Njihuni me disa veçori të pikturës moderniste

Inovacioni është shprehja maksimale e asaj që ishte periudha moderne. Në vetvete, kjo lëvizje solli me vete një nga kontributet më të mëdha në artin e shekullit të XNUMX-të. Dhe kjo është arsyeja pse ne kemi vendosur t'ju bëjmë të ditur tiparet kryesore të kësaj lëvizjeje mbi artin, veçanërisht në atë pikturë moderniste dhe më shumë

Modernizmi dhe piktura moderniste

Arti modern është një term që përdoret për të përshkruar një periudhë të historisë së artit që shkon afërsisht nga vitet 1860 deri në vitet 1970. Termi tregon stilin dhe filozofinë e artit të prodhuar gjatë asaj kohe. Rrënjët e saj qëndrojnë në punën e artistëve të fundit të shekullit të XNUMX-të si Van Gogh, Cezanne dhe Gauguin, trajnimi dhe karriera e hershme e të cilëve u bazuan në një stil tradicional të pikturës.

Megjithatë, në fund të shekullit të XNUMX-të shumë artistë filluan të largoheshin nga rrëfimi realist në temë dhe stil, duke shkuar drejt një stili më abstrakt të pikturës që trajtonte idetë e tyre të reja estetike, kjo më vonë do të njihej si piktura moderniste. Pra, termi “modernist apo modern” lidhet me artin, duke e distancuar këtë shprehje artistike nga piktura tradicionale.

Artistët modernë luanin me mënyra të pashkelura për të parë subjektet e tyre dhe mënyra të reja të përdorimit të materialeve tradicionale të pikturës. Këto sfiduan idenë se arti duhet të përfaqësojë botën realisht, duke eksperimentuar me përdorimin ekspresiv të ngjyrës, teknikave të reja dhe materialeve jotradicionale që tani konsiderohen si shenjë dalluese e artit dhe pikturës moderniste.

Fillimi i shekullit të XNUMX-të solli edhe më shumë eksperimente. Artistët Fauve (Favizëm), ata filluan të pikturojnë peizazhe ekspresive "të egra" dhe artistët kubistë filluan t'i zbërthejnë subjektet në forma të forta, duke i bërë ato pothuajse abstrakte.

Këto lëvizje arti, dhe ato që i pasuan në shekullin e XNUMX-të, u bazuan në mënyra të reja të të menduarit, shikimit dhe eksplorimit të artit, duke bërë vetë përkufizimin e asaj që është arti modern. Kur arti modern është një term që përdoret për të përshkruar një lëvizje artistike dhe një periudhë të historisë së artit, modernizmi është emri i lëvizjes filozofike që u shfaq në të njëjtën kohë.

Revolucioni Industrial, rritja e shpejtë e zonave urbane dhe format e reja të transportit kontribuan në zhvillimin e filozofisë së modernizmit që hodhi poshtë format tradicionale të mendimit, artit, fesë dhe sjelljes shoqërore. Modernizmi dhe arti modern janë të ndërlidhura dhe bashkëjetojnë: teoritë e modernizmit ushqejnë të menduarit e artistëve dhe arti modern promovon filozofinë në praktikën aktuale.

Karakteristikat e modernes në art

Edhe pse nuk ka asnjë karakteristikë të vetme që përcakton "artin modern", ai u dallua për një sërë karakteristikash të rëndësishme, si më poshtë:

Llojet e reja të artit

Artistët modernë ishin të parët që zhvilluan artin e kolazhit, format e ndryshme të montimit, një shumëllojshmëri të artit kinetik (përfshirë celularët), zhanre të ndryshme fotografie, animacion (vizatim plus fotografi), artin e tokës ose argjinaturat dhe artin e performancës.

Përdorimi i materialeve të reja

Piktorët modernë mbollën objekte të tilla si copa gazetash dhe sende të tjera në kanavacat e tyre. Skulptorët përdorën objekte të gjetura, të tilla si "readymades" të Marcel Duchamp, nga të cilat ata krijuan vepra të artit të hedhurinave. Asambletë prodhoheshin me sendet më të zakonshme të përditshme, si: makina, ora, valixhe, kuti druri dhe sende të tjera.

përdorimi shprehës i ngjyrës

Rrymat e artit modern si Fauvizmi, piktura me ngjyra dhe ekspresionizmi ishin të parat që shpërthyen ngjyrën në një mënyrë mjaft domethënëse.

Teknika të reja

Kromolitografia u krijua nga artisti i posterëve Jules Cheret, vizatimi automatik u përcaktua nga artistë surrealistë, në të njëjtën mënyrë si Frottage dhe Decalcomania. Piktorët e gjesteve e konceptuan pikturën në veprim. Ndërkohë, artistët e estradës futën në artin figurativ “Benday dots” dhe printimin e ekranit. Lëvizje dhe shkolla të tjera të artit modern që futën edhe teknika të reja në ekzekutimin dhe përpunimin e pikturës.

Lëvizjet e artit modernist

Fillimet e pikturës moderniste nuk mund të kufizohen, por ekziston një marrëveshje e përgjithshme se ajo filloi në Francën e shekullit të XNUMX-të. Pikturat e Gustave Courbet, Edouard Manet dhe Impresionistët përfaqësojnë një refuzim të thelluar të trashëgimisë mbizotëruese akademike dhe një kërkim për një paraqitje më natyraliste të universit vizual.

Pasardhësit mund të shihen si më modernë në refuzimin e praktikave dhe temave tradicionale dhe në shprehjen e një vizioni personal më abstrakt.  Duke filluar në vitet 1890, u shfaqën një sërë lëvizjesh dhe stilesh të ndryshme, të cilat janë në thelb të artit bashkëkohor dhe përfaqësojnë një nga pikat më të larta të kulturës pamore perëndimore. Këto lëvizje moderne përfshijnë:

• neo-impresionizëm
• Simbolika
• Favizmi
• Kubizmi
• Futurizëm
• Ekspresionizmi
• Suprematizmi
• konstruktivizëm
• pikturë metafizike
• De Stijl
• Dada
• Surrealizmi
• realizmi social
• Ekspresionizmi abstrakt
• Art Pop
• op art
• minimalism
• neo-ekspresionizmi

Pavarësisht nga shumëllojshmëria e jashtëzakonshme që shihet në këto lëvizje, shumë prej tyre janë karakteristikisht bashkëkohore në hetimin e tyre të potencialeve të natyrshme në vetë mediumin piktorik për të shprehur një përgjigje fetare ndaj kushteve të ndryshme të jetës në shekullin e XNUMX-të dhe më gjerë.

Këto kushte përfshijnë përshpejtimin e ndryshimeve teknologjike, rritjen e njohurive dhe të kuptuarit shkencor, mungesën e dukshme të lidhjes së disa burimeve standarde të besimeve dhe vlerave, dhe zgjerimin e ndërgjegjësimit të kulturave joperëndimore.

Kronologjia dhe evolucioni

Zhvillimi i artit modern në të gjithë përfaqësimin e tij (pikturë moderne dhe jo vetëm), u prezantua dhe u zhvillua në botë përmes formave dhe shkaqeve të ndryshme, të cilat do të detajohen në mënyrë kronologjike më poshtë:

1870-1900

Megjithëse e treta e fundit e shekullit të XNUMX-të dominohej disi nga stili i ri impresionist i pikturës, në fakt kishte disa fillesa pioniere të artit modern dhe pikturës moderniste, secila me qasjen e vet të veçantë. Këto përfshinin:

• Impresionizëm (saktësia në marrjen e efekteve të dritës së diellit).
• Realizmi (përmbajtja - tema).
• Arti akademik (imazhe reale të stilit klasik).
• Romantizëm (gjendje shpirtërore).
• Simbolika (ikonografi enigmatike).
• Arti i posterit litografik (motive dhe ngjyra të theksuara).

Dekada e fundit e kësaj periudhe pa një seri revoltash kundër akademive dhe salloneve të tyre në formën e lëvizjes Secession, ndërsa fundi i viteve 1890 pa një rënie të artit të bazuar në natyrë, si impresionizmi, i cili së shpejti do të çonte në një rritje të më shumë art serioz i bazuar në mesazhe.

1900-14

Pothuajse në çdo gjë, kjo ishte koha më mbresëlënëse e artit modern, kur gjithçka ishte ende potencialisht e zbatueshme dhe kur "gadget" ende vizualizohej vetëm si një aleat i njeriut. Artistët e Parisit prodhuan një sërë stilesh të reja, duke përfshirë: Fauvizmin, Kubizmin dhe Orfizmin. Ndërsa artistët gjermanë nisën shkollën e tyre moderne ekspresioniste të pikturës.

Të gjitha këto lëvizje progresive hodhën poshtë qëndrimet tradicionaliste ndaj artit dhe u përpoqën të mbronin axhendën e tyre të veçantë të modernizmit. Kështu, kubizmi donte t'i jepte përparësi atributeve formale të pikturës, ndërsa futurizmi preferoi të theksonte mundësitë e makinës, dhe ekspresionizmi mbronte perceptimin individual.

1914-24

Masakra dhe shkatërrimi i Luftës së Madhe i ndryshuan gjërat krejtësisht. Në vitin 1916, filloi lëvizja Dada, e mbushur me një nxitje nihiliste për të përmbysur sistemin e vlerave që kishte sjellë Verdun dhe Somme. Papritur, arti përfaqësues u duk i turpshëm. Asnjë imazh nuk mund të konkurronte me fotografitë e të vdekurve të luftës. Artistët tashmë i ishin kthyer gjithnjë e më shumë artit joobjektiv si mjet shprehjeje. Lëvizjet e artit abstrakt të kohës përfshinin:

• Kubizmi (1908-40)
• Vorticizmi (1914-15)
• Suprematizmi (1913-18)
• Konstruktivizmi (1914-32)
• Stijl (1917-31)
• Neoplasticizmi (1918-26)
• Elementarizmi (1924-31)
• Bauhaus (1919-33)
• Shkolla e mëvonshme St Ives

Edhe ato pak lëvizje figurative ishin qartësisht avangarde, siç tregohet në pikturën metafizike (1914-20). 

1924-40

Vitet e paqes ndërmjet luftërave mbetën të shënuara nga vështirësi politike dhe ekonomike. Piktura dhe skulptura abstrakte moderniste mbetën të spikatura, pasi arti i dallueshëm për realitetin mbeti kryesisht jashtë modës.

Edhe krahu realist i lëvizjes surrealiste, lëvizja më e madhe e periudhës, nuk mund të përballonte më shumë se një stil realiteti fantazi. Ndërkohë, një realitet më i keq po shfaqej në kontinent, në formën e artit nazist dhe agjit-propit sovjetik. Vetëm Art Deco, një stil dizajni mjaft elegant që synon arkitekturën dhe artin e aplikuar, shprehu çdo besim në të ardhmen.

1940-60

Bota e artit u transformua nga katastrofa e Luftës së Dytë Botërore. Si fillim, qendra e saj e gravitetit u zhvendos nga Parisi në Nju Jork, ku ka mbetur që atëherë. Pothuajse të gjitha çmimet e ardhshme të rekordit botëror do të arriheshin në sallat e shitjeve të Christie's dhe Sotheby's në Nju Jork. Ndërkohë, fenomeni i papërshkrueshëm i Aushvicit kishte minuar vlerën e të gjithë artit realist, përveç artit të Holokaustit të të prekurve.

Si pasojë e gjithë kësaj, lëvizja tjetër e madhe ndërkombëtare, ekspresionizmi abstrakt, u krijua nga artistë amerikanë të Shkollës së Nju Jorkut. Në të vërtetë, për 20 vitet e ardhshme, abstraksioni do të dominojë, ndërsa shfaqen lëvizje të reja. Këto përfshinin:

• Arti joformal.
• Pikturë me veprim.
• Gjesturalizmi.
• Pirja e duhanit
• Pikturë me ngjyra në terren.
• abstraksion lirik.
• Bojë e skajit të fortë
• COBRA, një grup i dalluar për ikonografinë e fëmijëve dhe linjat e tij shprehëse.

Gjatë viteve 1950, u shfaqën lloje të tjera më të guximshme stilesh, si: arti kinetik, Realizmi Nouveau dhe Neo-Dada, të cilat të gjitha manifestuan një shqetësim progresiv me industrinë e ngushtë të arteve.

1960

Shpërthimi i muzikës dhe televizionit popullor u pasqyrua në lëvizjen Pop-Art, përfaqësimet piktoreske të të famshëmve të Hollivudit dhe ikonografia e kulturës popullore festuan suksesin e konsumizmit masiv në Shtetet e Bashkuara. Kishte gjithashtu një ndjenjë të freskët, moderne, e cila ndihmoi në largimin e një pjese të zymtësisë së fillimit të viteve 60 të lidhura me krizën kubane të vitit 1962. E cila në Evropë kishte nxitur suksesin e lëvizjes Fluxus të udhëhequr nga:

• George maciunas
• jozef Beuys
• Nam June Paik
• Vostell ujku

Pop-art me këmbë në tokë ishte gjithashtu një kundërvënie e mirëpritur ndaj ekspresionizmit abstrakt më erudit, i cili tashmë kishte filluar të zbehej. Por vitet 1960 panë gjithashtu ngritjen e një lëvizjeje tjetër të profilit të lartë të njohur si Minimalizmi, një formë e pikturës dhe skulpturës moderniste e pastruar nga të gjitha referencat ose gjestet e jashtme, ndryshe nga gjuha e ngarkuar emocionalisht e ekspresionizmit abstrakt.

Modernizmi në artet grafike

Nga fundi i shekullit të XNUMX-të, artistët po lodheshin nga format tradicionale dhe konservatore të artit. Në Vjenë, një grup artistësh të udhëhequr nga Gustav Klimt e quajtën veten Secesioni i Vjenës dhe u shkëputën nga institucionet e artit të kryeqytetit austriak në atë kohë.

Grupi eksploroi territore të paeksploruara në formë, përbërje dhe shprehje, duke shkaktuar eksperimente të ngjashme në vende të tjera të afërta si Franca dhe Gjermania. Pikat e pasura dhe realizmi modernist përkthehen në ngjyra të sheshta dhe tipografi stilistike, shprehje që do t'i hapnin rrugën artit grafik.

Në kohën kur filloi Lufta e Parë Botërore, dizajni grafik po përdorej tashmë për qëllime komerciale, korporative dhe estetike. Roli i tij i ri do të ishte politik, i përdorur në postera dhe propagandë gjatë luftës.

Përparimet në printimin masiv me ngjyra mundësoi prodhimin efikas të mesazheve për të mbledhur fonde, për të inkurajuar regjistrimin dhe për të rritur moralin. Trazirat dhe sfidat me të cilat u përballën në të dyja luftërat botërore në fund të fundit frymëzuan valën e parë të modernizmit të vërtetë brenda dizajnit grafik.

Në Evropë dhe Amerikë, dizajnerët grafikë u frymëzuan nga lëvizje më të gjera të artit si Kubizmi, Futurizmi, De Stijl dhe Surrealizmi. Në Gjermani, lëvizja Bauhaus pati gjithashtu një ndikim të rëndësishëm në dizajnin grafik. Me linjat e tij të theksuara, ngjyrat kryesore dhe hapësirën e bardhë shqetësuese, ai ishte po aq i mrekullueshëm në formatin 2-D sa është në arkitekturë apo skulpturë.

Në fund të fundit, dizajni modernist u përcaktua nga shprehja abstrakte, tipi i guximshëm dhe ngjyrat dhe format kryesore. Këta stilistë iu afruan punës në mënyrë objektive, duke theksuar racionalen mbi shprehësen (dhe duke theksuar besimin klasik modernist se forma ndjek funksionin).

Kur nazistët erdhën në pushtet në vitet 1930, eksperimentet moderniste në të gjitha praktikat u denoncuan dhe shumë artistë, arkitektë dhe stilistë emigruan në Shtetet e Bashkuara. Megjithëse dizajni modernist u ndërpre në rritjen e tij, ai mbetet një nga lëvizjet më me ndikim në historinë e dizajnit grafik.

Bizhuteri, qelqe, qeramika, mobilje moderniste dhe hekur i farkëtuar

Bizhuteritë moderniste të Shteteve të Bashkuara që praktikuan zanatin e tyre nga vitet 1930 deri në vitet 1960 ishin mjaft të theksuar në refuzimin e tyre të stileve që kishin ardhur më parë. Bizhuteritë viktoriane u hodhën poshtë si shumë dekorative, pjesët e Art Nouveau shiheshin si shumë kërkuese dhe estetika e Art Deco u pa si tepër e ngurtë. Këta argjendar mendonin se kishin më shumë të përbashkëta me piktorët, skulptorët dhe artistët e tjerë të kohës.

Qëllimi i tij ambicioz ishte të krijonte vepra unike të artit që njerëzit mund t'i përdornin. Një nga kampionët dhe praktikuesit e hershëm të kësaj forme ishte Sam Kramer, i cili, si shumë nga bashkëkohësit e tij, jetoi, punoi dhe shiti krijimet e tij në Greenwich Village të Nju Jorkut. Kramer punoi kryesisht në argjend, por ishte gjithashtu i aftë për të bërë unaza bakri, vathë dhe kunja dhe gjeti objekte, duke përfshirë dhëmbë dre, butona, fosile dhe monedha të lashta.

Me raste, Kramer përdorte gurë gjysmë të çmuar si granata ose opal në pjesët e tij surreale, gjeometrike ose biomorfike. Një tjetër udhëheqës jozyrtar i lëvizjes moderniste të bizhuterive ishte fqinji i Kramer, Art Smith. Bizhuteritë e saj varionin nga unaza të thjeshta në qafë argjendi deri te pjesët biomorfike që bazohen në motive afrikane.

Ndërsa Smith bënte copa të vogla si mansheta dhe vathë, shumë nga veprat e tij më të mira ishin mjaft të mëdha për të mbështjellë trupin, sikur forma njerëzore të ishte thjesht sfondi i krijimeve të tij.

Rripat e tij vintage prej bakri, veçanërisht prangat "xhaz" me nota muzikore të aplikuara në sipërfaqet e tyre të jashtme, janë shumë të koleksionueshme. Bumerangët, linjat e drejta që kryqëzojnë kthesat dhe format e moshës atomike tipizojnë punën e Ed Wiener.

Ndonjëherë një palë vathë argjendi që dukeshin si orë rëre të deformuara, zbukuroheshin me një perlë të vetme. Herë të tjera, një agat me sy mace vendosej në qendër të një pjese, si për t'u dhënë objekteve të tij të pajetë pamjen e një fytyre njeriu.

Një tjetër fshatar i Greenwich-it, bizhuteritë e vjetra moderniste të të cilit vlerësohen shumë, ishte Paul Lobel, i cili dizenjoi kunja dhe byzylykë argjendi të adhurueshëm, si dhe xhami, mobilje dhe sende argjendi. Jashtë Nju Jorkut ishte Betty Cooke, që punonte në modalitetin Bauhaus në Baltimore.

Bizhuteritë e saj përbëheshin nga forma gjeometrike dhe karakterizoheshin nga një ndjenjë e fortë rregulli, të cilën ajo do ta prishte qëllimisht nga vendosja e mprehtë e perlave, blloqeve të vogla të drurit apo edhe gurëve të papërfunduar si kuarci.

Një tjetër bashkëpunëtore e Bauhaus-it ishte Margaret De Patta, puna e së cilës pasqyronte ndikimin e thellë të mjeshtrit të Bauhaus-it, László Moholy-Nagy, me të cilin ajo studioi. Ndërkohë, në San Francisko, Peter Macchiarini shikoi maskat afrikane dhe kubizmin për frymëzim. Tunxh, bakri dhe argjendi ishin materiale të zakonshme, së bashku me opalet, agatin dhe drurin.

Në Skandinavi gjatë viteve 1940 dhe 1950, po ndodhte një lëvizje paralele. Henning Koppel dhe Nanna Ditzel ishin dy stilistë të shquar për Georg Jensen, gjerdanet e lotit të argjendit dhe amebës së të cilit kombinuan përsosmërinë e argjendarisë daneze me një interes për format natyrale, madje edhe primitive.

Më vonë, në Finlandën e viteve XNUMX, Bjorn Weckstrom u martua me argjend të ngurtë dhe copa akriliku të lëmuar për të krijuar unaza, byzylykë dhe varëse që ishin si të kohës së hapësirës ashtu edhe organike. Fusha të tjera të eksploruara nga artistët modernistë ishin prodhimi i qeramikës, mobiljeve, qelqeve dhe metalurgjisë. Ndër artistët më të shquar mund të përmenden:

• Louis Comfort Tiffany (projektues)
• Émile Galle (qeramiste dhe qelqebërëse)
• Antonin Daum (xhamaxhi)
• Lluís Masriera (argjendari)
• Carlo Bugatti (projektues mobiljesh)
• Louis Majorelle (projektues mobiljesh)
• Gustave Serrurier-Bovy (projektues mobiljesh)
• Jacques Grüber (dekorator dhe piktor)
• Jules Brunfaut (arkitekt dhe dekorues)
• Auguste Delaherche (qeramisti)
• Georges de Feure (piktor dhe dekorues)

pikturë moderniste

Periudha moderne e historisë së artit ishte një spektator i madh i prishjes së kufizimeve tradicionale, si në aspektin e formës (shfaqjes së artit) dhe të përmbajtjes (lënda). Kjo ka ndodhur në të gjitha degët e artit, me pikturën në krye. Në të vërtetë, piktorët kishin udhëhequr inovacionin estetik në Evropë që nga fundi i antikitetit.

Risia më e spikatur në formë ishte rritja e stileve gjithnjë e më të shtrembëruara të pikturës, duke arritur kulmin me lindjen e artit abstrakt. Për nga përmbajtja, piktura moderniste tenton të paraqesë skena të zakonshme, të përditshme, në krahasim me subjektet tradicionale "të larta" (biblike, mitologjike, historike).

Lindja e pikturës moderniste shpesh gjurmohet te realizmi, një lëvizje franceze që përshkruante skena të jetës së përditshme në një mënyrë fizikisht realiste. Megjithëse skenat realiste të jetës së përditshme mund të gjurmohen që nga piktura e Rilindjes së Vendit të Ulët, lëvizja e realizmit modern mori një qasje të re duke u fokusuar në realitete të ashpra duke përfshirë: varfërinë, të pastrehën dhe kushtet e punës. shtypëse

Kjo lëvizje u drejtua nga Gustave Courbet, veprat më të shquara të të cilit janë "The Stone Breakers" dhe "Entierro de Ornans". Edhe pse shtrembërimi, jo realizmi, do të bëhej tendenca dominuese në pikturën moderniste, arti realist ka vazhduar të lulëzojë deri më sot. Pjesa më e madhe e këtij arti është, si lëvizja origjinale franceze, e ndërgjegjshme shoqërore.

Faza tjetër kryesore e pikturës moderniste ishte impresionizmi, një stil i shpejtë dhe skicues që kap përshtypjen e përgjithshme të një skene (në krahasim me detajet e sakta). Në veçanti, impresionizmi përpiqet të kapë efektet momentale të dritës, kryesisht përmes goditjeve ngjitur me penel të ngjyrave të ndritshme, të kundërta (të cilat rrisin shkëlqimin e të dy ngjyrave, duke prodhuar kështu një efekt shkëlqyes).

Impresionistët ishin grupi i parë i artistëve që pikturuan kryesisht në vendndodhje, në vend që të vizatonin në vendndodhje dhe të pikturonin në studio. Rrënjët e impresionizmit qëndrojnë në veprat e Édouard Manet, i cili pikturoi në një stil mjaft realist. Sidoqoftë, Manet shkaktoi polemika vetëm duke iu përmbajtur lirshëm perspektivës, duke i paraqitur sfondet në një mënyrë skematike të thjeshtuar dhe duke rrafshuar sipërfaqet e objekteve në zona me ngjyra të forta (në vend që të modelonte objekte me hije të lëmuara).

Këto tendenca fillimisht u bënë qartësisht të dukshme në Dreka mbi bar, piktura më e famshme e hershme e Manet. Ato bëhen më të theksuara në veprat e tij të mëvonshme, duke përfshirë: "Një bar në Folies-Bergére", që shpesh konsiderohet kryevepra e tij. Zgjerimi i stilit të Manet çoi në impresionizëm, pasi detajet e mprehta dhe modelimi realist u braktisën në favor të goditjeve të shpejta të penelit dhe spërkatjeve me ngjyra të forta.

Impresionisti më i shquar ishte Claude Monet, i cili punoi kryesisht në peizazhe dhe peizazhe detare. Veprat e tij të hershme përfshijnë shumë piktura buzë detit rreth qytetit të tij të lindjes, Le Havre, duke përfshirë "Përshtypja, Lindja e Diellit". Kur kjo vepër u kritikua si një “përshtypje e thjeshtë”, emri i stilit u sigurua.

Ndonjëherë Monet kthehej te një subjekt shumë herë, në kohë ose stinë të ndryshme, për të kapur një gamë të plotë të kushteve të ndriçimit. Kjo qasje arriti kulmin në serinë e famshme të zambakëve të ujit, e cila përmban shumë trajtime të pellgut të zambakëve të ujit jashtë shtëpisë në të cilën Monet u tërhoq.

Impresionizmi përfshin shumë nga emrat më të njohur në pikturë. Së bashku me Monet, piktura impresioniste e peizazhit u drejtua nga Sisley dhe Pissarro. Figurat më të shquara të piktorëve të stilit impresionist ishin:

• Renoir
• Morisot
• Nga gazi.

Impresionistët, të cilët paksa e mjegulluan dhe thjeshtuan realitetin, u pasuan nga një grup artistësh që e çuan shtrembërimin shumë më tej: Post-Impresionistët, të cilët zbuluan se efektet e reja emocionale goditëse ishin të mundshme nëse format dhe ngjyrat e realitetit transformoheshin më spektakolare.

Disa post-impresionistë ndoqën shtrembërimin gjeometrik (në të cilin bota është e ngjeshur në forma gjeometrike, duke krijuar një ndjenjë të ngurtësisë dhe kontrollit), ndërsa të tjerë eksploruan shtrembërimin e lëngjeve (në të cilën bota është e anuar në një mënyrë të rrjedhshme dhe organike). Të dy llojet e shtrembërimeve (veçanërisht të lëngshme) shpesh paraqesin ngjyra jashtëzakonisht joreale.

Pionieri kryesor i shtrembërimit gjeometrik ishte Paul Cézanne, i cili thjeshtoi pa probleme tiparet fizike të një skene në forma gjeometrike. Kjo rezultoi në peizazhe (lënda e tij e preferuar) me një pamje disi të ngurtë, të bllokuar.

Pionieri më i rëndësishëm i shtrembërimit të lëngjeve ishte Vincent van Gogh. (Figura të tjera të rëndësishme përfshijnë Gauguin, Munch dhe Toulouse-Lautrec.) Stili i Van Gogh është i rrjedhshëm dhe plot ngjyra, me një theks të veçantë tek e verdha. Nata e Yjeve mund të jetë vepra e tij më e famshme.

Ndërsa Georges Seurat zhvilloi një formë shumë të veçantë të post-impresionizmit: pointillizëm, në të cilin skenat përkthehen në shumë pika të një ngjyre të vetme. Vepra më e famshme pointilliste është "Pasditja e së dielës" që pasqyron ishullin La Grande Jatte.

skulpturë moderniste

Skulptura moderne përkufizohet historikisht si skulpturë që fillon me veprën e Auguste Rodin dhe përfundon me ardhjen e artit pop dhe minimalizmit në vitet 1960. Diskutimi i Alex Potts në 2001 për historiografinë e skulpturës moderne është gjithëpërfshirës për një kuptim të medias, periudha dhe metodat e përdorura nga artistët kryesorë.

Ndërsa tani shihet si klishe nisja e lëvizjes moderniste në skulpturë me veprën e Rodinit, në veprën e tij fillon të shihet tendenca që do të bëhen karakteristikë e skulpturës moderne, si një interes i ri për fragmentin, në veçanti për trupin.

Si dhe një trajtim sipërfaqësor dhe një detaj ekspresiv i sipërfaqes, një vëmendje ndaj lëvizjes, një shkrirje simbolike e shprehjes së brendshme të figurës dhe paraqitjes së saj të jashtme, ose ajo që Constantin Brancusi e quajti "esencë". Dhe një konsideratë më e madhe e abstraksionit, fragmentimit dhe mospërfaqësimit në objektet skulpturore, pra një largim i ndërgjegjshëm nga realizmi dhe idealizmi akademik.

Skulptorët gjatë kësaj periudhe gjithashtu vendosën një theks në dizajnin, formën dhe vëllimin mbi përfaqësimin e një subjekti specifik. Përdorimi i materialeve që nuk përdoren tradicionalisht në konceptet përfundimtare skulpturore u bë më i dukshëm, si përdorimi i: veshjeve, tekstileve dhe mjeteve të tjera të përziera. Siç shihet në "Balerina e vogël katërmbëdhjetëvjeçare" e realizuar nga Edgar Degas midis viteve 1878-1881, aktualisht ndodhet në Galerinë Kombëtare, Uashington.

Shkrirja e elementeve njerëzore dhe mekanike vërehet gjatë periudhës së epokës së makinerive, si në veprat e Umberto Boccioni dhe Jacques Lipschitz, përveç shtrembërimit dhe brishtësisë që shfaqet në veprat e periudhës mes luftrave, si në veprat e Medardos. Rosso dhe Alberto Giacometti.

Ndikimi i artit jashtë traditës perëndimore, domethënë evropiane, u bë shumë ndikues për skulptorët në fund të shekullit dhe mund të shihet në skulpturat e Paul Gauguin dhe Pablo Picasso. Artistë si Naum Gabo dhe Antoine Pevsner filluan të përdorin materiale që nuk ishin përdorur për skulpturën e artit të bukur në të kaluarën e afërt dhe materiale të reja të shpikura si plastika.

Materialet që ishin përdorur në të kaluarën u bënë më të rëndësishme në kohët moderne, si: alumini me Isamu Noguchi, energjia elektrike për dritat në skulpturë dhe për lëvizjen e motorizuar nga Camille Claudel, hekuri nga Julio González, plumbi nga Aristide Maillol, çeliku dhe saldimi. metale nga David Smith dhe Julio González, dru nga Constantin Brancusi dhe objekte të gjetura nga Louise Nevelson.

Edhe pse ka shembuj të skulpturave lëvizëse të realizuara nga skulptorë të mëparshëm si: Antonio Canova dhe Lorenzo Bartolini. Të cilën ne do ta mendonim si skulpturë kinetike sot, si sugjerimi i lëvizjes në skulpturë ashtu edhe skulpturat aktuale lëvizëse u bënë më të spikatura gjatë gjysmës së parë të shekullit të XNUMX-të. Alexander Calder dhe László Moholy-Nagy zbatuan një përdorim më të madh të teknologjisë së lëvizjes në veprat e tyre në gjysmën e dytë të shekullit.

Tensioni dhe reagimi midis imazhit pozitiv dhe hapësirës negative që rrethon një vepër arti luajti gjithashtu një rol të rëndësishëm, dhe kjo mund të shihet veçanërisht në punën e hershme dhe "vizatimet hapësinore" të Giacometti, Picasso dhe David Smith, si dhe në skulpturë nga Jean Arp, Henry Moore dhe Barbara Hepworth.

Artistët e lartpërmendur, së bashku me shumë të tjerë, duke përfshirë: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens dhe Aristide Maillol, bënë një thyerje të konsiderueshme me skulpturën e së kaluarës së afërt, të çliruar. nga mbështetja e tyre në anatominë dhe skllavëria e tyre ndaj arkitekturës, dhe e çoi mediumin më larg se çdo brez që nga skulptorët e hershëm të Rilindjes.

Arkitektura moderne

Arkitektura moderne u ngrit nga refuzimi i ringjalljeve, klasicizmit, eklekticizmit dhe të gjitha përshtatjeve të stileve të mëparshme në llojet e ndërtimit të shoqërisë së industrializuar në fund të shekujve XNUMX dhe XNUMX. Për më tepër, ajo u rrit nga përpjekjet për të krijuar forma dhe stile arkitekturore që mund të përdornin dhe pasqyronin teknologjitë e reja të ndërtimit të hekurit dhe çelikut strukturor, betonit të armuar dhe xhamit.

Deri në përhapjen e postmodernizmit, struktura moderne përfshinte gjithashtu refuzimin e ornamentit të aplikuar dhe dekorimit karakteristik të ndërtesave paramoderne perëndimore. Fuqia e arkitekturës moderne ka qenë një përqendrim rigoroz në ndërtesat, rregullimi ritmik i njerëzve dhe formave të të cilave krijon një model gjeometrik në dritë dhe ngjyrë.

Ky zhvillim ishte i lidhur ngushtë me llojet e reja të ndërtimit të kërkuara nga një shoqëri e industrializuar, të tilla si ndërtesat e zyrave që strehojnë menaxhimin e korporatave ose menaxhimin e qeverisë. Një nga tendencat dhe lëvizjet më të rëndësishme të arkitekturës moderniste janë:

• Shkolla e Çikagos
• funksionalizmi
• art deco
• art nouveau
• De Stijl, Bauhaus
• Stili Ndërkombëtar
• Brutalizmi i Ri
• Postmodernizmi

artistë modernë

Historia e artit modern është historia e artistëve më të mëdhenj dhe arritjet e tyre. Artistët modernë kanë bërë përpjekje për të shprehur pikëpamjet e tyre për botën përreth tyre duke përdorur mjete vizuale. Ndërsa disa e kanë lidhur punën e tyre me lëvizjet ose idetë e mëparshme, qëllimi kryesor i çdo artisti në epokën moderne ishte të çonte praktikën e tyre në një pozicion origjinaliteti të pastër.

Disa artistë u krijuan si mendimtarë të pavarur, duke u përpjekur përtej asaj që përbënte forma të pranueshme të "artit të lartë" në atë kohë, të mbështetur nga akademitë tradicionale shtetërore dhe klientët e klasës së lartë të arteve pamore. Këta novatorë përshkruan një temë që shumë e konsideruan të shthurur, të diskutueshme apo edhe krejtësisht të shëmtuar.

Artisti i parë modern që qëndroi në thelb i vetëm në këtë kuptim ishte Gustave Courbet, i cili në mesin e shekullit të 1849-të u përpoq të zhvillonte stilin e tij të veçantë. Kjo u arrit kryesisht nga piktura e tij e viteve 1850-XNUMX, Varrimi në Ornans, e cila tronditi botën e artit francez duke portretizuar funeralin e një njeriu të zakonshëm nga një fshat fshatar.

Akademia kërceu në përshkrimin e punëtorëve të fermave të pista rreth një varri të hapur, pasi vetëm mitet klasike ose skenat historike ishin subjekti i duhur për një pikturë kaq të madhe. Courbet fillimisht u përjashtua për punën e tij, por ai përfundimisht u dëshmua shumë me ndikim në brezat pasues të artistëve modernë. Ky model i përgjithshëm i refuzimit dhe ndikimit të mëvonshëm është përsëritur nga qindra artistë në epokën moderne.

Më poshtë është një listë e disa prej artistëve më të shquar të formës moderne të shprehjes artistike:

• Eugene Atget
• hippolit blancard
• Paul Cezanne
• Salvador Dali
• Maks Ernst
• Paul Gauguin
• Vincent van Gogh
• Hektor Guimard
• Vasily Kandinsky
• Raoul Francois Larche
• Jacques-Henri Lartigue
• Fernand leger
• Henri Matisse
• Joan Miro
• Edvard Munch
• Pablo Picasso
• Piet Mondrian
• franz klein
• Paul Klee
• Frantisek Kupka
• Paul Strand
• charles Sheeler
• Henri i Tuluzës
• Lautrec
• Oudouard Vuillard

Nëse ju duk interesant ky artikull mbi pikturën moderniste, ju ftojmë të shijoni këto të tjera:

• Qumështorja e Vermeer-it
• Piktura e Salvador Dali
• Piktura e romantizmit