Sự đổi mới là sự thể hiện tối đa những gì của thời kỳ hiện đại. Bản thân phong trào này đã mang trong mình một trong những đóng góp lớn nhất cho nghệ thuật của thế kỷ XNUMX. Và đó là lý do tại sao chúng tôi quyết định cho bạn biết những nét chính của phong trào nghệ thuật này, đặc biệt là về bức tranh theo chủ nghĩa hiện đại và hơn thế nữa
Chủ nghĩa hiện đại và hội họa chủ nghĩa hiện đại
Nghệ thuật hiện đại là một thuật ngữ được sử dụng để mô tả một giai đoạn lịch sử nghệ thuật kéo dài từ những năm 1860 đến những năm 1970. Thuật ngữ này biểu thị phong cách và triết lý của nghệ thuật được sản xuất trong thời gian đó. Nguồn gốc của nó nằm ở tác phẩm của các nghệ sĩ cuối thế kỷ XNUMX như Van Gogh, Cezanne và Gauguin, những người mà quá trình đào tạo và sự nghiệp ban đầu của họ dựa trên phong cách hội họa truyền thống.
Tuy nhiên, vào cuối thế kỷ XNUMX, nhiều nghệ sĩ bắt đầu rời xa tường thuật hiện thực trong chủ đề và phong cách, chuyển sang phong cách hội họa trừu tượng hơn đề cập đến những ý tưởng thẩm mỹ mới của họ, sau này được gọi là hội họa chủ nghĩa hiện đại. Vì vậy thuật ngữ "chủ nghĩa hiện đại hay hiện đại" được liên kết với nghệ thuật, làm xa cách biểu hiện nghệ thuật này khỏi hội họa truyền thống.
Các nghệ sĩ hiện đại đã chơi với những cách chưa được khám phá để nhìn đối tượng của họ và những cách mới để sử dụng chất liệu hội họa truyền thống. Những điều này đã thách thức ý tưởng rằng nghệ thuật nên đại diện cho thế giới một cách thực tế, thử nghiệm cách sử dụng màu sắc, kỹ thuật mới và vật liệu phi truyền thống hiện được coi là dấu ấn của hội họa và nghệ thuật hiện đại.
Đầu thế kỷ XNUMX thậm chí còn mang lại nhiều thử nghiệm hơn. Các nghệ sĩ Fauve (Fauvism), họ bắt đầu vẽ những phong cảnh “hoang dã” đầy biểu cảm và các nghệ sĩ theo trường phái lập thể bắt đầu cấu trúc các chủ thể thành dạng rắn, khiến chúng gần như trừu tượng.
Những phong trào nghệ thuật này và những phong trào tiếp nối chúng cho đến thế kỷ XNUMX, dựa trên những cách suy nghĩ, cách nhìn và khám phá nghệ thuật mới, tạo nên định nghĩa về nghệ thuật hiện đại là gì. Trong đó nghệ thuật hiện đại là thuật ngữ dùng để mô tả một phong trào nghệ thuật và một giai đoạn lịch sử nghệ thuật, thì chủ nghĩa hiện đại là tên gọi của trào lưu triết học xuất hiện cùng thời điểm.
Cách mạng Công nghiệp, tốc độ phát triển nhanh chóng của các khu vực đô thị và các hình thức giao thông vận tải mới đã góp phần vào sự phát triển của triết lý chủ nghĩa hiện đại bác bỏ các hình thức tư tưởng, nghệ thuật, tôn giáo và hành vi xã hội truyền thống. Chủ nghĩa hiện đại và nghệ thuật hiện đại có quan hệ với nhau và cùng tồn tại: các lý thuyết của chủ nghĩa hiện đại nuôi sống tư duy của các nghệ sĩ, và nghệ thuật hiện đại thúc đẩy triết học trong thực tiễn thực tế.
Đặc điểm của nghệ thuật hiện đại
Mặc dù không có một đặc điểm nào xác định "nghệ thuật hiện đại", nó nổi bật với một số đặc điểm quan trọng, chẳng hạn như sau:
Các loại hình nghệ thuật mới
Các nghệ sĩ hiện đại là những người đầu tiên phát triển nghệ thuật cắt dán, nhiều hình thức lắp ghép khác nhau, nhiều loại nghệ thuật động học (bao gồm cả điện thoại di động), nhiều thể loại nhiếp ảnh, hoạt hình (vẽ cộng với nhiếp ảnh), nghệ thuật đất liền hoặc bờ kè, và nghệ thuật trình diễn.
Sử dụng vật liệu mới
Các họa sĩ hiện đại đã trồng các đồ vật như mẩu báo và các vật dụng khác trên các bức tranh của họ. Các nhà điêu khắc đã sử dụng các đồ vật được tìm thấy, chẳng hạn như "dao sẵn sàng" của Marcel Duchamp, từ đó họ tạo ra các tác phẩm nghệ thuật tạp nham. Các tổ hợp được sản xuất với những vật dụng phổ biến nhất hàng ngày, chẳng hạn như: ô tô, đồng hồ, va li, hộp gỗ và các vật dụng khác.
sử dụng màu sắc biểu cảm
Các trào lưu nghệ thuật hiện đại như Fauvism, hội họa trường màu và chủ nghĩa biểu hiện là những người đầu tiên kích thích màu sắc một cách khá quan trọng.
Kỹ thuật mới
Chromolithography được tạo ra bởi nghệ sĩ áp phích Jules Cheret, vẽ tự động được xác định bởi các nghệ sĩ siêu thực, giống như Frottage và Decalcomania. Các họa sĩ cử chỉ quan niệm về bức tranh hành động. Trong khi đó, các nghệ sĩ nhạc pop đã giới thiệu "Benday dot" và in lụa thành mỹ thuật. Các phong trào và trường phái nghệ thuật hiện đại khác cũng giới thiệu các kỹ thuật mới trong việc thực hiện và xây dựng bức tranh.
Các phong trào nghệ thuật hiện đại
Sự khởi đầu của hội họa theo chủ nghĩa hiện đại không thể bị hạn chế, nhưng có sự đồng ý chung rằng nó bắt đầu từ nước Pháp thế kỷ XNUMX. Các bức tranh của Gustave Courbet, Edouard Manet và những người theo trường phái Ấn tượng thể hiện sự từ chối sâu sắc di sản học thuật đang thịnh hành và tìm kiếm một cách thể hiện tự nhiên hơn về vũ trụ thị giác.
Những người kế nhiệm có thể được coi là hiện đại hơn trong việc từ chối các thực hành và chủ đề truyền thống và trong việc thể hiện tầm nhìn cá nhân trừu tượng hơn. Bắt đầu từ những năm 1890, một loạt các phong trào và phong cách đa dạng đã xuất hiện, là cốt lõi của nghệ thuật đương đại và đại diện cho một trong những điểm cao của văn hóa thị giác phương Tây. Các phong trào hiện đại này bao gồm:
- chủ nghĩa tân ấn tượng
- Tượng trưng
- Fauvism
- Chủ nghĩa lập thể
- Chủ nghĩa vị lai
- Chủ nghĩa biểu hiện
- Chủ nghĩa tối cao
- Cấu tạo
- bức tranh siêu hình
- Từ Stijl
- Dada
- Chủ nghĩa siêu thực
- Chủ nghĩa hiện thực xã hội
- Expresionismo trừu tượng
- Nghệ thuật đại chúng
- nghệ thuật op
- Chủ nghĩa tối giản
- chủ nghĩa tân biểu hiện
Bất kể sự đa dạng to lớn được nhìn thấy trong các phong trào này, nhiều người trong số họ có đặc điểm hiện đại trong việc khảo sát những tiềm năng vốn có trong chính phương tiện hình ảnh để thể hiện phản ứng tôn giáo đối với các điều kiện đa dạng của cuộc sống trong thế kỷ XNUMX và hơn thế nữa.
Những điều kiện này bao gồm sự thay đổi công nghệ ngày càng nhanh, sự phát triển của kiến thức và hiểu biết khoa học, sự không liên quan rõ ràng của một số nguồn tín ngưỡng và giá trị tiêu chuẩn, và sự mở rộng nhận thức về các nền văn hóa không phải phương Tây.
Niên đại và sự tiến hóa
Sự phát triển của nghệ thuật hiện đại trong tất cả các hình ảnh đại diện của nó (hội họa chủ nghĩa hiện đại và hơn thế nữa), đã được trình bày và phát triển trên thế giới thông qua các hình thức và nguyên nhân khác nhau, sẽ được trình bày chi tiết theo thứ tự thời gian dưới đây:
1870-1900
Mặc dù phần ba cuối của thế kỷ XNUMX phần nào bị chi phối bởi phong cách hội họa Trường phái ấn tượng mới, nhưng trên thực tế, có một số nhánh tiên phong của nghệ thuật hiện đại và hội họa hiện đại, mỗi loại có cách tiếp cận cụ thể của riêng mình. Những điều đó được bao gồm:
- Chủ nghĩa ấn tượng (độ chính xác trong việc tiếp nhận các tác động của ánh sáng mặt trời).
- Chủ nghĩa hiện thực (nội dung - chủ đề).
- Nghệ thuật hàn lâm (hình ảnh thực của phong cách cổ điển).
- Chủ nghĩa lãng mạn (trạng thái của tâm trí).
- Chủ nghĩa tượng trưng (hình tượng bí ẩn).
- Áp phích nghệ thuật in thạch bản (họa tiết và màu sắc đậm).
Thập kỷ cuối cùng của thời kỳ này chứng kiến một loạt cuộc nổi dậy chống lại các học viện và tiệm của họ dưới hình thức phong trào Ly khai, trong khi cuối những năm 1890 chứng kiến sự suy tàn của nghệ thuật dựa trên tự nhiên, như chủ nghĩa ấn tượng, điều này sẽ sớm dẫn đến sự trỗi dậy của nhiều hơn nghệ thuật dựa trên thông điệp nghiêm túc.
1900-14
Hầu như trong tất cả mọi thứ, đây là thời điểm ấn tượng nhất của nghệ thuật hiện đại, khi mọi thứ vẫn còn tiềm năng tồn tại và khi "tiện ích" vẫn chỉ được hình dung như một đồng minh của con người. Các nghệ sĩ Paris đã tạo ra một số phong cách mới, bao gồm: Chủ nghĩa Fauvism, Chủ nghĩa Lập thể và Chủ nghĩa Orphism. Trong khi các nghệ sĩ Đức khởi xướng trường phái hội họa theo trường phái biểu hiện hiện đại của riêng họ.
Tất cả các phong trào tiến bộ này đều bác bỏ thái độ của chủ nghĩa truyền thống đối với nghệ thuật và tìm cách bảo vệ chương trình nghị sự cụ thể của họ về chủ nghĩa hiện đại. Do đó, chủ nghĩa lập thể muốn ưu tiên các thuộc tính hình thức của hội họa, trong khi chủ nghĩa vị lai thích nhấn mạnh các khả năng của máy móc, và chủ nghĩa biểu hiện bảo vệ nhận thức cá nhân.
1914-24
Sự tàn sát và tàn phá của cuộc Đại chiến đã thay đổi mọi thứ hoàn toàn. Năm 1916, phong trào Dada được phát động, tràn ngập sự thôi thúc hư vô nhằm lật đổ hệ thống giá trị đã mang lại cho Verdun và Somme. Đột nhiên, nghệ thuật biểu diễn có vẻ tục tĩu. Không hình ảnh nào có thể cạnh tranh được với những bức ảnh chết chóc trong chiến tranh. Các nghệ sĩ đã ngày càng chuyển sang nghệ thuật phi khách quan như một phương tiện biểu đạt. Các phong trào nghệ thuật trừu tượng của thời đó bao gồm:
- Chủ nghĩa lập thể (1908-40)
- Thuyết Vorticism (1914-15)
- Chủ nghĩa tối cao (1913-18)
- Thuyết kiến tạo (1914-32)
- Stijl (1917-31)
- Thuyết tân sinh (1918-26)
- Chủ nghĩa nguyên tố (1924-31)
- Bauhaus (1919-33)
- Trường St Ives sau này
Ngay cả một vài chuyển động tượng hình cũng rõ ràng là tiên phong, như được thể hiện trong bức tranh siêu hình (1914-20).
1924-40
Những năm hòa bình giữa các cuộc chiến tranh vẫn được đánh dấu bằng những khó khăn về chính trị và kinh tế. Hội họa và điêu khắc hiện đại trừu tượng vẫn nổi bật, vì nghệ thuật khác biệt với thực tế phần lớn vẫn không hợp thời.
Ngay cả cánh chủ nghĩa hiện thực của phong trào siêu thực, phong trào lớn nhất trong thời kỳ này, cũng không thể xử lý nhiều hơn một phong cách hiện thực giả tưởng. Trong khi đó, một thực tế nham hiểm hơn đang xuất hiện trên lục địa này, dưới hình thức nghệ thuật của Đức Quốc xã và agit-prop của Liên Xô. Chỉ có Art Deco, một phong cách thiết kế khá thanh lịch hướng đến kiến trúc và nghệ thuật ứng dụng, thể hiện sự tin tưởng vào tương lai.
1940-60
Thế giới nghệ thuật đã bị biến đổi bởi thảm họa của Thế chiến thứ hai. Đầu tiên, trọng tâm của nó chuyển từ Paris đến New York, nơi nó vẫn duy trì kể từ đó. Hầu hết tất cả các mức giá kỷ lục thế giới trong tương lai sẽ đạt được trong các phòng bán hàng của Christie's và Sotheby's ở New York. Trong khi đó, hiện tượng không thể kể xiết của Auschwitz đã làm xói mòn giá trị của tất cả nghệ thuật hiện thực ngoại trừ nghệ thuật Holocaust của những người bị ảnh hưởng.
Như một hệ quả của tất cả những điều này, phong trào quốc tế vĩ đại tiếp theo, chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, được tạo ra bởi các nghệ sĩ Hoa Kỳ của Trường New York. Thật vậy, trong 20 năm tới, tính trừu tượng sẽ thống trị, khi các phong trào mới xuất hiện. Những điều đó được bao gồm:
- Nghệ thuật không chính thức.
- Bức tranh hành động.
- Chủ nghĩa cử chỉ.
- Hút thuốc
- Bức tranh trường màu.
- trừu tượng trữ tình.
- Sơn cạnh cứng
- COBRA, một nhóm nổi bật bởi hình tượng thiếu nhi và những đường nét biểu cảm của nó.
Trong những năm 1950, các loại phong cách táo bạo hơn đã nảy mầm, chẳng hạn như: nghệ thuật động học, Chủ nghĩa hiện thực Nouveau và Neo-Dada, tất cả đều thể hiện sự bất an tiến bộ đối với ngành nghệ thuật hạn hẹp.
1960
Sự bùng nổ của âm nhạc và truyền hình đại chúng được phản ánh trong phong trào Pop-Art, với những hình ảnh đại diện cho những người nổi tiếng Hollywood và biểu tượng văn hóa đại chúng đã tôn vinh sự thành công của chủ nghĩa tiêu dùng đại chúng ở Hoa Kỳ. Nó cũng có một cảm giác mới mẻ, hiện đại, giúp xua tan một số u ám đầu những năm 60 liên quan đến cuộc khủng hoảng Cuba năm 1962. Ở châu Âu đã thúc đẩy sự thành công của phong trào Fluxus do:
- George maciunas
- joseph beuys
- Nam Tháng Sáu
- Sói vostell
Nghệ thuật đại chúng giản dị cũng là một đối trọng đáng hoan nghênh đối với chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng uyên bác hơn, vốn đã bắt đầu phai nhạt. Nhưng những năm 1960 cũng chứng kiến sự trỗi dậy của một phong trào nổi tiếng khác được gọi là Chủ nghĩa tối giản, một hình thức hội họa và điêu khắc theo chủ nghĩa hiện đại loại bỏ tất cả các tham chiếu hoặc cử chỉ bên ngoài, không giống như ngôn ngữ mang tính cảm xúc của chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng.
Chủ nghĩa hiện đại trong nghệ thuật đồ họa
Vào cuối thế kỷ XNUMX, các nghệ sĩ đã cảm thấy mệt mỏi với các loại hình nghệ thuật truyền thống và bảo thủ. Tại Vienna, một nhóm nghệ sĩ do Gustav Klimt dẫn đầu tự gọi mình là Người ly khai Vienna và tách mình ra khỏi các tổ chức nghệ thuật của thủ đô nước Áo vào thời điểm đó.
Nhóm đã khám phá các vùng lãnh thổ chưa được khám phá về hình thức, thành phần và biểu hiện, làm dấy lên các thí nghiệm tương tự ở các quốc gia lân cận khác như Pháp và Đức. Các nét vẽ phong phú của chủ nghĩa hiện đại và chủ nghĩa hiện thực được chuyển thành màu phẳng và kiểu chữ kiểu cách, những cách diễn đạt sẽ mở đường cho nghệ thuật đồ họa.
Vào thời điểm Chiến tranh thế giới thứ nhất bắt đầu, thiết kế đồ họa đã được sử dụng cho các mục đích thương mại, công ty và thẩm mỹ. Vai trò mới của anh sẽ là chính trị, được sử dụng trong các áp phích và tuyên truyền trong chiến tranh.
Những tiến bộ trong in màu hàng loạt cho phép sản xuất hiệu quả các thông điệp để gây quỹ, khuyến khích nhập ngũ và nâng cao tinh thần. Sự hỗn loạn và những thách thức phải đối mặt trong cả hai cuộc chiến tranh thế giới cuối cùng đã truyền cảm hứng cho làn sóng đầu tiên của chủ nghĩa hiện đại thực sự trong thiết kế đồ họa.
Ở Châu Âu và Châu Mỹ, các nhà thiết kế đồ họa đã lấy cảm hứng từ các trào lưu nghệ thuật rộng lớn hơn như Chủ nghĩa lập thể, Chủ nghĩa vị lai, De Stijl và Chủ nghĩa siêu thực. Ở Đức, phong trào Bauhaus cũng có tác động đáng kể đến thiết kế đồ họa. Với những đường nét đậm, màu cơ bản và khoảng trắng đáng lo ngại, nó nổi bật ở định dạng 2-D như trong kiến trúc hoặc điêu khắc.
Cuối cùng, thiết kế theo chủ nghĩa hiện đại được xác định bằng cách diễn đạt trừu tượng, kiểu in đậm, màu sắc và hình dạng cơ bản. Những nhà thiết kế này đã tiếp cận công việc một cách khách quan, nhấn mạnh tính hợp lý hơn là tính biểu đạt (và nhấn mạnh niềm tin chủ nghĩa hiện đại cổ điển rằng hình thức tuân theo chức năng).
Khi Đức Quốc xã lên nắm quyền vào những năm 1930, các thử nghiệm của chủ nghĩa hiện đại trong tất cả các hoạt động đã bị tố cáo, và nhiều nghệ sĩ, kiến trúc sư và nhà thiết kế đã nhập cư vào Hoa Kỳ. Mặc dù thiết kế theo chủ nghĩa hiện đại đã bị gián đoạn trong quá trình phát triển của nó, nhưng nó vẫn là một trong những phong trào có ảnh hưởng nhất trong lịch sử thiết kế đồ họa.
Đồ trang sức theo trường phái Tân nghệ thuật, đồ thủy tinh, đồ gốm, đồ nội thất và đồ sắt rèn
Các thợ kim hoàn theo chủ nghĩa hiện đại của Hoa Kỳ đã thực hành nghề kim hoàn của họ từ những năm 1930 đến những năm 1960 đã khá dứt khoát trong việc từ chối các phong cách đã có trước đó. Đồ trang sức thời Victoria bị coi là quá trang trí, các tác phẩm theo trường phái Tân nghệ thuật được coi là quá khắt khe và tính thẩm mỹ của Trang trí nghệ thuật được coi là quá cứng nhắc. Những người thợ kim hoàn này cảm thấy rằng họ có nhiều điểm chung hơn với các họa sĩ, nhà điêu khắc hiện đại và các nghệ sĩ khác thời nay.
Mục tiêu đầy tham vọng của anh là tạo ra những tác phẩm nghệ thuật độc đáo mà mọi người có thể sử dụng. Một trong những nhà vô địch ban đầu và những người thực hành hình thức này là Sam Kramer, người, giống như nhiều người cùng thời, sống, làm việc và bán các tác phẩm của mình ở Greenwich Village, Thành phố New York. Kramer chủ yếu làm việc bằng bạc, nhưng cũng rất thành thạo trong việc chế tạo nhẫn, bông tai và ghim đồng và tìm thấy các đồ tạo tác bao gồm răng nai sừng tấm, cúc áo, hóa thạch và đồng xu cổ.
Đôi khi, Kramer sử dụng đá bán quý như ngọc hồng lựu hoặc opal trong các mảnh siêu thực, hình học hoặc sinh học của mình. Một nhà lãnh đạo không chính thức khác của phong trào trang sức hiện đại là Art Smith, hàng xóm của Kramer. Đồ trang sức của cô rất đa dạng, từ những chiếc nhẫn đeo cổ bằng bạc đơn giản cho đến những mảnh ghép hình sinh học dựa trên các họa tiết của châu Phi.
Trong khi Smith làm những mảnh nhỏ như khuy măng sét và hoa tai, nhiều tác phẩm tốt nhất của ông đủ lớn để bao bọc cơ thể, như thể hình dạng con người chỉ đơn thuần là nền cho những sáng tạo của ông.
Những chiếc vòng đeo tay bằng đồng cổ điển của anh ấy, đặc biệt là còng tay "jazz" với các nốt nhạc được áp dụng trên bề mặt bên ngoài của chúng, có giá trị sưu tầm cao. Boomerang, các đường thẳng cắt các đường cong và các hình dạng tuổi nguyên tử tiêu biểu cho công việc của Ed Wiener.
Đôi khi một đôi hoa tai bạc trông giống như những chiếc đồng hồ cong vênh được trang trí bằng một viên ngọc trai duy nhất. Lần khác, mã não mắt mèo được đặt ở trung tâm của một mảnh, như thể để cho những vật vô tri của nó có hình dạng giống như một khuôn mặt người.
Một dân làng Greenwich khác có đồ trang sức theo chủ nghĩa hiện đại cổ điển được đánh giá cao là Paul Lobel, người đã thiết kế những chiếc lắc chân và vòng tay bằng bạc đáng yêu, cũng như thủy tinh, đồ nội thất và đồ bạc. Bên ngoài New York có Betty Cooke, làm việc trong chế độ Bauhaus ở Baltimore.
Đồ trang sức của cô được tạo thành từ các hình dạng hình học và có đặc điểm là có cảm giác trật tự mạnh mẽ, mà cô cố tình phá vỡ bằng cách sắp đặt sắc nhọn của ngọc trai, các khối gỗ nhỏ hoặc thậm chí là những viên đá chưa hoàn thiện như thạch anh.
Một nghệ sĩ khác của Bauhaus là Margaret De Patta, người có tác phẩm phản ánh ảnh hưởng sâu sắc của bậc thầy Bauhaus, László Moholy-Nagy, người mà cô đã theo học. Trong khi đó, tại San Francisco, Peter Macchiarini đã tìm đến những chiếc mặt nạ châu Phi và chủ nghĩa Lập thể để tìm cảm hứng. Đồng thau, đồng và bạc là những vật liệu phổ biến, cùng với opal, mã não và gỗ.
Ở Scandinavia trong những năm 1940 và 1950, một phong trào song song đang diễn ra. Henning Koppel và Nanna Ditzel là hai nhà thiết kế đáng chú ý cho Georg Jensen, những người có dây chuyền hình giọt nước bạc và amip kết hợp sự hoàn hảo của nghề đúc vàng Đan Mạch với sự quan tâm đến các hình thức tự nhiên, thậm chí nguyên thủy.
Sau đó, vào những năm XNUMX ở Phần Lan, Bjorn Weckstrom đã kết hợp bạc rắn và các mảnh acrylic đánh bóng để tạo ra nhẫn, vòng tay và mặt dây chuyền có tuổi đời không gian và hữu cơ. Các lĩnh vực khác được khám phá bởi các nghệ sĩ theo chủ nghĩa hiện đại là sản xuất đồ gốm, đồ nội thất, đồ thủy tinh và luyện kim. Trong số những nghệ sĩ nổi bật nhất có thể kể đến:
- Louis Comfort Tiffany (nhà thiết kế)
- Émile Gallé (thợ tráng men và thợ làm kính)
- Antonin Daum (thợ lắp kính)
- Lluís Masriera (thợ kim hoàn)
- Carlo Bugatti (nhà thiết kế nội thất)
- Louis Majorelle (nhà thiết kế đồ nội thất)
- Gustave Serrurier-Bovy (nhà thiết kế đồ nội thất)
- Jacques Grüber (trang trí và họa sĩ)
- Jules Brunfaut (kiến trúc sư và nhà trang trí)
- Auguste Delaherche (người theo chủ nghĩa ceramist)
- Georges de Feure (họa sĩ và trang trí)
bức tranh theo chủ nghĩa hiện đại
Thời kỳ hiện đại của lịch sử nghệ thuật là nơi đánh dấu sự phá vỡ những giới hạn truyền thống, cả về hình thức (diện mạo của nghệ thuật) và nội dung (chủ đề). Điều này đã xảy ra trong tất cả các ngành nghệ thuật, với hội họa đi đầu. Thật vậy, các họa sĩ đã dẫn đầu sự đổi mới thẩm mỹ ở châu Âu kể từ cuối thời cổ đại.
Sự đổi mới nổi bật nhất về hình thức là sự trỗi dậy của các phong cách hội họa ngày càng bị bóp méo, đỉnh điểm là sự ra đời của nghệ thuật trừu tượng. Về nội dung, hội họa hiện đại có xu hướng trình bày những khung cảnh đời thường, đời thường, đối lập với những đề tài “cao” truyền thống (kinh thánh, thần thoại, lịch sử).
Sự ra đời của hội họa hiện đại thường bắt nguồn từ chủ nghĩa hiện thực, một phong trào của Pháp mô tả những cảnh đời thường một cách chân thực. Mặc dù những cảnh thực tế của cuộc sống hàng ngày có thể bắt nguồn từ bức tranh Đồng quê thời Phục hưng, phong trào hiện thực hiện đại đã có một cách tiếp cận mới bằng cách tập trung vào những thực tế khắc nghiệt bao gồm: nghèo đói, vô gia cư và điều kiện làm việc áp bức.
Phong trào này được dẫn đầu bởi Gustave Courbet, người có tác phẩm đáng chú ý nhất là "Những người phá đá" và "Entierro de Ornans". Mặc dù sự biến dạng, không phải chủ nghĩa hiện thực, sẽ trở thành xu hướng thống trị trong hội họa hiện đại, nghệ thuật hiện thực vẫn tiếp tục phát triển cho đến ngày nay. Phần lớn nghệ thuật này, giống như phong trào nguyên thủy của Pháp, có ý thức về mặt xã hội.
Giai đoạn chính tiếp theo của hội họa chủ nghĩa hiện đại là trường phái Ấn tượng, một phong cách nhanh chóng, sơ sài nhằm ghi lại ấn tượng tổng thể của một khung cảnh (trái ngược với các chi tiết chính xác). Cụ thể, trường phái Ấn tượng cố gắng nắm bắt các hiệu ứng nhất thời của ánh sáng, chủ yếu thông qua các nét cọ liền kề của các màu tương phản, sáng sủa (giúp tăng cường độ rực rỡ của cả hai màu, do đó tạo ra hiệu ứng rực rỡ).
Những người theo trường phái Ấn tượng là nhóm nghệ sĩ đầu tiên chủ yếu vẽ về địa điểm, thay vì vẽ về địa điểm và vẽ trong studio. Nguồn gốc của trường phái ấn tượng nằm trong các tác phẩm của Édouard Manet, người đã vẽ theo phong cách khá hiện thực. Tuy nhiên, Manet đã gây ra tranh cãi bằng cách chỉ tuân thủ phối cảnh một cách lỏng lẻo, hiển thị nền theo kiểu giản đồ đơn giản hóa và làm phẳng bề mặt của các đối tượng thành các vùng đồng màu (thay vì tạo mô hình các đối tượng với bóng mờ).
Những khuynh hướng này lần đầu tiên trở nên rõ ràng trong Bữa trưa trên cỏ, bức tranh đầu tiên nổi tiếng nhất của Manet. Chúng trở nên rõ nét hơn trong các tác phẩm sau này của ông, bao gồm: "A Bar at the Folies-Bergére", thường được coi là kiệt tác của ông. Sự mở rộng phong cách của Manet đã dẫn đến chủ nghĩa Ấn tượng, vì chi tiết sắc nét và mô hình thực tế đã bị loại bỏ để chuyển sang các nét vẽ nhanh và các mảng màu đồng nhất.
Người theo trường phái Ấn tượng nổi bật nhất là Claude Monet, người chủ yếu làm việc về phong cảnh và biển. Các tác phẩm ban đầu của anh bao gồm nhiều bức tranh vẽ về biển quanh quê hương Le Havre của anh, bao gồm "Ấn tượng, Mặt trời mọc". Khi tác phẩm này bị chỉ trích là một "ấn tượng đơn thuần", tên của phong cách đã được bảo mật.
Đôi khi Monet quay lại một chủ thể nhiều lần, vào những thời điểm hoặc mùa khác nhau, để chụp được đầy đủ các điều kiện ánh sáng. Cách tiếp cận này đạt đến đỉnh cao trong Sê-ri hoa súng nổi tiếng, trong đó có nhiều biện pháp xử lý ao trồng hoa súng bên ngoài ngôi nhà mà Monet đã nghỉ hưu.
Chủ nghĩa ấn tượng bao gồm nhiều cái tên được công nhận nhất trong hội họa. Cùng với Monet, tranh phong cảnh theo trường phái Ấn tượng được dẫn dắt bởi Sisley và Pissarro. Những họa sĩ nổi bật nhất của trường phái Ấn tượng là:
- Renoir
- Morisot
- Của khí đốt.
Những người theo trường phái Ấn tượng, những người hơi làm mờ và đơn giản hóa thực tế, theo sau là một nhóm nghệ sĩ đã làm biến dạng xa hơn nhiều: Những người theo trường phái Hậu ấn tượng, những người đã phát hiện ra rằng những hiệu ứng cảm xúc mới nổi bật có thể thực hiện được nếu hình dạng và màu sắc của thực tế được biến đổi ngoạn mục hơn.
Một số nhà theo trường phái Hậu ấn tượng theo đuổi sự biến dạng hình học (trong đó thế giới được nén thành các hình dạng hình học, tạo ra cảm giác cứng nhắc và kiểm soát), trong khi những người khác khám phá sự biến dạng chất lỏng (trong đó thế giới bị lệch theo một cách linh hoạt và hữu cơ). Cả hai loại biến dạng (đặc biệt là chất lỏng) thường có màu sắc không thực tế một cách rõ rệt.
Người tiên phong chính của sự biến dạng hình học là Paul Cézanne, người đã đơn giản hóa một cách trơn tru các đặc điểm vật lý của một cảnh thành các hình dạng hình học. Điều này dẫn đến phong cảnh (chủ đề ưa thích của anh ấy) có vẻ ngoài hơi cứng nhắc, có khối.
Người tiên phong quan trọng nhất về biến dạng chất lỏng là Vincent van Gogh. (Những nhân vật quan trọng khác bao gồm Gauguin, Munch và Toulouse-Lautrec.) Phong cách của Van Gogh rất uyển chuyển và đầy màu sắc, đặc biệt chú trọng vào màu vàng. Đêm đầy sao có thể là tác phẩm nổi tiếng nhất của ông.
Trong khi Georges Seurat đã phát triển một hình thức rất đặc biệt của chủ nghĩa hậu ấn tượng: chủ nghĩa điểm, trong đó các cảnh được hiển thị thành nhiều chấm của một màu duy nhất. Tác phẩm tiêu điểm nổi tiếng nhất là "Buổi chiều Chủ nhật" phản ánh hòn đảo La Grande Jatte.
tác phẩm điêu khắc hiện đại
Tác phẩm điêu khắc hiện đại được định nghĩa về mặt lịch sử là tác phẩm điêu khắc bắt đầu từ tác phẩm của Auguste Rodin và kết thúc với sự ra đời của nghệ thuật đại chúng và chủ nghĩa tối giản vào những năm 1960. Cuộc thảo luận năm 2001 của Alex Potts về lịch sử điêu khắc hiện đại là toàn diện để hiểu về phương tiện, thời kỳ, và các phương pháp được sử dụng bởi các nghệ sĩ chính.
Mặc dù hiện nay việc bắt đầu trào lưu chủ nghĩa hiện đại trong điêu khắc với tác phẩm của Rodin được coi là sáo rỗng, nhưng trong tác phẩm của ông, người ta bắt đầu thấy những xu hướng sẽ trở thành đặc trưng của điêu khắc hiện đại, chẳng hạn như mối quan tâm mới đến mảnh vỡ, đặc biệt là cơ thể.
Ngoài ra, xử lý bề mặt và chi tiết bề mặt biểu cảm, chú ý đến chuyển động, sự kết hợp tượng trưng giữa biểu hiện bên trong của một con số và biểu hiện bên ngoài của nó, hoặc cái mà Constantin Brancusi gọi là "bản chất". Và một sự cân nhắc nhiều hơn về tính trừu tượng, sự phân mảnh và tính không đại diện trong các đối tượng điêu khắc, tức là sự rời xa chủ nghĩa hiện thực và chủ nghĩa duy tâm hàn lâm một cách có ý thức.
Các nhà điêu khắc trong thời kỳ này cũng chú trọng đến thiết kế, hình thức và khối lượng hơn là việc thể hiện một chủ đề cụ thể. Việc sử dụng các vật liệu không được sử dụng theo truyền thống trong các khái niệm điêu khắc cuối cùng trở nên rõ ràng hơn, chẳng hạn như việc sử dụng: quần áo, hàng dệt và các phương tiện hỗn hợp khác. Như đã thấy trong tác phẩm "Diễn viên ballet nhỏ mười bốn tuổi" do Edgar Degas thực hiện trong khoảng những năm 1878-1881, nó hiện đang được đặt tại Phòng trưng bày Quốc gia, Washington.
Sự kết hợp giữa các yếu tố con người và máy móc được quan sát thấy trong thời kỳ Máy móc, như trong các tác phẩm của Umberto Boccioni và Jacques Lipschitz, ngoài sự biến dạng và mong manh xuất hiện trong các tác phẩm của thời kỳ giữa các cuộc chiến tranh, chẳng hạn như trong các tác phẩm của Medardo Rosso và Alberto Giacometti.
Ảnh hưởng của nghệ thuật bên ngoài phương Tây, tức là châu Âu, truyền thống đã trở nên rất ảnh hưởng đối với các nhà điêu khắc vào đầu thế kỷ này và có thể được nhìn thấy trong các tác phẩm điêu khắc của Paul Gauguin và Pablo Picasso. Các nghệ sĩ như Naum Gabo và Antoine Pevsner bắt đầu sử dụng những vật liệu chưa từng được sử dụng cho điêu khắc mỹ thuật trước đây và những vật liệu mới được phát minh như nhựa.
Những vật liệu được sử dụng trong quá khứ trở nên quan trọng hơn trong thời hiện đại, chẳng hạn như: nhôm với Isamu Noguchi, điện cho đèn trong điêu khắc và cho chuyển động cơ giới của Camille Claudel, sắt của Julio González, chì của Aristide Maillol, thép và hàn kim loại của David Smith và Julio González, gỗ của Constantin Brancusi và các đồ vật được tìm thấy bởi Louise Nevelson.
Mặc dù có những ví dụ về các tác phẩm điêu khắc chuyển động được thực hiện bởi các nhà điêu khắc trước đó như: Antonio Canova và Lorenzo Bartolini. Mà ngày nay chúng ta nghĩ là điêu khắc động học, cả gợi ý về chuyển động trong điêu khắc và các tác phẩm điêu khắc chuyển động thực tế đều trở nên nổi bật hơn trong nửa đầu thế kỷ XNUMX. Alexander Calder và László Moholy-Nagy đã sử dụng nhiều hơn công nghệ chuyển động trong các tác phẩm của họ vào nửa sau thế kỷ.
Sự căng thẳng và phản ứng giữa hình ảnh tích cực và không gian tiêu cực xung quanh một tác phẩm nghệ thuật cũng đóng một vai trò quan trọng, và điều này có thể được thấy rõ đặc biệt trong tác phẩm ban đầu và "bản vẽ không gian" của Giacometti, Picasso và David Smith, cũng như trong tác phẩm điêu khắc của Jean Arp, Henry Moore và Barbara Hepworth.
Các nghệ sĩ được đề cập ở trên, cùng với nhiều người khác, bao gồm: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens và Aristide Maillol, đã tạo ra một bước đột phá đáng kể với nghệ thuật điêu khắc của quá khứ gần đây, được giải phóng. nó từ sự phụ thuộc của họ vào giải phẫu học và sự phục vụ của họ đối với kiến trúc, và đưa phương tiện này đi xa hơn bất kỳ thế hệ nào kể từ các nhà điêu khắc đầu thời Phục hưng.
Kiến trúc hiện đại
Kiến trúc hiện đại đã phát triển sau sự từ chối của các cuộc phục hưng, chủ nghĩa cổ điển, chủ nghĩa chiết trung và tất cả sự thích nghi của các phong cách trước đó với các kiểu xây dựng của xã hội công nghiệp hóa vào cuối thế kỷ XNUMX và XNUMX. Hơn nữa, nó đã phát triển nhờ nỗ lực tạo ra các hình thức và phong cách kiến trúc có thể sử dụng và phản ánh các công nghệ xây dựng mới có sẵn về kết cấu sắt thép, bê tông cốt thép và kính.
Cho đến khi chủ nghĩa hậu hiện đại lan rộng, cấu trúc hiện đại cũng liên quan đến việc bác bỏ các đặc điểm trang trí và trang trí ứng dụng của các tòa nhà phương Tây thời kỳ tiền hiện đại. Lực đẩy của kiến trúc hiện đại là sự tập trung khắt khe vào các tòa nhà có sự sắp xếp nhịp nhàng của con người và hình thức tạo nên một mô hình hình học về ánh sáng và màu sắc.
Sự phát triển này gắn liền với các loại hình xây dựng mới theo yêu cầu của một xã hội công nghiệp hóa, chẳng hạn như các tòa nhà văn phòng là nơi quản lý của công ty hoặc quản lý của chính phủ. Một trong những xu hướng và phong trào quan trọng nhất của kiến trúc hiện đại là:
- Trường học Chicago
- chủ nghĩa chức năng
- trang trí nghệ thuật
- tân nghệ thuật
- De Stijl, Bauhaus
- Phong cách quốc tế
- Chủ nghĩa tàn bạo mới
- Chủ nghĩa hậu hiện đại
nghệ sĩ hiện đại
Lịch sử của nghệ thuật hiện đại là lịch sử của những nghệ sĩ vĩ đại nhất và những thành tựu của họ. Các nghệ sĩ hiện đại đã nỗ lực thể hiện quan điểm của họ về thế giới xung quanh bằng các phương tiện trực quan. Trong khi một số người đã kết nối công việc của họ với các phong trào hoặc ý tưởng trước đó, mục tiêu bao trùm của mọi nghệ sĩ trong thời đại hiện đại là thúc đẩy việc thực hành của họ đến một vị trí của sự độc đáo thuần túy.
Một số nghệ sĩ đã tự khẳng định mình như những nhà tư tưởng độc lập, mạo hiểm vượt ra khỏi những gì cấu thành nên các hình thức "nghệ thuật cao" được chấp nhận vào thời điểm đó, được hỗ trợ bởi các học viện nhà nước truyền thống và những người bảo trợ thượng lưu của nghệ thuật thị giác. Những nhà đổi mới này đã mô tả một chủ đề mà nhiều người coi là dâm dục, gây tranh cãi, hoặc thậm chí là xấu xí.
Nghệ sĩ hiện đại đầu tiên về cơ bản đứng một mình theo nghĩa này là Gustave Courbet, người vào giữa thế kỷ 1849 đã cố gắng phát triển phong cách đặc biệt của riêng mình. Điều này phần lớn được hoàn thành nhờ bức tranh chôn cất ở Ornans năm 1850-XNUMX của ông, đã gây chấn động thế giới nghệ thuật Pháp khi miêu tả đám tang của một người đàn ông bình thường từ một ngôi làng nông dân.
Học viện đã nổi giận khi mô tả những công nhân nông trại bẩn thỉu xung quanh một ngôi mộ lộ thiên, vì chỉ có thần thoại cổ điển hoặc cảnh lịch sử mới là chủ đề thích hợp cho một bức tranh lớn như vậy. Courbet ban đầu bị tẩy chay vì tác phẩm của mình, nhưng cuối cùng ông đã chứng tỏ được sức ảnh hưởng lớn đối với các thế hệ nghệ sĩ hiện đại tiếp theo. Khuôn mẫu chung của sự từ chối và ảnh hưởng sau đó đã được lặp lại bởi hàng trăm nghệ sĩ trong thời kỳ hiện đại.
Dưới đây là danh sách một số nghệ sĩ nổi bật nhất của hình thức biểu đạt nghệ thuật chủ nghĩa hiện đại:
- Eugene Atget
- Hippolyte blancard
- Paul Cézanne
- Salvador Dalí
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Vincent Van Gogh
- Hector Guimard
- Wassily Kandinsky
- Raoul Francois Larche
- Jacques-Henri Lartigue
- Fernand Léger
- Henri Matisse
- Joan Miro
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- franz klein
- Paul Klee
- Frantisek Kupka
- Paul sợi
- máy cắt vỏ lụa
- Henry của Toulouse
- Lautrec
- Edouard Vuillard
Nếu bạn thấy bài viết này về hội họa chủ nghĩa hiện đại thú vị, chúng tôi mời bạn thưởng thức những bài khác sau: