Mendja e artistit është e aftë të krijojë gjëra të paimagjinueshme, këtë e dëshmojnë shumë tendenca dhe stile në botë, por për shumë, ndoshta asnjë si dhe Ekspresionizmi. Gërmoni në këtë stil artistik magjepsës të lindur në fund të shekullit të nëntëmbëdhjetë.
Çfarë është ekspresionizmi?
Ekspresionizmi është një stil artistik që synon të përfaqësojë jo realitetin objektiv, por realitetin subjektiv. Synimi është të pasqyrojë emocionet dhe përgjigjet që objektet dhe ngjarjet ngjallin brenda një personi. Artisti arrin ta kapë këtë realitet subjektiv përmes shtrembërimit, ekzagjerimit, primitivizmit, fantazisë, si dhe përmes aplikimit të gjallë, të turbullt, të dhunshëm apo dinamik të elementeve formale.
Ekspresionizmi është një formë arti shumë personale dhe intensive, ku krijuesi përpiqet të komunikojë ndjenjat dhe mendimet e tij intime në prodhimet e tij, duke u larguar nga përfaqësimi tradicional i realitetit. Karakteristikë e kësaj rryme është ndikimi i saj vendimtar në pikturë, në të cilën përpjekjet për të arritur ndikimin maksimal te shikuesi sakrifikojnë ose shtrembërojnë saktësinë e paraqitjes, përgjithësisht në favor të kontureve të forta dhe ngjyrave të spikatura, megjithëse ky nuk është rregull në të gjitha rastet. .
Kompozimet janë zakonisht të thjeshta dhe të drejtpërdrejta, ku përdorimi i një boje të trashë paste është i shpeshtë, duke përdorur penelata të lirshme që aplikohen në mënyrë shumë të lirë dhe një simbolikë të herëpashershme, mesazhi është i një rëndësie të madhe.
Ekspresionizmi është një nga rrymat kryesore artistike që u zhvillua nga fundi i shekullit të XNUMX-të deri në fillim të shekullit të XNUMX-të, me cilësi të vetë-shprehjes tejet subjektive, personale dhe spontane, tipike për një gamë të gjerë artistësh modernë dhe lëvizje arti.
Kjo mund të shihet si një prirje e përhershme në artin gjermanik dhe nordik që të paktën që nga mesjeta evropiane, veçanërisht në kohë ndryshimesh shoqërore apo krize shpirtërore, duke qenë në këtë kuptim prirje të kundërta racionaliste dhe klasiciste, e cila u vlerësua në Itali e jo vetëm. mbrëmje nga Franca
Në fillim të shekullit të XNUMX-të, kjo prirje artistike përfshiu Evropën, e nxitur nga rezistenca ndaj kulturës borgjeze dhe një kërkim i zjarrtë për krijimtarinë e re dhe të re. Artistët ekspresionistë dhe arti ekspresionist theksojnë veten, psikikën, trupin, seksualitetin, natyrën dhe shpirtin.
Ekspresionizmi si një stil apo lëvizje e ndryshme nga tendenca e kohës përqendrohet në një sërë artistësh gjermanë, austriakë, francezë dhe rusë, të cilët u bënë të njohur në vitet para Luftës së Parë Botërore dhe mbetën të tillë për pjesën më të madhe të periudhës ndërmjet luftërave. .
Në Francë, holandezi Van Gogh po thellohej dhe zbulonte psikikën e tij të pazakontë, të trazuar dhe plot ngjyra, nga ana tjetër, në Gjermani, rusi Wassily Kandinsky po eksploronte spiritualitetin në art si një kundërhelm ndaj tjetërsimit në botën moderne dhe në Austri. , Egon Schiele dhe Oskar Kokoschka luftuan kundër hipokrizisë morale të shoqërisë duke trajtuar çështje të tilla si seksualiteti, vdekja dhe dhuna.
Edvard Munch më në fund po bënte një ndikim në Norvegji dhe në mbarë Evropën me shprehjet e tij të egra dhe intensive të mjedisit, vetvetes dhe psikikës së tij. Së bashku, këta artistë trajtuan pyetje shumë të papërpunuara, të vërteta dhe të përjetshme, tema dhe beteja që po shpërthenin poshtë sipërfaqes dhe janë ende të njohura për ne edhe sot.
Kjo ishte ndoshta arsyeja që ekspresionizmi në art vazhdoi në forma të ndryshme edhe pas këtyre artistëve dhe kësaj periudhe specifike në kohë, duke na lejuar të themi se ekspresionizmi është ende i gjallë sot.
fillim
Në fillim të shekullit të XNUMX-të në Evropën Perëndimore, shoqëria po evoluonte me një ritëm të shpejtë, industrializimi intensiv e kishte pushtuar kontinentin pothuajse me stuhi, me inovacione në botën e prodhimit dhe komunikimit, duke krijuar shpesh një ndjenjë keqardhjeje në botë. publike.
Rritja marramendëse e teknologjisë dhe urbanizimi i qyteteve të mëdha sollën me vete ndjenjat e izolimit dhe shkëputjes nga bota natyrore. Është e kuptueshme që këto emocione dhe ankthe filluan të dalin në sipërfaqe ose më mirë të rrjedhin gjak përmes artit të kohës. Dy grupet e artistëve që krijuan ekspresionizmin siç e njohim sot: Die Brucke y Reiter blu, të dyja u formuan në Gjermani në fillim të shekullit të XNUMX-të.
Katër studentë të arkitekturës në Dresden krijuan një grup arti komunal të quajtur Die Brucke (Urë). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff dhe Ernst Ludwig Kirchner u përpoq të ishte urë në të ardhmen e artit, duke ngjallur reagime emocionale intensive duke përdorur forma, ngjyra dhe kompozime të panatyrshme, të gjitha të frymëzuara nga bota moderne.
Veprat e tij kishin një ngjashmëri të madhe me lëvizjen e fauizmit në Francë, të udhëhequr nga Henri Matisse, veçanërisht në përdorimin e ngjyrave të ndezura dhe formave atipike, me synimin për të përcjellë emocione të shumta. Die Brucke synohej të ishte një kundërvënie dhe përgjigje rinore dhe novatore ndaj realizmit shekullor në art. Në vitin 1906, ata bënë manifestin e tyre në një prerje druri, i cili shprehte sa vijon:
“Me besimin në evolucionin e vazhdueshëm, në një brez të ri krijuesish dhe vlerësues, ne bashkojmë të gjithë të rinjtë. Dhe si të rinj që mbartin të ardhmen, ne synojmë të fitojmë lirinë e lëvizjes dhe të jetës për veten tonë në kundërshtim me pushtetet e vjetra dhe të krijuara mirë. Kushdo që shpreh drejtpërdrejt dhe autentikisht atë që e shtyn të krijojë, është njëri prej nesh”. Kirchner (1906)
Nëpërmjet kësaj thirrjeje për veprim, artistëve të rinj europianoperëndimorë iu dha detyra sfiduese për të ndërtuar një lëvizje të re arti: Ekspresionizmin.
Artistët e lëvizjes Die Brucke ata u përqendruan kryesisht në përshkrimin e kaosit masiv të modernizmit të ri, industrializimit dhe urbanizmit që i rrethonte. Ata pikturuan peizazhe urbane me maja të ekzagjeruara, të thepisura dhe ngjyra të gjalla.
Pas kapërcimit të kufijve, shumë më tepër se Fauves, Die Brucke ai inkorporoi kulturën e fshehtë gjermane të klubeve të natës, dekadencën e klasës së ulët dhe të gjithë emocionet dhe shqetësimet në shfaqjet e tij, pa lënë pas dore vizionin dhe kuptimin e tij personal.
Kjo shoqatë informale u rebelua kundër asaj që ata e shihnin si natyralizëm sipërfaqësor të impresionizmit akademik. Ata donin të rifusnin artin gjerman me një energji shpirtërore që ata mendonin se i mungonte dhe kërkuan ta bënin këtë përmes shprehjes elementare, shumë personale dhe spontane. Anëtarëve origjinalë të Die Brücke u bashkuan shpejt nga gjermanët Emil Nolde, Max Pechstein dhe Otto Müller. Ekspresionistët u ndikuan nga paraardhësit e tyre që nga vitet 1890.
Ata ishin gjithashtu të interesuar për gdhendjet afrikane në dru dhe veprat e artistëve të Evropës Veriore mesjetare dhe të Rilindjes si Albrecht Dürer, Matthias Grünewald dhe Albrecht Altdorfer. Prerjet në dru, me linjat e tyre të trasha të dehura dhe kontrastet e ashpra tonesh, ishin një medium i preferuar i ekspresionistëve gjermanë.
Veprat e artistëve të Die Brücke stimuluan ekspresionizmin në pjesë të tjera të Evropës. Oskar Kokoschka dhe Egon Schiele i Austrisë adoptuan penelatat e tij të torturuara dhe linjat këndore, dhe Georges Rouault dhe Chaim Soutine në Francë zhvilluan stile pikture të shënuara nga shprehja e fortë emocionale dhe shtrembërimi i dhunshëm i subjektit figurativ.
Me ndikime të forta ekspresioniste punuan edhe piktori Max Beckmann, grafistja Käthe Kollwitz dhe skulptorët Ernst Barlach dhe Wilhelm Lehmbruck. Shumë prej veprave të tyre shprehin zhgënjimin, ankthin, neverinë, pakënaqësinë, dhunën dhe në përgjithësi, një lloj intensiteti të furishëm ndjesie në përgjigje të shëmtisë, banalitetit të ashpër dhe mundësive e kontradiktave që ata panë në jetën moderne.
Një grup i dytë, i njohur si Reiter blu (The Blue Rider), i formuar në Mynih në 1911. I quajtur sipas pikturës së Wassily Kandinsky, ky kolektiv përbëhej nga emigrantët rusë Kandinsky, Alexej von Jawlensky dhe Marianne von Werefkin dhe artistët gjermanë Franz Marc, August Macke dhe Gabriele Munter.
Piktura e Kandinsky u zgjodh si emri i grupit për shkak të përshkrimit të saj të një figure mbi kalë nga realiteti në një sferë shpirtërore dhe emocionale, dhe është se artistët e Reiter blu ata ishin të magjepsur me paraqitjen e anës shpirtërore dhe jo fizike.
Megjithëse stilet e tij ndryshonin, siç tregojnë prodhimet e tij, interesat për primitivizmin dhe peizazhin emocional mbizotëruan në veprat e tij. Shumë ndryshe nga Die Brucke, Kalorësi Blu ai ishte një forcë e madhe në zhvillimin e ekspresionizmit abstrakt.
Ekspresionizmi dhe arti abstrakt refuzojnë realizmin, duke u përpjekur në çdo kohë të përcjellin emocione, megjithatë, ekspresionizmi ruan një ndjenjë të formës dhe simbolizmit ndërsa arti abstrakt braktis imazhet e njohura.
Reiter blu ai i bashkoi këto ide, duke krijuar një degë krejtësisht të re të ekspresionizmit që është ende shumë me ndikim në artin modern. Kur filloi Lufta e Parë Botërore, Die Brucke y Reiter blu ata u shpërndanë, por trashëgimia e tyre vazhdon ndërsa ekspresionizmi vazhdon të rritet në popullaritet dhe ende praktikohet në shekullin e XNUMX-të.
Rrënjët e shkollës ekspresioniste gjermane mund të gjenden në veprat e Vincent van Gogh, Edvard Munch dhe James Ensor, secili prej të cilëve, në periudhën midis 1885-1900, zhvilloi një stil shumë personal të pikturës.
Këta artistë përdorën mundësitë shprehëse të ngjyrës dhe linjës, duke eksploruar tema dramatike dhe të ngarkuara emocionalisht, me qëllimin për të përcjellë cilësitë e frikës, tmerrit dhe groteskut, ose thjesht për të festuar natyrën me një intensitet mahnitës. Ata thyen shumë skema, nuk përfaqësonin fjalë për fjalë natyrën, për të shprehur më shumë perspektiva subjektive apo gjendje mendore.
Shpejt ekspresionistët gjermanë zhvilluan një stil të dukshëm për ashpërsinë, guximin dhe intensitetin vizual. Ata përdorën linja të mprehta dhe të shtrembëruara, penelata të shpejta dhe të ashpra, për të mos përmendur ngjyrat e mprehta që i ndihmuan të përshkruanin skena të rrugëve urbane dhe tema të tjera bashkëkohore në kompozime të egra dhe të mbushura me njerëz, të dalluara për paqëndrueshmërinë dhe atmosferën e tyre të ngarkuar emocionalisht.
Artistët që i përkasin grupit të njohur si Der Blaue Reiter konsiderohen ndonjëherë ekspresionistë, megjithëse arti i tyre është përgjithësisht lirik dhe abstrakt, më pak emocional, më harmonik dhe më i shqetësuar me problemet formale dhe pikturale sesa ai i artistëve Die Brücke.
Ekspresionizmi ishte gjithashtu një stil dominues në Gjermani në vitet menjëherë pas Luftës së Parë Botërore, ku i përshtatej atmosferës së cinizmit, tjetërsimit dhe zhgënjimit të pasluftës. Disa nga praktikuesit e mëvonshëm të lëvizjes, si George Grosz dhe Otto Dix, zhvilluan një përzierje më të mprehtë, më kritike shoqërore të ekspresionizmit dhe realizmit të njohur si Neue Sachlichkeit (Objektiviteti i Ri).
në shekullin e XNUMX-të
Siç mund të shihet nga etiketa të tilla si Ekspresionizmi Abstrakt dhe Neo-Ekspresionizmi, cilësitë spontane, instinktive dhe shumë emocionale të ekspresionizmit janë ndarë nga lëvizje të ndryshme të artit të shekullit të XNUMX-të.
Ekspresionizmi konsiderohet më shumë si një prirje ndërkombëtare sesa një lëvizje koherente e artit, e cila ishte veçanërisht me ndikim në fillim të shekullit të XNUMX-të. Ai mbulon disa fusha: art, letërsi, muzikë, teatër dhe arkitekturë.
Artistët ekspresionistë u përpoqën të shprehnin përvojën emocionale dhe jo realitetin fizik. Pikturat e famshme ekspresioniste janë Britma nga Edvard Munch, Kalorësi Blu të Wassily Kandinsky dhe Gruaja e ulur me këmbën e majtë të ngritur nga Egon Schiele.
Rënia e lëvizjes
Rënia e ekspresionizmit u përshpejtua nga paqartësia e dëshirës së tij për një botë më të mirë, nga përdorimi i gjuhës tejet poetike dhe në përgjithësi nga natyra jashtëzakonisht personale dhe e paarritshme e paraqitjes së tij. Një numër artistësh ekspresionistë humbën jetën gjatë ose si pasojë e Luftës së Parë Botërore për shkak të traumave dhe sëmundjeve. I tillë ishte rasti me Franz Marc i cili ndërroi jetë në 1916 dhe Egon Schiele i cili vdiq gjatë epidemisë së gripit të vitit 1918, shumë të tjerë morën jetën e tyre pasi u shembën nga traumat e luftës.
Rivendosja e pjesshme e stabilitetit në Gjermani pas vitit 1924 dhe rritja e stileve të hapura politike të ndikuar fuqimisht nga socrealizmi përshpejtuan rënien e lëvizjes në fund të viteve 1920.
Ekspresionizmi vdiq përfundimisht me ngritjen e nazistëve, të cilët erdhën në pushtet në 1933 dhe e përshkruan punën e pothuajse të gjithë ekspresionistëve si të degjeneruar dhe vulgare. Persekutimi dhe ngacmimi i tyre ishte intensiv dhe i tepruar, duke i ndaluar këta eksponentë të ekspozonin, botonin dhe madje të punonin, shumica e të cilëve shkuan në mërgim në Shtetet e Bashkuara dhe vende të tjera si një masë më drastike.
Ky ishte fundi i epokës së ekspresionizmit gjerman, i cili u shua me diktaturën naziste dhe ishte përgjegjës për etiketimin e artistëve të panumërt të kohës, duke përfshirë Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent. van Gogh dhe Paul Gauguin, si artistë të degjeneruar, duke hequr veprat e tyre ekspresioniste nga muzetë dhe duke i konfiskuar ato në mënyrë abuzive.
Megjithatë, ekspresionizmi vazhdoi të frymëzonte dhe të jetonte në artistët dhe lëvizjet e mëvonshme të artit. Për shembull, Ekspresionizmi Abstrakt u zhvillua si një lëvizje e madhe avangarde në Amerikën e pasluftës në vitet 1940 dhe 1950. Këta artistë iu shmangën figuracionit dhe në vend të kësaj eksploruan ngjyrën, penelin e gjesteve dhe spontanitetin në artin e tij.
Më vonë, nga fundi i viteve XNUMX dhe fillimi i viteve XNUMX, neo-ekspresionizmi filloi të zhvillohet si një reagim kundër artit konceptual dhe minimalist të kohës.
Neo-ekspresionistët u tërhoqën shumë nga eksponentët e ekspresionizmit gjerman, të cilët i paraprinë dhe shpesh i përshkruanin temat në mënyrë të vrazhdë me penelata ekspresive dhe ngjyra intensive. Artistët më ikonë të kësaj lëvizjeje përfshijnë Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl dhe David Salle.
Në botë
Ekspresionizmi është një term kompleks dhe i gjerë që ka nënkuptuar gjëra të ndryshme në kohë të ndryshme. Megjithatë, kur flasim për artin ekspresionist, shumë e drejtojnë vëmendjen te prirja artistike që u shfaq si përgjigje ndaj impresionizmit në Francë ose lëvizjes që sheh dritën në Gjermani dhe Austri në fillim të shekullit të njëzetë. Termi është aq elastik sa mund të strehojë artistë duke filluar nga Vincent van Gogh tek Egon Schiele dhe Wassily Kandinsky, duke ekspozuar në mënyra shumë të veçanta në çdo vend.
ekspresionizmi francez
Në Francë, artistët kryesorë të lidhur shpesh me ekspresionizmin ishin Vincent van Gogh, Paul Gauguin dhe Henri Matisse. Megjithëse Van Gogh dhe Gauguin ishin aktivë në vitet para asaj që konsiderohet periudha kryesore e ekspresionizmit (1905-1920), ata me siguri mund të konsiderohen artistë ekspresionistë, të cilët po pikturonin botën përreth tyre jo thjesht siç dukej, por nga një thellësi. përvoja subjektive njerëzore.
Matisse, Van Gogh dhe Gauguin përdorën ngjyra ekspresive dhe stile peneli për të përshkruar emocionet dhe përvojat, duke u larguar nga përshkrimet realiste të subjekteve të tyre dhe duke u fokusuar në mënyrën se si ata ndiheshin dhe perceptonin.
ekspresionizmi gjerman
Në Gjermani, ekspresionizmi lidhet veçanërisht me grupet Brücke dhe Der Blaue Reiter siç u përmend më lart. Lëvizja ekspresioniste gjermane u frymëzua nga misticizmi, mesjeta, epoka primitive dhe filozofia e Friedrich Nietzsche, idetë e të cilit ishin jashtëzakonisht të njohura dhe me ndikim në atë kohë.
Der Brücke u formua në Dresden në vitin 1905 si një kolektiv bohem i artistëve ekspresionistë që kundërshtuan rendin shoqëror borgjez në Gjermani. Katër anëtarët themelues ishin Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel dhe Karl Schmidt-Rottluff, asnjëri prej të cilëve nuk kishte marrë një arsim formal arti.
Ata zgjodhën emrin e saj, Der Brücke, për të përshkruar dëshirën e tyre për të ndërtuar një urë midis së shkuarës dhe së tashmes. Emri u frymëzua nga një pasazh nga Kështu foli Zarathustra nga Friedrich Nietzsche. Artistët u përpoqën t'i shpëtonin jetës mbytëse moderne të klasës së mesme duke eksploruar një përdorim të intensifikuar të ngjyrës, një qasje të drejtpërdrejtë dhe të thjeshtuar ndaj formës dhe seksualitetin e lirë në punën e tyre.
Der Blaue Reiter u themelua në vitin 1911 nga Wassily Kandinsky dhe Franz Marc dhe duke u përballur me tjetërsimin në rritje që përjetuan për shkak të modernizimit të botës, ata u përpoqën të kapërcenin të zakonshmen duke ndjekur vlerën shpirtërore të artit.
Përveç kësaj, qëllimi i tij ishte të thyente kufijtë dhe të përziente artin e fëmijëve, artin popullor dhe etnografinë. Emri Der Blaue Reiter lidhet me temën e përsëritur të Kalorësit mbi kalë nga periudha e Kandinskit në Mynih, si dhe me dashurinë e Kandinskit dhe Markut për ngjyrën blu, e cila për ta kishte cilësi shpirtërore. Artistët kryesorë të lidhur me Der Blaue Reiter janë Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin dhe Macke.
ekspresionizmi austriak
Egon Schiele dhe Oskar Kokoschka janë dy figurat kryesore të ekspresionizmit austriak dhe u ndikuan veçanërisht nga paraardhësi i tyre Gustav Klimt, i cili gjithashtu u përfshi në nisjen e karrierës së tyre, me ekspozitat që ai krijoi duke shfaqur më të mirat në artin bashkëkohor austriak.
Të dy artistët ekspresionistë jetuan në qytetin kontradiktor të Vjenës në fund të shekullit të nëntëmbëdhjetë dhe në fillim të shekullit të njëzetë, ku shtypja morale dhe hipokrizia seksuale luajtën një rol të rëndësishëm në zhvillimin e ekspresionizmit.
Schiele dhe Kokoschka shmangën atë që ata e shihnin si gënjeshtër dhe hipokrizi morale dhe portretizuan tema të tilla si vdekja, dhuna, malli dhe seksi. Kokoschka u bë i njohur për portretet e tij dhe aftësinë e tij për të zbuluar natyrën e brendshme të subjekteve të tij dhe Schiele për përshkrimet e tij të zymta, pothuajse brutalisht të sinqerta të seksualitetit, të cilat shiheshin si të përmbajtura dhe të dëshpëruara.
ekspresionizmi norvegjez
Një tjetër artist i rëndësishëm i kohës që pati një ndikim të madh në skenën ekspresioniste gjermane dhe austriake ishte norvegjezi Edvard Munch, i njohur në Vjenë për ekspozitat Secession dhe Kunstschau në 1909.
Ai konsiderohej përfaqësuesi më i lartë i vendit të tij në këtë lëvizje dhe një pararendës kyç i saj. I lidhur ngushtë me simbolikën, Munch është më i famshëm për The Scream, kjo pikturë e një figure në një urë, dielli që perëndon pas tij dhe duket se lëshon një britmë gjakderdhëse, të dëshpëruar, duke demonstruar shpirtin e shqetësuar të artistit.
Vepra arti ikonë ekspresioniste
Ashtu si në lëvizjet e tjera artistike, ekspresionizmi ka figurat e tij të rëndësishme që shënuan një para dhe pas në kohën e tyre, duke krijuar mostra artistike unike dhe të pavdekshme, si ato të paraqitura më poshtë:
The Scream nga Edvard Munch (1893)
Kjo seri pikturash e njohur si The Scream (Skrik) u frymëzua nga një përvojë momentale që krijuesi i saj E. Munch pati kur ishte në Francë, më e famshmja prej të cilave ndodhet aktualisht në Galerinë Kombëtare të Norvegjisë dhe përfundoi në 1893. Me fjalët e tij:
Po ecja rrugës me dy shokë. Dielli filloi të perëndonte. Ndjeva një nuancë melankolie. Papritur, qielli u bë i kuq i gjakut. Ndalova, u mbështeta në parmakë, i vdekur i lodhur dhe shikova retë flakëruese që vareshin si gjak e shpatë mbi fjordin blu-zi dhe qytetin.
Shokët e mi vazhduan të ecnin. Qëndrova aty duke u dridhur nga frika. Dhe ndjeva një ulërimë të fortë dhe të pafund që depërton në natyrë. Ekspresionizmi, Ashley Bassie, f.69
Figura transmeton frikë, dëshpërim, ulërima e saj e rrethon plotësisht dhe e përshkon mjedisin dhe mendjen e atyre që e vëzhgojnë. Në stilin ekspresionist, piktura është punuar me vaj, tempera dhe pastel në karton, me përmasa 91 x 74 centimetra.
Der Blaue Reiter nga Wassily Kandinsky (1903)
Der Blaue Reiter ose Kalorësi Blu është një nga veprat e para ekspresioniste të Kandinskit, e admiruar për trajtimin e jashtëzakonshëm të ngjyrës dhe dritës, konsiderohet si një urë lidhëse midis post-impresionizmit dhe ekspresionizmit. Në të shfaqet një kalorës i veshur me blu që galopon nëpër fusha. Emri i kësaj vepre u përdor edhe si emër i grupit të artistëve ekspresionistë, i themeluar në vitin 1911 nga autori i saj dhe Franz Marc.
Kalorësi blu është ndoshta shfaqja më e rëndësishme artistike e Kandinskit në fillim të shekullit të XNUMX-të, përpara se ai të kishte zhvilluar plotësisht stilin e tij abstrakt. Piktura ilustron një kalorës të veshur në blu, duke kaluar nëpër një kafe të gjelbër.
Abstraksioni i pikturës është i qëllimshëm dhe bën që shumë teoricienë të artit të rikrijojnë paraqitjet e tyre personale mbi pikturën, ku disa madje panë një fëmijë në krahët e kalorësit blu. Lejimi i shikuesve për të përfshirë veten në veprën e artit ishte një teknikë që piktori e përdori shpesh dhe me sukses në veprat e tij të mëvonshme, të cilat u bënë më abstrakte ndërsa karriera e tij përparonte.
Kuajt blu nga Franz Marc (1911)
Franz Marc ishte një nga anëtarët themelues të Der Blaue Reiter, një artist që për shumë i dha kuptim emocional dhe psikologjik ngjyrave që përdori në punën e tij, duke prodhuar vepra me ngjyra dhe pasuri të madhe.
Blu përdorej shumë shpesh prej tij, veçanërisht për të përfaqësuar mashkulloritetin dhe spiritualitetin, ai ishte gjithashtu i magjepsur nga kafshët dhe bota e tyre e brendshme, duke e trajtuar njëri-tjetrin në një mënyrë thellësisht emocionale.
Gruaja e ulur me këmbë të ngritura (1917) nga Egon Schiele
Egon Schiele pikturoi gruan e tij Edith Harms në vitin 1917, duke e përshkruar atë të ulur në dysheme, duke mbështetur faqen në gjurin e saj të majtë. Flokët e tij të kuq të zjarrtë bien në kontrast dukshëm me ngjyrën e gjelbër të këmishës, duke u konsideruar si një portret i guximshëm dhe sugjestionues, me nuanca erotike shumë të përcaktuara dhe të guximshme për kohën. Autori i kësaj bojëra uji u karakterizua se kishte erotizmin si një nga temat kryesore në veprën e tij.
pionierët e ekspresionizmit
Edhe pse shumë njohës të fushës pohojnë se askund nuk u ekzekutua më mirë ekspresionizmi se në Gjermani, gjatë dekadës para Luftës së Parë Botërore, shumë artistë krijuan një mori imazhesh të paharrueshme dhe filluan ekspresionizmin, duke u kujtuar si i tillë deri në ditët tona:
Van Gogh (1853-90)
Ky piktor i shquar mishëron ekspresionizmin, me një larmi veprash autobiografike, të cilat i tregojnë shikuesit idetë, ndjenjat dhe mbi të gjitha ekuilibrin mendor, përmes kompozicionit, ngjyrave dhe çdo peneli. Pikturat e tij ishin pasqyrë e ndjenjave të tij gjatë realizimit të tyre dhe që nga ajo kohë, janë të paktë artistët që barazohen ose i afrohen intensitetit dhe origjinalitetit të tij, përsa i përket vetë-shprehjes.
I lindur në një familje shumë fetare, babai i tij ishte një ministër protestant, që në moshë të re ai tregoi një talent të mprehtë për vizatim, por vetëm shumë më vonë, rreth moshës 27-vjeçare, ai më në fund ndoqi thirrjen e tij të vërtetë si një artist.
Në 1878, ai manifestoi thirrjen e tij si prift, filloi të studionte teologji, por nuk u diplomua për shkak të vendosmërisë së tij tepër mistike për të ndjekur gjurmët e Krishtit. Dëshira e tij për të shpëtuar shpirtrat dhe për të ndihmuar të varfërit e shtyu atë të punonte si ungjilltar në një nga zonat më të varfra të minierave në Belgjikë, nga e cila u dëbua në 1880.
Në të njëjtën kohë ai vendosi të bëhej piktor, një karrierë që filloi me mbështetjen morale dhe financiare të vëllait të tij Theo, me të cilin mbajti një korrespondencë të vazhdueshme gjatë gjithë jetës së tij. Burimet kryesore të tij të frymëzimit ishin pasazhe nga Bibla dhe veprat e Émile Zola, Victor Hugo dhe Charles Dickens, si dhe pikturat e Honoré Daumier dhe, mbi të gjitha, realizmi i Jean-Francois Mijo. Ai e filloi jetën e tij të punës si punonjës i Galerisë së Arteve Goupil.
Van Gogh përjetoi dhimbje dhe trishtim, të shkaktuara nga bota që ai e donte shumë, por kurrë nuk mendoi se ai mori të njëjtën gjë. Si reagim ndaj kësaj ndjenje të vazhdueshme, ai përdori artin për të krijuar botën e tij, ku ngjyra dhe lëvizja nuk do të mungojnë, ku ekspozon të gjitha emocionet e tij, duke u bërë një nga piktorët e mëdhenj ekspresionistë të shekullit të XNUMX-të. Stili i tij unik i pikturës ekspresioniste mund të shihet në Muzeun Van Gogh në Amsterdam dhe Muzeun Kroller-Muller në Otterlo.
Paul Gauguin (1848-1903)
Nëse Van Gogh shtrembëronte formën dhe ngjyrën për të përcjellë ndjenjat e tij të brendshme, ky artist francez u mbështet kryesisht te ngjyra për të shprehur emocionet e tij. Ai përdorte gjithashtu simbolikën, por ishte ngjyra e tij në bojë që e dallonte vërtet. I lindur në Paris gjatë revolucionit të vitit 1848, ai ishte djali i një gazetari liberal, i cili u largua në mërgim pas grushtit të shtetit të 1851, duke marrë me vete edhe familjen e tij.
Megjithatë, ai vdiq gjatë rrugës, në Panama, ndërsa familja u nis për në Lima, Peru, ku u kujdesën për katër vjet. Nëna e Gauguin ishte e bija e shkrimtares dhe aktivistes socialiste franceze Flora Tristán, megjithëse paraardhësit e saj ishin fisnikë peruan.
Është e rëndësishme të theksohet se i riu Gauguin u shënua që nga fëmijëria nga atmosfera imagjinative dhe mesianike e rrethit të tij familjar, duke demonstruar gjatë gjithë karrierës së tij se ngjyrat dhe imazhet e Perusë do të kishin një ndikim të fortë. Në moshën 7-vjeçare, familja u kthye në Francë dhe u transferua në Orleans për të jetuar me gjyshin e tij. Në rininë e tij punoi si praktikant pilot në marinën tregtare, duke lundruar midis Amerikës së Jugut dhe Skandinavisë, në Paris dhe i inkurajuar nga kumbari i tij, filloi një karrierë shumë të suksesshme me agjentin e bursës Bertin.
Por Gauguin kishte qenë i interesuar për artin që kur ishte fëmijë dhe në kohën e lirë filloi të pikturonte. Kumbari i tij, Arosa, ishte diçka si një koleksionist arti dhe shembulli i tij dhe miqësia që Gauguin krijoi me impresionisten Camille Pissarro e inkurajoi këtë adhurues të vizitonte galeritë e artit dhe të blinte vepra nga artistë në zhvillim, duke përfshirë piktura të shumta impresioniste.
Ai vizitoi ekspozitën tashmë të famshme impresioniste të vitit 1874 në Paris dhe u frymëzua aq shumë sa vendosi të bëhej një artist me kohë të plotë, kështu që filloi të pikturonte dhe të skulpturonte si amator. Ai punoi me Bouillot dhe pikturoi në stilin e Bonvin dhe Lepine. Në 1876 ai ekspozoi një pikturë në Sallon.
Ai u ndikua veçanërisht nga Pissarro, i cili e ndihmoi në fillimet e tij si piktor dhe e inkurajoi të kërkonte stilin që i përshtatej temperamentit të tij. Pissarro e prezantoi atë me Cézanne dhe ai ishte aq i mahnitur nga stili i tij sa Cézanne filloi të frikësohej se ai do t'i vidhte idetë e tij.
Të tre burrat punuan së bashku për ca kohë në Pontoise, por ndërsa arti i tij përparonte, Gauguin vendosi të transferohej në studion e tij dhe mori pjesë në ekspozitat impresioniste të 1881 dhe 1882. Sukseset e tyre dhe një krizë financiare e bënë atë të braktiste karrierën e tij. biznes në 1883 për t'u përqëndruar tërësisht në pikturë.
Ai shkoi të jetonte në Pont-Aven në Brittany në 1885, ku ai farkëtoi një stil të ri, pasi ai ishte i pakënaqur me kufijtë e impresionizmit dhe kërkoi të shprehte një gjendje të brendshme dhe jo një pamje sipërfaqësore.
Ky stil i ri kërkonte të punonte më shumë nga kujtesa dhe imazhet e brendshme, sesa nga natyra, duke u thyer me teorinë impresioniste. Kjo u bë risia dhe kontributi më i madh i Gauguin në pikturën e artit të bukur, duke përdorur një gamë të gjallë ngjyrash për të shprehur emocione në vend që të pasqyronte një ton natyral. Përveç ekspresionizmit, ai ndikoi edhe në zhvillimin e sintezizmit dhe kluasonizmit gjatë qëndrimit të tij në Pont-Aven.
Edward Munch (1863-1944)
Një tjetër pionier i madh i ekspresionizmit ishte piktori dhe printeri norvegjez me temperament dhe neurotik, i cili, pavarësisht se kishte plagë të mëdha emocionale në fillimet e tij, arriti të jetonte deri në të 80-at. Pothuajse të gjitha fotografitë e tij më të mira u pikturuan para krizës së tij nervore në 1908.
I lindur në Loten të Norvegjisë, djali i një mjeku, ai ka pasur një jetë plot momente të vështira. Kur artisti ishte pesë vjeç, nëna e tij vdiq nga tuberkulozi, një sëmundje së cilës disa vite më vonë iu nënshtrua edhe motra e tij e madhe.
Këto ngjarje të hershme tragjike e bënë vdekjen një pjesë integrale të artit të tij më vonë. Kujtimi i trupit që po vdiste përballë një jastëku, pranë shtratit një dritë e zbehtë dhe gotën e pajetë të ujit dhe një baba autoritar që u përsëriste pafund fëmijëve se nëse do të mëkatonin, do të dënoheshin në ferr pa mëshirë, shume vite..
Me këtë skenar dhe siç pritej, familja pësoi shumë. Një nga motrat më të vogla u diagnostikua me sëmundje mendore në moshë të re dhe vetë Munch shpesh ndihej i sëmurë. Nga pesë vëllezërit e tij, vetëm njëri u martua, por ai vdiq disa muaj pas dasmës.
Në 1881 Munch u bashkua me Shkollën Mbretërore të Artit dhe Dizajnit në Kristianind dhe mori mësime modelimi dhe vizatimi. Mësuesit dhe ndikimi i tij i hershëm ishin skulptori norvegjez Julius Middelthun dhe piktori, autori dhe gazetari natyralist Christian Krohg.
Megjithëse Munch pikturoi tema tradicionale në jetën e tij studentore, ai shpejt zbuloi stilin e tij unik. Në vitin 1882 mori me qira studion e tij me nja dy artistë të tjerë dhe megjithëse nuk i kanë mbetur shumë vepra nga kjo periudhë, ato të njohurat vlerësohen shumë, për shembull ajo e titulluar Mëngjesi (1884).
Ky artist ia la trashëgim të gjithë punën e tij qytetit të Oslos, një koleksion i përbërë nga më shumë se një mijë piktura, pesëmbëdhjetë mijë gravura dhe katër mijë vizatime dhe bojëra uji. Në vitin 1963, Munch-Museet u hap në Oslo, një muze që strehon të gjitha veprat e tij dhe gjithashtu u bë artisti i parë perëndimor që ekspozoi pikturat e tij në Galerinë Kombëtare në Pekin.
Në vitin 2004, disa nga pikturat më të famshme të Munch, The Scream dhe The Virgin, u vodhën nga Muzeu nga grabitës të armatosur, por u gjetën nga policia disa vjet më vonë. Përveç Muzeut Munch dhe Galerisë Kombëtare të Artit në Oslo, shumë nga pikturat dhe printimet e tij janë të ekspozuara në muzetë më të mirë të artit në Evropë.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
Një eksponent i madh i artit ekspresionist, piktori simbolist zviceran Ferdinand Hodler lindi në Bernë në 1853 në një familje të prekur rëndë nga varfëria. Babai i tij ishte një kabinet dhe kur nëna e tij ndërroi jetë ai u martua përsëri me një piktor dhe dekorues, i cili e bëri atë nxënës, më pas u dërgua në Thun për të punuar me një artist vendas. Specialiteti i tij i parë ishte piktura konvencionale e peizazhit, pamjet e bukura alpine, të cilat ua shiste turistëve.
Në moshën 18-vjeçare, ai vendosi të ndryshojë vendbanimin e tij dhe shkoi në Gjenevë, qyteti ku do të kalonte pjesën më të madhe të jetës së tij të rritur dhe ku filloi të krijonte atë që do të ishte një karrierë e ngadaltë si artist profesionist. Përfundimisht, prindërit dhe vëllezërit e motrat e Ferdinand Hodler vdiqën për shkak të sëmundjeve, situata që patën një ndikim të dukshëm në jetën dhe karrierën e artistit, duke pasqyruar marrëdhënien e tij të ngushtë me vdekjen në veprat e tij.
James Ensor (1860-1949)
Piktor i lindur në Ostend të Belgjikës, bir i tregtarëve të vegjël që ndienin prirje për artin që në moshë të vogël. Prindërit e tij zotëronin një dyqan në treg ku u ofroheshin turistëve suvenire, si maska dhe maska për karnaval, tifozë, qeramika, lodra dhe objekte kurioze. Maskat ekstravagante të karnavalit dhe antifytyrat e përdorura më vonë nga Ensor në shfaqjet e tij ishin tipare të zakonshme të trupave dhe paradave lokale të Martën e Shenjtë.
Kur ishte vetëm pesëmbëdhjetë vjeç, ai filloi arsimimin e tij në art me disa eksponentë vendas, ai gjithashtu studioi në Akademinë Mbretërore të Arteve të Bukura në Bruksel, ku u takua me Fernand Khnopff rreth vitit 1877. Ekspozoi një vepër për herë të parë në vitin 1881, më vonë u kthye në shtëpinë e tij ku jetoi deri në vitin 1917, në shtëpinë e babait të tij. Veprat e tij të para zbulojnë një stil mjaft klasik dhe disi të errët, siç mund të shihet në Muzikën Ruse, The Rower dhe The Drunkards.
Në vitin 1887 paleta e tij u ndriçua dukshëm, një ndryshim që përkoi me vdekjen e babait të tij alkoolik, subjektet e tij u bënë pak surreale, duke zgjedhur të pikturonte karnavale, maska, skelete dhe kukulla, zakonisht të veshura me kostume me ngjyra të ndezura dhe ekspresive.
Veprat e James Ensor ndikuan në lëvizjen dadaiste dhe surrealizëm, në veçanti në veprën e Jean Dubuffet. Në vitin 2009, Muzeu i Artit Modern në Nju Jork i njohur si MoMA organizoi një retrospektivë të madhe të punës së tij. Sot pikturat e tij mund të shihen në disa nga muzetë më të mirë të artit në botë, veçanërisht në Muzeun e Arteve të Bukura në Antwerp.
Ekspresionizmi në artet e tjera
Ekspresionizmi ishte një lëvizje kulturore që filloi në Gjermani në fund të shekullit të XNUMX-të dhe arriti kulmin e saj në shekullin e XNUMX-të. Edhe pse ekspresionizmi u vlerësua shumë më tepër në pikturë, ai u shfaq edhe në disiplina të tjera si letërsia, kinemaja, muzika, skulptura, fotografia, arkitektura etj.
ekspresionizmi në muzikë
Ndërsa disa e klasifikojnë kompozitorin Arnold Schoenberg si një ekspresionist për shkak të kontributit të tij në almanakun der Blaue Reiter, ekspresionizmi muzikor duket se ka gjetur daljen e tij më të natyrshme në opera. Ndër shembujt më të hershëm të veprave të tilla ekspresioniste ishin prezantimet e shkëlqyera operistike të Paul Hindemith të dramës së Kokoschka, Mörder, Hoffnung der Frauen (Vrasësi, Shpresa e Grave) (1919) dhe Sancta Susanna e August Stramm (1922), e cila trajtonte çështjen e seksualitetit.
Megjithatë, operat më të shquara ekspresioniste janë dy nga Alban Berg: Wozzeck, interpretuar në 1925 dhe Lulu, e pa interpretuar në tërësi deri në vitin 1979, të dyja me një prirje të thellë dhe karakteristike për dramaturgjinë.
ekspresionizmi në film
Të ndikuar fuqishëm nga arti skenik ekspresionist, shumë artistë synojnë të përcjellin në film, nëpërmjet dekorimit, gjendjen subjektive shpirtërore të protagonistit. Më i famshmi prej këtyre filmave është ai i Robert Wiene, Kabineti i Dr. Caligari (1920), ku një i çmendur rrëfen idenë dhe këndvështrimin e tij se si arriti në azil. Rrugët dhe ndërtesat e paformuara në set janë projeksione të universit të tyre dhe personazhet e tjerë janë abstraktuar përmes grimit dhe veshjeve në simbole vizuale.
Është një film ku evokohen tmerri, kërcënimi, ankthi dhe drama, ndriçimi i hijeve dhe skenat e çuditshme u bënë model stilistik për filmat ekspresionistë për disa regjisorë të mëdhenj gjermanë.
Versioni i Paul Wegener i Golem (1920), nga F. W. Murnau me Nosferatu: Një simfoni tmerri (1922) dhe Fritz Lang me produksionin e heshtur Metropolis (1927), midis filmave të tjerë, paraqesin vizione pesimiste të kolapsit shoqëror ose eksplorojnë dualitetin ogurzi të natyrës njerëzore dhe aftësinë e tij për të keqen monstruoze personale.
ekspresionizmi në skulpturë
Në skulpturë ai përbëhej kryesisht nga ndryshime drastike në mënyrën se si bëhej skulptura tradicionale, dhe jo në një stil të veçantë dhe uniform. Ekspresionizmi ishte gjithashtu i popullarizuar në skulpturë, me eksponentë të shquar që ishin gdhendësi i drurit Ernst Barlach dhe Wilhelm Lehmbruck. Rreth vitit 1920 kjo rrjedh më shumë se çdo gjë në abstraksionizëm, në kërkim të një çlirimi të formave që do t'i jepnin plotësi shprehjes artistike.
Sa i përket skulpturës në ekspresionizmin abstrakt, disa skulptorë ishin gjithashtu një pjesë integrale e lëvizjes, duke përfshirë David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois. Nevelson, i konsideruar gjithashtu anëtarë të rëndësishëm të lëvizjes.
Ashtu si piktura abstrakte ekspresioniste, vepra skulpturore e lëvizjes u ndikua shumë nga surrealizmi dhe theksi i tij në krijimin spontan ose nënndërgjegjeshëm. Skulptura abstrakte ekspresioniste ishte më e interesuar për procesin sesa për produktin, gjë që mund ta bëjë të vështirë dallimin vizual të veprave vetëm mbi estetikën, kështu që është e rëndësishme të merret parasysh se çfarë ka për të thënë artisti për procesin e tyre.
Një shembull janë skulpturat e David Smith, i cili kërkonte të shprehte subjekte dydimensionale që deri më tani nuk ishin përpunuar në tre dimensione. Punimet e tij mund të thuhet se turbullojnë kufijtë midis skulpturës dhe pikturës, shpesh duke përdorur gjurmë të bukura dhe të përpikta në vend të formave të forta, me një pamje dydimensionale që thyente idenë tradicionale të skulpturës në rrumbullakët.
ekspresionizmi në letërsi
Ekspresionizmi në letërsi u ngrit si një reagim inovativ kundër materializmit, prosperitetit të vetëkënaqur borgjez, dominimit të familjes brenda shoqërisë evropiane të para Luftës së Parë Botërore dhe mekanizimit dhe urbanizimit të shpejtë.
Ishte lëvizja letrare dominuese në Gjermani gjatë dhe menjëherë pas Luftës së Parë Botërore. Shkrimtarët ekspresionistë u përpoqën të përcjellin idetë e tyre dhe protestën shoqërore përmes një stili të ri.
Shqetësimi i tyre ishte më shumë për të vërtetat e përgjithshme sesa për situatat e veçanta, ata eksploruan në veprat e tyre vështirësitë e tipave simbolikë përfaqësues dhe jo karaktere të individualizuara plotësisht të zhvilluara.
Theksi nuk ishte në botën e jashtme, e cila thjesht përvijohet dhe vështirë se përcaktohet në vend apo kohë, por në brendësi, në gjendjen shpirtërore të një individi, prandaj në dramën ekspresioniste interesi është në evokimin e disponimet.
Personazhi kryesor në një vepër ekspresioniste shpesh shpreh hallet e tij ose të saj në monologje të gjata të shprehura në një gjuhë të përqendruar, eliptike dhe koncize që eksploron gjendjen shpirtërore të rinisë, revoltën e tyre kundër brezit të vjetër dhe zgjidhjet e ndryshme politike ose revolucionare që po bëhen. kërkuan.ato paraqesin. Zhvillimi i brendshëm i personazhit kryesor eksplorohet përmes një sërë tablosh të lidhura lirshëm, gjatë të cilave ai rebelohet kundër vlerave tradicionale dhe kërkon një vizion më të lartë shpirtëror të jetës.
August Strindberg dhe Frank Wedekind ishin pararendës të shquar të dramës ekspresioniste, por vepra e parë ekspresioniste e njohur ishte ajo e Reinhard Johannes Sorge. der Bettler (Lypësi), shkruar në 1912 dhe interpretuar për herë të parë në 1917. Dramaturgët e tjerë kryesorë në këtë lëvizje ishin Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever dhe Reinhard Goering, të gjithë gjermanë.
Stili ekspresionist në poezi u shfaq krah për krah me homologun e tij dramatik, në të njëjtin stil joreferencial dhe duke eksploruar një lirizëm të lartësuar dhe të mrekullueshëm, njësoj si një himn. Kjo poezi e thjeshtuar, duke përdorur një numër të madh emrash, disa mbiemra dhe folje të paskajshme, ndryshoi rrëfimin dhe përshkrimin duke u përpjekur të arrinte në thelbin e ndjenjës.
Ndër poetët ekspresionistë më me ndikim janë gjermanët Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl dhe Else Lasker-Schüler dhe poeti çek Franz Werfel. Tema më e trajtuar në vargjet ekspresioniste ishte tmerri i jetës urbane dhe vizionet apokaliptike të kolapsit të qytetërimit.
Disa poetë ishin tejet pesimistë dhe të kënaqur me sharjen e vlerave borgjeze, ndërsa të tjerë ishin më të shqetësuar për reformat politike dhe sociale, duke shprehur hapur shpresën për një revolucion të ardhshëm. Jashtë Gjermanisë, dramaturgët që përdorën teknika dramatike ekspresioniste përfshinin autorët amerikanë Eugene O'Neill dhe Elmer Rice.
ekspresionizmi në arkitekturë
Arkitektura ekspresioniste u konceptua dhe u projektua për të ngjallur ndjenja dhe emocione ekstreme. Ndërtesat e krijuara në këtë stil bënë një deklaratë në atë kohë dhe u dalluan nga strukturat përreth.
Arkitektët shpesh përdornin forma të pazakonta, të shtrembëruara dhe përfshinin teknika krejtësisht origjinale të ndërtimit, duke përdorur materiale të tilla si tulla, çeliku dhe qelqi. Disa arritën sukses të madh dhe u dalluan në kohën e tyre, ndër të cilët mund të përmendim Walter Gropius dhe Bruno Taut, të cilët projektuan ndërtesa mbresëlënëse ekspresioniste.
Fatkeqësisht, shumë prej strukturave nuk u ndërtuan kurrë dhe ekzistojnë vetëm në letër. Nga ato që mundën të materializoheshin, disa ishin të përkohshme dhe të tjera nuk mbijetuan deri më sot, megjithatë, disa shembuj të mrekullueshëm të arkitekturës ekspresioniste mund të shihen sot, veçanërisht në Gjermani.
Stilet e frymëzuara nga ekspresionizmi
Ekspresionizmi nuk ishte saktësisht një prirje apo lëvizje uniforme, pasi ai grupoi së bashku një shumëllojshmëri të gjerë stilesh dhe nga ana e tij krijoi ose ndikoi shumë të tjera, gjithashtu lëvizje shumë të rëndësishme në art dhe kulturë.
Ekspresionizmi abstrakt
Ndërsa Nju Jorku zëvendësoi Parisin si epiqendrën e inovacionit në artin modern, stili ekspresionist u rilind si ekspresionizëm abstrakt në fillim të viteve XNUMX.
Në Shtetet e Bashkuara, ajo fitoi forcë me të ashtuquajturit piktorë të veprimit të udhëhequr nga Jackson Pollock dhe Willem De Kooning dhe piktorët e fushës së ngjyrave, si Mark Rothko, Barnett Newman dhe Clyfford Still. Shumë më abstrakte sesa ekspresioniste, kjo shkollë e re kishte pak lidhje të prekshme me stilin ekspresionist të fillimit të shekullit të XNUMX-të.
ekspresionizmi figurativ
Megjithëse arti amerikan dhe evropian i pasluftës dominohej nga abstraksioni, ekspresionizmi përfaqësues ishte ende i popullarizuar në Australi në vitet 1940 dhe 1950, siç ilustrohet nga veprat e artistëve si Russell Drysdale dhe Sidney Nolan.
Është e lidhur ngushtë me botën nordike dhe gjermanike, me rrënjë në botën e lashtë të kombit gjerman dhe lëvizjen romantike të shekullit të nëntëmbëdhjetë. Mundohuni ta përfaqësoni realitetin me një këndvështrim tjetër dhe personal
neo-ekspresionizmi
Ringjallja e fundit e lëvizjes ekspresioniste ndodhi në vitet 1970 në Shtetet e Bashkuara, Britaninë e Madhe, Gjermani, Itali dhe Francë, nën emrin e neo-ekspresionizmit. E parë kryesisht si një reagim ndaj minimalizmit dhe artit konceptual të viteve XNUMX, eksponentët kryesorë të tij përfshinin:
- Philip Guston dhe Julian Schnabel (SHBA)
- Paula Rego dhe Christopher Le Brun (Britania e Madhe)
- Shkolla neo-ekspresioniste e njohur si Neue Wilden (New Fauves) e cila përfshinte: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler e të tjerë. (Gjermani)
- Transavanguardia (Përtej avangardës) dhe artistë të tillë si Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria dhe Mimmo Paladino. (Itali)
- Figuration Libre, i formuar në 1981 nga Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas dhe Herve de Rosa. (Francë)
Nëse ju pëlqeu ky artikull, ju ftojmë të konsultoni të tjera shumë interesante në blogun tonë: