong nghệ thuật hậu hiện đại. Thay vào đó, thời đại chứng kiến sự trỗi dậy của một số luồng hẹp, được bản địa hóa, cũng như một số hình thức nghệ thuật hoàn toàn mới, chẳng hạn như video và tranh chữ.
Ngoài ra, đã có hàng chục phái nghệ thuật, cũng như một hoặc hai trung tâm chống hậu hiện đại mà các thành viên của họ đã nỗ lực tạo ra loại hình nghệ thuật mà lẽ ra Michelangelo hay Picasso phải tự hào.
Kể từ chủ nghĩa tân-dada, những người theo chủ nghĩa hậu hiện đại đã thích trộn lẫn mọi thứ, hoặc đưa các yếu tố mới vào các hình thức truyền thống, để tạo ra những sự kết hợp mới. Fernando Botero vẽ những bức tranh nguyên thủy về những hình người béo phì, Georg Baselitz vẽ những hình lộn ngược.
Gerhard Richter đã kết hợp nghệ thuật máy ảnh và hội họa trong các bức ảnh chụp những năm 1970 của mình, trong khi Jeff Koons kết hợp hình ảnh hướng đến người tiêu dùng với các kỹ thuật điêu khắc tinh vi để tạo ra các tác phẩm điêu khắc bằng thép không gỉ của mình.
Andreas Gursky kết hợp nhiếp ảnh với hình ảnh do máy tính tạo ra để tạo ra các tác phẩm như Rhein II, trong khi Jeff Wall sử dụng dựng phim ảnh được xử lý kỹ thuật số trong các sáng tạo hình ảnh hậu hiện đại của mình.
Không có sự nhất trí nào giữa các nhà phê bình nghệ thuật về việc phong cách nghệ thuật nào có thể được phân loại là nghệ thuật hậu hiện đại: ví dụ, một số phong cách đồng thời được phân loại là tiên phong và hậu hiện đại. Tuy nhiên, có thể phân biệt danh sách các phong trào và phong cách sau đây của chủ nghĩa hậu hiện đại:
Dadaism
Những người theo chủ nghĩa bố tin rằng sự tàn khốc của Thế chiến thứ nhất đã làm rung chuyển châu Âu, mang lại đau đớn và khổ sở cho hàng triệu người, là sản phẩm của logic và chủ nghĩa duy lý. Vì lý do này, họ đã thúc đẩy sự sáng tạo của mình bằng sự phá hủy các quy tắc thẩm mỹ, sự hoài nghi, tính hệ thống, tính phi lý.
Cắt dán trở thành phương pháp sáng tạo chính của các nghệ sĩ Dadaist. Vải hoặc giấy được dùng làm phông nền để nghệ sĩ tạo ảnh ghép bằng cách sử dụng mảnh vải vụn, giấy vụn và các vật liệu khác.
Dada tồn tại trong một thời gian tương đối ngắn: từ năm 1916 đến năm 1923. Điều này là do nền tảng tư tưởng của nó là chủ nghĩa hòa bình chống lại thực tế của Chiến tranh thế giới thứ nhất. Trong những năm 1920, Dada hợp nhất với Chủ nghĩa Biểu hiện ở Đức và với Chủ nghĩa Siêu thực ở Pháp.
Nghệ thuật đại chúng
Nghệ thuật đại chúng (pop art) là một phong cách đã chuyển giao văn hóa tiêu dùng sang lĩnh vực nghệ thuật và dạy nhân loại nhìn ra vẻ đẹp trong ba mươi ba lon súp. Không nên nhầm lẫn nghệ thuật đại chúng với văn hóa đại chúng. Các tác giả coi văn hóa đại chúng như một đối tượng, cũng giống như một người vẽ chân dung nhìn vào một mô hình hoặc một nghệ sĩ phong cảnh: trong lòng của thiên nhiên.
Chủ đề văn hóa đại chúng, nơi ánh nhìn của người nghệ sĩ, đã được biến đổi thành một thứ nguyên bản: một đối tượng nghệ thuật bị khúc xạ thông qua cách diễn giải của người nghệ sĩ. Từ quan điểm nghệ thuật, phong cách này hấp dẫn ở tính vật chất, tính khách quan, không giống như một xu hướng phổ biến khác là chủ nghĩa trừu tượng. Pop art ra đời trong cuộc đấu tranh chống lại sự sáng tạo của những người theo chủ nghĩa trừu tượng và báo trước sự quay trở lại của việc hiển thị các đối tượng cụ thể trên canvas.
Bản thân nó, sự hấp dẫn đối với những thứ hàng ngày không phải là điều mới mẻ trong lịch sử hội họa. Suy cho cùng, tĩnh vật là cái nhìn của một nghệ sĩ về các vật thể xung quanh. Trên thực tế, không có nhiều sự khác biệt giữa chiếc bình của Caravaggio và những chai Coca-Cola xanh của Warhol. Nhưng nghệ thuật đại chúng có một điểm khác biệt về khái niệm: các nghệ sĩ lấy những đồ vật và hình ảnh mang tính biểu tượng từ nền văn hóa đại chúng, mà bây giờ họ gọi là "meme".
Ngoài ra, họ không chỉ chú ý đến đồ vật, mà còn chú ý đến hình ảnh; một ví dụ điển hình là Marilyn Diptych của Warhol. Không thể phủ nhận một thực tế rằng pop art đã giúp khẳng định Giấc mơ Mỹ, hợp pháp hóa xã hội tiêu dùng và lối sống tương ứng. Đồng thời, nó đặt nền móng cho sự phê phán triết lý tiêu dùng mà sau này sẽ có sức mạnh.
Chữ Nghệ thuật
Thuật ngữ Word Art mô tả một thể loại nghệ thuật dựa trên văn bản hậu hiện đại của các nghệ sĩ đương đại khác nhau có mặt từ những năm 1950. Một định nghĩa đơn giản về nghệ thuật dựa trên văn bản có thể là "nghệ thuật bao gồm các từ hoặc cụm từ như một thành phần nghệ thuật chính".
Hình ảnh dựa trên văn bản có chứa các từ và cụm từ đã được xuất bản trên nhiều phương tiện truyền thông bao gồm hội họa và điêu khắc, in thạch bản và in lụa, cũng như nghệ thuật ứng dụng (áo thun, cốc). Nó cũng xuất hiện trong các hình thức nghệ thuật đương đại mới nhất, chẳng hạn như lập bản đồ chiếu.
Nghệ thuật khái niệm
Chủ nghĩa ý niệm (từ khái niệm Latinh: tư tưởng, đại diện) là một trào lưu hậu hiện đại trong nghệ thuật, nó tuyên bố quyền tối cao của ý tưởng về một tác phẩm so với hình thức biểu đạt nghệ thuật của nó. Những người theo chủ nghĩa khái niệm tin rằng các bức tranh, tác phẩm điêu khắc, sắp đặt và trình diễn của họ phải gợi lên trong người xem không phải cảm xúc mà là mong muốn suy nghĩ lại về mặt trí tuệ những gì họ đã thấy.
Khái niệm chủ nghĩa không phải là một nghệ thuật thương mại, trong đó các đối tượng để sáng tạo có thể là bất kỳ vật dụng gia đình, vật liệu tự nhiên và thậm chí là các bộ phận của môi trường con người. Người nghệ sĩ ý tưởng không tìm cách tạo ra một tác phẩm hoàn chỉnh, mà cố gắng truyền tải ý tưởng của mình đến người xem, để tham gia vào một loại trò chơi trí tuệ.
Các tác phẩm nghệ thuật khái niệm có những đặc điểm riêng biệt. Những tác phẩm này có thể được nhận biết bởi các đặc điểm sau: không ảnh hưởng đến cảm xúc, mà là nhận thức trí tuệ của người xem; thường xuyên sử dụng văn bản thuyết minh cho tác phẩm; sự bác bỏ ý thức của nghệ sĩ về ý nghĩa của hình thức để ủng hộ tầm quan trọng của ý nghĩa (ý tưởng) của tác phẩm; tạo ra các đối tượng nghệ thuật từ bất kỳ đối tượng nào có sẵn cho tác giả.
Nghệ thuật Trình diễn và Diễn biến
Happenings là một loại hình nghệ thuật tiên phong, một loại hình biểu đạt sáng tạo, liên quan mật thiết đến nghệ thuật trình diễn, có nền tảng là các lý thuyết về nghệ thuật khái niệm của thế kỷ 1896, phần lớn bắt nguồn từ các cuộc trình diễn của đại diện Dada, cũng như Tristan Tzara (1963-XNUMX). Trên thực tế, không dễ để phân biệt giữa Nghệ thuật trình diễn và Diễn biến.
Cả hai đều là các hình thức giải trí được lên kế hoạch cẩn thận (mặc dù có các yếu tố tự phát), trong đó nghệ sĩ biểu diễn (hoặc quản lý) một sự kiện sân khấu nghệ thuật. Một cái gì đó dễ nhìn hơn là diễn tả bằng lời.
Trong mọi trường hợp, Happenings là một tác phẩm nghệ thuật trình diễn tự phát nằm ở đâu đó giữa chính kịch và nghệ thuật thị giác và thường thu hút và gây ra phản ứng mạnh mẽ từ khán giả.
Do phong cách tạm thời của Dada, ban đầu nó được hình thành như một sự thay thế triệt để cho các nguyên tắc thủ công truyền thống và như một "đối tượng nghệ thuật vĩnh viễn". Có thể đọc lời giải thích đầy đủ về loại hình nghệ thuật hậu hiện đại mới này trong cuốn sách 'Happenings' (1965) của Michael Kirby.
Loại hình sự kiện nghệ thuật này trở nên đặc biệt gắn liền với nền nghệ thuật New York vào khoảng năm 1960 và vẫn được giới thiệu trong các phòng trưng bày nghệ thuật đương đại tốt nhất trên toàn thế giới.
Nghệ thuật trừu tượng
Chủ nghĩa trừu tượng là một phong cách hội họa và nghệ thuật nói chung, từ chối sự tái tạo hiện thực của thế giới xung quanh. Những người theo ông đại diện cho các hình dạng đơn giản và phức tạp, chơi với màu sắc, sử dụng các đường thẳng, mặt phẳng và các vật thể khác, kết hợp chúng để tạo ra những cảm xúc nhất định ở người xem. Đây là cách tiếp cận của ông khác với cách tiếp cận được sử dụng bởi các bậc thầy theo chủ nghĩa cổ điển và nhiều phong cách khác.
Thoạt nhìn, bức tranh của một người theo chủ nghĩa trừu tượng có thể là một mớ hỗn độn của các đường nét, hình dạng và điểm. Khi xem xét kỹ hơn, có thể thấy rõ rằng nghệ sĩ đã tạo ra toàn bộ bố cục được thiết kế để gợi lên những suy nghĩ hoặc tâm trạng nhất định ở người xem.
Chủ nghĩa trừu tượng, khi nó phát triển, được phân tầng thành nhiều hướng, mỗi hướng có những đại diện riêng. Có các loại phong cách như:
- Hình học. Trong các tác phẩm của các nghệ sĩ được thực hiện theo phong cách này, hình thức và đường nét rõ ràng chiếm ưu thế, nhiều bức tạo ra ảo giác về chiều sâu.
- Các bậc thầy tuân theo hướng này tích cực làm việc với màu sắc và sự kết hợp của chúng; thông qua đó, họ truyền tải được những cảm xúc mà họ muốn tạo ra trong lòng khán giả.
- Bản chất của hướng hội họa này là hoàn toàn không có tham chiếu đến các vật thể thực và việc sử dụng màu sắc, hình dạng và đường nét cực kỳ hạn chế.
- Các nghệ sĩ làm việc theo hướng này cố gắng mang lại sự năng động, chuyển động cho các tác phẩm của họ, qua đó họ truyền tải cảm xúc và cảm giác. Đồng thời, bóng đổ, đường kẻ và hình dạng mờ dần vào nền.
hội,, tổ hợp
Lắp ráp là một kỹ thuật trang trí và nghệ thuật ứng dụng, trong đó nghệ sĩ tạo ra một hình ảnh phù điêu bằng cách dán các mảnh hoặc vật thể ba chiều lên một đế phẳng. Trong kỹ thuật lắp ráp, việc sử dụng sơn để bổ sung hình ảnh cho một tác phẩm nghệ thuật cũng được cho phép.
Assemblage, trái ngược với ảnh ghép liên quan của nó, là một loại kỹ thuật để gắn các phần tử ba chiều, chứ không phải hai chiều (phẳng) vào bề mặt trước của hình ảnh. Nhờ sử dụng các chi tiết thể tích, hình ảnh càng chân thực và càng hiệu quả càng tốt.
Các nghệ sĩ chuyên nghiệp thường sử dụng phế liệu và rác gia đình để tạo ra các tác phẩm nghệ thuật ban đầu của riêng họ. Dưới bàn tay của nghệ nhân, một số lượng lớn đồ vật thường ngày nằm rải rác trở thành một tác phẩm nghệ thuật mang đầy nội dung thẩm mỹ sâu sắc.
Ngày nay, các tác phẩm được tạo ra bằng kỹ thuật lắp ghép luôn thu hút sự chú ý của những người sành nghệ thuật đương đại. Họ thường gây ra tranh cãi gay gắt giữa các nhà phê bình, nhưng họ không để lại ai thờ ơ, và do đó đã đóng góp to lớn cho sự phát triển của văn hóa thế giới.
Fluxus
Fluxus là một nhóm nghệ sĩ được tổ chức lỏng lẻo trải dài khắp thế giới, nhưng có sự hiện diện đặc biệt mạnh mẽ ở Thành phố New York. George Maciunas trong lịch sử được coi là người sáng lập và tổ chức chính của phong trào, người đã mô tả Fluxus là sự kết hợp của Spike Jones, Vaudeville, Cage và Duchamp.
Giống như những người theo chủ nghĩa Vị lai và những người theo chủ nghĩa Dadaian trước họ, các nghệ sĩ Fluxus không chấp nhận thẩm quyền của các viện bảo tàng nghệ thuật trong việc xác định giá trị của nghệ thuật. Họ cũng cho rằng không cần thiết phải có trình độ học vấn đặc biệt để có thể nhìn và hiểu một tác phẩm nghệ thuật.
Fluxus không chỉ muốn nghệ thuật đến với đại chúng, họ muốn mọi người sáng tạo nghệ thuật mọi lúc. Thường rất khó để xác định Fluxus, vì nhiều nghệ sĩ của chính nó đã tuyên bố rằng chính hành động xác định phong trào đã quá hạn chế và đơn giản.
Không giống như các phong trào nghệ thuật trước đây, Fluxus đã cố gắng thay đổi lịch sử thế giới, không chỉ lịch sử nghệ thuật. Mục tiêu bền bỉ của hầu hết các nghệ sĩ là xóa bỏ mọi ranh giới giữa nghệ thuật và xã hội.
Nguyên lý trung tâm của Fluxus là loại bỏ và chế giễu thế giới ưu tú của "nghệ thuật cao" và tìm mọi cách có thể để mang nghệ thuật đến với đại chúng, phù hợp với bầu không khí xã hội của những năm 1960. Các nghệ sĩ Fluxus đã sử dụng sự hài hước để thể hiện ý định của mình và , cùng với Dada, Fluxus là một trong số ít các phong trào nghệ thuật có thể đi dây.
Bất chấp phong thái vui tươi của họ, các nghệ sĩ Fluxus rất nghiêm túc với mong muốn thay đổi cán cân quyền lực trong thế giới nghệ thuật. Sự thiếu tôn trọng của ông đối với nghệ thuật cao đã có tác động đến thẩm quyền nhận thức của bảo tàng là thẩm quyền xem xét nghệ sĩ là ai và cái gì.
Fluxus thu hút người xem và dựa vào yếu tố cơ hội để định hình kết quả cuối cùng của tác phẩm nghệ thuật. Việc tận dụng cơ hội cũng được sử dụng bởi Dada, Marcel Duchamp và các nghệ sĩ trình diễn khác thời bấy giờ. Các nghệ sĩ Fluxus bị ảnh hưởng nặng nề bởi ý tưởng của John Cage, người tin rằng người ta nên tiếp cận một tác phẩm mà không có ý tưởng về kết quả cuối cùng. Điều quan trọng là quá trình tạo ra, không phải là sản phẩm cuối cùng.
video nghệ thuật
Video là một trong những phương tiện đa năng nhất hiện có. Phim video có thể là bản thân tác phẩm nghệ thuật và / hoặc bản ghi lại cách tác phẩm nghệ thuật được tạo ra; nó cũng có thể là một phần tử trong cài đặt và / hoặc một phần của sự sắp xếp nhiều video. Video làm cho nghệ thuật trở nên năng động và sống động hơn. Kể từ cuối những năm 1980, cả video và hoạt hình đều dựa vào việc sử dụng phần mềm máy tính để thao tác trên hình ảnh.
thuyết quang minh
Chủ nghĩa ảnh là một thể loại hội họa xuất hiện vào cuối những năm 1960 để đáp ứng với sự phổ biến ngày càng tăng của trừu tượng. Kể từ đó, những bức tranh chân thực với sự chú ý to lớn đến từng chi tiết của chúng đã mang lại những ảo ảnh quang học mà chỉ có thể xác định gần giống như những bức ảnh được vẽ trong bản gốc của bức ảnh.
Thay vì quan sát và đại diện cho những gì đang xảy ra trong thực tế, chủ nghĩa ảnh thực được truyền cảm hứng từ nhiếp ảnh. Thông tin hình ảnh được máy ảnh ghi lại được sử dụng để tạo ra các bức tranh ảo giác, bản vẽ và các tác phẩm nghệ thuật khác. Các nghệ sĩ thường chiếu ảnh lên canvas để hình ảnh có thể được hiển thị với độ chính xác và chi tiết.
Nghệ thuật Povera
Arte Povera (từ tiếng Ý có nghĩa là "nghệ thuật nghèo nàn" hoặc "nghệ thuật nghèo nàn") là một trong những phong trào nghệ thuật tiên phong quan trọng và nổi bật nhất nổi lên ở miền Nam châu Âu vào cuối những năm XNUMX.
Điều này bao gồm tác phẩm của hàng chục nghệ sĩ người Ý có tính năng sáng tạo chính là sử dụng các vật liệu hàng ngày gợi nhớ về thời kỳ tiền công nghiệp. Bụi bẩn, đá và quần áo đặc biệt phổ biến: những vật liệu "phế thải" hoặc rẻ tiền mà họ sử dụng cho tác phẩm nghệ thuật của mình. Cách tiếp cận nghệ thuật này đã tấn công các quan niệm phổ biến về giá trị và tính đúng đắn, đồng thời chỉ trích một cách tinh vi quá trình công nghiệp hóa và cơ giới hóa ở Nam Âu vào thời điểm đó.
Tác phẩm của ông đã đánh dấu một phản ứng đối với hội họa trừu tượng của chủ nghĩa hiện đại đã kiểm soát nghệ thuật châu Âu trong thập kỷ trước, từ đó ông nổi bật bằng cách tập trung nhiều hơn vào tác phẩm điêu khắc hơn là hội họa.
Một số tác phẩm quan trọng nhất của nhóm đã được tạo ra nhờ sự tương phản giữa nguyên liệu thô và đồng thời đề cập đến sự trỗi dậy của văn hóa tiêu dùng. Tin chắc rằng sự hiện đại đe dọa xóa sổ di sản tập thể, Arte Povera đã cố gắng tương phản cái mới với cái cũ.
Ngoài việc từ chối cuộc thi công nghệ, các nghệ sĩ liên kết với Arte Povera đã từ chối những gì họ cho là chủ nghĩa hiện thực khoa học. Trái ngược với cách tiếp cận có phương pháp đối với các mối quan hệ không gian, chúng gợi lên một huyền thoại mà những bí mật không dễ giải thích.
Các nghệ sĩ đã trình bày những câu ghép vô lý và vui nhộn, thường là mới và cũ hoặc đã qua xử lý cao và tiền công nghiệp. Khi làm như vậy, họ đã minh họa một số tác động của hiện đại hóa đang góp phần phá hủy các địa điểm và ký ức khi nó tiến xa hơn trong tương lai.
Mối quan tâm của Arte Povera đối với chất liệu kém có thể liên quan đến một số phong trào nghệ thuật khác của những năm 1950 và 1960. Ví dụ, họ chia sẻ một số kỹ thuật với các phong trào như Fluxus và Nouveau Réalisme trong sự kết hợp của các vật liệu dễ tiếp cận với đường cắt nổi loạn so với thông thường của nó chức năng.
chủ nghĩa hậu nhất trí
Trong nghệ thuật hậu tối giản, một thuật ngữ được sử dụng lần đầu tiên bởi nhà phê bình nghệ thuật Robert Pincus Witten, trọng tâm chuyển từ sự thuần khiết của ý tưởng sang sự truyền đạt của nó. Ví dụ, bạn có thể xem các tác phẩm của nghệ sĩ người Mỹ gốc Đức Eva Hesse.
nghệ thuật nữ quyền
Một phong trào nghệ thuật đề cập đến các vấn đề cụ thể của phụ nữ như sinh đẻ, bạo lực đối với phụ nữ, điều kiện làm việc của phụ nữ và nhiều vấn đề khác. Các nghệ sĩ tham gia bao gồm Louise Bourgeois và nghệ sĩ biểu diễn gốc Nhật Bản Yoko Ono.
thuyết giải cấu trúc
Deconstructivism là một trong những loại hình nghệ thuật ấn tượng về mặt thị giác nhất từng được hình thành. Phong cách kiến trúc thế kỷ 80 kỳ quặc nhưng đầy sức sáng tạo của ông nổi lên vào cuối những năm XNUMX, chủ yếu ở Los Angeles mà còn ở châu Âu.
Là một phần của nghệ thuật hậu hiện đại được tạo ra nhờ việc sử dụng phần mềm thiết kế của ngành hàng không vũ trụ, kiến trúc giải cấu trúc trái ngược với tính hợp lý có trật tự của hình học và ủng hộ một cách tiếp cận xa lạ đối với thiết kế thường làm biến dạng bên ngoài của một công trình đồng thời làm xói mòn các yếu tố giá trị của hiện đại .
Một số nhà sử học tin rằng triết học giải cấu trúc cũng đối lập với nghệ thuật hậu hiện đại, mặc dù hậu quả thực tế của điều này là không rõ ràng. Rốt cuộc, một kiến trúc sư giải cấu trúc phải tuân theo các quy luật khoa học hiện đại và hậu hiện đại, cho dù anh ta có thích hay không.
Đại diện nổi tiếng nhất của kiến trúc giải cấu trúc là Frank O. Gehry, người từng đoạt giải Pritzker người Mỹ gốc Canada. Các nhà giải cấu trúc nổi tiếng khác bao gồm Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi và Peter Eisenman. Những công trình kiến trúc phi thường bao gồm: Dancing House (Prague), Bảo tàng Guggenheim (Bilbao) và Bảo tàng Thiết kế Vitra ở Weil am Rhein.
Kiến trúc giải cấu trúc được đặc trưng bởi sự thao túng bề mặt, phân mảnh và các dạng phi tuyến làm sai lệch và ghi đè các quy ước kiến trúc về cấu trúc và bề mặt. Khi làm như vậy, các yếu tố có vẻ mâu thuẫn với nhau được cố tình tương phản để thách thức những ý tưởng truyền thống về sự hài hòa và liên tục.
chủ nghĩa hiện thực hoài nghi
Phong trào nghệ thuật đương đại Trung Quốc nổi lên sau thất bại ở Quảng trường Thiên An Môn (1989). Những người theo chủ nghĩa Hiện thực hoài nghi đã sử dụng một phong cách hội họa tượng trưng với lối kể giễu cợt. Các mô-típ lặp lại là những hình người, những người đàn ông hói đầu và những bức ảnh chân dung. Phong cách chế nhạo địa vị chính trị và xã hội của Trung Quốc, và vì đây là một buổi bình minh mới của các nghệ sĩ Trung Quốc, nên nó đã được các nhà sưu tập nghệ thuật phương Tây đón nhận nồng nhiệt.
Văn học và điện ảnh hậu hiện đại
Đặc điểm của văn học hậu hiện đại bao gồm xử lý chu đáo những gì có sẵn dưới dạng trích dẫn và ám chỉ và chơi với các thể loại văn học. Ngoài ra, đặc trưng là việc xây dựng nhiều cấp độ hành động và các mối quan hệ, thường bị phá vỡ.
Có lẽ cuốn tiểu thuyết hậu hiện đại nổi tiếng nhất là Tên của bông hồng của Umberto Eco. Với cấu trúc văn học rất phức tạp theo kiểu tiểu thuyết tội phạm, Eco đã thu hẹp khoảng cách giữa cái gọi là văn hóa cao cấp và văn hóa đại chúng. Các trích dẫn và tài liệu tham khảo về lịch sử, văn học và nghệ thuật làm cho cuốn sách trở thành một cuốn tiểu thuyết giáo dục hoặc thậm chí là một cuộc thi văn học. Nhưng ngay cả những người không quan tâm đến nó cũng có thể thưởng thức tác phẩm của Eco như một bộ phim kinh dị thú vị.
Tương tự, Peter Greenaway đã kết hợp thể loại phim lịch sử với phim kinh dị trong bộ phim The Cartoonist's Contract năm 1982 của ông, nhưng không giống như Echo, nó không giải được câu đố. Mặc dù cốt truyện cung cấp nhiều manh mối cổ điển, nhưng tất cả đều không dẫn đến đâu.
nghệ thuật tạo hình
Việc sử dụng thuật ngữ hậu hiện đại bị nhiều lý thuyết gia và nghệ sĩ bác bỏ, đặc biệt là trong lĩnh vực nghệ thuật thị giác, do có nhiều hình thức biểu đạt. Việc bác bỏ niềm tin của chủ nghĩa hiện đại vào sự đổi mới cũng là một trong những nền tảng của mỹ thuật hậu hiện đại. Chủ nghĩa hậu hiện đại được liên kết với các phạm trù nghệ thuật lịch sử đã bị hiện đại bác bỏ, chẳng hạn như cấu trúc tường thuật và thần thoại.
Điều này đã bắt đầu với những mô tả của Andy Warhol về các biểu tượng của thế kỷ 1950, từ Elvis đến Jackie Onassis. Nghệ thuật đại chúng cũng đánh dấu sự đoạn tuyệt với hiện đại vào những năm XNUMX bằng cách nói lời tạm biệt với trừu tượng. Trong những năm XNUMX, nghệ thuật thị giác, giống như kiến trúc thời đó, nhấn mạnh tầm quan trọng của các khía cạnh gợi cảm, cảm xúc và truyền thống hơn lý thuyết và khái niệm.
Vào những năm XNUMX, tập thể New Wild (Neue Wilden) đã phá vỡ sự thống trị của chủ nghĩa tiên phong theo chủ nghĩa tối giản và siêng năng về khái niệm bằng bức tranh biểu cảm và đại diện của nó. Có những xu hướng tương tự ở Hoa Kỳ và Ý.
Sau khi cơn lốc lắng xuống xung quanh New Savages, các xu hướng tập trung vào sự phản ánh trên phương tiện hội họa và thử nghiệm gợi cảm với các phương tiện truyền thông hình ảnh (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), hội họa đại diện cho ưu thế của xu hướng lao động tối giản và khái niệm- người làm vườn. Có những xu hướng tương tự ở Hoa Kỳ và Ý.
Đặc trưng của thời đại là hai nghệ sĩ có tác phẩm kết hợp thẩm mỹ của văn hóa phụ và văn hóa đại chúng: Keith Haring và Jeff Koons. Haring đã quản lý để kết hợp các yếu tố của nghệ thuật graffiti, truyện tranh, ngôn ngữ ký hiệu máy tính, vẽ của trẻ em và hội họa lịch sử sơ khai thành một ngôn ngữ ký hiệu mang tính thơ mộng dễ hiểu ở nhiều nền văn hóa. Jeff Koons đã tạo nên tên tuổi cho mình vào đầu những năm 1990 với sự khiêu khích của các đối tượng của mình.
Vật liệu được sử dụng thường có chất lượng cao, nhưng thiết kế bề mặt của nó gợi lên thế giới của những món đồ đan và đồ nghề, chẳng hạn như bức tượng nhỏ bằng sứ có kích thước giống như người thật được mạ vàng của Michael Jackson với Bong bóng tinh tinh của anh ấy.
Nhu cầu về tính đa nguyên, chủ quan của mỹ học hậu hiện đại, rời xa sự trừu tượng, bao hàm các phương tiện thông tin đại chúng, xóa mờ ranh giới giới và chấp nhận trích dẫn như một phương tiện nghệ thuật đã mang lại màu sắc và chuyển động cho cảnh quan nghệ thuật và bảo tàng.
Cuối cùng, việc công nhận nhiếp ảnh và phim như một phương tiện nghệ thuật cũng có thể được coi là kết quả lâu dài của các xu hướng hậu hiện đại. Điểm nổi bật tạm thời: Vào mùa hè năm 2002, Bảo tàng Ludwig ở Cologne sẽ chiếu tất cả năm bộ phim từ "Cremaster Cycle" mới hoàn thành của Matthew Barney như một phần của một cuộc triển lãm lớn.
Kiến trúc
Vào giữa những năm 1970, Charles Jencks đã đưa thuật ngữ chủ nghĩa hậu hiện đại vào diễn ngôn kiến trúc. Bằng cách này, diễn ngôn hậu hiện đại lần đầu tiên đến được với công chúng. Các nguyên tắc phong cách của kiến trúc hậu hiện đại đã xuất hiện rõ ràng vào thời điểm này.
Cần phải có một ngôn ngữ kiến trúc dân chủ và giao tiếp, mà tính thẩm mỹ của nó không được chỉ dựa trên chức năng mà còn dựa trên nội dung quan trọng. Việc đưa vào các yếu tố hư cấu cũng được yêu cầu, chẳng hạn như Gothic, trong đó có hình ảnh của Jerusalem trên trời trong nhà thờ.
Đồng thời, xu hướng bảo tồn và thiết kế lại các tòa nhà lịch sử tăng lên. Ví dụ nổi bật nhất là Gare d'Orsay ở Paris, được mở cửa với tên gọi Musée d'Orsay vào năm 1986. Những tòa nhà lịch sử như vậy ảnh hưởng đến ngôn ngữ của kiến trúc hậu hiện đại, mà ngay từ đầu đã được xác định mạnh mẽ bởi các trích dẫn.
Để tránh một chủ nghĩa lịch sử mới, phương châm là chủ nghĩa chiết trung, được thể hiện, ví dụ, trong việc sử dụng các cột, cửa sổ và hệ thống lưới, nên bị phá vỡ một cách mỉa mai. Phổ kiến trúc hậu hiện đại phát triển đặc biệt trong tòa nhà bảo tàng của những năm XNUMX và XNUMX.
Ngoài Bảo tàng Abteiberg của Hans Hollein (Mönchengladbach), Phòng trưng bày Nhà nước của James Stirling (Stuttgart) được coi là sản phẩm thành công và đặc trưng của chủ nghĩa hậu hiện đại. Trong thiết kế của Stirling, nhiều ám chỉ đến kiến trúc lịch sử, từ Ai Cập đến chủ nghĩa hiện đại cổ điển, được kết hợp với màu sắc văn hóa đại chúng và vật liệu đặc trưng của khu vực như đá sa thạch và đá travertine để tạo ra một hình thức hiện đại, gắn kết.
Trong thời gian gần đây, khi nói đến xây dựng bảo tàng, tính chất trải nghiệm ngày càng được đề cao hơn yêu cầu giáo dục.
Thay vì chiêm ngưỡng nghệ thuật thiền định, cần phải có dàn dựng, và bản thân kiến trúc được dàn dựng với tầm nhìn tuyệt đẹp và hiệu ứng sân khấu. Các chuyến thăm đầu tiên của công chúng ngày càng diễn ra nhiều hơn trước khi các bức tranh được treo để kiến trúc có thể được trải nghiệm.
Hậu hiện đại tập trung vào văn hóa đại chúng
Các nhà phê bình nghệ thuật thường sử dụng thuật ngữ "văn hóa cao" khi cố gắng phân biệt nghệ thuật hội họa và điêu khắc (và nghệ thuật thị giác khác) với văn hóa đại chúng của tạp chí, truyền hình và các sản phẩm đại trà khác. Chủ nghĩa Hiện đại và những người theo chủ nghĩa có ảnh hưởng của nó như Greenberg (1909-94) đã xem những hình thức văn hóa này là thấp kém. Ngược lại, những người theo chủ nghĩa hậu hiện đại, những người thích quan niệm dân chủ hơn về nghệ thuật, xem "văn hóa cao" là tinh hoa hơn.
Nghệ thuật đại chúng, phong trào hậu hiện đại đầu tiên, đã biến những mặt hàng tiêu dùng bình thường thành nghệ thuật. Các nghệ sĩ nhạc pop và những người khác thậm chí còn đi xa hơn trong nỗ lực dân chủ hóa nghệ thuật bằng cách in "nghệ thuật" của họ lên cốc, túi giấy và áo phông: một phương pháp tình cờ thể hiện mong muốn hậu hiện đại, tính độc đáo và tính xác thực làm suy yếu nghệ thuật.
Các nghệ sĩ hậu hiện đại đã từ bỏ quan niệm rằng một tác phẩm nghệ thuật chỉ có một ý nghĩa cố hữu. Thay vào đó, họ tin rằng người xem là một nguồn ý nghĩa quan trọng không kém. Ví dụ, nhiếp ảnh siêu thực của Cindy Sherman nhấn mạnh ý tưởng rằng một tác phẩm nghệ thuật có thể được hiểu theo nhiều cách.
Trên thực tế, một số nghệ sĩ, như nghệ sĩ biểu diễn Marina Abramovic, thậm chí còn cho phép người xem tham gia vào nghệ thuật của họ, hoặc thậm chí yêu cầu khán giả đóng góp ý kiến để hoàn thành tác phẩm của họ.
Tập trung vào chương trình
Khi không còn ý nghĩa thực sự trong cuộc sống, đặc biệt là khi chúng ta phải đối mặt với quảng cáo trên đài phát thanh và truyền hình ngày đêm, các nghệ sĩ hậu hiện đại thường hạn chế bản thân trong phong cách và cảnh tượng, thường sử dụng các công cụ và kỹ thuật quảng cáo để đạt được tác động lớn hơn. Cách tiếp cận này được minh chứng trong quy trình in ấn thương mại sử dụng hình ảnh giống như áp phích của các nghệ sĩ nhạc pop như Roy Lichtenstein và James Rosenquist.
Sự tập trung vào bề mặt là một đặc điểm chung của nghệ thuật hậu hiện đại và đôi khi xuất hiện hàng đầu với hình ảnh sân khấu, rực rỡ, có tác động mạnh. Kể từ năm 1980, việc sử dụng máy tính và các công nghệ khác đã cách mạng hóa nghệ thuật đa phương tiện (ví dụ như hoạt hình) và tạo ra các khả năng cụ thể trong các lĩnh vực như kiến trúc.
Tầm quan trọng của việc thu hút sự chú ý của khán giả trong chủ nghĩa hậu hiện đại được thể hiện qua chiến thuật gây sốc của một nhóm sinh viên tại Cao đẳng Goldsmiths, được gọi là Nghệ sĩ trẻ người Anh, ở London vào cuối những năm XNUMX và XNUMX. Nổi tiếng với ba chương trình, YBA bị chỉ trích vì gu thẩm mỹ kém, tuy nhiên một số trong số họ đã trở thành người chiến thắng Giải thưởng Turner, trong khi những người khác đạt được danh tiếng và tài sản đáng kể.
Đáp ứng nhu cầu của người tiêu dùng
Sự gia tăng của hành vi tiêu dùng và văn hóa thưởng thức tức thời trong những thập kỷ cuối của thế kỷ XNUMX cũng có ảnh hưởng mạnh mẽ đến nghệ thuật thị giác. Người tiêu dùng bây giờ muốn đổi mới. Họ cũng muốn giải trí và vui vẻ. Nhiều nghệ sĩ hậu hiện đại, giám tuyển và các chuyên gia khác đã nắm bắt cơ hội để biến nghệ thuật thành một sản phẩm thú vị.
Sự ra đời của các hình thức nghệ thuật mới như biểu diễn, sự kiện và tác phẩm sắp đặt cũng như các chủ đề mới, bao gồm cá mập chết, tác phẩm điêu khắc trên băng khổng lồ, nhiều cơ thể khỏa thân, các tòa nhà dường như đang chuyển động, bộ sưu tập XNUMX nghìn Những hình vẽ bằng đất nung, những cơ thể được sơn, những hình chiếu rùng rợn trên các tòa nhà công cộng (và nhiều thứ khác) - chúng đã mang đến cho người xem một loạt trải nghiệm mới, đôi khi gây sốc.
Liệu những loại hình nghệ thuật mới này có thực sự là "nghệ thuật" hay không vẫn là một câu hỏi gây ra nhiều bàn luận. Những người theo chủ nghĩa quan niệm hậu hiện đại cho rằng nó là như vậy, trong khi những người theo chủ nghĩa truyền thống từ chối coi nó như vậy.
nguyên tắc của nghệ thuật hậu hiện đại
Đối với các chuyên gia, nghệ thuật hậu hiện đại bao gồm ba nguyên tắc cơ bản sẽ chi phối nó một cách tổng quát mà không giới hạn hoàn toàn:
ý nghĩa tức thì
Không còn những bức tranh sơn dầu nhạt nhòa miêu tả những sự kiện dựng tóc gáy trong thần thoại Hy Lạp để khơi gợi nụ cười hiểu biết từ người quan sát có văn hóa. Ngay từ những ngày đầu trong phong trào Nghệ thuật đại chúng, hội họa và điêu khắc hậu hiện đại đã trở nên táo bạo, rực rỡ và có thể nhận ra ngay lập tức.
Chủ đề và hình ảnh chủ yếu được lấy từ các sản phẩm tiêu dùng nổi tiếng, tạp chí, quảng cáo, truyền hình, phim ảnh, phim hoạt hình và truyện tranh. Lần đầu tiên mọi người mới hiểu về nghệ thuật trưng bày. Mặc dù chủ nghĩa hậu hiện đại đã phát triển từ nghệ thuật đại chúng, một mục tiêu chính về ý nghĩa vẫn rõ ràng ngay lập tức.
Nghệ thuật có thể được tạo ra từ bất cứ thứ gì
Dựa trên truyền thống của Marcel Duchamp, người có bồn tiểu với tiêu đề Đài phun nước (1917) là ví dụ nổi tiếng đầu tiên về một vật thể bình thường được biến thành một tác phẩm nghệ thuật (một ví dụ khác: Câu chuyện của những người may sẵn), các nghệ sĩ nghệ thuật Hậu hiện đại đã thực hiện nó công việc kinh doanh của họ để tạo ra tác phẩm nghệ thuật từ những vật liệu và mảnh vỡ lạ thường nhất. Ý tưởng đằng sau nó là dân chủ hóa nghệ thuật và làm cho nó dễ tiếp cận hơn.
Ý tưởng quan trọng hơn bản thân tác phẩm nghệ thuật
Cho đến những năm 1960, các nghệ sĩ thường tin rằng nếu không có sản phẩm hoàn chỉnh thì sẽ không có gì cả. Người ta chú ý nhiều đến chất lượng của tác phẩm nghệ thuật đã hoàn thành và sự khéo léo cần thiết cho nó. Ngày nay mọi thứ đã khác.
Những người theo chủ nghĩa hậu hiện đại có xu hướng tin vào khái niệm đằng sau sản phẩm cuối cùng hơn là vào bản thân sản phẩm, đó là lý do tại sao phần lớn "nghệ thuật hậu hiện đại" được gọi là "nghệ thuật khái niệm" hoặc "chủ nghĩa ý niệm". Các hình thức khái niệm khác bao gồm sắp đặt, nghệ thuật biểu diễn, diễn biến, nghệ thuật chiếu và một số hình thức khác.
Nghệ sĩ hậu hiện đại đáng chú ý
Vì chúng ta là những người cùng thời với nghệ thuật hậu hiện đại, nên rất khó để phân biệt những cái tên mang tính biểu tượng của thời đó. Chỉ sau một thời gian trôi qua, người ta mới có thể nói nghệ sĩ nào đã để lại dấu ấn rõ nét trong lịch sử hội họa, và danh tiếng của ai chỉ là dấu ấn của thời trang. Nhưng, vì chủ nghĩa hậu hiện đại đã phát triển hơn nửa thế kỷ, nên chúng ta có thể kể ra một số cái tên đã được ghi vào lịch sử. Chúng bao gồm, ví dụ:
- Dadaist, nhà siêu thực và người sáng lập chủ nghĩa khái niệm Marcel Duchamp
- Trưởng nhóm nghệ thuật pop Andy Warhol
- Người tiên phong lắp ráp César Baldaccini
- Nhà khái niệm nổi tiếng Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (sinh ngày 28 tháng 1887 năm 2 - mất ngày 1968 tháng XNUMX năm XNUMX) là một bậc thầy nghệ thuật tiên phong, được biết đến với những tác phẩm nghệ thuật lộng lẫy. Tác phẩm của Marcel Duchamp bất chấp truyền thống lâu đời và nhiều lần được thảo luận trong biên niên sử tai tiếng ở cả hai bên bờ đại dương.
Khi bắt đầu sự nghiệp của mình, anh ấy vẽ những bức tranh theo phong cách Hậu Ấn tượng, bày tỏ sự kính trọng với Chủ nghĩa Lập thể và Chủ nghĩa Fauvism, nhưng sau đó anh ấy từ bỏ hội họa và bắt đầu quan tâm đến việc tạo ra các tác phẩm sắp đặt, nơi anh ấy pha trộn các kỹ thuật và sử dụng các chất liệu có nhiều kết cấu khác nhau. Những ý tưởng mang tính cách mạng của nghệ sĩ đã có tác động lớn đến sự phát triển của nghệ thuật khái niệm trong thế kỷ XNUMX.
Andy Warhol
Andy Warhol (sinh ngày 6 tháng 1928 năm 22 - mất ngày 1987 tháng XNUMX năm XNUMX) là một nghệ sĩ và chủ phòng tranh người Mỹ thế kỷ XNUMX được săn đón. Ông đã đóng góp rất nhiều cho sự phát triển của nghệ thuật đại chúng thương mại. Andy Warhol được coi là người dẫn đầu một xu hướng như uomo Universalale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (sinh ngày 22 tháng 1925 năm 12 - mất ngày 2008 tháng XNUMX năm XNUMX), người khổng lồ của nghệ thuật Hoa Kỳ thế kỷ XNUMX theo báo The New York Times, là một nghệ sĩ và nhà sáng tạo xuất sắc, đại diện của chủ nghĩa ấn tượng trừu tượng, chủ nghĩa khái niệm, sẵn sàng thực hiện và người sáng lập của nghệ thuật đại chúng.
Những bức tranh của Robert Rauschenberg là những bức tranh ghép và sắp đặt, những tháp, đồ gia dụng và những đồ vật khác rất khó phân loại. Tác phẩm của ông chủ, giống như tiểu sử của ông, gây sốc, ngạc nhiên, ghê tởm và quyến rũ, nhưng không khiến ai thờ ơ. Dược sĩ lưỡng tính bốc hỏa, thất vọng, đối thủ của tất cả những gì cổ điển và bình thường, anh ta không ngừng thách thức bản thân và thế giới xung quanh.
Bài thuốc Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (sinh ngày 16 tháng 1908 năm 8 - mất ngày 1963 tháng XNUMX năm XNUMX) là một nghệ sĩ người Tây Ban Nha và Mexico thế kỷ XNUMX, một đại diện ban đầu của chủ nghĩa siêu thực. Tác phẩm của Remedios Varo vượt ra khỏi khuôn khổ của hội họa cổ điển: những giấc mơ, suy tư triết học, ma thuật, cơ học, lịch sử và những điều huyền bí đan xen trong các tác phẩm của nhà siêu thực.
Đồng thời, các bức tranh của Remedios Varo rất trữ tình và nữ tính, tràn ngập bầu không khí thời trung cổ và đưa người xem đến với nguồn gốc của vũ trụ. Các bức tranh của Remedios Varo có các nhân vật trong truyện cổ tích xa hoa, các công trình máy móc và thiên nhiên. Không giống như chủ nghĩa siêu thực cổ điển, trong mỗi tác phẩm của nghệ sĩ, một cốt truyện được vạch ra rõ ràng dẫn người xem đến những kết luận nhất định.
Francis Bacon
Francis Bacon (sinh ngày 28 tháng 1909 năm 28 - mất ngày 1992 tháng XNUMX năm XNUMX) là một bậc thầy của chủ nghĩa biểu hiện người Anh, một trong những nghệ sĩ mơ hồ và tàn bạo nhất thế kỷ XNUMX. Tác phẩm của Francis Bacon được công nhận là ấn tượng: những sáng tạo đáng sợ nhất trong tưởng tượng của con người trở nên sống động trong các bức tranh của ông.
Francis Bacon không được học hành. Đồng thời, nó là cực kỳ có nhu cầu và phổ biến. Những bức tranh của bậc thầy là niềm mơ ước cuối cùng của cả các phòng trưng bày tư nhân và các viện bảo tàng nổi tiếng nhất thế giới, những tác phẩm này không hề ác cảm với việc đưa tác phẩm của ông vào bộ sưu tập. Một số kiệt tác của nghệ sĩ trị giá hàng chục triệu đô la và được đưa vào danh sách những tác phẩm nghệ thuật đắt giá nhất.