Trí óc của người nghệ sĩ có khả năng tạo ra những điều ngoài sức tưởng tượng, nhiều xu hướng và phong cách trên thế giới đã chứng minh điều đó, nhưng đối với nhiều người, có lẽ không ai bằng Chủ nghĩa biểu hiện. Đi sâu vào phong cách nghệ thuật hấp dẫn ra đời từ cuối thế kỷ XIX này.
Chủ nghĩa biểu hiện là gì?
Chủ nghĩa biểu hiện là một phong cách nghệ thuật tìm cách đại diện không phải hiện thực khách quan mà là hiện thực chủ quan. Mục đích là phản ánh những cảm xúc và phản ứng mà các đối tượng và sự kiện khơi dậy bên trong một người. Người nghệ sĩ có thể nắm bắt hiện thực chủ quan này thông qua bóp méo, cường điệu, chủ nghĩa nguyên thủy, tưởng tượng, và cũng thông qua việc áp dụng các yếu tố hình thức một cách sống động, chói tai, bạo lực hoặc năng động.
Chủ nghĩa biểu hiện là một hình thức nghệ thuật rất cá nhân và mãnh liệt, nơi người sáng tạo cố gắng truyền đạt cảm xúc và suy nghĩ thân mật của mình trong các tác phẩm của mình, tránh xa cách thể hiện truyền thống của hiện thực. Đặc điểm của dòng điện này là ảnh hưởng quyết định của nó đến hội họa, trong đó cố gắng đạt được tác động tối đa đến người xem, hy sinh hoặc làm sai lệch độ chính xác của hình biểu diễn, nói chung nghiêng về đường nét mạnh mẽ và màu sắc nổi bật, mặc dù đây không phải là quy tắc trong mọi trường hợp .
Các bố cục thường đơn giản và trực tiếp, trong đó thường xuyên sử dụng sơn nhão dày, sử dụng các nét vẽ lỏng lẻo được áp dụng một cách rất tự do và đôi khi mang tính biểu tượng, thông điệp là điều quan trọng hàng đầu.
Chủ nghĩa biểu hiện là một trong những trào lưu nghệ thuật chính phát triển từ cuối thế kỷ XNUMX đến đầu thế kỷ XNUMX, với những phẩm chất mang tính chủ quan, cá nhân và tự phát cao, tiêu biểu cho một loạt các nghệ sĩ và phong trào nghệ thuật hiện đại.
Đây có thể được coi là một xu hướng lâu dài trong nghệ thuật Đức và Bắc Âu kể từ ít nhất là thời Trung cổ Châu Âu, đặc biệt là trong thời kỳ thay đổi xã hội hoặc khủng hoảng tinh thần, theo nghĩa này trái ngược với xu hướng duy lý và cổ điển, vốn được đánh giá cao ở Ý và hơn thế nữa. buổi tối từ Pháp
Vào đầu thế kỷ XNUMX, xu hướng nghệ thuật này đã tràn sang châu Âu, được thúc đẩy bởi sự phản kháng với văn hóa tư sản và sự tìm kiếm nhiệt thành cho những sáng tạo trẻ, mới mẻ. Các nghệ sĩ theo trường phái biểu hiện và nghệ thuật theo trường phái biểu hiện nhấn mạnh đến cái tôi, tâm hồn, cơ thể, tình dục, bản chất và tinh thần.
Chủ nghĩa biểu hiện như một phong cách hoặc trào lưu khác với xu hướng thời bấy giờ tập trung vào một loạt nghệ sĩ Đức, Áo, Pháp và Nga, những người đã trở nên phổ biến trong những năm trước Chiến tranh thế giới thứ nhất và duy trì như vậy trong phần lớn thời gian giữa các cuộc chiến tranh. .
Ở Pháp, Van Gogh người Hà Lan đang đào sâu và bộc lộ tâm lý bất thường, rắc rối và đầy màu sắc của mình, mặt khác, ở Đức, Wassily Kandinsky người Nga đang khám phá tâm linh trong nghệ thuật như một liều thuốc giải độc cho sự xa lánh trong thế giới hiện đại, và ở Áo. , Egon Schiele và Oskar Kokoschka đã chiến đấu chống lại sự đạo đức giả của xã hội bằng cách giải quyết các vấn đề như tình dục, cái chết và bạo lực.
Edvard Munch cuối cùng đã tạo được ảnh hưởng ở Na Uy và khắp châu Âu với những biểu hiện hoang dã và mãnh liệt về môi trường, bản thân và tâm hồn của mình. Các nghệ sĩ này đã cùng nhau giải quyết những câu hỏi, chủ đề và cuộc đấu tranh rất thô sơ, chân thực và vượt thời gian vốn vẫn đang diễn ra ngay dưới bề mặt và vẫn còn quen thuộc với chúng ta ngày nay.
Đó có lẽ là lý do tại sao chủ nghĩa biểu hiện trong nghệ thuật vẫn tiếp tục dưới nhiều hình thức khác nhau ngay cả sau những nghệ sĩ này và thời kỳ cụ thể này, cho phép chúng ta nói rằng chủ nghĩa biểu hiện vẫn còn tồn tại cho đến ngày nay.
Nguồn gốc
Vào đầu thế kỷ XNUMX ở Tây Âu, xã hội phát triển với tốc độ nhanh chóng, công nghiệp hóa mãnh liệt đã đưa lục địa này đi gần như vũ bão, với những đổi mới trong thế giới sản xuất và truyền thông, thường tạo ra cảm giác bất ổn trong thế giới nói chung. công cộng.
Sự phát triển chóng mặt của công nghệ và quá trình đô thị hóa của các thành phố lớn đã mang đến cho họ cảm giác bị cô lập và ngắt kết nối với thế giới tự nhiên. Có thể hiểu được rằng những cảm xúc và lo lắng này bắt đầu xuất hiện hay đúng hơn là chảy máu trong nghệ thuật thời đó. Hai nhóm nghệ sĩ đã tạo ra chủ nghĩa biểu hiện như chúng ta biết ngày nay: Die Brucke y Der blaue reiter, cả hai đều thành lập ở Đức vào đầu thế kỷ XNUMX.
Bốn sinh viên kiến trúc ở Dresden đã thành lập một nhóm nghệ thuật cộng đồng có tên là Die Brucke (Cây cầu). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff và Ernst Ludwig Kirchner cố gắng trở thành cầu vào tương lai của nghệ thuật, khơi gợi những phản ứng cảm xúc mãnh liệt bằng cách sử dụng các hình dạng, màu sắc và bố cục phi tự nhiên, tất cả đều lấy cảm hứng từ thế giới hiện đại.
Các tác phẩm của ông có sự tương đồng mạnh mẽ với phong trào Fauvism ở Pháp, dẫn đầu bởi Henri Matisse, đặc biệt là trong việc sử dụng màu sắc tươi sáng và hình dạng không điển hình, với mục đích truyền tải nhiều cảm xúc. Die Brucke nó được dự định là một sự phản đối trẻ trung và sáng tạo và phản ứng lại chủ nghĩa hiện thực trong nghệ thuật hàng thế kỷ. Năm 1906, họ làm bản tuyên ngôn của mình trên một bức tranh khắc gỗ, thể hiện những điều sau:
“Với niềm tin vào sự phát triển không ngừng, trong một thế hệ người sáng tạo và những người đánh giá cao mới, chúng tôi tập hợp tất cả những người trẻ tuổi lại với nhau. Và với tư cách là những người trẻ mang tương lai, chúng ta có ý định giành quyền tự do đi lại và cuộc sống cho bản thân đối lập với những quyền lực lâu đời và lâu đời. Ai thể hiện trực tiếp và xác thực những gì thúc đẩy anh ta tạo ra là người trong chúng ta ” Kirchner (1906)
Thông qua lời kêu gọi hành động này, các nghệ sĩ trẻ Tây Âu đã được giao nhiệm vụ đầy thách thức là xây dựng một phong trào nghệ thuật mới: Chủ nghĩa biểu hiện.
Các nghệ sĩ phong trào Die Brucke họ tập trung chủ yếu vào việc miêu tả sự hỗn loạn to lớn của sự hiện đại, công nghiệp hóa và đô thị mới bao quanh họ. Họ vẽ cảnh quan đô thị với những đỉnh núi lởm chởm, phóng đại và màu sắc rực rỡ.
Sau khi vượt qua các giới hạn, hơn nhiều so với Fauves, Die Brucke anh ấy đã kết hợp văn hóa hộp đêm ngầm của Đức, sự suy đồi của tầng lớp thấp hơn, và tất cả cảm xúc và sự khó chịu vào các buổi biểu diễn của mình, mà không bỏ qua tầm nhìn và ý nghĩa cá nhân của mình.
Hiệp hội không chính thức này đã phản đối cái mà họ coi là chủ nghĩa tự nhiên hời hợt của chủ nghĩa ấn tượng hàn lâm. Họ muốn truyền lại nghệ thuật Đức với một sức sống tinh thần mà họ cảm thấy còn thiếu và họ đã tìm cách làm như vậy thông qua sự thể hiện mang tính nguyên tố, mang tính cá nhân cao và tự phát. Các thành viên ban đầu của Die Brücke sớm được gia nhập bởi những người Đức Emil Nolde, Max Pechstein và Otto Müller. Những người theo chủ nghĩa Biểu hiện đã bị ảnh hưởng bởi những người tiền nhiệm của họ từ những năm 1890.
Họ cũng quan tâm đến tranh khắc gỗ châu Phi và các tác phẩm của các nghệ sĩ Bắc Âu thời Trung cổ và Phục hưng như Albrecht Dürer, Matthias Grünewald và Albrecht Altdorfer. Tranh khắc gỗ, với những đường răng cưa dày và sự tương phản âm sắc khắc nghiệt, là một phương tiện yêu thích của những người theo chủ nghĩa Biểu hiện Đức.
Các tác phẩm của các nghệ sĩ Die Brücke đã kích thích chủ nghĩa biểu hiện ở các khu vực khác của châu Âu. Oskar Kokoschka và Egon Schiele người Áo đã sử dụng những nét vẽ bị tra tấn và những đường nét góc cạnh của mình, còn Georges Rouault và Chaim Soutine ở Pháp đã phát triển phong cách hội họa được đánh dấu bằng biểu hiện cảm xúc mãnh liệt và sự bóp méo dữ dội của chủ đề tượng hình.
Họa sĩ Max Beckmann, nghệ sĩ đồ họa Käthe Kollwitz, và các nhà điêu khắc Ernst Barlach và Wilhelm Lehmbruck, cũng đã làm việc với những ảnh hưởng mạnh mẽ của chủ nghĩa biểu hiện. Nhiều tác phẩm của họ thể hiện sự thất vọng, lo lắng, ghê tởm, bất mãn, bạo lực, và nói chung, một loại cảm giác dữ dội điên cuồng phản ứng với sự xấu xí, tầm thường và những khả năng và mâu thuẫn mà họ nhìn thấy trong cuộc sống hiện đại.
Nhóm thứ hai, được gọi là Der blaue reiter (The Blue Rider), được thành lập tại Munich vào năm 1911. Được đặt tên theo bức tranh của Wassily Kandinsky, tập thể này được tạo nên bởi các émigrés Kandinsky người Nga, Alexej von Jawlensky và Marianne von Werefkin và các nghệ sĩ Đức Franz Marc, August Macke và Gabriele Munter.
Bức tranh của Kandinsky được chọn làm tên gọi của nhóm vì nó miêu tả một nhân vật trên lưng ngựa từ thực tế sang một lĩnh vực tinh thần và cảm xúc, và đó là các nghệ sĩ của Der blaue reiter họ say mê miêu tả khía cạnh tinh thần hơn là thể chất.
Mặc dù phong cách của anh ấy đa dạng, khi các tác phẩm của anh ấy thể hiện, mối quan tâm đến chủ nghĩa nguyên thủy và phong cảnh tình cảm đã chi phối các tác phẩm của anh ấy. Rất khác nhau bởi Die Brucke, The Blue Rider ông là một động lực lớn trong sự phát triển của chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng.
Chủ nghĩa biểu hiện và nghệ thuật trừu tượng từ chối chủ nghĩa hiện thực, luôn cố gắng truyền tải cảm xúc, tuy nhiên, chủ nghĩa biểu hiện giữ lại cảm giác về hình thức và tính biểu tượng trong khi nghệ thuật trừu tượng từ bỏ những hình ảnh dễ nhận biết.
Der blaue reiter ông đã kết hợp những ý tưởng này lại với nhau, tạo ra một nhánh hoàn toàn mới của chủ nghĩa biểu hiện vẫn có ảnh hưởng lớn đến nghệ thuật hiện đại. Khi Chiến tranh thế giới thứ nhất bắt đầu, Die Brucke y Der blaue reiter họ đã tan rã, nhưng di sản của họ vẫn tồn tại khi Chủ nghĩa Biểu hiện tiếp tục phát triển phổ biến và vẫn được thực hiện trong thế kỷ XNUMX.
Nguồn gốc của trường phái Biểu hiện Đức có thể được tìm thấy trong các tác phẩm của Vincent van Gogh, Edvard Munch và James Ensor, mỗi người, trong giai đoạn từ 1885-1900, đã phát triển một phong cách hội họa rất riêng.
Những nghệ sĩ này đã sử dụng khả năng biểu đạt của màu sắc và đường nét, khám phá các chủ đề kịch tính và giàu cảm xúc, với mục đích truyền tải những phẩm chất của sự sợ hãi, kinh dị và kỳ cục, hoặc đơn giản là để tôn vinh thiên nhiên với cường độ kinh ngạc. Họ phá vỡ với nhiều âm mưu, họ không đại diện cho tự nhiên theo đúng nghĩa đen, để thể hiện quan điểm chủ quan hơn hoặc trạng thái tinh thần.
Những người theo chủ nghĩa Biểu hiện Đức đã sớm phát triển một phong cách đáng chú ý bởi sự khắc nghiệt, táo bạo và cường độ hình ảnh của nó. Họ sử dụng những đường lởm chởm và méo mó, nét vẽ nhanh và khắc nghiệt, chưa kể đến những màu sắc chói tai giúp họ mô tả cảnh đường phố đô thị và các chủ đề đương đại khác trong các tác phẩm bận rộn, đông đúc được chú ý bởi tính không ổn định và bầu không khí đầy cảm xúc.
Các nghệ sĩ thuộc nhóm được gọi là Der Blaue Reiter đôi khi được coi là người theo chủ nghĩa biểu hiện, mặc dù nghệ thuật của họ nói chung là trữ tình và trừu tượng, ít cảm xúc quá mức, hài hòa hơn và quan tâm nhiều hơn đến các vấn đề hình thức và hình ảnh so với các nghệ sĩ Die Brücke.
Chủ nghĩa biểu hiện cũng là một phong cách thống trị ở Đức trong những năm ngay sau Thế chiến thứ nhất, nơi nó phù hợp với bầu không khí hoài nghi, xa lánh và vỡ mộng thời hậu chiến. Một số học viên sau này của phong trào, chẳng hạn như George Grosz và Otto Dix, đã phát triển sự kết hợp sắc nét hơn, mang tính phê phán xã hội giữa chủ nghĩa biểu hiện và chủ nghĩa hiện thực được gọi là Neue Sachlichkeit (Tính khách quan mới).
vào thế kỷ XNUMX
Có thể thấy từ các nhãn hiệu như Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng và Chủ nghĩa biểu hiện mới, các phẩm chất tự phát, bản năng và cảm xúc cao của Chủ nghĩa biểu hiện đã được chia sẻ bởi nhiều phong trào nghệ thuật tiếp theo của thế kỷ XNUMX.
Chủ nghĩa biểu hiện được coi là một xu hướng quốc tế hơn là một phong trào nghệ thuật nhất quán, có ảnh hưởng đặc biệt vào đầu thế kỷ XNUMX. Nó bao gồm một số lĩnh vực: nghệ thuật, văn học, âm nhạc, sân khấu và kiến trúc.
Các nghệ sĩ theo trường phái biểu hiện đã tìm cách thể hiện trải nghiệm cảm xúc, thay vì thực tế vật lý. Những bức tranh theo trường phái biểu hiện nổi tiếng là Tiếng hét của Edvard Munch, The Blue Rider của Wassily Kandinsky và Người phụ nữ ngồi giơ chân trái lên của Egon Schiele.
Sự suy giảm của phong trào
Sự suy tàn của chủ nghĩa Biểu hiện đã được thúc đẩy nhanh chóng bởi sự mơ hồ về khao khát một thế giới tốt đẹp hơn, bởi việc sử dụng ngôn ngữ giàu chất thơ và nói chung bởi tính chất cá nhân và khó tiếp cận trong cách trình bày của nó. Một số nghệ sĩ theo trường phái Biểu hiện đã mất mạng trong hoặc do hậu quả của Chiến tranh thế giới thứ nhất do chấn thương và bệnh tật. Đó là trường hợp của Franz Marc qua đời năm 1916 và Egon Schiele qua đời trong trận dịch cúm năm 1918, nhiều người khác đã tự kết liễu đời mình sau khi gục ngã vì chấn thương chiến tranh.
Sự phục hồi một phần sự ổn định ở Đức sau năm 1924 và sự phát triển của các phong cách chính trị công khai chịu ảnh hưởng mạnh mẽ của chủ nghĩa hiện thực xã hội đã đẩy nhanh sự suy giảm của phong trào vào cuối những năm 1920.
Chủ nghĩa biểu hiện đã chết cùng với sự trỗi dậy của Đức Quốc xã, người lên nắm quyền vào năm 1933 và mô tả công việc của hầu hết tất cả những người theo chủ nghĩa biểu hiện là suy đồi và thô tục. Sự bắt bớ và sách nhiễu của họ rất dữ dội và quá mức, ngăn cấm những người trưng bày, xuất bản và thậm chí làm việc, hầu hết họ đã lưu vong ở Hoa Kỳ và các nước khác như một biện pháp quyết liệt hơn.
Đó là sự kết thúc của kỷ nguyên chủ nghĩa biểu hiện của Đức, chủ nghĩa biểu hiện đã chết vì chế độ độc tài của Đức Quốc xã và chịu trách nhiệm dán nhãn cho vô số nghệ sĩ thời đó, bao gồm Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent van Gogh và Paul Gauguin, với tư cách là những nghệ sĩ thoái hóa, loại bỏ các tác phẩm nghệ thuật theo chủ nghĩa biểu hiện của họ khỏi các viện bảo tàng và tịch thu chúng một cách thô bạo.
Tuy nhiên, chủ nghĩa biểu hiện vẫn tiếp tục truyền cảm hứng và sống mãi trong các nghệ sĩ và phong trào nghệ thuật sau này. Ví dụ, chủ nghĩa Biểu hiện Trừu tượng đã phát triển như một phong trào tiên phong lớn ở Mỹ thời hậu chiến trong những năm 1940 và 1950. Những nghệ sĩ này tránh tượng hình và thay vào đó khám phá màu sắc, họa tiết cử chỉ và tính tự phát trong nghệ thuật của ông.
Sau đó, vào cuối những năm XNUMX và đầu những năm XNUMX, chủ nghĩa tân biểu hiện bắt đầu phát triển như một phản ứng chống lại khái niệm và nghệ thuật tối giản thời bấy giờ.
Những người theo trường phái Tân biểu hiện đã tập trung rất nhiều vào những người đi trước của Chủ nghĩa Biểu hiện Đức, những người đi trước họ và thường kết xuất các đối tượng một cách thô thiển với nét vẽ biểu cảm và màu sắc đậm. Các nghệ sĩ tiêu biểu nhất của phong trào này bao gồm Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl và David Salle.
Trên thế giới
Chủ nghĩa biểu hiện là một thuật ngữ phức tạp và rộng lớn, có nghĩa là những điều khác nhau vào những thời điểm khác nhau. Tuy nhiên, khi chúng ta nói về nghệ thuật theo trường phái biểu hiện, nhiều người chuyển sự chú ý sang xu hướng nghệ thuật nổi lên để hưởng ứng chủ nghĩa ấn tượng ở Pháp hoặc phong trào nhìn thấy ánh sáng ở Đức và Áo vào đầu thế kỷ XX. Thuật ngữ này co giãn đến mức nó có thể phù hợp với các nghệ sĩ khác nhau, từ Vincent van Gogh đến Egon Schiele và Wassily Kandinsky, triển lãm theo những cách rất cụ thể ở mỗi quốc gia.
chủ nghĩa biểu hiện của Pháp
Ở Pháp, các nghệ sĩ chính thường gắn liền với chủ nghĩa biểu hiện là Vincent van Gogh, Paul Gauguin và Henri Matisse. Mặc dù Van Gogh và Gauguin đã hoạt động tích cực trong những năm trước khi được coi là thời kỳ chính của chủ nghĩa biểu hiện (1905-1920), họ chắc chắn có thể được coi là những nghệ sĩ theo trường phái biểu hiện, những người đã vẽ thế giới xung quanh họ không chỉ đơn giản như vẻ bề ngoài, mà từ một cách sâu sắc. kinh nghiệm chủ quan của con người.
Matisse, Van Gogh và Gauguin đã sử dụng màu sắc biểu cảm và phong cách vẽ cọ bản để mô tả cảm xúc và trải nghiệm, tránh xa những mô tả thực tế về đối tượng của họ và tập trung vào cách họ cảm nhận và nhận thức.
chủ nghĩa biểu hiện Đức
Ở Đức, chủ nghĩa biểu hiện đặc biệt gắn liền với nhóm Brücke và Der Blaue Reiter như đã đề cập ở trên. Phong trào Chủ nghĩa Biểu hiện của Đức được truyền cảm hứng bởi chủ nghĩa thần bí, thời Trung cổ, thời đại nguyên thủy và triết học của Friedrich Nietzsche, những người có ý tưởng vô cùng phổ biến và có ảnh hưởng vào thời điểm đó.
Der Brücke được thành lập tại Dresden vào năm 1905 với tư cách là một tập thể phóng túng của các nghệ sĩ theo chủ nghĩa biểu hiện, những người chống lại trật tự xã hội tư sản ở Đức. Bốn thành viên sáng lập là Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel và Karl Schmidt-Rottluff, không ai trong số họ được đào tạo chính quy về nghệ thuật.
Họ đã chọn tên của nó, Der Brücke, để mô tả mong muốn xây dựng một cây cầu giữa quá khứ và hiện tại. Cái tên này được lấy cảm hứng từ một đoạn văn trong phim The Spoke Zarathustra của Friedrich Nietzsche. Các nghệ sĩ đã cố gắng thoát khỏi cuộc sống ngột ngạt của tầng lớp trung lưu hiện đại bằng cách khám phá cách sử dụng màu sắc mạnh mẽ, cách tiếp cận hình thức trực tiếp và đơn giản hóa, và tình dục tự do trong tác phẩm của họ.
Der Blaue Reiter được thành lập vào năm 1911 bởi Wassily Kandinsky và Franz Marc và đối mặt với sự xa lánh ngày càng tăng mà họ phải trải qua do quá trình hiện đại hóa thế giới, họ đã tìm cách vượt lên trên trần tục bằng cách theo đuổi giá trị tinh thần của nghệ thuật.
Ngoài ra, mục tiêu của ông là phá vỡ biên giới và kết hợp nghệ thuật trẻ em, nghệ thuật dân gian và dân tộc học. Cái tên Der Blaue Reiter có liên quan đến chủ đề lặp lại của Người cưỡi ngựa trong thời kỳ của Kandinsky ở Munich, cũng như tình yêu màu xanh lam của Kandinsky và Marc, thứ mà họ có những phẩm chất thiêng liêng. Các nghệ sĩ chính liên kết với Der Blaue Reiter là Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin và Macke.
chủ nghĩa biểu hiện của người Áo
Egon Schiele và Oskar Kokoschka là hai nhân vật hàng đầu trong Chủ nghĩa Biểu hiện của Áo và đặc biệt chịu ảnh hưởng của người tiền nhiệm Gustav Klimt, người cũng tham gia vào việc khởi động sự nghiệp của họ, với các cuộc triển lãm mà ông đã tạo ra trưng bày những gì tốt nhất trong nghệ thuật Áo đương đại.
Cả hai nghệ sĩ theo trường phái biểu hiện đều sống ở thành phố Vienna đầy mâu thuẫn vào cuối thế kỷ XNUMX và đầu thế kỷ XNUMX, nơi đàn áp đạo đức và thói đạo đức giả tình dục đóng một vai trò quan trọng trong sự phát triển của chủ nghĩa biểu hiện.
Schiele và Kokoschka tránh những gì họ coi là giả dối và đạo đức giả và khắc họa các chủ đề như cái chết, bạo lực, khao khát và tình dục. Kokoschka được biết đến với những bức chân dung và khả năng bộc lộ bản chất bên trong của các đối tượng và Schiele với những miêu tả rõ ràng, chân thực đến mức tàn bạo về tình dục, vốn bị coi là xa cách và tuyệt vọng.
chủ nghĩa biểu hiện Na Uy
Một nghệ sĩ quan trọng khác thời bấy giờ có tác động lớn đến bối cảnh chủ nghĩa biểu hiện của Đức và Áo là Edvard Munch người Na Uy, nổi tiếng ở Vienna với các cuộc triển lãm Ly khai và Kunstschau năm 1909.
Ông được coi là đại diện cao nhất của đất nước mình trong phong trào này và là tiền thân chủ chốt của nó. Gắn liền với chủ nghĩa tượng trưng, Munch nổi tiếng nhất với The Scream, bức tranh vẽ một nhân vật trên cây cầu, mặt trời lặn sau lưng anh ta và xuất hiện để phát ra một tiếng hét tuyệt vọng như máu, thể hiện tinh thần không ngừng nghỉ của người nghệ sĩ.
Tác phẩm nghệ thuật theo trường phái biểu hiện mang tính biểu tượng
Như trong các trào lưu nghệ thuật khác, chủ nghĩa biểu hiện có những nhân vật quan trọng đánh dấu trước và sau trong thời đại của họ, tạo ra những mẫu nghệ thuật độc đáo và bất hủ, chẳng hạn như những mẫu được trình bày dưới đây:
Tiếng thét của Edvard Munch (1893)
Loạt tranh có tên Tiếng thét (Skrik) này được lấy cảm hứng từ một trải nghiệm nhất thời mà người sáng tạo ra nó là E. Munch đã có khi ở Pháp, bức tranh nổi tiếng nhất hiện đang nằm trong Phòng trưng bày Quốc gia của Na Uy và được hoàn thành vào năm 1893. Nói theo cách của mình:
Tôi đang đi bộ trên đường với hai người bạn. Mặt trời bắt đầu lặn. Tôi cảm thấy một chút u sầu. Đột nhiên, bầu trời chuyển sang màu đỏ như máu. Tôi dừng lại, dựa vào lan can, mệt chết đi được, nhìn những đám mây rực lửa treo như máu và một thanh kiếm trên vịnh hẹp màu xanh đen và thành phố.
Những người bạn của tôi vẫn tiếp tục bước đi. Tôi đứng đó, run lên vì sợ hãi. Và tôi cảm thấy một tiếng hét mạnh mẽ và bất tận xuyên thấu thiên nhiên. Chủ nghĩa biểu hiện, Ashley Bassie, tr.69
Hình ảnh truyền đi nỗi sợ hãi, tuyệt vọng, tiếng hét của anh ta hoàn toàn bao quanh anh ta và đi qua cả môi trường và tâm trí của những người quan sát anh ta. Theo phong cách chủ nghĩa biểu hiện, bức tranh được làm bằng chất liệu dầu, tempera và phấn màu trên bìa cứng, với kích thước 91 x 74 cm.
Der Blaue Reiter của Wassily Kandinsky (1903)
Der Blaue Reiter hay Blue Rider là một trong những tác phẩm theo trường phái biểu hiện đầu tiên của Kandinsky được ngưỡng mộ vì khả năng xử lý màu sắc và ánh sáng đáng kinh ngạc, nó được coi là cầu nối giữa chủ nghĩa hậu ấn tượng và chủ nghĩa biểu hiện. Nó trưng bày một người kỵ mã mặc áo xanh đang phi nước đại qua các cánh đồng. Tên của tác phẩm này cũng được dùng làm tên của nhóm các nghệ sĩ theo trường phái biểu hiện, được thành lập vào năm 1911 bởi tác giả của nó và Franz Marc.
Blue Rider có lẽ là tác phẩm nghệ thuật quan trọng nhất của Kandinsky vào đầu thế kỷ XNUMX, trước khi ông phát triển hoàn toàn phong cách trừu tượng của mình. Bức tranh minh họa một người cưỡi ngựa mặc áo xanh, cưỡi ngựa màu nâu lục.
Việc trừu tượng hóa bức tranh là có chủ đích và khiến nhiều nhà lý luận nghệ thuật tái tạo các đại diện cá nhân của họ trên bức tranh, nơi một số người thậm chí đã nhìn thấy một đứa trẻ trong vòng tay của người cưỡi ngựa xanh. Để người xem nhập tâm vào tác phẩm nghệ thuật là một kỹ thuật mà họa sĩ đã sử dụng thường xuyên và thành công trong các tác phẩm sau này, vốn trở nên trừu tượng hơn khi sự nghiệp của ông phát triển.
Những chú ngựa xanh của Franz Marc (1911)
Franz Marc là một trong những thành viên sáng lập của Der Blaue Reiter, một nghệ sĩ đối với nhiều người đã mang lại ý nghĩa về cảm xúc và tâm lý cho màu sắc mà ông sử dụng trong tác phẩm của mình, tạo ra những tác phẩm có màu sắc tuyệt vời và phong phú.
Màu xanh lam được anh ấy sử dụng rất thường xuyên, đặc biệt là để đại diện cho nam tính và tâm linh, anh ấy cũng bị thu hút bởi động vật và thế giới nội tâm của chúng, đối xử với nhau theo cách tình cảm sâu sắc.
Người phụ nữ có chân được nâng lên (1917) bởi Egon Schiele
Egon Schiele vẽ vợ mình là Edith Harms vào năm 1917, mô tả cảnh cô ấy ngồi trên sàn nhà, đặt má lên đầu gối trái. Mái tóc đỏ rực lửa của anh ấy tương phản rõ rệt với màu xanh của chiếc áo sơ mi, được coi là một bức chân dung táo bạo và gợi cảm, với những sắc thái khiêu gợi được xác định rất rõ ràng và táo bạo vào thời bấy giờ. Tác giả của màu nước này được đặc trưng bởi sự khêu gợi là một trong những chủ đề chính trong tác phẩm của mình.
những người tiên phong của chủ nghĩa biểu hiện
Mặc dù nhiều người sành sỏi trong lĩnh vực này cho rằng không nơi nào Chủ nghĩa Biểu hiện được thực hiện tốt hơn ở Đức, nhưng trong suốt thập kỷ dẫn đến Chiến tranh Thế giới thứ nhất, nhiều nghệ sĩ đã tạo ra một loạt các hình ảnh khó quên và đi tiên phong cho Chủ nghĩa Biểu hiện, được ghi nhớ như vậy cho đến tận thời đại của chúng ta:
Van Gogh (1853-90)
Họa sĩ xuất sắc này là hiện thân của chủ nghĩa biểu hiện, với rất nhiều tác phẩm tự truyện, cho người xem biết ý tưởng, cảm xúc và trên hết là sự cân bằng tinh thần của anh ấy, thông qua bố cục, màu sắc và từng nét vẽ. Những bức tranh của anh ấy là sự phản ánh cảm xúc của anh ấy khi anh ấy làm chúng và kể từ đó, có rất ít nghệ sĩ có thể sánh ngang hoặc tiếp cận được với cường độ và sự độc đáo của anh ấy, về mặt tự thể hiện.
Sinh ra trong một gia đình rất sùng đạo, cha là một mục sư theo đạo Tin lành, từ nhỏ ông đã bộc lộ năng khiếu vẽ, nhưng mãi đến sau này, khoảng 27 tuổi, ông mới theo đuổi được tiếng gọi đích thực của mình là họa sĩ.
Năm 1878, ông thể hiện ơn gọi làm linh mục, bắt đầu học thần học, nhưng không tốt nghiệp do quyết tâm đi theo dấu chân của Chúa Kitô quá huyền bí. Mong muốn cứu rỗi linh hồn và giúp đỡ người nghèo đã khiến ông trở thành một nhà truyền giáo tại một trong những khu vực khai thác mỏ nghèo nhất ở Bỉ, từ đó ông bị trục xuất vào năm 1880.
Đồng thời, anh quyết định trở thành một họa sĩ, một sự nghiệp bắt đầu với sự hỗ trợ về mặt tinh thần và kinh tế của người anh trai Theo, người mà anh đã duy trì một thư từ liên tục trong suốt cuộc đời của mình. Nguồn cảm hứng chính của ông là những đoạn từ Kinh thánh và các tác phẩm của Émile Zola, Victor Hugo và Charles Dickens, cũng như các bức tranh của Honoré Daumier và trên hết là chủ nghĩa hiện thực của Jean-Francois Mijo. Anh bắt đầu cuộc đời làm việc của mình với tư cách là nhân viên của Phòng trưng bày nghệ thuật Goupil.
Van Gogh đã trải qua nỗi đau và nỗi buồn, bị mang lại bởi thế giới mà anh yêu quý nhưng không bao giờ nghĩ rằng anh sẽ nhận được điều tương tự. Để phản ứng với cảm giác thường trực này, ông đã sử dụng nghệ thuật để tạo ra thế giới của riêng mình, một thế giới không thiếu màu sắc và chuyển động, nơi ông bộc lộ mọi cảm xúc của mình, trở thành một trong những họa sĩ theo trường phái biểu hiện vĩ đại của thế kỷ XNUMX. Phong cách hội họa theo trường phái biểu hiện độc đáo của ông có thể được nhìn thấy tại Bảo tàng Van Gogh ở Amsterdam và Bảo tàng Kroller-Muller ở Otterlo.
Paul Gauguin (1848-1903)
Nếu Van Gogh bóp méo hình thức và màu sắc để truyền tải cảm xúc bên trong thì nghệ sĩ người Pháp này lại chủ yếu dựa vào màu sắc để thể hiện cảm xúc của mình. Anh ấy cũng sử dụng chủ nghĩa tượng trưng, nhưng chính màu sơn của anh ấy mới thực sự khiến anh ấy trở nên khác biệt. Sinh ra ở Paris trong cuộc cách mạng năm 1848, ông là con trai của một nhà báo theo chủ nghĩa tự do, người đã phải sống lưu vong sau cuộc đảo chính năm 1851, dẫn theo cả gia đình.
Tuy nhiên, anh ta đã chết trên đường đi, ở Panama, khi gia đình đi đến Lima, Peru, nơi họ tự bảo vệ mình trong bốn năm. Mẹ của Gauguin là con gái của nhà văn và nhà hoạt động xã hội chủ nghĩa Pháp Flora Tristán, mặc dù tổ tiên của bà là quý tộc Peru.
Điều quan trọng cần lưu ý là Gauguin trẻ tuổi đã được đánh dấu từ thời thơ ấu bởi bầu không khí giàu trí tưởng tượng và thiên sai trong gia đình của mình, chứng tỏ trong suốt sự nghiệp của mình rằng màu sắc và hình ảnh của Peru sẽ có ảnh hưởng mạnh mẽ. Năm 7 tuổi, gia đình trở lại Pháp và chuyển đến Orleans để sống với ông nội. Thời trẻ, ông làm phi công tập sự trong hải quân buôn, đi thuyền giữa Nam Mỹ và Scandinavia, ở Paris và được cha đỡ đầu khuyến khích, ông bắt đầu sự nghiệp rất thành công với công ty môi giới chứng khoán Bertin.
Nhưng Gauguin đã quan tâm đến nghệ thuật từ khi còn là một đứa trẻ và khi rảnh rỗi, ông bắt đầu vẽ tranh. Cha đỡ đầu của anh, Arosa, là một nhà sưu tập nghệ thuật và tấm gương của anh ấy cũng như tình bạn mà Gauguin đã thiết lập với trường phái Ấn tượng Camille Pissarro đã khuyến khích người đam mê này đến thăm các phòng trưng bày nghệ thuật và mua các tác phẩm của các nghệ sĩ mới nổi, bao gồm nhiều bức tranh theo trường phái Ấn tượng.
Ông đã đến thăm triển lãm trường phái Ấn tượng nổi tiếng năm 1874 ở Paris và được truyền cảm hứng đến mức ông quyết định trở thành một nghệ sĩ toàn thời gian, vì vậy ông bắt đầu vẽ tranh và điêu khắc như một người nghiệp dư. Anh ấy đã làm việc với Bouillot và vẽ theo phong cách của Bonvin và Lepine. Năm 1876, ông trưng bày một bức tranh trong Salon.
Anh ấy đặc biệt bị ảnh hưởng bởi Pissarro, người đã giúp anh ấy khi bắt đầu làm họa sĩ và khuyến khích anh ấy tìm kiếm phong cách phù hợp với tính khí của mình. Pissarro giới thiệu anh ta với Cézanne và anh ta bị phong cách của anh ta quyến rũ đến mức Cézanne bắt đầu lo sợ rằng anh ta sẽ ăn cắp ý tưởng của mình.
Ba người đàn ông đã làm việc cùng nhau một thời gian ở Pontoise, nhưng khi nghệ thuật của anh ấy phát triển, Gauguin quyết định chuyển đến xưởng vẽ của riêng mình và tham gia các cuộc triển lãm theo trường phái Ấn tượng năm 1881 và 1882. Những thành công của họ và một cuộc khủng hoảng tài chính đã khiến anh ấy phải từ bỏ sự nghiệp của mình. kinh doanh vào năm 1883 để tập trung hoàn toàn vào hội họa.
Ông đến sống ở Pont-Aven ở Brittany vào năm 1885, nơi ông rèn luyện một phong cách mới, vì ông không hài lòng với các giới hạn của trường phái Ấn tượng và tìm cách thể hiện trạng thái nội tâm hơn là vẻ bề ngoài.
Phong cách mới này yêu cầu làm việc nhiều hơn từ bộ nhớ và hình ảnh bên trong, thay vì từ tự nhiên, phá vỡ lý thuyết trường phái ấn tượng. Đây đã trở thành phát kiến và đóng góp lớn nhất của Gauguin trong lĩnh vực hội họa mỹ thuật, sử dụng bảng màu sống động để thể hiện cảm xúc hơn là phản ánh một tông màu tự nhiên. Ngoài Chủ nghĩa Biểu hiện, ông cũng có ảnh hưởng đến sự phát triển của Chủ nghĩa Tổng hợp và Chủ nghĩa Nhân bản trong thời gian ở Pont-Aven.
Edward Munch (1863-1944)
Một nhà tiên phong vĩ đại khác của chủ nghĩa biểu hiện là họa sĩ kiêm thợ in người Na Uy có tính khí thất thường và thần kinh, người mặc dù có những vết sẹo lớn về cảm xúc trong cuộc đời đầu của mình, nhưng vẫn sống tốt đến những năm 80 của mình. Hầu như tất cả những bức tranh đẹp nhất của ông đều được vẽ trước khi ông bị suy nhược thần kinh vào năm 1908.
Sinh ra ở Loten, Na Uy, là con trai của một bác sĩ, anh đã có một cuộc đời đầy những khoảnh khắc khó khăn. Khi nghệ sĩ được năm tuổi, mẹ anh qua đời vì bệnh lao, một căn bệnh mà mấy năm sau chị gái anh cũng phải chống chọi.
Những sự kiện bi thảm ban đầu này khiến cái chết trở thành một phần không thể thiếu trong nghệ thuật của ông sau này. Ký ức về cái xác đang hấp hối dựa vào một cái gối, bên cạnh chiếc giường có ánh đèn mờ ảo và cốc nước vô hồn và một người cha độc đoán không ngừng lặp đi lặp lại với những đứa con của mình rằng nếu chúng phạm tội, chúng sẽ bị kết án xuống địa ngục không thương tiếc, hãy đồng hành cùng ông vì nhiều năm.
Với kịch bản này và đúng như dự đoán, gia đình bị thiệt hại rất nhiều. Một trong những cô em gái được chẩn đoán mắc bệnh tâm thần khi còn nhỏ và bản thân Munch cũng thường xuyên cảm thấy ốm yếu. Trong số năm anh em trai của ông, chỉ có một người đã kết hôn, nhưng ông đã qua đời vài tháng sau đám cưới.
Năm 1881, Munch gia nhập Trường Nghệ thuật và Thiết kế Hoàng gia ở Kristianind và tham gia các bài học về người mẫu và vẽ. Những người thầy và người có ảnh hưởng đầu tiên của ông là nhà điêu khắc người Na Uy Julius Middelthun và họa sĩ tự nhiên học, tác giả và nhà báo Christian Krohg.
Mặc dù Munch vẽ các chủ đề truyền thống trong cuộc đời sinh viên của mình, nhưng anh ấy đã nhanh chóng khám phá ra phong cách độc đáo của riêng mình. Năm 1882, ông thuê xưởng vẽ của riêng mình cùng với một số nghệ sĩ khác và mặc dù không còn nhiều tác phẩm của ông từ thời kỳ này, nhưng những tác phẩm nổi tiếng được đánh giá cao, ví dụ như tác phẩm có tựa đề Buổi sáng (1884).
Người nghệ sĩ này đã để lại tất cả tác phẩm của mình cho thành phố Oslo, một bộ sưu tập bao gồm hơn một nghìn bức tranh, mười lăm nghìn bản khắc và bốn nghìn bản vẽ và màu nước. Năm 1963, Munch-Museet, một bảo tàng lưu giữ tất cả các tác phẩm của ông, được mở tại Oslo và ông cũng trở thành nghệ sĩ phương Tây đầu tiên trưng bày các bức tranh của mình tại Phòng trưng bày Quốc gia ở Bắc Kinh.
Năm 2004, một số bức tranh nổi tiếng nhất của Munch, The Scream và The Virgin, đã bị bọn cướp có vũ trang đánh cắp khỏi Bảo tàng, nhưng đã bị cảnh sát tìm thấy vài năm sau đó. Ngoài Bảo tàng Munch-Bảo tàng và Phòng trưng bày Nghệ thuật Quốc gia ở Oslo, nhiều bức tranh và bản in của ông được trưng bày trong những bảo tàng nghệ thuật tốt nhất ở châu Âu.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
Là một người nổi tiếng tuyệt vời của nghệ thuật biểu hiện, họa sĩ Tượng trưng Thụy Sĩ Ferdinand Hodler sinh ra ở Bern vào năm 1853 trong một gia đình bị ảnh hưởng nặng nề bởi nghèo đói. Cha anh là một thợ làm tủ và khi mẹ anh qua đời, anh tái hôn với một họa sĩ và nhà trang trí, người đã cho anh học nghề, sau đó anh được gửi đến Thun để làm việc với một nghệ sĩ địa phương. Đặc sản đầu tiên của ông là vẽ phong cảnh thông thường, những bức tranh cảnh đẹp trên núi cao, mà ông đã bán cho khách du lịch.
Năm 18 tuổi, anh quyết định thay đổi nơi ở và đi bộ đến Geneva, thành phố nơi anh sẽ trải qua phần lớn cuộc đời trưởng thành và là nơi anh bắt đầu rèn giũa sự nghiệp nghệ sĩ chuyên nghiệp. Cuối cùng, cha mẹ và anh chị em của Ferdinand Hodler qua đời vì bệnh tật, tình huống có ảnh hưởng đáng kể đến cuộc đời và sự nghiệp của nghệ sĩ, phản ánh mối quan hệ chặt chẽ của ông với cái chết trong các tác phẩm của ông.
James Ensor (1860-1949)
Họa sĩ sinh ra ở Ostend, Bỉ, con trai của một thương gia nhỏ, người đã cảm thấy yêu thích nghệ thuật ngay từ khi còn nhỏ. Cha mẹ anh sở hữu một cửa hàng trong chợ, nơi bán đồ lưu niệm cho khách du lịch, chẳng hạn như mặt nạ lễ hội và mặt nạ, quạt, đồ gốm, đồ chơi và các đồ vật gây tò mò. Những chiếc mặt nạ và mặt nạ lễ hội lộng lẫy sau này được Ensor sử dụng trong các buổi biểu diễn của mình là đặc điểm chung của các đoàn diễu hành và đoàn địa phương vào Thứ Ba Shrove.
Khi mới mười lăm tuổi, ông bắt đầu theo học nghệ thuật với một số nhà khoa học địa phương, ông cũng học tại Học viện Mỹ thuật Hoàng gia ở Brussels, nơi ông gặp Fernand Khnopff vào khoảng năm 1877. Ông trưng bày một tác phẩm lần đầu tiên vào năm 1881, sau đó ông trở về nhà của mình, nơi ông sống cho đến năm 1917, trong nhà của cha mình. Những tác phẩm đầu tay của anh bộc lộ một phong cách khá cổ điển và có phần u ám, có thể thấy trong Russian Music, The Rower và The Drunkards.
Vào năm 1887, bảng màu của ông sáng lên một cách đáng chú ý, một sự thay đổi trùng với cái chết của người cha nghiện rượu của ông, các chủ đề của ông trở nên hơi kỳ quái, chọn vẽ các lễ hội, mặt nạ, bộ xương và con rối, thường mặc trang phục có màu sắc tươi sáng và biểu cảm.
Các tác phẩm của James Ensor đã ảnh hưởng đến phong trào Dadaist và Chủ nghĩa siêu thực, đặc biệt là tác phẩm của Jean Dubuffet. Vào năm 2009, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại ở New York được gọi là MoMA đã tổ chức một cuộc hồi tưởng lớn về tác phẩm của ông. Ngày nay, các bức tranh của ông có thể được nhìn thấy ở một số bảo tàng nghệ thuật tốt nhất trên thế giới, đặc biệt là ở Bảo tàng Mỹ thuật ở Antwerp.
Chủ nghĩa biểu hiện trong các nghệ thuật khác
Chủ nghĩa biểu hiện là một phong trào văn hóa bắt nguồn từ Đức vào cuối thế kỷ XNUMX và đạt đến đỉnh cao vào thế kỷ XNUMX. Mặc dù chủ nghĩa biểu hiện được đánh giá cao hơn nhiều trong hội họa, nó cũng được thể hiện trong các lĩnh vực khác như văn học, điện ảnh, âm nhạc, điêu khắc, nhiếp ảnh, kiến trúc, v.v.
chủ nghĩa biểu hiện trong âm nhạc
Trong khi một số người phân loại nhà soạn nhạc Arnold Schoenberg là người theo trường phái biểu cảm vì những đóng góp của ông trong cuốn sách kỷ yếu der Blaue Reiter, thì chủ nghĩa biểu hiện âm nhạc dường như đã tìm thấy lối thoát tự nhiên nhất của nó trong opera. Trong số những ví dụ sớm nhất về các tác phẩm theo trường phái biểu hiện như vậy là những bài thuyết trình tuyệt vời của Paul Hindemith về bộ phim truyền hình của Kokoschka, Mörder, Hoffnung der Frauen (Kẻ sát nhân, Niềm hy vọng của phụ nữ) (1919) và Sancta Susanna của August Stramm (1922), đề cập đến vấn đề tình dục.
Tuy nhiên, hai vở opera theo trường phái biểu cảm đáng chú ý nhất là hai vở của Alban Berg: Wozzeck, được trình diễn vào năm 1925 và Lulu, không được trình diễn toàn bộ cho đến năm 1979, cả hai đều có thiên hướng kịch tính sâu sắc và đặc trưng.
chủ nghĩa biểu hiện trong phim
Bị ảnh hưởng mạnh mẽ bởi nghệ thuật sân khấu biểu hiện, nhiều nghệ sĩ hướng đến việc truyền tải trong phim, thông qua cách trang trí, trạng thái tâm hồn chủ quan của nhân vật chính. Phim nổi tiếng nhất trong số này là của Robert Wiene, Nội các của Tiến sĩ Caligari (1920), trong đó một người điên kể lại ý tưởng và quan điểm của mình về cách anh ta đến được nơi tị nạn. Những con phố và tòa nhà kỳ dị trên phim trường là những dự báo về vũ trụ của chính họ và các nhân vật khác đã được trừu tượng hóa thông qua trang điểm và quần áo thành các biểu tượng trực quan.
Đó là một bộ phim gợi lên sự kinh dị, đe dọa, lo lắng và kịch tính, ánh sáng của bóng tối và những quần thể kỳ lạ đã trở thành một hình mẫu phong cách cho những bộ phim theo trường phái biểu hiện cho một số đạo diễn lớn của Đức.
Phiên bản của Paul Wegener của Golem (1920), bởi F. W. Murnau với Nosferatu: Bản giao hưởng kinh dị (1922) và Fritz Lang với sản xuất câm Metropolis (1927), trong số các phim khác, trình bày những viễn cảnh bi quan về sự sụp đổ của xã hội hoặc khám phá tính hai mặt đáng ngại của bản chất con người và khả năng của nó đối với cái ác cá nhân quái dị.
chủ nghĩa biểu hiện trong điêu khắc
Trong điêu khắc, nó chủ yếu bao gồm những thay đổi mạnh mẽ trong cách điêu khắc truyền thống được thực hiện, thay vì theo một phong cách cụ thể và thống nhất. Chủ nghĩa biểu hiện cũng rất phổ biến trong điêu khắc, với những người dẫn đầu đáng chú ý là thợ điêu khắc gỗ Ernst Barlach và Wilhelm Lehmbruck. Vào khoảng năm 1920, điều này xuất phát nhiều hơn bất cứ điều gì trong chủ nghĩa trừu tượng, nhằm tìm kiếm sự giải phóng các hình thức mang lại sự đầy đủ cho sự biểu đạt nghệ thuật.
Đối với điêu khắc theo chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, một số nhà điêu khắc cũng là một phần không thể thiếu của phong trào, bao gồm David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois và Louise Nevelson, cũng được coi là thành viên quan trọng của phong trào.
Giống như hội họa theo trường phái biểu hiện trừu tượng, tác phẩm điêu khắc của phong trào bị ảnh hưởng rất nhiều bởi chủ nghĩa siêu thực và sự nhấn mạnh của nó vào sự sáng tạo tự phát hoặc tiềm thức. Tác phẩm điêu khắc theo trường phái biểu hiện trừu tượng quan tâm đến quá trình hơn là sản phẩm, điều này có thể gây khó khăn cho việc phân biệt trực quan các tác phẩm chỉ dựa trên thẩm mỹ, vì vậy điều quan trọng là phải xem xét những gì nghệ sĩ nói về quá trình của họ.
Một ví dụ là các tác phẩm điêu khắc của David Smith, người đã tìm cách thể hiện các chủ thể hai chiều mà cho đến nay vẫn chưa được trau chuốt trong ba chiều. Có thể nói, các tác phẩm của ông đã xóa nhòa ranh giới giữa điêu khắc và hội họa, thường sử dụng những đường nét đẹp và tỉ mỉ hơn là những hình khối, với hình dáng hai chiều, phá vỡ ý tưởng truyền thống về điêu khắc trong tròn.
chủ nghĩa biểu hiện trong văn học
Chủ nghĩa biểu hiện trong văn học xuất hiện như một phản ứng đổi mới chống lại chủ nghĩa duy vật, sự thịnh vượng tư sản tự mãn, sự thống trị của gia đình trong xã hội châu Âu trước Thế chiến thứ nhất, và quá trình cơ giới hóa và đô thị hóa nhanh chóng.
Đó là phong trào văn học thống trị ở Đức trong và ngay sau Thế chiến thứ nhất. Các nhà văn theo trường phái biểu hiện đã cố gắng truyền tải ý tưởng của họ và phản kháng xã hội thông qua một phong cách mới.
Mối quan tâm của họ là với những sự thật chung hơn là những tình huống cụ thể, họ khám phá trong tác phẩm của mình những khó khăn của các kiểu biểu tượng đại diện hơn là những nhân vật được cá nhân hóa phát triển đầy đủ.
Sự nhấn mạnh không phải là thế giới bên ngoài, vốn chỉ đơn thuần được phác thảo và hầu như không được xác định về địa điểm hay thời gian, mà là ở bên trong, vào trạng thái tâm trí của một cá nhân, đó là lý do tại sao, trong kịch chủ nghĩa biểu hiện, sự quan tâm là gợi lên tâm trạng.
Nhân vật chính trong một tác phẩm theo trường phái biểu cảm thường bày tỏ nỗi đau của mình bằng những đoạn độc thoại dài được thể hiện bằng ngôn ngữ cô đọng, hình ảnh elip và súc tích nhằm khám phá tình trạng bất ổn tinh thần của tuổi trẻ, cuộc nổi dậy của họ chống lại thế hệ cũ và các giải pháp chính trị hoặc cách mạng khác nhau đang được thực hiện. tìm kiếm. họ trình bày. Sự phát triển nội tâm của nhân vật chính được khám phá thông qua một loạt các bảng liên kết lỏng lẻo, trong đó anh ta nổi loạn chống lại các giá trị truyền thống và tìm kiếm một tầm nhìn tinh thần cao hơn về cuộc sống.
August Strindberg và Frank Wedekind là những người đi trước đáng chú ý của chính kịch theo trường phái biểu hiện, nhưng tác phẩm theo trường phái biểu hiện đầu tiên được công nhận là của Reinhard Johannes Sorge, der Bettler (The Beggar), được viết vào năm 1912 và được dàn dựng lần đầu tiên vào năm 1917. Các nhà viết kịch hàng đầu khác trong phong trào này là Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever và Reinhard Goering, tất cả đều là người Đức.
Phong cách chủ nghĩa biểu hiện trong thơ nổi lên song song với đối tác kịch của nó, trong cùng một phong cách không quy chiếu và khám phá một thứ trữ tình hoa lệ và kỳ diệu, giống như một bài thánh ca. Thể thơ đơn giản hóa này, sử dụng một số lượng lớn danh từ, một số tính từ và động từ nguyên thể, đã thay đổi cách kể và cách miêu tả cố gắng đi đến bản chất của cảm giác.
Trong số các nhà thơ theo trường phái biểu hiện có ảnh hưởng nhất là người Đức Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl và Else Lasker-Schüler, và nhà thơ người Séc Franz Werfel. Chủ đề được đề cập nhiều nhất trong những câu thơ theo trường phái biểu hiện là nỗi kinh hoàng của cuộc sống đô thị và những viễn cảnh khải huyền về sự sụp đổ của nền văn minh.
Một số nhà thơ rất bi quan và bằng lòng với các giá trị tư sản, trong khi những nhà thơ khác quan tâm hơn đến cải cách chính trị và xã hội, công khai bày tỏ hy vọng về một cuộc cách mạng sắp tới. Ngoài nước Đức, các nhà viết kịch sử dụng kỹ thuật kịch theo trường phái biểu hiện bao gồm các tác giả người Mỹ Eugene O'Neill và Elmer Rice.
chủ nghĩa biểu hiện trong kiến trúc
Kiến trúc theo trường phái biểu hiện được hình thành và thiết kế để gợi lên những cảm xúc và cảm xúc tột độ. Các tòa nhà được tạo ra theo phong cách này đã tạo nên một tuyên bố vào thời điểm đó và nổi bật so với các cấu trúc xung quanh.
Các kiến trúc sư thường sử dụng các hình dạng khác thường, méo mó và kết hợp các kỹ thuật xây dựng hoàn toàn nguyên bản, sử dụng các vật liệu như gạch, thép và kính. Một số đã đạt được thành công lớn và nổi bật trong thời đại của họ, trong số đó chúng ta có thể kể đến Walter Gropius và Bruno Taut, những người đã thiết kế các tòa nhà theo trường phái biểu hiện ấn tượng.
Thật không may, nhiều công trình kiến trúc không bao giờ được xây dựng và chỉ tồn tại trên giấy. Trong số những công trình có thể thành hiện thực, một số chỉ là tạm thời và những công trình khác không tồn tại cho đến nay, tuy nhiên, ngày nay có thể thấy một số ví dụ nổi bật về kiến trúc theo trường phái biểu hiện, đặc biệt là ở Đức.
Phong cách lấy cảm hứng từ chủ nghĩa biểu hiện
Chủ nghĩa biểu hiện không hẳn là một xu hướng hay trào lưu thống nhất, vì nó tập hợp nhiều phong cách lại với nhau và đến lượt nó làm nảy sinh hoặc ảnh hưởng đến nhiều phong cách khác, cũng là những phong trào rất quan trọng trong nghệ thuật và văn hóa.
Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng
Khi New York thay thế Paris trở thành tâm điểm của sự đổi mới trong nghệ thuật hiện đại, phong cách chủ nghĩa biểu hiện đã được tái sinh thành chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng vào đầu những năm XNUMX.
Tại Hoa Kỳ, nó đã có sức mạnh với cái gọi là họa sĩ hành động do Jackson Pollock và Willem De Kooning đứng đầu và các họa sĩ trường màu như Mark Rothko, Barnett Newman và Clyfford Still. Trừu tượng hơn nhiều so với trường phái biểu hiện, trường phái mới này có rất ít mối liên hệ hữu hình với phong cách chủ nghĩa biểu hiện đầu thế kỷ XNUMX.
chủ nghĩa biểu hiện tượng hình
Mặc dù nghệ thuật Mỹ và châu Âu thời hậu chiến bị chi phối bởi tính trừu tượng, chủ nghĩa biểu hiện đại diện vẫn phổ biến ở Úc trong những năm 1940 và 1950, được thể hiện qua các tác phẩm của các nghệ sĩ như Russell Drysdale và Sidney Nolan.
Nó có liên quan chặt chẽ đến thế giới Bắc Âu và Đức, có nguồn gốc từ thế giới cổ đại của dân tộc Đức và phong trào lãng mạn của thế kỷ XIX. Cố gắng thể hiện thực tế bằng một góc nhìn khác và cá nhân
chủ nghĩa tân biểu hiện
Sự hồi sinh cuối cùng của phong trào chủ nghĩa biểu hiện diễn ra vào những năm 1970 ở Hoa Kỳ, Anh, Đức, Ý và Pháp, dưới cái tên chủ nghĩa tân biểu hiện. Được xem chủ yếu như một phản ứng đối với chủ nghĩa tối giản và nghệ thuật khái niệm của những năm XNUMX, các số mũ chính của nó bao gồm:
- Philip Guston và Julian Schnabel (Mỹ)
- Paula Rego và Christopher Le Brun (Anh)
- Trường phái tân biểu hiện được gọi là Neue Wilden (Những con vật mới) bao gồm: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler và những người khác. (Nước Đức)
- Transavanguardia (Vượt lên trên người tiên phong) và các nghệ sĩ tiêu biểu như Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria và Mimmo Paladino. (Nước Ý)
- Figuration Libre, được thành lập vào năm 1981 bởi Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas và Herve de Rosa. (Pháp)
Nếu bạn thích bài viết này, chúng tôi mời bạn tham khảo những bài rất thú vị khác trên blog của chúng tôi: