I konceptuar nga krijuesit dhe ndjekësit e tij si një prirje e gjerë në art që pasqyron kërkimin e kuptimeve të reja nga artistët bashkëkohorë, arti postmodern është përgjigja në këtë kërkim të krizës së kulturës klasike.
arti postmodern
Besohet se në shekullin e XNUMX-të ndodhi e ashtuquajtura "vdekja e super themeleve": Zoti, njeriu dhe autori. Me fjalë të tjera, baza fetare u trondit, lindi një krizë e ideve humaniste dhe krijuesit kaluan nga krijimi i një të reje në rimendimin e të vjetrës.
Postmodernizmi në art është pjesë e një tendence globale që është përqafuar nga kultura dhe filozofia botërore. Postmodernizmi nuk është një stil i vetëm, por një kompleks drejtimesh, të bashkuara nga një bazë e përbashkët ideologjike. Madje shumë prej tyre zihen me njëri-tjetrin.
Postmodernizmi është një term që rrjedh nga gjuha franceze (postmodernisme). Ky emër pasqyron kuptimin e drejtimit që zëvendësoi artin e epokës së modernizmit (të mos ngatërrohet me modernizmin). Në fund të shekullit të XNUMX-të dhe në fillim të shekullit të XNUMX-të, lëvizjet moderniste (ose avangarde) i dhanë një goditje të rëndë artit klasik. Por gradualisht krijuesit pushuan së kënaquri me qasjet moderniste.
Paralelisht me një mori zhvillimesh të reja teknologjike, postmodernizmi ka çuar në eksperimente artistike me media të reja dhe forma të reja arti për gati pesë dekada, duke përfshirë artin konceptual, lloje të ndryshme të performancës dhe instalacionet e artit, dhe rryma kompjuterike si dekonstruktivizmi dhe teknologjia. .
Karakteristikat e postmodernizmit
Jean-François Lyotard dhe teoricienët e tjerë i përshkruajnë themelet shpirtërore të modernitetit si një besim i palëkundur në një progres të qëndrueshëm të kompresueshmërisë gjithnjë e më të detajuar të botës dhe një qasje graduale drejt dijes së përsosur. Sistemet totalitare të shekullit të XNUMX-të diskredituan përgjithmonë karakterin absolut të modeleve të tilla.
Këtu janë arsyet e nevojës për të përcaktuar postmodernizmin si një shkëputje e ndërgjegjshme me modernitetin. Postmodernizmi hedh poshtë jo vetëm besimin modern në progres, por edhe ekzistencën e një realiteti objektiv të kuptueshëm. Teoria dhe estetika postmoderne supozojnë se të gjitha njohuritë, të gjitha perceptimet dhe çdo fushë e ndërgjegjes dhe ekzistencës i nënshtrohen relativitetit. Një koncept kyç i postmodernizmit është pluraliteti.
Dëshira e modernitetit për të krijuar vazhdimisht diçka të re dhe mjetet artistike të përdorura për ta arritur atë, shihen si të automatizuara, të vendosura dhe të vjetruara në postmodernizëm. Parimi se asgjë e re nuk mund të krijohet e bën përdorimin e citimeve një tipar thelbësor stilistik të artit postmodern.
Kërkesa për hapje në konceptin e artit dhe të veprës artistike individuale hap mundësi pothuajse të pakufishme nga njëra anë: postmodernizmi hap një shumëllojshmëri formash të reja shprehjeje duke kapërcyer kufijtë e zhanreve.
Një teknikë e përdorur shpesh e epokës postmoderne është kolazhi. Ky term, i krijuar në fillim të shekullit të XNUMX-të për ngjitësit Dada, është shumë më i gjerë në epokën postmoderne. Ai përfshin, për shembull, instalimet në shkallë të gjerë, teknikat e filmit ose proceset e kompozimit muzikor.
Autorë si Umberto Eco (Emri i trëndafilit), arkitektë si Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Vjenë) dhe artistë si Keith Haring përpiqen të kapërcejnë hendekun midis të kuptuarit elitist të artit dhe kulturës masive; edhe ky është një aspekt thelbësor i estetikës postmoderne.
Shumë vepra postmoderne, veçanërisht në artin skenik, nuk duan të kuptohen si një rezultat perfekt, por si një aranzhim eksperimental. Prezantimi do të jetë fragmentar (literaturë: Roland Barthes, Fragmente të një gjuhe dashurie) ose një vepër në zhvillim (teatri i vallëzimit: William Forsythe, shfaqja e Scott) në faza të ndryshme të zhvillimit të saj.
Kritikët e artit i japin përgjigje të ndryshme pyetjes se çfarë është postmodernizmi në pikturë, pasi kultura postmoderne është një fenomen i shumëanshëm dhe nuk ka një platformë të qartë ideologjike. Postmodernistët nuk krijuan një kanun universal, për më tepër, ata refuzuan të krijonin një të tillë në parim. Ndoshta e vetmja vlerë bazë e deklaruar nga mbështetësit e kësaj tendence është liria e pafundme e shprehjes.
Postmodernizmi nuk është një lëvizje, por një mënyrë e përgjithshme e të menduarit. Prandaj, nuk ekziston një listë e vetme e karakteristikave që përcaktojnë "artin postmodern". Sidoqoftë, ka një sërë karakteristikash që janë karakteristike për artin postmodern:
- Liri e pakufizuar dhe absolute e artistit në zgjedhjen e metodave të vetë-shprehjes.
- Rimendoni imazhet tradicionale, duke i përfshirë ato në një kontekst të ri (prandaj shpërndarja e gjerë e ribërjeve, interpretimeve, citimeve artistike, huazimeve, aludimeve).
- Sinkretizmi, pra shkrirja e elementeve heterogjene në një tërësi të vetme, të cilat ndonjëherë edhe kundërshtojnë njëra-tjetrën (për shembull, përdorimi i stileve të ndryshme nga artisti në një pikturë, apo edhe kombinimi i pikturës me lloje të tjera arti).
- Dialog, pra një vështrim i temës nga këndvështrime të ndryshme, nga pozicioni i «zërave» të ndryshëm, të cilët më në fund krijojnë një «simfoni» polifonike.
- Forma e paraqitjes së veprës, ftesa e shikuesit për t'iu bashkuar veprës me kuptime.
- Natyra tronditëse e krijimtarisë.
- Ironia dhe autoironia e autorit. Artistët tani janë shumë më skeptikë ndaj "ideve të mëdha" (p.sh. se i gjithë përparimi është i mirë).
- Postmodernizmi është një shprehje e një zhgënjimi të përhapur me jetën dhe fuqinë e sistemeve ekzistuese të vlerave dhe/ose teknologjive për të sjellë ndryshime pozitive. Si rezultat, autoriteti, përvoja, njohuria dhe motivimi kanë rënë në reputacion.
- Arti modern shihej jo vetëm si elitar, por edhe si i bardhë (në kuptimin e ngjyrës së lëkurës), i dominuar nga meshkujt dhe i painteresuar për pakicat. Kjo është arsyeja pse arti postmodern mbron artin nga artistët e botës së tretë, feministët dhe minoritetet.
Arti postmodern, bashkëkohor dhe i vonë modern
Si rregull i përgjithshëm, arti postmodern dhe arti bashkëkohor përdoren pak a shumë në mënyrë sinonime. Megjithatë, nga pikëpamja teknike, arti postmodern do të thotë "pas modernitetit" dhe i referohet një periudhe fikse që fillon rreth vitit 1970, ndërsa arti bashkëkohor i referohet kryesisht periudhës së ndryshimit prej rreth pesëdhjetë vitesh menjëherë para viteve XNUMX. Sot.
Aktualisht këto dy periudha përkojnë. Por në vitin 2050 arti postmodern (p.sh. nga 1970-2020) mund të jetë zëvendësuar nga një epokë tjetër, megjithatë arti bashkëkohor më pas mbulon periudhën deri në atë vit.
Në artet pamore, termi modern i vonë i referohet lëvizjeve ose tendencave që refuzojnë një aspekt të artit modern, por përndryshe mbeten në traditën e modernitetit. Stilet si ekspresionizmi abstrakt (1948-65) u praktikuan nga një numër artistësh modernë radikalë, duke përfshirë Jackson Pollock dhe Willem De Kooning, të cilët kundërshtuan shumë nga konventat formale të pikturës së vajit.
E megjithatë, as Pollock dhe as de Kooning nuk mund të kishin prodhuar diçka si Vizatimi i fshirë De Kooning i Rauschenberg, pasi të dy ishin besimtarë të fortë në konceptet e autenticitetit dhe kuptimit.
Historia e artit postmodern
Stili i parë i rëndësishëm i artit pas Rilindjes ishte arti akademik, i mësuar nga profesorë në akademi. Në artin akademik konvergojnë shumë stile dhe rryma, si klasicizmi dhe romantizmi. Nga viti 1870, me ardhjen e impresionizmit, u shfaq arti modern. Tiparet e para u shfaqën rreth vitit 1970, i cili tani përmblidhet si art postmodern.
Arti modern lidhet më së shumti me shekullin 1870-1970, për shembull, nga impresionizmi te arti pop. Pavarësisht nga fatkeqësitë e ndryshme globale (Lufta e Parë Botërore, gripi, Përplasja e Wall Street-it dhe Depresioni i Madh) që minuan shumë nga siguritë morale të ditës, artistët modernë në përgjithësi ruajtën një besim në ligjet themelore shkencore të natyrës. arsyeja dhe racionale mendimi.
Në përgjithësi, si shumica e perëndimorëve të asaj kohe, ata besonin se jeta kishte kuptim. Ai përparim shkencor ishte automatikisht pozitiv, se perëndimi i krishterë ishte superior ndaj pjesës tjetër të botës, se burrat ishin superiorë ndaj grave. Modernizmi gjithashtu besonte në kuptimin, rëndësinë dhe përparimin e artit, veçanërisht artit të bukur dhe arkitekturës.
Duke ndjekur gjurmët e Leonardos dhe Mikelanxhelos, ata besuan në artin e lartë, art që ngre lart dhe frymëzon shikuesin e arsimuar dhe jo "artin e ulët" që argëton vetëm masat. Ata morën një qasje progresive dhe e panë artin si diçka që duhet të jetë vazhdimisht në zhvillim, të udhëhequr nga një grup udhëheqës artistësh avangardë.
Lufta e Dytë Botërore dhe Holokausti përmbysën gjithçka. Parisi u zëvendësua papritur nga Nju Jorku si kryeqyteti i botës së artit. Pas mizorive të luftës, i gjithë arti figurativ papritmas dukej i parëndësishëm, kështu që piktorët modernë iu drejtuan artit abstrakt për t'u shprehur.
Çuditërisht, Shkolla e Nju Jorkut, me pikturat e Jackson Pollock dhe pikturën më të qetë me ngjyra të Mark Rothkos, promovoi një ringjallje të përkohshme të artit në të dy anët e Atlantikut në vitet 1950. Piktorët e avangardës arritën të ripërcaktojnë kufijtë e abstraktit pikturë, por mbeti brenda kufijve të modernitetit. Ata besonin në krijimin e veprave autentike, të përfunduara të artit me përmbajtje domethënëse.
Por modernitetit në mënyrë të pashmangshme po i vinte fundi. Zbulimet në rritje të Shoah, testet e bombës atomike, kriza e raketave Kubane dhe Lufta e Vietnamit i lanë njerëzit gjithnjë e më shumë të zhgënjyer nga jeta dhe arti.
Jasper Johns dhe Robert Rauschenberg kishin prodhuar tashmë veprat e para postmoderne të Neo-Dada dhe Pop Art në mesin e viteve 1950. Së shpejti popullariteti i Pop Art do të futej në vetë artin postmodern, pasi rrjetet televizive amerikane u fokusuan në ofensivën Tet të 1968 dhe kaotike Konventa Kombëtare Demokratike e vitit 1968.
Nga ky kalim kohe në historinë e artit mund të konstatohet edhe qëndrimi ndaj artit nga ana e artistit dhe e publikut. Artistët dhe spektatorët e së tashmes nuk përcaktohen nga idetë e vjetra të institucioneve mësimore dhe donatore se çfarë është arti dhe çfarë arti mund të jetë. Mundësitë dhe aplikimet e artit janë bërë më të larmishme pa pasur nevojë të detyroheni në një korse të caktuar.
Arkitektura moderne u ndikua nga dëshira për të krijuar një stil krejtësisht të ri për njeriun modern. Arkitektët donin të hiqnin të gjitha referencat historike dhe të krijonin diçka krejtësisht të re. Kjo çoi në stilin ndërkombëtar (rreth 1920-1970), një dizajn minimalist i rregullsisë.
Për fat të mirë, rreth vitit 1970, arkitektët postmodernë filluan të rigjallëronin arkitekturën e shekullit të XNUMX-të duke projektuar struktura me karakteristika interesante të nxjerra nga kultura popullore dhe stile më tradicionale arkitekturore. Strukturat që duket se anashkalojnë gravitetin janë bërë të mundura edhe nga mundësitë e reja të kontrolluara nga kompjuteri brenda kornizës së dekonstruktivizmit.
Lëvizja postmoderniste mori formë në vitet 1960 dhe 1970, por parakushtet për shfaqjen e saj shoqërohen me një krizë botëkuptimi që u ngrit shumë më parë. Ndër to: teza e Spenglerit për rënien e Evropës; kolapsi i vetëdijes publike për shkak të Luftës së Parë Botërore; shfaqja në shkencë e ideve për mospërputhjen dhe paqartësinë e rendit botëror (nga gjeometria jo-Euklidiane në fizikën kuantike).
Termi postmodern ishte tashmë në përdorim në fund të shekullit të 1950-të dhe më pas gjithnjë e më shumë në fillim të shekullit të 1970-të, por vetëm në vitet 1979 në kuptimin e kuptimit të tij aktual. Në fund të viteve XNUMX, dy autorë kontribuan kryesisht në vendosjen e termit si një element i përhershëm: Jean-François Lyotard me veprën e tij La Condition postmoderne (Njohuria Postmoderne, XNUMX) dhe Charles Jencks me esenë Ngritja e Arkitekturës Postmoderne.
Me futjen e termit postmodern, modernizmi përkufizohet për herë të parë si një epokë e mbyllur historike (si antikiteti apo mesjeta para saj). Postmoderne është vendosur si një term stilistik, veçanërisht në arkitekturë.
Postmodernistët arritën në përfundimin se bota moderne nuk mund të përshkruhet brenda kornizës së qasjeve klasike ndaj filozofisë, shkencës dhe kulturës. Rrjedhimisht, metodat klasike të artit nuk janë adekuate për ta përshkruar atë.
përdorimin e teknologjisë
Epoka e artit postmodern përkoi me prezantimin e disa teknologjive të reja vizuale (si televizioni, videot, interneti, ndër të tjera) dhe përfitimi i madh prej tyre. Gama e re e formateve të videos dhe fotografisë ka reduktuar rëndësinë e artit të vizatimit dhe manipulimi i teknologjive të reja i ka lejuar artistët të shkurtojnë proceset tradicionale të krijimit të artit, por megjithatë të krijojnë diçka të re.
Lëvizjet dhe stilet e artit postmodern
Deri më tani nuk ka pasur lëvizje të mëdha ndërkombëtare të artit në artin postmodern. Në vend të kësaj, epoka pa ngritjen e një numri rrymash të ngushta, të lokalizuara, si dhe disa formave krejtësisht të reja të artit, si video dhe piktura e fjalëve.
Për më tepër, ka pasur dhjetëra fraksione arti, si dhe një qendër anti-postmoderne ose dy anëtarët e së cilës janë përpjekur të prodhojnë atë lloj arti për të cilin Michelangelo ose Picasso do të ishin krenarë.
Që nga neo-dadaizmi, postmodernistët kanë pëlqyer të përziejnë gjërat, ose të sjellin elementë të rinj në format tradicionale, për të krijuar kombinime të reja. Fernando Botero pikturon figura primitive të figurave obeze, Georg Baselitz pikturon figura me kokë poshtë.
Gerhard Richter kombinoi artin e kamerës dhe pikturën në pikturat e tij fotografike të viteve 1970, ndërsa Jeff Koons kombinoi imazhet e orientuara nga konsumatori me teknikat e sofistikuara të skulpturës për të krijuar skulpturat e tij prej çeliku inox.
Andreas Gursky kombinon fotografinë me imazhet e krijuara nga kompjuteri për të krijuar vepra të tilla si Rhein II, ndërsa Jeff Wall përdor fotomontazhe të përpunuara në mënyrë dixhitale në krijimet e tij postmoderne të imazhit.
Nuk ka konsensus midis kritikëve të artit se cilat stile arti mund të klasifikohen si art postmodern: për shembull, disa stile klasifikohen njëkohësisht si avangardë dhe postmoderne. Megjithatë, lista e mëposhtme e lëvizjeve dhe stileve të postmodernizmit mund të dallohet:
dadaizëm
Dadaistët besonin se brutaliteti i Luftës së Parë Botërore që tronditi Evropën, duke sjellë dhimbje dhe vuajtje për miliona njerëz, ishte produkt i logjikës dhe racionalizmit. Për këtë arsye, ata promovuan me krijimtarinë e tyre shkatërrimin e kanuneve estetike, cinizmin, sistematicitetin, irracionalitetin.
Kolazhi u bë metoda kryesore krijuese e artistëve dadaistë. Kanavasi ose letra shërbyen si sfond kundër të cilit artisti krijoi një kolazh duke përdorur copëza pëlhure, copëza letre dhe materiale të tjera.
Dada ekzistonte për një kohë relativisht të shkurtër: nga viti 1916 deri në vitin 1923. Kjo për faktin se platforma e saj ideologjike ishte patos pacifist që kundërshtonte realitetin e Luftës së Parë Botërore. Në vitet 1920, Dada u bashkua me ekspresionizmin në Gjermani dhe me surrealizmin në Francë.
Art Pop
Pop art (pop art) është një stil që transferoi kulturën e konsumit në fushën e artit dhe i mësoi njerëzimit të shohë bukurinë në tridhjetë e tre kanaçe supë. Pop-art nuk duhet të ngatërrohet me kulturën popullore. Autorët e konsideruan kulturën masive si një objekt, ashtu si një portretist shikon një model ose një artist peizazhi: në gjirin e natyrës.
Tema e kulturës masive, mbi të cilën ra vështrimi i artistit, u shndërrua në diçka origjinale: një objekt arti i refraktuar përmes interpretimit të artistit. Nga pikëpamja artistike, ky stil tërhiqte materialitetin, objektivitetin, ndryshe nga një tendencë tjetër popullore, abstraksionizmi. Pop-art lindi në luftën kundër krijimtarisë së abstraksionistëve dhe paralajmëroi një rikthim në shfaqjen e objekteve specifike në kanavacë.
Në vetvete, tërheqja ndaj gjërave të përditshme nuk është e re për historinë e pikturës. Në fund të fundit, jeta e qetë është një pamje e një artisti për objektet përreth. Në fakt, nuk ka shumë dallim mes vazos së Caravaggio-s dhe shisheve jeshile të Coca-Cola-s të Warhol-it. Por pop arti kishte veçoritë e tij konceptuale: artistët morën objekte dhe imazhe ikonike nga kultura masive, të cilat tani do t'i quanin "meme".
Përveç kësaj, ata i kushtuan vëmendje jo vetëm objekteve, por edhe imazheve; një shembull tipik është Marilyn Diptych i Warhol-it. Nuk mund të mohohet fakti që arti pop ndihmoi në afirmimin e ëndrrës amerikane, legjitimimin e shoqërisë konsumatore dhe stilit përkatës të jetesës. Në të njëjtën kohë, ajo hodhi themelet për një kritikë të filozofisë së konsumit, e cila më vonë do të forcohej.
Art Word
Termi Word Art përshkruan një kategori të artit postmodern të bazuar në tekst nga artistë të ndryshëm bashkëkohorë të pranishëm që nga vitet 1950. Një përkufizim i thjeshtë i artit të bazuar në tekst mund të jetë "art që përfshin fjalë ose fraza si një komponent kryesor artistik".
Imazhet e bazuara në tekst që përmbajnë fjalë dhe fraza janë publikuar në një sërë mediash, duke përfshirë pikturën dhe skulpturën, litografinë dhe printimin e ekranit, si dhe artet e aplikuara (bluza, kriklla). Ai shfaqet gjithashtu në format më të fundit të artit bashkëkohor, siç është harta e projektimit.
Arti konceptual
Konceptualizmi (nga latinishtja conceptus: mendim, përfaqësim) është një rrymë postmoderne në art, e cila shpall epërsinë e idesë së një vepre mbi formën e shprehjes së saj artistike. Ndjekësit e konceptualizmit janë të bindur se pikturat, skulpturat, instalimet dhe performancat e tyre duhet të ngjallin tek shikuesi jo emocione, por një dëshirë për të rimenduar intelektualisht atë që panë.
Konceptualizmi nuk është një art komercial, në të objektet e krijimtarisë mund të jenë çdo send shtëpiake, materiale natyrore dhe madje edhe pjesë të mjedisit njerëzor. Artisti konceptual nuk kërkon të krijojë një vepër të përfunduar, por përpiqet t'i përcjellë shikuesit idetë e tij, të përfshihet në një lloj loje intelektuale.
Veprat e konceptit të artit kanë karakteristika dalluese. Këto vepra mund të identifikohen nga këto karakteristika: ndikojnë jo në perceptimin emocional, por në atë intelektual të shikuesit; përdorimi i shpeshtë i tekstit shpjegues për veprën; refuzimi i vetëdijshëm i artistit i kuptimit të formës në favor të rëndësisë së kuptimit (idesë) të veprës; të krijojë objekte arti nga çdo objekt i disponueshëm për autorin.
Performance Art dhe Happenings
Happenings është një formë arti avangardë, një lloj shprehjeje krijuese, e lidhur ngushtë me artin e performancës, e cila e ka themelin e saj në teoritë e artit konceptual të shekullit të 1896-të, të rrjedhur kryesisht nga demonstratat e përfaqësuesve të Dada. , si dhe të Tristanit Tzara (1963-XNUMX). Në praktikë, nuk është e lehtë të bësh dallimin midis Artit të Performancës dhe Ngjarjeve.
Të dyja janë forma argëtimi të planifikuara me kujdes (megjithëse me elemente spontaniteti) në të cilat artisti interpreton (ose menaxhon) një ngjarje teatrale artistike. Diçka më e lehtë për t'u parë sesa për t'u përshkruar me fjalë.
Në çdo rast, një Happenings është një pjesë spontane e artit të performancës që bie diku midis dramës dhe artit pamor dhe zakonisht fton dhe shkakton një reagim të fortë nga audienca.
Për shkak të stilit të tij të përkohshëm Dada, ai fillimisht u konceptua si një alternativë radikale ndaj parimeve tradicionale të artizanatit dhe si një "objekt i përhershëm arti". Një shpjegim i plotë i kësaj forme të re të artit postmodern mund të lexohet në librin e Michael Kirby 'Happenings' (1965).
Ky lloj i ngjarjes së artit u lidh veçanërisht me skenën e artit të Nju Jorkut rreth vitit 1960 dhe ende shfaqet në galeritë më të mira të artit bashkëkohor në mbarë botën.
art abstrakt
Abstraksionizmi është një stil pikture dhe arti në përgjithësi, i cili refuzon riprodhimin realist të botës përreth. Ndjekësit e tij përfaqësojnë forma të thjeshta dhe komplekse, luajnë me ngjyrat, përdorin linja, plane dhe objekte të tjera, duke i kombinuar për të krijuar emocione të caktuara tek shikuesi. Kjo është mënyra se si qasja e tij ndryshon nga ajo e përdorur nga mjeshtrit që i përmbahen klasicizmit dhe shumë stileve të tjera.
Në pamje të parë, një pikturë nga një abstraksionist mund të duket si një grumbull kaotik vijash, formash dhe pikash. Pas ekzaminimit më të afërt, bëhet e qartë se artisti ka krijuar një kompozim të tërë të krijuar për të ngjallur mendime ose disponime të caktuara te shikuesi.
Abstraksionizmi, siç u zhvillua, u shtresua në disa drejtime, secila prej të cilave kishte përfaqësuesit e vet. Kishte lloje të stileve të tilla si:
- Gjeometrike. Në veprat e artistëve të realizuar në këtë stil mbizotërojnë forma dhe linja të qarta, shumë prej tyre krijojnë iluzionin e thellësisë.
- Mjeshtrat që i përmbahen këtij drejtimi punojnë në mënyrë aktive me ngjyrat dhe kombinimet e tyre; përmes tyre ata përcjellin emocionet që duan të krijojnë tek audienca.
- Thelbi i këtij drejtimi të pikturës qëndron në mungesën e plotë të referencave ndaj objekteve reale dhe përdorimit jashtëzakonisht të kufizuar të ngjyrave, formave dhe linjave.
- Artistët që punojnë në këtë drejtim përpiqen të sjellin dinamikë, lëvizje në veprat e tyre, përmes së cilës ata përcjellin emocione dhe ndjesi. Në të njëjtën kohë, hijet, linjat dhe format zbehen në sfond.
Kuvendi
Assemblage është një teknikë arti dekorative dhe e aplikuar në të cilën artisti krijon një imazh reliev duke ngjitur pjesë ose objekte tredimensionale në një bazë të sheshtë. Në teknikën e montimit, lejohet edhe përdorimi i bojrave për një shtesë pikture në një kompozim artistik.
Assemblage, ndryshe nga kolazhi i lidhur me të, është një lloj teknikë për bashkimin e elementeve tre-dimensionale dhe jo dydimensionale (të sheshta) në sipërfaqen e përparme të imazhit. Falë përdorimit të detajeve vëllimore, imazhi është sa më realist dhe vizualisht efektiv.
Artistët profesionistë shpesh përdorin mbetje shtëpiake dhe mbeturina për të krijuar veprat e tyre origjinale të artit. Në duart e mjeshtrit, një numër i madh objektesh të shpërndara të përditshme bëhet një kompozim artistik plot me përmbajtje të thellë estetike.
Sot, veprat e krijuara duke përdorur teknikën e montimit tërheqin pa ndryshim vëmendjen e njohësve të artit bashkëkohor. Ata shpesh shkaktojnë polemika të ashpra midis kritikëve, por ata nuk lënë askënd indiferent, dhe për këtë arsye japin një kontribut të madh në zhvillimin e kulturës botërore.
Fluxus
Fluxus ishte një grup artistësh i organizuar lirshëm që shtrihej në të gjithë globin, por kishte një prani veçanërisht të fortë në qytetin e Nju Jorkut. George Maciunas konsiderohet historikisht themeluesi dhe organizatori kryesor i lëvizjes, i cili e përshkroi Fluxus si një shkrirje e Spike Jones, Vaudeville, Cage dhe Duchamp.
Ashtu si futuristët dhe dadaistët para tyre, artistët Fluxus nuk e miratuan autoritetin e muzeve të artit për të përcaktuar vlerën e artit. Ata sugjeruan gjithashtu se nuk është e nevojshme të keni një arsim special për të parë dhe kuptuar një vepër arti.
Fluxus nuk donte vetëm që arti të ishte i disponueshëm për masat, ata donin që të gjithë të krijonin art gjatë gjithë kohës. Shpesh është e vështirë të përcaktohet Fluxus, pasi shumë nga artistët e tij kanë pohuar se vetë akti i përcaktimit të lëvizjes është tashmë shumë kufizues dhe reduktues.
Ndryshe nga lëvizjet e mëparshme të artit, Fluxus u përpoq të ndryshonte historinë botërore, jo vetëm historinë e artit. Qëllimi këmbëngulës i shumicës së artistëve ka qenë të zhdukin çdo kufi midis artit dhe shoqërisë.
Një parim qendror i Fluxus ishte të hidhte poshtë dhe tallte botën elitare të "artit të lartë" dhe të gjente çdo mënyrë të mundshme për të sjellë artin te masat, në përputhje me klimën sociale të viteve 1960. Artistët e Fluxus përdorën humorin për të shprehur qëllimin e tij dhe , së bashku me Dadën, Fluxus ishte një nga lëvizjet e pakta të artit që ishte në gjendje të ecte në litar.
Pavarësisht sjelljes së tyre lozonjare, artistët e Fluxus ishin seriozë në lidhje me dëshirën e tyre për të ndryshuar ekuilibrin e fuqisë në botën e artit. Mosrespektimi i tij për artin e lartë pati një ndikim në autoritetin e perceptuar të muzeut si autoritet se kush dhe çfarë duhet të konsiderojë artistë.
Fluxus angazhoi shikuesin dhe u mbështet në elementin e rastësisë për të formuar rezultatin përfundimtar të veprës artistike. Përdorimi i rastësisë u përdor edhe nga Dada, Marcel Duchamp dhe artistë të tjerë të performancës së kohës. Artistët e Fluxus u ndikuan shumë nga idetë e John Cage, i cili besonte se duhet t'i qasemi një vepre pa idenë e rezultatit përfundimtar. Ajo që kishte rëndësi ishte procesi i krijimit, jo produkti përfundimtar.
video art
Videoja është një nga mediat më të gjithanshme të disponueshme. Një video-film mund të jetë vetë vepra arti dhe/ose një regjistrim se si është bërë vepra artistike; mund të jetë gjithashtu një element në një instalim dhe/ose pjesë e një organizimi të shumëfishtë video. Videoja e bën artin më dinamik dhe më të gjallë. Që nga fundi i viteve 1980, video dhe animacioni janë mbështetur në përdorimin e softuerit kompjuterik për të manipuluar imazhet.
fotorealizëm
Fotorealizmi është një zhanër i pikturës që u shfaq në fund të viteve 1960 në përgjigje të popullaritetit në rritje të abstraksionit. Që atëherë, pikturat fotorealiste me vëmendjen e tyre të madhe ndaj detajeve kanë ofruar iluzione optike që mund të konstatohen vetëm nga afër si imazhe të pikturuara të origjinalit fotografik.
Në vend që të vëzhgonte dhe të përfaqësonte atë që po ndodhte në realitet, fotorealizmi u frymëzua nga fotografia. Informacioni vizual i kapur nga një aparat fotografik përdoret për të krijuar piktura, vizatime dhe vepra të tjera arti iluzioniste. Artistët shpesh projektojnë foto në kanavacë në mënyrë që imazhet të mund të jepen me saktësi dhe detaje.
Art Povera
Arte Povera (nga shprehja italiane për "art i varfër" ose "art i varfër") ishte një nga lëvizjet më të rëndësishme dhe më të spikatura të artit avangardë që u shfaq në Evropën Jugore në fund të viteve XNUMX.
Kjo përfshinte punën e një duzinë artistësh italianë, tipari kryesor krijues i të cilëve ishte përdorimi i materialeve të përditshme që të kujtonin epokën para-industriale. Papastërtitë, gurët dhe veshjet ishin veçanërisht të njohura: "mbeturinat" ose materialet e lira që përdornin për artin e tyre. Kjo qasje ndaj artit sulmoi nocionet mbizotëruese të vlerës dhe korrektësisë dhe kritikoi në mënyrë delikate industrializimin dhe mekanizimin e Evropës Jugore në atë kohë.
Puna e tij shënoi një reagim ndaj pikturës abstrakte të modernizmit që kishte kontrolluar artin evropian në dekadën e mëparshme, nga e cila ai u dallua duke u fokusuar më shumë në punën skulpturore sesa në pikturë.
Disa nga veprat më domethënëse të grupit u krijuan përmes kontrastit midis lëndëve të para dhe referencave të njëkohshme ndaj rritjes së kulturës konsumatore. I bindur se moderniteti kërcënonte të zhdukte trashëgiminë kolektive, Arte Povera u përpoq të bënte kontrast të re me të vjetrën.
Përveç refuzimit të konkursit teknologjik, artistët e lidhur me Arte Povera hodhën poshtë atë që ata e perceptuan si realizëm shkencor. Ndryshe nga një qasje metodike ndaj marrëdhënieve hapësinore, ata evokuan një mit, sekretet e të cilit nuk ishin të lehta për t'u shpjeguar.
Artistët paraqitën përballje absurde dhe lozonjare, shpesh të së resë dhe të vjetrës ose shumë të përpunuar dhe paraindustriale. Duke vepruar kështu, ata kanë ilustruar disa nga efektet e modernizimit që po kontribuon në shkatërrimin e vendeve dhe kujtimeve ndërsa ai shkon gjithnjë e më tej në të ardhmen.
Interesi i Arte Povera-s për materialet e dobëta mund të lidhet me disa lëvizje të tjera të artit të viteve 1950 dhe 1960. Për shembull, ata ndanë disa teknika me lëvizje të tilla si Fluxus dhe Nouveau Réalisme në kombinimin e tyre të materialeve lehtësisht të arritshme me një prerje. rebel nga zakonisht funksionin.
postminimalizëm
Në artin post-minimalist, një term i përdorur për herë të parë nga kritiku i artit Robert Pincus Witten, fokusi zhvendoset nga pastërtia e idesë në komunikimin e saj. Si shembull mund të shihni veprat e artistes gjermano-amerikane Eva Hesse.
arti feminist
Një lëvizje artistike që trajton veçanërisht çështjet femërore si lindja, dhuna ndaj grave, kushtet e punës së grave dhe shumë të tjera. Artistët pjesëmarrës përfshijnë Louise Bourgeois dhe artisten e performancës me origjinë japoneze Yoko Ono.
dekonstruktivizëm
Dekonstruktivizmi është një nga format më mbresëlënëse të artit të konceptuar ndonjëherë. Stili i tij i çuditshëm por intensivisht krijues i arkitekturës së shekullit të 80-të u shfaq në fund të viteve XNUMX, kryesisht në Los Anxhelos, por edhe në Evropë.
Si pjesë e artit postmodern të mundësuar nga përdorimi i softuerit të projektimit të industrisë së hapësirës ajrore, arkitektura dekonstruktiviste bie në kontrast me racionalitetin e rregulluar të gjeometrisë dhe favorizon një qasje të huaj ndaj dizajnit që zakonisht shtrembëron pamjen e jashtme të një strukture ndërsa minon elementet. vlerat e modernitetit .
Disa historianë besojnë se filozofia dekonstruktiviste është gjithashtu kundër artit postmodern, megjithëse pasojat praktike të kësaj janë të paqarta. Në fund të fundit, një arkitekt dekonstruktivist duhet të ndjekë ligjet moderne dhe postmoderne të shkencës, pavarësisht nëse ai dëshiron apo jo.
Përfaqësuesi më i famshëm i arkitekturës dekonstruktiviste është fituesi i çmimit kanadezo-amerikan Pritzker Frank O. Gehry. Dekonstruktivistë të tjerë të njohur përfshijnë Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi dhe Peter Eisenman. Ndërtesat e jashtëzakonshme dekonstruktiviste përfshijnë: Shtëpinë e Vallëzimit (Pragë), Muzeun Guggenheim (Bilbao) dhe Muzeun e Dizajnit Vitra në Weil am Rhein.
Arkitektura dekonstruktiviste karakterizohet nga manipulimi i sipërfaqes, fragmentimi dhe forma jolineare që shtrembërojnë dhe anashkalojnë konventat arkitekturore të strukturës dhe sipërfaqes. Duke vepruar kështu, elementët që duken se kundërshtojnë njëri-tjetrin, kontrastohen qëllimisht për të sfiduar idetë tradicionale të harmonisë dhe vazhdimësisë.
realizëm cinik
Lëvizja e artit bashkëkohor kinez që u shfaq pas humbjes së Sheshit Tiananmen (1989). Realistët cinikë përdorën një stil pikture figurative me një rrëfim tallës. Motivet e përsëritura janë figura, burra tullac dhe portrete fotografike. Stili tallte statusin politik dhe social të Kinës dhe duke qenë se ky ishte një agim i ri për artistët kinezë, ai u prit mirë nga koleksionistët e artit perëndimorë.
Letërsia dhe kinemaja postmoderne
Karakteristikat e letërsisë postmoderne përfshijnë një trajtim të kujdesshëm të asaj që është e disponueshme në formën e citimeve dhe aludimeve dhe lojën me zhanret letrare. Gjithashtu karakteristik është ndërtimi i niveleve të shumta të veprimit dhe marrëdhënieve, shpesh të prishura.
Ndoshta romani më i njohur postmodern është Emri i trëndafilit nga Umberto Eco.Me një strukturë letrare shumë komplekse në mënyrën e një romani kriminal, Eco arriti të kapërcejë hendekun midis të ashtuquajturës kulturë të lartë dhe kulturë masive. Citimet dhe referencat historike, letrare dhe arti e bëjnë librin një roman edukativ apo edhe një konkurs letrar. Por edhe ata që nuk janë të interesuar për të mund të shijojnë punën e Eco-s si një thriller emocionues.
Në mënyrë të ngjashme, Peter Greenaway kombinoi zhanrin e filmit historik me thrillerin në filmin e tij të vitit 1982 "Kontrata e karikaturistit", por ndryshe nga Echo, ai nuk e zgjidh enigmën. Megjithëse komploti ofron të dhëna të shumta klasike, të gjitha ato nuk çojnë askund.
artet pamore
Përdorimi i termit postmoderne është refuzuar nga shumë teoricienë dhe artistë, veçanërisht në fushën e arteve pamore, duke pasur parasysh spektrin e gjerë të formave të shprehjes. Refuzimi i besimit modernist në inovacion është gjithashtu një nga themelet e estetikës postmoderne në artin e bukur. Postmodernizmi është i lidhur me kategoritë historike të artit që u refuzuan nga moderniteti, si strukturat narrative dhe mitologjike.
Kjo tashmë fillon me përshkrimet e Andy Warhol-it të ikonave të shekullit të 1950-të, nga Elvisi te Jackie Onassis. Pop-art shënoi gjithashtu shkëputjen me modernitetin në vitet XNUMX duke i thënë lamtumirë abstraksionit. Në vitet XNUMX, artet pamore, si arkitektura e asaj kohe, theksuan rëndësinë e aspekteve sensuale, emocionale dhe tradicionale mbi teorinë dhe konceptin.
Në vitet XNUMX, kolektivi New Wild (Neue Wilden) theu dominimin e avangardës minimaliste dhe konceptualisht të zellshme me pikturën e tij ekspresive dhe përfaqësuese. Ka pasur tendenca të ngjashme në Shtetet e Bashkuara dhe Itali.
Pasi u vendos vorbulla rreth egërsirave të reja, u përhapën tendenca që u përqendruan në reflektimin mbi mediumin e pikturës dhe eksperimentimin sensual me median piktoreske (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), piktura që përfaqësonte mbizotërimin e avancimit minimalist dhe konceptual të punës. gardë. Ka pasur tendenca të ngjashme në Shtetet e Bashkuara dhe Itali.
Karakteristikë e kohës janë dy artistë, puna e të cilëve përfshin estetikën e subkulturës dhe kulturës masive: Keith Haring dhe Jeff Koons. Haring arriti të ndërthurë elementë të artit të grafitit, librave komikë, gjuhës së shenjave kompjuterike, vizatimit të fëmijëve dhe pikturës së historisë së hershme në një gjuhë shenjash shumë poetike që është e kuptueshme në shumë kultura. Jeff Koons bëri emër në fillim të viteve 1990 me banalitetin provokues të subjekteve të tij.
Materiali i përdorur është zakonisht i cilësisë së lartë, por dizajni i sipërfaqes së tij ngjall botën e shkathtësisë dhe kitsch-it, të tilla si figurina prej porcelani pjesërisht e veshur me ar, në madhësi reale e Michael Jackson me shimpanze Bubbles.
Kërkesa e estetikës postmoderne për pluralizëm, subjektivitet, largim nga abstraksioni, përfshirja e masmedias, mjegullimi i kufijve gjinorë dhe pranimi i kuotimit si medium artistik ka sjellë ngjyra dhe lëvizje në peizazhin, artistik dhe muzeal.
Njohja eventuale e fotografisë dhe filmit si një medium arti mund të shihet si rezultat i qëndrueshëm i tendencave postmoderne. Pika kryesore e përkohshme: Në verën e vitit 2002, Muzeu Ludwig në Këln do të shfaqë të pesë filmat nga "Cremaster Cycle" i Matthew Barney, i përfunduar së fundmi, si pjesë e një ekspozite të madhe.
Arkitekturë
Në mesin e viteve 1970, Charles Jencks prezantoi termin postmodernizëm në diskursin arkitektonik. Në këtë mënyrë, diskursi postmodern arriti për herë të parë tek publiku i gjerë. Parimet e stilit të arkitekturës postmoderne tashmë ishin shfaqur qartë në këtë pikë.
Kërkohej një gjuhë arkitekturore demokratike dhe komunikuese, estetika e së cilës të mos bazohej vetëm në funksion, por edhe në përmbajtje domethënëse. U kërkua gjithashtu përfshirja e elementeve fiktive, si gotiku, i cili pa një imazh të Jeruzalemit qiellor në katedrale.
Në të njëjtën kohë, tendenca për të ruajtur dhe ridizajnuar ndërtesat historike u rrit. Shembulli më i spikatur ishte Gare d'Orsay në Paris, i cili u hap si Musée d'Orsay në 1986. Ndërtesa të tilla historike ndikuan në gjuhën e arkitekturës postmoderne, e cila që në fillim u përcaktua fuqishëm nga citimet.
Për të shmangur një historicizëm të ri, motoja ishte që eklekticizmi, i cili shprehej, për shembull, në përdorimin e kolonave, dritareve dhe rrjetave, duhet të thyhej me ironi. Spektri i arkitekturës postmoderne u zhvillua veçanërisht në ndërtesën e muzeut të viteve XNUMX dhe XNUMX.
Përveç muzeut Abteiberg të Hans Hollein (Mönchengladbach), Galeria Shtetërore e James Stirling (Shtutgart) konsiderohet si një produkt i suksesshëm dhe karakteristik i postmodernizmit. Në dizajnin e Stirling, aludime të shumta për arkitekturën historike, nga Egjipti te modernizmi klasik, janë shkrirë me ngjyrat e kulturës pop dhe materialet tipike rajonale prej gur ranor dhe travertin për të krijuar një formë kohezive, bashkëkohore.
Kohët e fundit, kur bëhet fjalë për ndërtimin e muzeut, karakteri i përvojës ka dalë gjithnjë e më shumë në plan të parë sesa kërkesa edukative.
Në vend të soditjes së artit meditativ, kërkohet vënia në skenë, dhe vetë arkitektura vihet në skenë me pamje mahnitëse dhe efekte teatrale. Vizitat e para publike po bëhen gjithnjë e më shumë përpara se pikturat të varen në mënyrë që arkitektura të mund të përjetohet.
Fokusi postmodern në kulturën popullore
Kritikët e artit shpesh përdorin termin "kulturë e lartë" kur përpiqen të dallojnë artin e pikturës dhe skulpturës (dhe artet e tjera pamore) nga kultura popullore e revistave, televizionit dhe produkteve të tjera të prodhuara në masë. Modernizmi dhe pasuesit e tij me ndikim si Greenberg (1909-94) i shihnin këto forma të kulturës si inferiore. Në të kundërt, postmodernistët, të cilët preferojnë një konceptim më demokratik të artit, e shohin "kulturën e lartë" si më elitiste.
Pop arti, lëvizja e parë postmoderne, i ktheu mallrat e zakonshme të konsumit në art. Artistët e pop-it dhe të tjerët shkuan edhe më tej në përpjekjet e tyre për të demokratizuar artin duke shtypur "artin" e tyre në kriklla, çanta letre dhe bluza: një metodë që, rastësisht, ilustron dëshirën, origjinalitetin dhe origjinalitetin postmoderne. minon artin.
Artistët postmodernë e kanë braktisur nocionin se një vepër arti ka vetëm një kuptim të qenësishëm. Në vend të kësaj, ata besojnë se shikuesi është një burim po aq i rëndësishëm kuptimi. Fotografia surreale e Cindy Sherman, për shembull, nënvizon idenë se një vepër arti mund të interpretohet në shumë mënyra.
Në fakt, disa artistë, si artistja e performancës Marina Abramovic, madje i lejojnë shikuesit të marrin pjesë në artin e tyre, ose madje kërkojnë kontributin e audiencës për të përfunduar punën e tyre.
Përqendrohuni në shfaqje
Në mungesë të kuptimit të vërtetë të jetës, veçanërisht kur na nënshtrohen reklamave në radio dhe televizion ditë e natë, artistët postmodernë kanë preferuar të kufizojnë veten në stil dhe spektakël, shpesh duke përdorur mjete dhe teknika promovuese për të arritur ndikim më të madh. Kjo qasje është ilustruar në procesin e printimit komercial që përdor imazhe të ngjashme me posterët nga artistë pop si Roy Lichtenstein dhe James Rosenquist.
Fokusi në sipërfaqe është një tipar i përbashkët i artit postmodern dhe ndonjëherë del në pah me imazhet teatrale, brilante dhe me ndikim të madh. Që nga viti 1980, përdorimi i kompjuterëve dhe teknologjive të tjera ka revolucionarizuar artin multimedial (p.sh. animacioni) dhe ka krijuar mundësi specifike në fusha të tilla si arkitektura.
Se sa e rëndësishme është tërheqja e vëmendjes së audiencës në postmodernizëm tregohet nga taktikat tronditëse të një grupi studentësh në Kolegjin Goldsmiths, të njohur si Artistët e Rinj Britanikë, në Londër në fund të viteve XNUMX dhe XNUMX. Të bëra të famshme për tre shfaqje, YBA-të u kritikuan për shijen e tyre të dobët, megjithatë disa prej tyre u bënë fitues të çmimit Turner, ndërsa të tjerë arritën famë dhe pasuri të konsiderueshme.
Plotësoni nevojat e konsumatorëve
Rritja e sjelljes konsumatore dhe kultura e menjëhershme e kënaqësisë në dekadat e fundit të shekullit të XNUMX-të kanë pasur gjithashtu një ndikim të fortë në artet pamore. Konsumatorët tani duan risi. Ata gjithashtu duan rekreacion dhe argëtim. Shumë artistë postmodernë, kuratorë dhe profesionistë të tjerë shfrytëzuan mundësinë për ta kthyer artin në një produkt argëtimi.
Prezantimi i formave të reja të artit si performanca, ngjarjet dhe instalimet, si dhe tema të reja, duke përfshirë peshkaqenë të vdekur, skulptura gjigante akulli, shumë trupa nudo, ndërtesa që duket se janë në lëvizje, një koleksion prej tridhjetë e pesë mijë figura terrakote, trupa të pikturuar, projeksione rrëqethëse në ndërtesa publike (dhe shumë të tjera) - ato u kanë dhënë shikuesve një mori përvojash të reja, ndonjëherë tronditëse.
Nëse këto forma të reja të artit janë në të vërtetë "art" mbetet një pyetje që shkakton shumë diskutime. Konceptualistët postmodernë pohojnë se është, ndërsa tradicionalistët refuzojnë ta konsiderojnë si të tillë.
parimet e artit postmodern
Për specialistët, arti postmodern përbëhet nga tre parime bazë që do ta qeverisin atë në një mënyrë të përgjithshme pa u kufizuar plotësisht:
kuptimi i menjëhershëm
Nuk ka më piktura vaji të zbehura që përshkruajnë ngjarje flokësh nga mitologjia greke për të shkaktuar një buzëqeshje të ditur nga vëzhguesi i kulturuar. Që nga fillimet e saj në lëvizjen Pop Art, piktura dhe skulptura postmoderne kanë qenë të guximshme, të shkëlqyera dhe të dallueshme menjëherë.
Temat dhe imazhet janë marrë kryesisht nga produkte të konsumit të profilit të lartë, revista, reklama, televizion, filma, filma vizatimorë dhe komikë. Për herë të parë, të gjithë e kuptuan artin e ekspozuar. Megjithëse postmodernizmi ka evoluar nga arti pop, një qëllim kryesor i kuptimit mbetet menjëherë i dukshëm.
Arti mund të bëhet nga çdo gjë
Duke u bazuar në traditat e Marcel Duchamp, urinali i të cilit me titullin Shatërvan (1917) ishte shembulli i parë i famshëm i një objekti të zakonshëm të kthyer në një vepër arti (një shembull tjetër: Historia e të gatshmeve), artistët e artit postmodernistët e bënë atë. biznesi i tyre për të krijuar art nga materialet dhe mbeturinat më të pazakonta. Ideja pas saj është të demokratizojë artin dhe ta bëjë atë më të aksesueshëm.
Ideja është më e rëndësishme se vetë vepra e artit
Deri në vitet 1960, artistët përgjithësisht besonin se pa një produkt të përfunduar nuk do të kishte asgjë. Vëmendje e madhe iu kushtua cilësisë së veprës së përfunduar të artit dhe mjeshtërisë së kërkuar për të. Sot gjërat janë ndryshe.
Postmodernistët priren të besojnë më shumë në konceptin pas produktit përfundimtar sesa në vetë produktin, prandaj shumica e "artit postmodern" quhet "art konceptual" ose "konceptualizëm". Forma të tjera të konceptualizmit përfshijnë instalimet, artet interpretuese, ngjarjet, artin e projektimit dhe disa të tjera.
Artistë të shquar postmodernë
Duke qenë se jemi bashkëkohës të artit postmodern, është e vështirë të dallosh emrat ikonë të kohës. Vetëm pas një kalimi kohe do të jetë e mundur të thuhet se cilët artistë lanë një gjurmë shprehëse në historinë e pikturës dhe fama e të cilëve ishte vetëm një haraç për modën. Por, meqenëse postmodernizmi është zhvilluar për më shumë se gjysmë shekulli, mund të përmendim disa nga emrat e shënuar tashmë në histori. Këto përfshijnë, për shembull:
- Dadaist, surrealist dhe themelues i konceptualizmit Marcel Duchamp
- Lideri i artit pop Andy Warhol
- Pionieri i asamblesë César Baldaccini
- Konceptualisti i njohur Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (lindur më 28 korrik 1887 - vdiq më 2 tetor 1968) ishte një mjeshtër i artit avangardë, i njohur për veprat e tij ekstravagante të artit. Puna e Marcel Duchamp sfidoi traditat e vendosura dhe u diskutua vazhdimisht në kronikën skandaloze në të dy anët e oqeanit.
Në fillim të karrierës së tij, ai pikturoi piktura në stilin post-impresionist, duke i bërë homazh kubizmit dhe fauizmit, por më pas hoqi dorë nga piktura dhe u interesua të krijonte instalacione ku përziente teknika dhe përdorte materiale të teksturave të ndryshme. Idetë revolucionare të artistit patën një ndikim të madh në zhvillimin e artit konceptual në shekullin e XNUMX-të.
Andy Warhol
Andy Warhol (lindur më 6 gusht 1928 - vdiq më 22 shkurt 1987) ishte një artist dhe pronar galerie i kërkuar amerikan i shekullit të XNUMX-të. Ai dha një kontribut të madh në zhvillimin e artit komercial pop. Andy Warhol konsiderohet me të drejtë udhëheqësi i një tendence të tillë si uomo universale.
Robert Rauchenberg
Robert Rauschenberg (lindur më 22 tetor 1925 – vdiq më 12 maj 2008) titani i artit amerikan të shekullit të XNUMX-të sipas gazetës The New York Times, ishte një artist dhe krijues i shquar, përfaqësues i impresionizmit abstrakt, konceptualizmit, i gatshëm dhe themelues. e artit pop.
Pikturat e Robert Rauschenberg janë kolazhe dhe instalime, obeliskë, sende shtëpiake dhe objekte të tjera që janë të vështira për t'u klasifikuar. Puna e mjeshtrit, ashtu si biografia e tij, është tronditëse, befasuese, e neveritshme dhe simpatike, por nuk lë askënd indiferent. Biseksual i zjarrtë, farmacist i frustruar, kundërshtar i gjithçkaje që është klasike dhe e zakonshme, ai vazhdimisht sfidonte veten dhe botën përreth tij.
Mjetet juridike Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (lindur më 16 dhjetor 1908 - vdiq më 8 tetor 1963) është një artist spanjoll dhe meksikan i shekullit të XNUMX-të, një përfaqësues origjinal i surrealizmit. Vepra e Remedios Varos shkon përtej kornizës së pikturës klasike: ëndrrat, reflektimet filozofike, magjia, mekanika, historia dhe okulti janë të ndërthurura në veprat e surrealistit.
Në të njëjtën kohë, pikturat e Remedios Varos janë në mënyrë të theksuar lirike dhe femërore, të mbushura me një atmosferë mesjetare dhe i referojnë shikuesit origjinën e universit. Pikturat e Remedios Varos janë të mbushura me personazhe ekstravagante të përrallave, konstruksione mekanike dhe natyrë. Ndryshe nga surrealizmi klasik, në secilën prej veprave të artistit gjurmohet qartë një komplot që e çon shikuesin në përfundime të caktuara.
Francis Bacon
Francis Bacon (lindur më 28 tetor 1909 – vdiq më 28 prill 1992) është një mjeshtër i ekspresionizmit britanik, një nga artistët më të paqartë dhe më brutalë të shekullit të XNUMX-të. Puna e Francis Bacon njihet si mbresëlënëse: krijimet më të tmerrshme të fantazisë njerëzore marrin jetë në pikturat e tij.
Francis Bacon nuk mori asnjë arsim akademik. Në të njëjtën kohë, është tepër e kërkuar dhe popullore. Pikturat e mjeshtrit janë ëndrra më e madhe si për galeritë private ashtu edhe për muzetë më të famshëm në botë, të cilët nuk janë aspak të neveritshëm për të përfshirë veprën e tij në koleksion. Disa nga kryeveprat e artistit kapin vlerën e dhjetëra milionë dollarëve dhe janë përfshirë në listat e veprave më të shtrenjta të artit.