Ako staroveká kultúra Japonsko celé tie roky predvádzalo svoje umenie, naučte sa s nami prostredníctvom tohto zaujímavého článku všetko o staroveku Umenie japonský, vyvíjal sa postupom času v rôznych obdobiach a štýloch. Nezmeškaj to!
japonské umenie
Keď hovoríme o japonskom umení, hovoríme o tom, čo táto civilizácia oznámila v priebehu času v rôznych fázach a štýloch, ktoré sa dočasne rozvinuli so sociálnym a kultúrnym vývojom japonského ľudu.
Variácie, ktorými umenie v Japonsku prechádza, sú dôsledkom jeho technologického rozvoja, kde si môžeme uvedomiť využitie suroviny krajiny v jej umeleckých prejavoch. Rovnako ako takzvané západné umenie, jeho najcharakteristickejšie prejavy boli ovplyvnené náboženstvom a politickou mocou.
Jednou z hlavných charakteristík japonského umenia je jeho eklekticizmus, pochádzajúci od rôznych národov a kultúr, ktoré sa časom dostali na jeho pobrežia: prví osadníci, ktorí sa usadili v Japonsku – známi ako Ainu – patrili pravdepodobne do severokaukazskej vetvy a východnej Ázie. prišiel, keď bolo Japonsko ešte pripojené k pevnine.
Pôvod týchto osadníkov je neistý a historici zvažujú rôzne hypotézy, od uralsko-altajskej rasy až po možný indonézsky či mongolský pôvod. V každom prípade ich kultúra akoby zodpovedala vrchnému paleolitu či mezolitu.
Následne rôzne skupiny malajskej rasy z juhovýchodnej Ázie alebo tichomorských ostrovov dorazili k japonským brehom, ako aj do Kórey a rôznych častí Číny, postupne sa zavádzali z juhu a vytláčali Ainuov. severne od Japonska, zatiaľ čo v neskoršej vlne prišli do Japonska rôzne rovnaké etnické skupiny z Číny a Kórey.
K tejto rasovej zmesi treba prirátať vplyv iných kultúr: Japonsko bolo vďaka svojej izolovanosti počas veľkej časti svojej histórie izolované, no v určitých intervaloch ho ovplyvňovali pevninské civilizácie, najmä Čína a Kórea, najmä od V. storočia.
Kultúra japonských predkov, ktorá sa objavila z postupných prisťahovaleckých táborov, pridala cudzí vplyv a vytvorila eklektické umenie otvorené inováciám a štylistickému pokroku.
Je tiež zaujímavé poznamenať, že veľká časť umenia vyrobeného v Japonsku je nábožensky založená: k typickému náboženstvu šintoizmu v regióne, ktoré sa vytvorilo okolo XNUMX. storočia, sa okolo XNUMX. storočia pridal budhizmus, čím sa vytvorila náboženská fúzia, ktorá pretrváva dodnes. sa odrazila aj v umení.
Japonské umenie je dôsledkom týchto odlišných kultúr a tradícií, interpretuje vlastným spôsobom formy umenia importované z iných krajín, ktoré dosahuje podľa svojej koncepcie života a umenia, vykonáva zmeny a zjednodušuje jeho špecifické vlastnosti.
Podobne ako prepracované čínske budhistické chrámy, ktoré v Japonsku prešli metamorfózou, keď museli opustiť určité prvky svojho umenia a spojiť ich s inými, to vyjadruje jednotný charakter tohto umenia, takže vždy prirodzene prevzalo niečo z inej kultúry. iných krajín.
Japonské umenie má v japonskej kultúre veľký zmysel pre meditáciu a vzájomný vzťah medzi človekom a prírodou, zastúpený aj v predmetoch, ktoré ho obklopujú, od tých najzdobnejších a najdôraznejších až po tie najjednoduchšie a každodenné.
Vidno to na hodnote pripisovanej nedokonalostiam, pominuteľnosti vecí, humanitárnom zmysle, ktorý Japonci vytvárajú vo svojom prostredí. Rovnako ako pri čajovom obrade si cenia pokoj a mier tohto stavu kontemplácie, ktorý dosahujú jednoduchým rituálom, založeným na jednoduchých komponentoch a harmónii asymetrického a neukončeného priestoru.
Pokoj a rovnováha sú pre nich spojené s teplom a pohodlím, čo sú vlastnosti, ktoré sú zase skutočným odrazom ich poňatia krásy. Ani v čase jedla nie je dôležité množstvo jedla alebo jeho prezentácia, ale zmyslové vnímanie jedla a estetický význam, ktorý dáva akémukoľvek činu.
Rovnako aj umelci a remeselníci tejto krajiny majú vysoký stupeň prepojenia so svojou tvorbou, materiály cítia ako nevyhnutnú súčasť svojho života a komunikácie s prostredím, ktoré ich obklopuje.
Základy japonského umenia
Japonské umenie, rovnako ako zvyšok jeho filozofie – alebo jednoducho spôsob videnia života – podlieha intuícii, nedostatku racionality, emocionálneho vyjadrenia a jednoduchosti činov a myšlienok. často vyjadrené symbolicky.
Dve z charakteristických čŕt japonského umenia sú jednoduchosť a prirodzenosť: umelecké prejavy sú odrazom prírody, takže si nevyžadujú komplikovanú produkciu, to všetko vedie k tomu, že umelci chcú, aby to, čo je načrtnuté, navrhnuté, bolo neskôr dešifrované. zo strany diváka.
Táto jednoduchosť spôsobila v maľbe sklon k lineárnej kresbe, bez perspektívy, s množstvom prázdnych priestorov, ktoré sa však harmonicky začleňujú do celku. V architektúre sa zhmotňuje v lineárnych dizajnoch, s asymetrickými rovinami, v kombinácii dynamických a statických prvkov.
Táto jednoduchosť v japonskom umení je zasa spojená s vrodenou jednoduchosťou vo vzťahu medzi umením a prírodou, ktorá je súčasťou ich svojráznosti, ktorá sa odráža v ich životoch a prežívajú ju s jemným pocitom melanchólie, takmer smútku.
Ako im plynutie ročných období dáva pocit prchavosti, kde môžete vidieť evolúciu, ktorá existuje v prírode vďaka efemérnej povahe života. Táto jednoduchosť sa odráža predovšetkým v architektúre, ktorá sa harmonicky začleňuje do svojho okolia, ako naznačuje použitie prírodných materiálov, bez práce, ukazuje svoj hrubý, nedokončený vzhľad. V Japonsku sú príroda, život a umenie neoddeliteľne spojené a umelecké úspechy sú symbolom celého vesmíru.
Japonské umenie sa snaží dosiahnuť univerzálnu harmóniu, prekračujúc hmotu, aby našli generujúci princíp života. Japonská ornamentika sa snaží nájsť zmysel života prostredníctvom umenia: Krása japonského umenia je synonymom harmónie, kreativity; je to básnický impulz, zmyslová cesta, ktorá vedie k realizácii diela, ktoré nemá cieľ sám o sebe, ale presahuje.
To, čo nazývame krásou, je filozofická kategória, ktorá nás odkazuje na existenciu: spočíva v dosahovaní významu celku. Ako vyjadril Suzuki Daisetsu: "krása nie je vo vonkajšej forme, ale v zmysle, v akom je vyjadrená."
Umenie sa nezačína jeho rozumným charakterom, ale jeho sugestívnymi atribútmi; Nemusí to byť presné, ale ukázať dar, ktorý vedie k celistvosti. Jeho cieľom je zachytiť to podstatné prostredníctvom tej časti, ktorá naznačuje celok: prázdnota je doplnkom toho, čo je japonské.
Vo východnom myslení existuje jednota medzi hmotou a duchom, ktorá prevláda v kontemplácii a spoločenstve s prírodou, prostredníctvom vnútorného priľnutia, intuície. Japonské umenie (gei) má transcendentnejší význam, nehmotnejší ako pojem úžitkového umenia na Západe: je to akýkoľvek prejav mysle, chápaný ako životná energia, ako esencia, ktorá dáva život nášmu telu, ktoré sa v skutočnosti rozvíja a sa vyvíja, uvedomujúc si jednotu medzi telom, mysľou a duchom.
Zmysel pre japonské umenie sa časom rozvinul: od jeho počiatkov, kde existovali prvé stopy umenia a krásy, siahajú až do staroveku, keď boli vytvorené kreatívne princípy japonskej kultúry a tie, ktoré boli vyjadrené v najvýznamnejších literárnych dielach. krajiny:
Kojiki, Nihonshoki a Man 'yōshū, vyššie uvedené sú publikácie, prvé dve sú o prvých dielach dejín Japonska a posledná je o básňach napísaných v prvom tisícročí, vtedy prevládala myšlienka Sayashi („čistý, samozrejme svieži"), v narážke na akúsi krásu charakterizovanú jednoduchosťou, sviežosťou, istou naivitou, ktorá prichádza s použitím svetla a prírodných materiálov, ako je Haniwa Figure Land alebo drevo v architektúre.
K najlepším predstaviteľom tohto štýlu môžeme zaradiť svätyňu Ise, vyrobenú z cyprusového dreva, ktorá je od XNUMX. storočia každých dvadsať rokov renovovaná, aby si zachovala svoju úprimnosť a sviežosť. Z tejto predstavy vyplýva jedna z konštánt japonského umenia: hodnota pripisovaná efemérnej, efemérnej, efemérnej kráse, ktorá sa časom rozvíja.
V Man 'yōshū sa sayakeshi prejavuje v náklonnosti byť verný a skúšaný, ako aj v opise toho, ako mu zložky, ako je obloha a more, dali pocit veľkosti, ktorý človeka zaplavuje.
Sayakeshi súvisí s pojmom Naru („stať sa“), v ktorom je čas hodnotený ako životná energia, ktorá sa zbližuje v stávaní sa, v kulminácii všetkých činov a všetkých životov.
Umiestnením do obdobia Nara a Heian sa umelecký aspekt umenia rýchlo rozvinul vďaka prvému kontaktu s čínskou kultúrou, ako aj príchodom budhizmu. Hlavným pojmom tejto éry bolo svedomie, emocionálny pocit, ktorý diváka zaplavuje a vedie k hlbokému pocitu empatie či ľútosti.
Súvisí s inými pojmami ako okashi, ten, ktorý priťahuje svojou radosťou a príjemným charakterom; omoshiroi, vlastnosť žiarivých vecí, ktoré priťahujú pozornosť svojou brilantnosťou a jasnosťou; yūbi, pojem milosti, elegancie; yūga, kvalita zdokonaľovania krásy; en, príťažlivosť kúzla; kráľ, krása pokoja; yasashi, krása diskrétnosti; a ushin, hlboký zmysel pre umenie.
Murasaki Shikibuov príbeh o Genji, ktorý stelesňuje nový estetický koncept nazývaný mono-no-awareness – termín zavedený Motōri Norinagom –, ktorý vyjadruje melanchóliu, kontemplatívny smútok odvodený z pominuteľnosti vecí, prchavú krásu, ktorá trvá chvíľu a zostáva v pamäti.
Ale predovšetkým je to pocit jemnej melanchólie, ktorý môže viesť k hlbokému smútku pri hlbokom precítení vydýchnutej krásy všetkých bytostí prírody.
Táto filozofia „ideálneho hľadania“ krásy, meditatívneho stavu, v ktorom sa stretáva myšlienka a svet zmyslov, je charakteristická pre vrodenú japonskú pochúťku pre krásu a je evidentná na festivale Hanami, oslave čerešne v r. rozkvitnúť.
V japonskom stredoveku, v obdobiach Kamakura, Muromachi a Momoyama, kde bola charakteristická vojenská nadvláda v celej feudálnej spoločnosti krajiny, sa objavil koncept dō ("cesta"), ktorý generoval rozvoj umenia tej doby. , sa prejavuje v obradnej praxi spoločenských obradov, čoho dôkazom sú shodō (kaligrafia), chadō (čajový obrad), kadō alebo ikebana (umenie aranžovania kvetov) a kōdō (kadidlový obrad).
Na praktikách nezáleží na výsledku, ale skôr na evolučnom procese, evolúcii v čase - opäť naru -, ako aj na talente preukázanom v dokonalom vykonávaní obradov, čo znamená zručnosť, ako aj duchovné odhodlanie v snaha o dokonalosť.
Rozhodujúci vplyv na tieto nové koncepty mal variant budhizmu zvaný Zen, ktorý zdôrazňuje určité „pravidlá života“ založené na meditácii, kde človek stráca sebauvedomenie. Všetka každodenná práca teda presahuje svoju hmotnú podstatu, aby znamenala duchovný prejav, ktorý sa odráža v pohybe a rituálnom plynutí času.
Tento koncept sa odráža aj v záhradníctve, ktoré dosahuje taký stupeň dôležitosti, kde je záhrada víziou vesmíru, s veľkou prázdnotou (more), ktorá je vyplnená objektmi (ostrovmi), stelesnenými v piesku a skalách. , a kde vegetácia evokuje plynutie času.
Zenová ambivalencia medzi jednoduchosťou a hĺbkou transcendentného života napĺňa ducha „jednoduchej elegancie“ (wabi) nielen v umení, ale aj v správaní, spoločenských vzťahoch a každodenných aspektoch života. . Majster Sesshū povedal, že "Zen a umenie sú jedno."
Tento zen je prezentovaný v siedmich okrasných faktoch: fukinsei, spôsob odmietnutia optimalizácie na dosiahnutie rovnováhy prítomnej v prírode; kanso , vyberte to, čo vám zostalo, a to, čo vyberiete, vás prinúti objaviť jednoduchosť prírody.
Kokō (osamelá dôstojnosť), vlastnosť, ktorú ľudia a predmety získavajú časom a dávajú im väčšiu čistotu ich podstaty; shizen (prirodzenosť), ktorá je spojená s úprimnosťou, prirodzené je pravé a neporušiteľné; yūgen (hĺbka), skutočná podstata vecí, ktorá presahuje ich jednoduchú vecnosť, ich povrchný vzhľad.
Datsuzoku (detachment), sloboda v praxi umenia, ktorej poslaním je oslobodiť myseľ, nie ju ovládať – teda umenie sa zaobíde bez všetkých druhov parametrov a pravidiel –; seiyaku (vnútorný pokoj), v situácii ticha, pokoja, nevyhnutného na to, aby plynulo šesť predchádzajúcich princípov.
Je to najmä čajový obrad, kde sa majstrovsky syntetizuje japonský koncept umenia a krásy, čím vzniká autentické estetické náboženstvo: „teizmus“. Tento obrad predstavuje kult krásy v opozícii k vulgárnosti každodennej existencie. Jeho filozofia, etická aj estetická, vyjadruje integrálnu koncepciu človeka s prírodou.
Jeho jednoduchosť spája maličkosti s kozmickým poriadkom: život je výraz a činy vždy odrážajú myšlienku. Časové sa rovná duchovnému, malé je veľké. Tento koncept nájdeme aj v čajovni (sukiya), efemérnom stavebnom produkte poetického impulzu, bez ornamentov, kde je nedokonalé uctievané a vždy niečo zanecháva nedokončené, čo dotvorí predstavivosť.
Nedostatočná symetria je charakteristická, pretože zen si myslí, že snaha o dokonalosť je dôležitejšia ako ona sama. Krásu môže objaviť len ten, kto dotvorí svojim uvažovaním to, čo chýba.
Napokon, v modernej ére – ktorá sa začala obdobím Edo –, hoci predchádzajúce myšlienky pretrvávajú, sa zavádzajú nové umelecké triedy, ktoré sú spojené so vznikom iných spoločenských rádov, ktoré vznikajú pri modernizácii Japonska: sui je istá duchovná pochúťka. hlavne v Osackej literatúre.
Iki myšlienka je dôstojná a priama milosť, obzvlášť prítomná v kabuki; Karumi je koncept, ktorý obhajuje ľahkosť ako niečo prapôvodné, čím sa získava „hĺbka“ vecí, čo sa odráža najmä v poézii haiku, kde je Shiori nostalgickou kráskou.
"Nič netrvá, nič nie je úplné a nič nie je dokonalé." Toto by boli tri kľúče, na ktorých je založené „Wabi sabi“, japonský výraz (alebo typ estetickej vízie), ktorý odkazuje na krásu nedokonalého, neúplného a meniaceho sa, hoci odkazuje na krásu skromný a skromný, nekonvenčný. Filozofiou „wabi sabi“ je užívať si prítomnosť a nájsť pokoj a harmóniu v prírode a maličkostiach a pokojne prijať prirodzený cyklus rastu a úpadku.
Základom všetkých týchto prvkov je myšlienka umenia ako tvorivého procesu a nie ako materiálneho úspechu. Okakura Kakuzō napísal, že „iba umelci, ktorí veria vo vrodenú deformáciu svojej duše, sú schopní vytvárať skutočnú krásu“.
Periodizácia japonského umenia
V tomto článku použijeme členenie na veľké obdobia z hľadiska významných umeleckých zmien a politických hnutí. Výber sa vo všeobecnosti líši podľa kritérií autora a mnohé z nich možno aj ďalej rozdeliť. Existujú však aj rozdiely týkajúce sa začiatku a konca niektorých z týchto období. Vezmeme si ten, ktorý vyrobil archeológ Charles T. Kelly, ktorý je nasledujúci:
Japonské umenie vo výtvarnom umení
V období mezolitu a neolitu zostal izolovaný od kontinentu, takže všetka jeho produkcia bola vlastná, aj keď málo významná. Boli to polosedavé spoločnosti, žili v malých dedinách s domami vyhĺbenými do zeme, zdroje potravy získavali najmä z lesa (jeleň, diviaky, orechy) a mora (ryby, kôrovce, morské cicavce).
Tieto spoločnosti mali prepracovanú organizáciu práce a zaoberali sa meraním času, o čom svedčí niekoľko pozostatkov kruhových kamenných usporiadaní v Oyu a Komakino, ktoré fungovali ako slnečné hodiny. Zjavne mali štandardizované merné jednotky, o čom svedčí niekoľko budov postavených podľa určitých vzorov.
Na určitých miestach zodpovedajúcich tomuto obdobiu sa našli leštené kamenné a kostené artefakty, keramika a antropomorfné figúry. Je potrebné poznamenať, že keramika Jōmon je najstaršou keramikou vyrobenou človekom: najstaršie stopy základnej keramiky pochádzajú z roku 11.000 XNUMX pred Kristom, v malých, ručne vyrábaných nádobách s leštenými stranami a veľkými interiérmi. , s funkčným zmyslom a strohým zdobením.
Tieto pozostatky zodpovedajú obdobiu nazývanému „prejōmon“ (11000 7500 – 7500 2500 pred Kristom), po ktorom nasleduje „archaický“ alebo „raný“ Džómón (XNUMX XNUMX – XNUMX XNUMX pred Kristom), kde sa vyrába najtypickejšia džómónska keramika, vyrábaná ručne a zdobená. s zárezmi alebo stopami po lane, na základe akýchsi hlbokých nádob v tvare nádoby. Základnú výzdobu tvorili odtlačky zhotovené šnúrami z rastlinných vlákien, ktoré sa pred vypaľovaním vtláčali na keramiku.
V niekoľkých oblastiach dosiahli tieto rezy vysoký stupeň prepracovanosti s dokonale opracovanými okrajmi, ktoré kreslia sériu veľmi zložitých abstraktných línií. Zriedkavo sa našli pozostatky figurálnych scén, vo všeobecnosti antropomorfné a zoomorfné kresby (žaby, hady), zvýrazňujúce loveckú scénu prítomnú vo váze nájdenej v Hirakubo, severne od Honshū.
Nakoniec v „Neskorom Jōmon“ (2500 – 400 pred Kr.) sa nádoby vrátili do prirodzenejšej, menej prepracovanej podoby, s misami a nádobami s okrúhlym dnom, amforami s úzkym hrdlom a misami s rúčkami, často s tyčinkami. alebo zvýšená základňa. Keramické pamiatky Jōmon sú: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo a Okinohara na ostrove Honshū; Sobata na ostrove Kyūshū; a Hamanasuno a Tokoro na ostrove Hokkaidō.
Okrem váz sa z keramiky vyrábajú rôzne figúrky v ľudskej alebo zvieracej podobe, vyrobené z niekoľkých častí, a tak sa našlo len málo zvyškov celých kusov. Tie v antropomorfnej forme môžu mať mužské alebo ženské atribúty a našli sa aj niektoré androgýnne znamenia.
Niektorí majú nafúknuté brucho, takže mohli byť spojené s uctievaním plodnosti. Za zmienku stojí precíznosť detailov, ktoré niektoré figúrky ukazujú, ako sú starostlivé účesy, tetovania a ozdobné šaty.
Zdá sa, že v týchto spoločnostiach bola ozdoba tela veľmi významná, hlavne v ušiach, keramickými náušnicami rôznych výrobcov, zdobenými červenkastými farbivami. V Chiamigaito (ostrov Honshū) sa našlo viac ako 1000 týchto ozdôb, čo naznačuje miestnu dielňu na spracovanie týchto výrobkov.
Z tohto obdobia pochádzajú aj rôzne masky, označujúce individualizovanú prácu na tvárach. Rovnakým spôsobom sa vyrábali rôzne druhy guľôčok zeleného jadeitu a poznali prácu s lakom, o čom svedčí niekoľko spojovacích prvkov nájdených v Torihame. Našli sa aj zvyšky mečov, kostí či slonovinových parohov.
Obdobie Yayoi (500 pred Kristom – 300 po Kr.)
Toto obdobie znamenalo definitívny vznik agrárnej spoločnosti, čo spôsobilo odlesňovanie veľkých chotárov územia.
Táto transformácia viedla k evolúcii japonskej spoločnosti v technologickej, kultúrnej a sociálnej oblasti s väčšou sociálnou stratifikáciou a špecializáciou práce a spôsobila nárast ozbrojených konfliktov.
Japonské súostrovie bolo posiate malými štátmi vytvorenými okolo klanov (uji), medzi ktorými prevládali Jamato, z ktorých vznikla cisárska rodina. Potom sa objavil šintoizmus, mytologické náboženstvo, ktoré zvrhlo cisára Amaterasu, bohyňu slnka.
Toto náboženstvo podporovalo skutočný zmysel pre čistotu a sviežosť japonského umenia s uprednostňovaním čistých materiálov a bez zdobenia, so zmyslom pre integráciu s prírodou (kami alebo nadvedomím). Od XNUMX. storočia pred Kr. C. začal zavádzať kontinentálnu civilizáciu vďaka vzťahom s Čínou a Kóreou.
Kultúra Yayoi sa objavila na ostrove Kyūshū okolo roku 400-300 pred Kristom. C. a presťahovala sa na Honshū, kde postupne nahradila kultúru Jōmon. V tomto období sa rozšíril akýsi veľký pohreb s komorou a mohylou zdobenou terakotovými valcami s ľudskými a zvieracími postavami.
Dediny boli obkolesené priekopami a objavili sa rôzne poľnohospodárske nástroje (vrátane kamenného nástroja v tvare polmesiaca používaného pri zbere úrody), ako aj rôzne zbrane, ako luky a šípy s leštenými kamennými hrotmi.
V hrnčiarstve sa špeciálne vyrábali tieto predmety: džbány, vázy, taniere, poháre a fľaše s určitými osobitosťami. Mali leštený povrch, s jednoduchou výzdobou, väčšinou zárezy, bodkované a cik-cak fáborky, najpoužívanejším predmetom bolo sklo s názvom Tsubo.
Vyzdvihol prácu s kovmi, najmä s bronzom, ako sú tzv. dotaku zvony, ktoré slúžili ako obradné predmety, zdobené špirálami (ryusui) v podobe tečúcej vody, alebo reliéfne zvieratá (hlavne jelene, vtáky, hmyz a obojživelníkov), ako aj scény lovu, rybolovu a poľnohospodárskych prác, najmä tých, ktoré súvisia s ryžou.
Zdá sa, že jeleň mal zvláštny význam, možno spojený s určitým božstvom: na mnohých miestach sa našlo množstvo jeleních lopatiek s rezmi alebo znakmi vytvorenými ohňom, čo údajne súvisí s určitým typom rituálu.
Medzi ďalšie dekoratívne predmety nájdené na stránkach Yayoi patria: zrkadlá, meče, rôzne korálky a magatama (kúsky nefritu a achátu v tvare kešu, ktoré slúžili ako drahokamy plodnosti).
Kofunské obdobie (300 – 552)
Táto éra znamenala konsolidáciu cisárskeho centrálneho štátu, ktorý kontroloval dôležité zdroje, ako je železo a zlato. Architektúra sa rozvíjala prednostne na cintoríne s typickými komorovými a priechodnými hrobkami nazývanými kofun ("stará hrobka"), na ktorých boli navŕšené veľké kopy zeminy.
Pozoruhodné sú pohrebiská cisárov Ōjina (346-395) a Nintokua (395-427), kde sa našlo veľké množstvo predmetov, medzi ktorými boli; šperky, figúrky z rôznych materiálov, najmä terakotové figúrky.
Tieto sošky boli asi šesťdesiat centimetrov vysoké, prakticky bez výrazu, len s niekoľkými štrbinami v očiach a ústach, hoci sú veľmi relevantným príkladom umenia tejto doby.
Podľa odevu a náčinia v týchto postavách vynikajú rôzne remeslá, ako roľníci, milicionári, mnísi, provinciálne ženy, miništranti atď.
Koncom tohto obdobia sa objavujú aj postavy zvierat, vrátane jeleňov, psov, koní, kancov, mačiek, sliepok, oviec a rýb, čo poukazuje na význam vtedajšieho vojenského sídliska, ktorého štýlové znaky sa viažu na kultúru Silla. z Kórey, ako aj typ keramiky Sueki, ktorá je tmavá a veľmi jemná, s cinkajúcimi doplnkami.
Sociálna diferenciácia viedla k izolácii vládnucich tried v exkluzívnych štvrtiach miest, ako je Yoshinogari, aby skončili trvalo segregované v izolovaných štvrtiach, ako je Mitsudera alebo palácové komplexy Kansai, Ikaruga a Asuka-Itabuki.
Čo sa týka náboženskej architektúry, rané šintoistické chrámy (jinja) boli vyrobené z dreva, na vyvýšenej základni a odhalených stenách alebo posuvných priečkach so základňami, ktoré podopierali šikmú strechu.
Jednou z jeho charakteristických súčastí je torii, vstupný oblúk, ktorý označuje vstup na posvätné miesto. Všimnite si svätyňu Ise, ktorá bola od XNUMX. storočia každých dvadsať rokov prestavaná.
Hlavná budova (Shoden) má zvýšené poschodie a sedlovú strechu s deviatimi podnožami, do ktorej sa vstupuje vonkajším schodiskom. Je v štýle shinmei zukuri, ktorý odráža neskorý šintoistický štýl, pred príchodom budhizmu do Japonska.
Ďalším mýtickým chrámom neistého pôvodu je Izumo Taisha neďaleko Matsue, legendárny chrám založený Amaterasu. Je v štýle taisha zukuri, považuje sa za najstaršiu medzi svätyňami, hlavnou atrakciou je vyvýšenie budovy na pilastroch so schodiskom ako hlavným prístupom a jednoduché drevené povrchy bez maľby.
Pôvodná svätyňa mala podľa nájdených rukopisov výšku 50 metrov, no kvôli požiaru bola prestavaná na výšku 25 metrov. Budovy boli Honden ("vnútorná svätyňa") a Hayden ("vonkajšia svätyňa"). Do tohto obdobia patrí aj Kinpusen-ji, hlavný chrám shugendō, asketického náboženstva spájajúceho šintoizmus, budhizmus a animistické presvedčenie.
V tomto období nachádzame prvé ukážky maľby, ako napríklad na kráľovskom pohrebe v Ótsuke a v dolmenových hrobkách Kjúšú (XNUMX. – XNUMX. storočie), zdobené výjavmi uväznenej koristi, bitiek, koní, vtákov a lodí alebo špirálami. a sústredné kruhy.
Boli to nástenné maľby z hematitovej červenej, sadzí, okrovožltej, kaolínovej bielej a chloritovej zelenej. Jedným z charakteristických vzorov tohto obdobia je takzvaný chokomon, tvorený rovnými čiarami a oblúkmi nakreslenými na uhlopriečkach alebo krížoch a prítomných na stenách hrobiek, sarkofágoch, sochách Haniwa a bronzových zrkadlách.
Asuka obdobie (552-710)
Yamato koncipované ako centralizované kráľovstvo podľa čínskeho vzoru, stelesnené v zákonoch Shōtoku-Taishi (604) a Taika z roku 646. Zavedenie budhizmu malo v Japonsku veľký umelecký a estetický vplyv s veľkým vplyvom čínskeho umenia.
Potom prišla vláda princa Shōtoku (573-621), ktorý uprednostňoval budhizmus a kultúru vo všeobecnosti a bol plodný pre umenie. Architektúra bola zastúpená v chrámoch a kláštoroch, väčšinou sa stratila, za predpokladu nahradenia jednoduchých šintoistických línií veľkoleposťou prichádzajúcou z pevniny.
Za najvýznamnejšiu stavbu tohto obdobia treba označiť chrám Hōryū-ji (607), predstaviteľa štýlu Kudara (Paekche v Kórei). Bol vyrobený na pôde chrámu Wakakusadera, ktorý postavil Shōtoku a spálili jeho odporcovia v roku 670.
Postavený s osovou planimetriou pozostáva zo súboru budov, v ktorých sa nachádza pagoda (Tō), Yumedono („sieň snov“) a Kondō („zlatá sála“). Je v čínskom štýle, po prvýkrát používa strechu z keramických škridlí.
Jednou z čŕt tohto výnimočného príkladu je svätyňa Icukušima (593), vyrobená na vode, v Seto, kde sú známe Gojūnotō, Tahōtō a rôzne hondeny. Vďaka svojej kráse bol v roku 1996 OSN vyhlásený za svetové dedičstvo.
Socha s budhistickou tematikou bola vyrobená z dreva alebo bronzu: prvé postavy Budhu boli dovezené z pevniny, no neskôr sa veľké množstvo čínskych a kórejských umelcov usadilo v Japonsku.
Obraz Kannon, japonské meno bódhisattvu Avalokiteśvara (v čínštine nazývaný Guan Yin), sa rozšíril pod menom Bodhisattva Kannon, dielom kórejského Tori; Kannon nachádzajúci sa v Yumedonskom chráme Hōryū-ji; a Kannon z Kudary (623. storočie), od neznámeho umelca. Ďalším dôležitým dielom je Triáda Sâkyamuni (XNUMX), v bronze, od Tori Busshi inštalovaná v chráme Hōryū-ji.
Vo všeobecnosti to boli diela prísneho, hranatého a archaického štýlu, inšpirované kórejským štýlom Koguryŏ, ako je vidieť v diele Shiba Tori, ktoré označilo „oficiálny štýl“ obdobia Asuka: Veľký Budha Asuka (chrám Hoko - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Ďalším umelcom, ktorý nasledoval tento štýl, bola Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autorka knihy Štyria nebeskí strážcovia (shitenno) zo Zlatej siene Hōryū-ji (645), ktorá napriek veľmi starému štýlu predstavuje zaoblenejší objemový vývoj s viac výrazné tváre.
Obraz ovplyvnený čínskymi motívmi, vyrobený atramentom alebo minerálnymi farbami používanými na hodváb alebo papier, na pergamenové zvitky alebo zavesený na stene. Označuje veľký zmysel pre kresbu s dielami veľkej originality, ako je relikviár Tamamushi (Hōryū-ji), v gáforovom a cyprusovom dreve, s bronzovými filigránovými pásmi, ktoré predstavujú rôzne výjavy v oleji na lakovanom dreve, technikou nazývanou mitsuda. -i z Perzie a súvisí s čínskym maliarstvom dynastie Wei.
Na spodnej časti relikviára je džataka (výpis o minulých životoch Budhu), ktorý zobrazuje princa Mahasattvu, ako zasväcuje svoje telo hladnej tigrice. Približne v tomto období sa do popredia začala dostávať kaligrafia, ktorej sa pripisovala rovnaká umelecká úroveň ako figurálnym obrazom.
Zaznamenali sa aj hodvábne tapisérie, ako napríklad Mandala Tenkoku vyrobená pre Shōtoku (622). Keramika, ktorá mohla byť glazovaná alebo nie, mala malú miestnu produkciu a bola najcennejším čínskym dovozom.
Obdobie Nara (710-794)
Počas tohto obdobia bolo založené hlavné mesto Nara (710), prvé pevné hlavné mesto mikáda. V tom čase bolo budhistické umenie na vrchole a s veľkou intenzitou pokračovalo v čínskom vplyve: Japonci videli v čínskom umení harmóniu a dokonalosť podobnú európskemu vkusu pre klasické grécko-rímske umenie.
Niekoľkými príkladmi architektúry z tohto obdobia sú monumentálne budovy, ako napríklad pagoda East Yakushi-ji, chrámy Tōshōdai-ji, Tōdai-ji a Kōfuku-ji a cisársky sklad Shōso-in v Nare, ktorý uchováva množstvo artefaktov. z umenia z čias cisára Shōmu (724-749), s dielami z Číny, Perzie a Strednej Ázie. Mesto Nara bolo postavené podľa mriežkového usporiadania podľa vzoru Chang'anu, hlavného mesta dynastie Tang.
Cisárskemu palácu sa pripisoval rovnaký význam ako hlavnému kláštoru Tōdai-ji (745-752), ktorý bol postavený podľa symetrického plánu vo veľkom ohrade s dvojitými pagodami a v ktorom sa nachádza Daibutsuden, „veľká sieň Budhu“. «. s veľkou 15 metrovou bronzovou sochou Budhu Vairocana (japonsky Dainichi), ktorú daroval cisár Shōmu v roku 743. Daibutsuden, prestavaný v roku 1700, je najväčšou drevenou budovou na svete.
Ďalším dôležitým chrámom je Hokkedō, ktorý sa pýši ďalšou nádhernou sochou Kannon Fukukenjaku, osemrukým lakovaným bódhisattvom, ktorý má výšku štyri metre. vysoký a Tang vplyv, ktorý je badateľný na vyrovnanosti a pokojnosti čŕt tváre.
Naproti tomu pagoda East Yakushi-ji bola pokusom japonských architektov nájsť si vlastný štýl, vzďaľujúci sa od čínskeho vplyvu. Vyniká svojou zvislosťou so striedajúcimi sa krytmi rôznych veľkostí, čo mu dodáva vzhľad kaligrafického znaku.
Vo svojej štruktúre vynikajú odkvapy a balkóny, tvorené do seba zapadajúcimi drevenými tyčami, v bielej a hnedej farbe. Vnútri sa nachádza obraz Yakushi Nyorai ("Medicína Budhu"). Je zapísaná do zoznamu svetového dedičstva pod názvom Historické pamiatky starovekej Nary.
Tōshōdai-ji (759) mal rovnaký stupeň národnej asimilácie, čo ukazuje jasný kontrast medzi Kondō („zlatá sála“) s jej pevnosťou, symetriou a vertikálnosťou ovplyvnenou Čínou a Kodō („prednášková sála“). “), väčšej jednoduchosti a horizontálnosti, ktoré označujú domorodú tradíciu.
Ďalším vystavovateľom bol Kiyomizu-dera (778), ktorého hlavná budova vyniká obrovským zábradlím podopretým stovkami stĺpov, ktoré sa vyníma na kopci a ponúka pôsobivý výhľad na mesto Kjóto. Tento chrám bol jedným z kandidátov na zoznam Nových siedmich divov sveta, hoci nebol vybraný.
Rinnō-ji je známy svojou časťou Sanbutsudō, kde sú tri sochy Amida, Senjūkannon a Batōkannon. Ako šintoistická svätyňa vyniká Fushimi Inari-taisha (711), zasvätená duchu Inari, pomenovaná najmä pre tisíce červených torii, ktoré označujú cestu pozdĺž kopca, na ktorom svätyňa stojí.
Reprezentácia Budhu dosiahla veľký rozvoj v sochárstve, so sochami veľkej krásy: Sho Kannon, Budha z Tachibany, Bódhisattva Gakko z Tōdai-ji. V období Hakuhō (645-710) viedlo potlačenie klanu Soga a imperiálna konsolidácia ku koncu kórejského vplyvu a jeho nahradeniu čínskym (dynastia Tang), čím sa vytvorila séria veľkolepejších a realistickejších diel s oblejšími a pôvabnejšie formy.
Táto zmena je viditeľná na časti pozlátených bronzových sôch Yakushi-ji, ktoré tvoria sediaci Budha (Yakushi) sprevádzaný bódhisattvami Nikko ("Slnečné svetlo") a Gakko ("Mesačný svit"), ktorí vykazujú väčšiu dynamiku v pozícii kontraposta, a väčšiu výraznosť tváre.
V Hōryū-ji pokračoval štýl Tori kórejského pôvodu, rovnako ako v medailóne Kannon Yumegatari a Amida Triade z Lady Tachibana. V chráme Tōshōdai-ji je séria veľkých sôch vyrobených z dutého sušeného laku, ktoré zvýrazňujú centrálneho Budhu Rushana (759), ktorý je vysoký 3,4 metra. Nechýbajú ani zastúpenia strážnych duchov (Meikira Taisho), kráľov (Komokuten) atď. Sú to diela z dreva, bronzu, surovej hliny alebo suchého laku, veľmi realistické.
Obraz predstavuje nástenná výzdoba Hōryū-ji (koniec XNUMX. storočia), ako napríklad fresky Kondō, ktoré sú podobné freskám z Ajanty v Indii. Objavili sa aj rôzne typológie, ako napríklad kakemono ("závesný obraz") a emakimono ("maľovanie valčekom"), príbehy namaľované na kotúči papiera alebo hodvábu, s textami vysvetľujúcimi rôzne scény, nazývané sútry.
V Nara Shōso-in je množstvo obrazov so svetskou tematikou s rôznymi typmi a témami: rastliny, zvieratá, krajiny a kovové predmety. V polovici tohto obdobia prišla do módy maliarska škola dynastie Tang, ako to možno vidieť na nástenných maľbách v hrobke Takamatsuzuka, ktoré sa datujú okolo roku 700.
Dekrétom Taiho-ryo z roku 701 je maliarska profesia regulovaná v remeselníckych korporáciách. kontrolovaný odborom maliarov (takumi-no-tuskasa) pod ministerstvom vnútra. Tieto združenia mali na starosti výzdobu palácov a chrámov a ich štruktúra pretrvala až do éry Meidži. Hrnčiarstvo sa pozoruhodne vyvinulo prostredníctvom rôznych techník dovezených z Číny, ako je napríklad používanie jasných farieb nanášaných na hlinu.
Heianské obdobie (794-1185)
V tomto období nastala vláda klanu Fujiwara, ktorý nastolil centralizovanú vládu inšpirovanú čínskou vládou s hlavným mestom v Heian (dnes Kjóto). Povstali veľkí feudáli (daimjó) a objavila sa postava samuraja.
Približne v tom čase sa objavila grafológia nazývaná Hiragana, ktorá prispôsobila čínsku kaligrafiu viacslabičnému jazyku používanému v Japonsku pomocou čínskych znakov pre fonetické hodnoty slabík. Rozpad vzťahov s Čínou vytvoril zreteľnejšie japonské umenie, pričom popri náboženskom umení sa objavilo aj svetské umenie, ktoré by bolo verným odrazom nacionalizmu cisárskeho dvora.
Budhistická ikonografia prešla novým vývojom s importom dvoch nových siekt z pevniny, Tendai a Shingon, založených na tibetskom tantrickom budhizme, ktoré začlenili prvky šintoizmu a vytvorili náboženský synkretizmus charakteristický pre túto dobu.
Architektúra prešla zmenou pôdorysu kláštorov, ktoré vznikli na izolovaných miestach, určených na meditáciu. Najvýznamnejšie chrámy sú Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) a pagoda-svätyňa Murō-ji. Enryaku-ji, ktorý sa nachádza v blízkosti hory Hiei, je jednou z historických pamiatok starovekého Kjóta, ktorá bola v roku 1994 vyhlásená za svetové dedičstvo.
Založil ju v roku 788 Saichó, ktorý do Japonska predstavil budhistickú sektu Tendai. Enryaku-ji mal asi 3.000 1571 chrámov a bol vo svojej dobe veľkým centrom moci, pričom väčšinu jeho budov zničil Oda Nobunaga v roku XNUMX.
Z časti, ktorá sa zachovala, dnes vyniká Saitō („západná sieň“) a Tōdō („východná sieň“), kde sa nachádza Konpon chūdō, najreprezentatívnejšia stavba Enryaku ji, kde je uložená socha Budhu. vytesal samotný Saichō, Yakushi Nyorai.
Plastika utrpela v porovnaní s predchádzajúcimi obdobiami mierny pokles. Opäť reprezentácie Budhu (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai z chrámu Jingo-ji v Kjóte; Amida Nyorai z kláštora Byōdō-in), ako aj určitých šintoistických bohýň (Kichijoten, bohyňa šťastia, ekvivalent k Lakshmī Indii) .
Prílišná rigidita budhistického náboženstva obmedzuje spontánnosť umelca, ktorý sa obmedzuje na rigidné umelecké kánony, ktoré podkopávajú jeho tvorivú slobodu. V rokoch 859 a 877 sa vyrába štýl Jogan, ktorý sa vyznačuje obrazmi takmer zastrašujúcej gravitácie s určitým introspektívnym a tajomným nádychom, ako napríklad Shaka Nyorai z Murō-ji.
Počas obdobia Fujiwara sa škola, ktorú založil Jōchō v Byōdō-in, preslávila, s elegantnejším a štíhlejším štýlom ako Joganova socha, vyjadrujúca dokonalé tvary tela a skvelý zmysel pre pohyb.
Dielňa Jōchō predstavila techniky yosegi a warihagi, ktoré pozostávali z rozdelenia postavy na dva bloky, ktoré sa potom spojili, aby ich vytesali, čím sa predišlo následnému praskaniu, čo je jeden z hlavných problémov veľkých postáv. Tieto techniky tiež umožňujú sériovú montáž a boli vyvinuté s veľkým úspechom v škole Kei z obdobia Kamakura.
Maľbe Yamato-e sa darí najmä na ručne písaných zvitkoch nazývaných emaki, ktoré kombinujú obrazové výjavy s elegantnou kaligrafiou Katakana. Tieto zvitky opisovali historické alebo literárne pasáže, ako napríklad Príbeh Genjiho, román Murasakiho Shikibu z konca XNUMX. storočia.
Aj keď bol text dielom renomovaných pisárov, obrázky boli zvyčajne vyhotovené dvornými kurtizánami, ako sú Ki no Tsubone a Nagato no Tsubone, pričom sa predpokladá vzorka ženskej estetiky, ktorá by mala veľký význam v súčasnom japonskom umení.
V tomto čase sa začalo triedenie obrazov podľa pohlavia, čo znamenalo citeľný rozdiel medzi verejnosťou, kde mužské bolo pod čínskym vplyvom a ženské a estetickejšie bolo umelecky japonské.
V onna-e okrem Histórie Genji vyniká Heike Nogyo (Lotosová sútra), objednané klanom Taira pre svätyňu Icukušima, kde sú stelesnené v rôznych zvitkoch o spáse duší, ktoré hlása budhizmus.
Na druhej strane, toto The otoko-e bolo naratívnejšie a energickejšie ako ona-e, plnšie akcie, s väčším realizmom a pohybom, ako vo zvitkoch Shigisan Engi o zázrakoch mnícha Myorena; Ban Danigon E-kotoba, o vojne medzi súperiacimi klanmi v XNUMX. storočí; a Chōjugiga, výjavy zvierat s karikatúrnym znakom a satirickým tónom, kritizujúce aristokraciu.
Kamakura obdobie (1185-1392)
Po niekoľkých sporoch medzi feudálnymi klanmi bolo vnútené Minamoto, ktoré založilo šógunát, formu vlády s vojenským súdom. V tom čase bola do Japonska predstavená Zen sekta, ktorá výrazne ovplyvnila figuratívne umenie. Architektúra bola jednoduchšia, funkčnejšia, menej luxusná a zdobená.
Zenová vláda priniesla takzvaný štýl Kara-yo: Zenové miesta uctievania sa riadili technikou čínskej osovej planimetrie, hoci hlavnou budovou nebol chrám, ale čitáreň a čestné miesto nezaberala socha. Budhu, ale pri malom tróne, kde opát učil svojich učeníkov.
Päť veľkých chrámových komplexov Sanjūsangen-dō v Kjóte (1266), ako aj kláštory Kennin-ji (1202) a Tōfuku-ji (1243) v Kjóte a Kenchō-ji (1253) a Engaku-ji (1282) ) v Kamakure.
Kótoku-in (1252) je známy svojou veľkou a ťažkou bronzovou sochou Amida Budhu, čo z neho robí druhého najväčšieho Budhu v Japonsku po Todai-ji.
V roku 1234 bol postavený chrám Chion-in, sídlo budhizmu Jōdo shū, ktorý sa vyznačuje kolosálnou hlavnou bránou (Sanmon), najväčšou stavbou svojho druhu v Japonsku.
Jedným z posledných predstaviteľov tohto obdobia bol Hongan-ji (1321), ktorý pozostáva z dvoch hlavných chrámov: Nishi Hongan-ji, ktorého súčasťou sú Goei-dō a Amida-dō, spolu s čajovým pavilónom a dvoma etapami divadlo Noh, z ktorých jedno tvrdí, že je najstaršie dodnes žijúce; a Higashi Hongan-ji, domov slávneho Shosei-en.
Socha nadobudla veľký realizmus, našla umelcovi väčšiu slobodu tvorby, o čom svedčia portréty šľachticov a vojakov, ako napríklad Uesugi Shigusa (od anonymného umelca), vojaka zo XNUMX. storočia.
Zenové diela sa zameriavali na znázornenie ich majstrov v podobe sochy nazývanej shinzo, akou je socha majstra Muji Ichiena (1312, od anonymného autora), v polychrómovanom dreve, ktoré predstavuje zenového majstra sediaceho na tróne v postoj meditácie uvoľnený.
Pre kvalitu svojich diel bola dôležitá najmä škola Kei of Nara, dedič školy Jōchō z obdobia Heian, kde sa podieľal aj sochár Unkei, autor sôch mníchov Muchaku a Sesshin (Kōfuku-ji z Nary). ako obrazy Kongo Rikishi (strážnych duchov), ako napríklad dve kolosálne sochy umiestnené pri vchode do 8 metrov vysokého chrámu Tōdai-ji (1199).
Unkeiho štýl, ovplyvnený čínskym sochárstvom dynastie Song, bol vysoko realistický a zároveň zachytával najpodrobnejšiu fyziognomickú štúdiu s emocionálnym výrazom a vnútornou spiritualitou zobrazovaného jedinca.
Tmavé kryštály boli dokonca vložené do očí, aby poskytli väčšiu expresivitu. Unkeiho práca znamenala začiatok japonského portrétovania. Jeho syn Tankei, autor knihy Kannon Senju pre Sanjūsangen-dō, pokračoval v jeho práci.
Obraz sa vyznačoval zvýšeným realizmom a psychologickou introspekciou. Terénne úpravy (vodopád Nachi) a portrét Monk Myoe in Contemplation, Enichi-bo Jonin; súbor portrétov z chrámu Jingo-ji v Kjóte od Fujiwara Takanobu; Goshinov portrét cisára Hanazona sa vyvíjal hlavne.
Režim yamato-e pokračoval a obrázky boli vysvetlené vo zvitkoch, mnohé z nich dlhé niekoľko metrov. Tieto rukopisy zobrazovali detaily každodenného života, mestské alebo vidiecke scény alebo ilustrovali historické udalosti, ako napríklad vojnu v Kjóte z roku 1159 medzi súperiacimi vetvami cisárskej rodiny.
Boli prezentované v súvislých scénach podľa naratívneho poriadku, s vyvýšenou panorámou, v priamej línii. Vynikajú ilustrované zvitky udalostí z obdobia Heiji (Heiji monogatari) a zvitky Kegon Engi Enichi-bo Jonina.
Maľba spojená so Zenovou organizáciou bola viac priamo ovplyvnená Čínou, s technikou viac jednoduchých čínskych atramentových čiar podľa zenového diktátu, že „príliš veľa farieb oslepuje oči“.
Muromači obdobie (1392-1573)
Šógunát je v rukách Ašikaga, ktorého vnútorný boj podporuje rastúcu moc daimjó, ktorý rozdeľuje krajinu. Architektúra bola elegantnejšia a v podstate japonská, predstavovala honosné sídla, kláštory ako Zuihoji a chrámy ako Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji alebo Zlatý pavilón (1397) a Ginkaku-ji. o Strieborný pavilón (1489), v Kjóte.
Kinkaku-ji bolo postavené ako oddychová dedina pre šóguna Ashikagu Yoshimitsu ako súčasť jeho domény zvanej Kitayama. Jeho syn premenil budovu na chrám pre sektu Rinzai. Je to trojposchodová budova, prvé dve sú pokryté plátkovým zlatom. Pavilón funguje ako šeriden, ktorý chráni relikvie Budhu.
Obsahuje tiež rôzne sochy Budhu a Bódhisattvu a na streche stojí zlatý fenghuang. Má tiež krásnu priľahlú záhradu s jazierkom nazývaným Kyōko-chi s mnohými ostrovmi a kameňmi, ktoré predstavujú budhistický príbeh o stvorení.
Ginkaku-ji zo svojej strany postavil šógun Ashikaga Yoshimasa, ktorý sa snažil napodobniť Kinkaku-ji postavené jeho predkom Yoshimitsuom, ale bohužiaľ nedokázal pokryť budovu striebrom, ako plánoval.
Pre architektúru tohto obdobia je charakteristický aj vzhľad tokonomy, miestnosti vyhradenej na rozjímanie o maľbe alebo kvetinovej výzdobe, v súlade so zenovou estetikou. Predstavilo sa aj tatami, typ podložky z ryžovej slamy, ktorá spríjemnila interiér japonského domu.
V tejto dobe sa rozvíjalo najmä záhradnícke umenie, ktoré položilo umelecké a estetické základy japonskej záhrady. Objavili sa dva hlavné režimy: tsukiyama, okolo kopca a jazera; a hiraniwa, plochá záhrada z hrabaného piesku s kameňmi, stromami a studňami.
Najbežnejšiu vegetáciu tvorí bambus a rôzne druhy kvetov a stromov, či už vždyzelené, ako je japonská čierna borovica, alebo listnaté, ako je japonský javor, cenené sú aj prvky ako paprade a peny.
Bonsai sú ďalším typickým prvkom záhradníctva a interiérového dizajnu. Záhrady často zahŕňajú jazero alebo rybník, rôzne typy pavilónov (zvyčajne na čajový obrad) a kamenné lampáše. Jednou z typických vlastností japonskej záhrady, ako aj ostatného umenia, je jej nedokonalý, nedokončený a asymetrický vzhľad.
Existujú rôzne typy záhrad: „prechádzkové“, ktoré možno vidieť pri chôdzi po ceste alebo okolo rybníka; „obývacej izby“, ktorú je možné vidieť z pevného miesta, zvyčajne z pavilónu alebo chatrče typu machiya.
Te (rōji), okolo cesty vedúcej do čajovne, s bakdosinovými dlaždicami alebo kameňmi označujúcimi cestu; a „kontemplácia“ (karesansui, „horská a vodná krajina“), ktorá je najtypickejšou zenovou záhradou pri pohľade z plošiny umiestnenej v zenových kláštoroch.
Dobrým príkladom je takzvaná bezvodá krajina záhrady Ryōan-ji v Kjóte od maliara a básnika Sōamiho (1480), ktorá predstavuje more z hrabaného piesku plné ostrovov, ktoré sú skalami. , tvoriaci celok, ktorý spája realitu a ilúziu a ktorý pozýva na pokoj a zamyslenie.
Bolo zaznamenané oživenie maľby, orámovanej v zenovej estetike, ktorá dostala čínsky vplyv dynastií Yuan a Ming, ktorý sa odrážal najmä v dekoratívnom umení.
Bola predstavená technika gvaše, dokonalý prepis zenovej doktríny, ktorá sa snaží v krajinách odrážať to, čo znamenajú, a nie to, čo predstavujú.
Objavila sa postava bunjinsa, „intelektuálneho mnícha“, ktorý tvoril vlastné diela, učencov a nasledovníkov čínskych techník monochromatickým atramentom, krátkymi a rozptýlenými ťahmi štetca, ktorý vo svojich dielach odrážal prírodné prvky ako borovice, trstina, orchidey, bambusy. , skaly, stromy, vtáky a ľudské postavy ponorené do prírody, v postoji meditácie.
V Japonsku sa táto čínska atramentová technika nazývala sumi-e. Na základe siedmich estetických princípov zenu sa sumi-e snažilo odrážať najintenzívnejšie vnútorné emócie prostredníctvom jednoduchosti a elegancie, v jednoduchých a skromných líniách, ktoré presahujú ich vonkajší vzhľad, aby znamenali stav spojenia s prírodou.
Sumi-e bol prostriedok (dō) na nájdenie vnútornej spirituality, ktorú používali mnísi. Zvláštnosti atramentu, jemné a rozptýlené, umožnili umelcovi zachytiť podstatu vecí jednoduchým a prirodzeným dojmom, ale zároveň hlbokým a transcendentným.
Je to inštinktívne umenie rýchleho prevedenia, ktoré sa nedá retušovať, fakt, ktorý ho spája so životom, kde sa už nedá vrátiť k tomu, čo bolo urobené. Každá kresba nesie vitálnu energiu (ki), keďže ide o akt stvorenia, pri ktorom je myseľ uvedená do činnosti a na procese záleží viac ako na výsledku.
Najvýznamnejšími predstaviteľmi sumi-e boli: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei a predovšetkým Sesshū Tōyō, autor portrétov a krajiniek, prvý umelec, ktorý maľoval zaživa. Sesshū bol Gaso, mních-maliar, ktorý v rokoch 1467 až 1469 cestoval do Číny, kde študoval umenie a prírodnú krajinu.
Jeho krajiny sú zložené z lineárnych štruktúr, osvetlených náhlym svetlom, ktoré odráža zenový koncept transcendentného momentu. Sú to krajiny s prítomnosťou anekdotických prvkov, ako sú chrámy v diaľke alebo malé ľudské postavy, zarámované na odľahlých miestach, ako sú útesy.
Objavil sa aj nový žáner poetickej maľby, shinjuku, kde krajina ilustruje naturalisticky inšpirovanú báseň. Za zmienku stojí aj škola Kanō, ktorú založil Kanō Masanobu a ktorá aplikuje techniku kvašu na tradičné predmety, ilustruje sakrálne, národné a krajinné témy.
Lak bol aplikovaný aj na lakované zásteny a panely posuvných dverí fusuma, charakteristické znaky japonského interiérového dizajnu. V keramike vyniká škola Seto, najpopulárnejšou typológiou je tenmoku. Pozoruhodnými príkladmi z tohto obdobia sú aj lak a kovové predmety.
Obdobie Azuchi – Momoyama (1573 – 1603)
V tom čase bolo Japonsko opäť zjednotené Oda Nobunaga, Toyotomi Hidejoshi a Tokugawa Ieyasu, ktorí odstránili daimjó a dostali sa k moci.
Jeho mandát sa zhodoval s príchodom portugalských obchodníkov a jezuitských misionárov, ktorí do krajiny zaviedli kresťanstvo, hoci zasahovalo len menšinu.
Umelecká produkcia tejto doby sa vzdialila od budhistickej estetiky, zdôrazňujúcej tradičné japonské hodnoty, s výbušným štýlom. Invázia do Kórey v roku 1592 spôsobila nútené presídlenie mnohých kórejských umelcov do Japonska, ktorí žili v centrách výroby keramiky izolovane od zvyšku.
Počas tohto obdobia boli prijaté prvé západné vplyvy, ktoré sa odzrkadľovali v štýle Namban, rozvíjali sa v miniatúrnom sochárstve so svetskou tematikou, dekoratívnymi porcelánovými predmetmi a skladacími paravánmi zdobenými v štýle Yamato-e, v jasných farbách a plátkovým zlatom, v scénach, ktoré rozprávajú o príchode Európanov na japonské pobrežie.
Perspektívne techniky, ako aj iné varianty európskej maľby, ako napríklad použitie olejomaľby, nemali v japonskej umeleckej forme žiadnu oporu.
V architektúre vyniká stavba veľkých hradov (shiro), ktoré boli posilnené zavedením strelných zbraní západného pôvodu v Japonsku. Dobrými príkladmi sú hrady Himedži, Azuchi, Matsumoto, Nijō a Fushimi-Momoyama.
Hrad Himedži, jedna z hlavných stavieb tej doby, kombinuje masívne opevnenie s eleganciou vertikálne vyzerajúcej stavby, na piatich poschodiach z dreva a omietky, s jemne zakrivenými tvarmi striech podobnými tradičným japonským chrámom.
Rozmohli sa aj rustikálne dediny s čajovým obradom, ktoré pozostávajú z malých víl alebo palácov a veľkých záhrad a v niektorých mestách boli postavené drevené divadlá na predstavenia kabuki.
V oblasti maľby škola Kanō zachytáva väčšinu oficiálnych zákaziek, vypracúva nástennú maľbu hlavných japonských hradov, boli tu významné osobnosti menom Kanō Eitoku a Kanō Sanraku.
Pre hrady, slabo osvetlené ich úzkymi obrannými otvormi, boli vytvorené akési priečky so zlatým pozadím, ktoré odrážali svetlo a rozptyľovali ho po miestnosti, s veľkými nástennými maľbami zdobenými hrdinskými výjavmi, napríklad zvieratami. ako sú tigre a draci, alebo krajiny s prítomnosťou záhrad, jazierok a mostov, či v štyroch ročných obdobiach, v tej dobe pomerne častá téma.
Pozoruhodne sa rozvinula aj sieťotlač, zvyčajne s opotrebovanými atramentmi, podľa štýlu sumi-e, ako to možno vidieť v dielach Hasegawa Tōhaku (borovicový les) a Kaihō Yūshō (borovica a slivka v mesačnom svite). Zvýraznená bola aj postava Tawaraya Sōtatsu, autora veľmi dynamických diel v zvitkoch rukopisov, obrazovkách a vejároch.
Vytvoril lyrický a dekoratívny štýl inšpirovaný waka skriptom z obdobia Heian, ktorý sa nazýval rinpa, a vytvoril diela veľkej vizuálnej krásy a emocionálnej intenzity, ako napríklad Príbeh Genjiho, Cesta brečtanu, bohov hromu a vetra. atď.
Výroba keramiky dosiahla okamih veľkého rozmachu a vyvinula sa produkty pre čajový obrad, inšpirované kórejskou keramikou, ktorej rustikálnosť a nedokončený vzhľad dokonale odzrkadľujú zenovú estetiku, ktorá preniká do čajového obradu.
Objavili sa nové vzory, ako napríklad taniere nezumi a koganové džbány na vodu, zvyčajne s bielym telom kúpaným vo vrstve živca a zdobené jednoduchými vzormi vyrobenými zo železného háku. Bola to hrubá keramika s glazúrovaným vzhľadom, s nedokončenou úpravou, ktorá dávala pocit nedokonalosti a zraniteľnosti.
Seto zostal hlavným producentom, zatiaľ čo v meste Mino sa zrodili dve dôležité školy: Shino a Oribe. Zaznamenala sa aj škola Karatsu a dva pôvodné typy keramiky:
Iga, s hrubou textúrou a silnou vrstvou glazúry, s hlbokými trhlinami; a Bizen, červenohnedá neglazovaná kamenina, stále mäkká, odstránená z kotúča, aby sa vytvorili malé prirodzené praskliny a zárezy, ktoré mu dodali krehký vzhľad, stále v súlade so zenovou estetikou nedokonalosti.
Jedným z najlepších umelcov tejto doby bol Honami Kōetsu, ktorý vynikal v maľbe, poézii, záhradníctve, lakovaní atď. Vyškolený v umeleckej tradícii obdobia Heian a v škole kaligrafie Shorenin založil remeselnícku kolóniu v Takagamine neďaleko Kjóta na pozemku, ktorý daroval Tokugawa Iejasu.
Osada bola udržiavaná remeselníkmi z budhistickej školy Nichiren a vytvorila množstvo vysokokvalitných diel. Špecializovali sa na lakový tovar, najmä kancelárske doplnky, zdobené zlatou a perleťovou intarziou, ako aj na rôzne náčinie a riad na čajový obrad, zvýrazňujúci plnú misku fujisanu. červenkastá zahalená do čiernych nohavičiek a navrchu nepriehľadná ľadová biela, ktorá dáva efekt sneženia.
Obdobie Edo (1603-1868)
Toto umelecké obdobie zodpovedá historickému obdobiu Tokugawa, kedy bolo Japonsko uzavreté pred všetkými vonkajšími kontaktmi. Hlavné mesto vzniklo v Edu, budúcom Tokiu. Kresťania boli prenasledovaní a európski obchodníci vyhnaní.
Napriek vazalskému systému sa obchod a remeslá rozmohli, čím vznikla buržoázna trieda, ktorá rástla na moci a vplyve a venovala sa propagácii umenia, najmä tlače, keramiky, laku a tovaru. textílie.
Najreprezentatívnejšími dielami sú palác Katsura v Kjóte a mauzóleum Tōshō-gū v Nikkó (1636), ktoré je súčasťou „svätyne a chrámov Nikkō“, ktoré UNESCO v roku 1999 vyhlásilo za svetové dedičstvo.
Niečo žánrové spojenie šinto-budhistov, je mauzóleum šóguna Tokugawu Iejasu. Chrám je pevne symetrická stavba s farebnými reliéfmi pokrývajúcimi celú viditeľnú plochu. Vynikajú jeho farebné konštrukcie a preťažené ornamenty, ktoré sa líšia od štýlov vtedajších chrámov.
Interiéry zdobia detailné lakované rezbárske práce v pestrých farbách a majstrovsky maľované panely. Palác Katsura (1615-1662) bol postavený na asymetrickom pláne inšpirovanom zenom, kde použitie priamych línií na vonkajšej fasáde kontrastuje s kľukatosťou okolitej záhrady.
Vzhľadom na postavenie sídla, kde mala odpočívať cisárska rodina, pozostávala vila z hlavnej budovy, niekoľkých prístavieb, čajovní a 70000 XNUMX metrového parku. Hlavný palác, ktorý má len jedno poschodie, je rozdelený na štyri prístavby stretávajúce sa v rohoch.
Celá budova má určité vlastnosti, že je postavená na stĺpoch a nad nimi séria miestností so stenami a dverami, niektoré s maľbami od Kanó Tan'yū.
Charakteristické pre toto obdobie sú aj čajovne (chashitsu), vo všeobecnosti malé drevené budovy so slamenými strechami, obklopené záhradami v zdanlivom stave opustenosti, s lišajníkmi, machmi a opadanými listami, podľa konceptu zenu. transcendentnej nedokonalosti.
Začiatok umeleckého a intelektuálneho rozvoja
Počas tohto obdobia Japonsko postupne študovalo západné techniky a vedecké pokroky (nazývané rangaku) prostredníctvom informácií a kníh získaných od holandských obchodníkov v Dejime.
Medzi najštudovanejšie odbory patrili geografia, medicína, prírodné vedy, astronómia, umenie, jazyky, fyzikálne pojmy ako náuka o elektrických a mechanických javoch. Došlo tiež k veľkému rozvoju matematiky v prúde úplne nezávislom od prúdu západného sveta. Tento silný prúd sa nazýval wasan.
Rozkvet neokonfucianizmu bol najväčším intelektuálnym rozvojom tohto obdobia. Štúdiu konfucianizmu dlho aktívne venovali budhistickí duchovní, ale v tomto období tento systém viery pritiahol veľkú pozornosť na koncepciu človeka a spoločnosti.
Etický humanizmus, racionalizmus a historická perspektíva konfucianizmu sa považovali za sociálny model. V polovici XNUMX. storočia sa konfucianizmus stal dominantnou právnou filozofiou a priamo prispel k rozvoju národného systému učenia, kokugaku.
Jeho hlavnou cnosťou pre šógunský režim bol dôraz na hierarchické vzťahy, podriadenosť. navrchol. a poslušnosť, ktorá sa rozširuje na celú spoločnosť a uľahčuje zachovanie feudálneho systému.
Textilné umenie nadobudlo veľký význam najmä v hodvábe, ktorý dosahoval úrovne najvyššej kvality, a preto sa hodvábne šaty (kimono) v pestrých farbách a nádherných vzoroch často vešali do izieb. oddelené, ako keby to boli obrazovky.
Používali sa rôzne techniky, ako je farbenie, vyšívanie, brokát, razba, aplikácia a ručná maľba. Hodváb bol dostupný len pre vyššie vrstvy, zatiaľ čo ľudia sa obliekali do bavlny, vyrobenej indonézskou technikou ikat, pradili po častiach a farbili indigo striedavo s bielou.
Ďalšou menej kvalitnou technikou bolo tkanie bavlnených nití rôznych farieb, s domácimi farbivami aplikovanými v batikovanom štýle pomocou ryžovej pasty a varených a aglomerovaných ryžových otrúb.
Treba si uvedomiť, že tak ako bolo japonské umenie v XNUMX. storočí ovplyvnené západným umením, ovplyvnila ho aj exotika a prirodzenosť japonského umenia. Tak sa na Západe zrodil takzvaný japonizmus, ktorý sa rozvíjal najmä v druhej polovici XNUMX. storočia, najmä vo Francúzsku a Veľkej Británii.
Odhalili to takzvané Japoneries, predmety inšpirované japonskými potlačami, porcelánom, lakom, vejármi a bambusovými predmetmi, ktoré sa stali módou ako v bytových dekoráciách, tak aj v mnohých osobných odevoch, ktoré odrážajú fantáziu a dekoralizmus japonskej kultúry. Japonská estetika .
V maľbe bol štýl školy ukiyo-e nadšene prijatý a diela Utamara, Hiroshigeho a Hokusaia boli vysoko cenené. Západní umelci napodobňovali zjednodušenú priestorovú konštrukciu, jednoduché kontúry, kaligrafický štýl a naturalistickú citlivosť japonskej maľby.
Súčasná doba (od roku 1868)
V období Meidži (1868-1912) začala v Japonsku hlboká kultúrna, sociálna a technologická renesancia, ktorá sa viac otvorila vonkajšiemu svetu a začala zahŕňať nové pokroky dosiahnuté na Západe. Charta z roku 1868 zrušila feudálne privilégiá a triedne rozdiely, čo neviedlo k zlepšeniu zbedačených proletárskych tried.
Začalo sa obdobie silnej imperialistickej rozpínavosti, ktoré viedlo k druhej svetovej vojne. Po vojne prešlo Japonsko procesom demokratizácie a ekonomického rozvoja, ktorý z neho urobil jednu z popredných svetových ekonomických mocností a popredné centrum priemyselnej výroby a technologických inovácií. Po ére Meidži nasledovali éry Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) a Heisei (1989-).
Od roku 1930 viedla progresívna militarizácia a expanzia v Číne a južnej Ázii s následným nárastom zdrojov vyčlenených do vojenského rozpočtu k poklesu umeleckého mecenášstva. S povojnovým ekonomickým rozmachom a novou prosperitou dosiahnutou industrializáciou krajiny sa však umenie znovuzrodilo, už plne ponorené do medzinárodných umeleckých hnutí v dôsledku procesu kultúrnej globalizácie.
Ekonomická prosperita tiež podporuje zberateľstvo, vytvára mnoho múzeí a výstavných centier, ktoré pomohli šíriť a uchovávať japonské a medzinárodné umenie. V náboženskej oblasti viedlo založenie šintoizmu v ére Meidži ako jediného oficiálneho náboženstva (Shinbutsu bunri) k opusteniu a zničeniu budhistických chrámov a umeleckých diel, ktoré by boli nenapraviteľné bez zásahu Ernesta Fenollosa, profesora filozofia. z Tokijskej cisárskej univerzity.
Spolu s magnátom a mecenášom Williamom Bigelowom zachránil veľké množstvo diel, ktoré sa starali o zbierku budhistického umenia v Múzeu výtvarného umenia v Bostone a Freer Gallery of Art vo Washingtone DC, dve z najlepších zbierok ázijského umenia v svet..
Architektúra má dvojitý smer: tradičný (svätyňa Jasukuni, chrámy Heian Jingu a Meiji v Tokiu) a európsky ovplyvnený, ktorý integruje nové technológie (Múzeum Yamato Bunkakan, od Iso Hachi Yoshida, v Nare).
Westernizácia viedla k výstavbe nových budov, ako sú banky, továrne, železničné stanice a verejné budovy, postavené zo západných materiálov a techník, ktoré spočiatku napodobňovali anglickú viktoriánsku architektúru. Niektorí zahraniční architekti pôsobili aj v Japonsku, napríklad Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokio).
Architektúra a urbanizmus dostali veľký rozmach po druhej svetovej vojne, kvôli potrebe prestavby krajiny. Potom sa objavila nová generácia architektov.
Vedie ho Kenzō Tange, autor diel ako Hirošimské múzeum mieru, katedrála svätej Márie v Tokiu, olympijský štadión pre olympijské hry v Tokiu v roku 1964 atď.
Študenti a nasledovníci Tange vytvorili koncept architektúry chápanej ako „metabolizmus“, pričom budovy vnímali ako organické formy, ktoré sa musia prispôsobiť funkčným potrebám.
Hnutie založené v roku 1959 uvažovalo o vytvorení populačného centra, ktorého predpokladom bolo vytvorenie série budov, ktoré sa menili podľa vonkajších zmien, akoby to bol organizmus.
Jej členmi boli Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe a Kiyonori Kikutake. Ďalším predstaviteľom bol Maekawa Kunio, ktorý spolu s Tange vniesol staré japonské estetické myšlienky do rigidných súčasných budov.
Opäť s použitím tradičných techník a materiálov, ako je tatami a použitie stĺpov, tradičný konštrukčný prvok v japonských chrámoch, či integrácia záhrad a sôch do jeho tvorby. Nezabúdam na použitie vákuovej techniky, študovala ju Fumihiko Maki v priestorovom vzťahu medzi budovou a jej okolím.
Od 1980. rokov XNUMX. storočia má postmoderné umenie v Japonsku silnú oporu, pretože už od staroveku je charakteristické splývanie medzi populárnym prvkom a sofistikovanosťou foriem.
Tento štýl reprezentoval najmä Arata Isozaki, autor Múzea umenia Kitakyushu a Kjótskej koncertnej siene. Isozaki študoval u Tangeho a vo svojej tvorbe syntetizoval západné koncepty s priestorovými, funkčnými a dekoratívnymi nápadmi typickými pre Japonsko.
Tadao Andō vyvinul jednoduchší štýl s veľkým záujmom o príspevok svetla a otvorených priestorov do vonkajšieho vzduchu (kaplnka na vode, Tomanu, Hokkaidō; Kostol svetla, Ibaraki, Osaka; Múzeum Deti, Himeji).
Shigeru Ban sa vyznačoval používaním nekonvenčných materiálov, ako je papier alebo plast: po zemetrasení v Kobe v roku 1995, ktoré zanechalo veľa ľudí bez domova, Ban prispel návrhom Delo, ktorý sa stal známym ako papierový dom a papierový kostol, nakoniec Toyō Itō skúmal fyzický obraz mesta v digitálnom veku.
V sochárstve je tiež tradično-avantgardná dualita, zvýrazňujúca mená Yoshi Kimuchi a Romorini Toyofuku, okrem abstraktných Masakazu Horiuchi a Yasuo Mizui, ktorý má bydlisko vo Francúzsku. Isamu Noguchi a Nagare Masayuki spojili bohatú sochársku tradíciu svojej krajiny v dielach, ktoré študujú kontrast medzi drsnosťou a lesklosťou materiálu.
Aj maľba sledovala dva trendy: tradičný (nihonga) a západný (yōga), napriek existencii oboch zostala postava Tomioka Tessai na začiatku 20. storočia. 19. storočia umeleckým kritikom Okakurom Kakuzom a pedagógom Ernestom Fenollosom.
Hľadajme v tradičnom umení archetypálnu formu vyjadrenia japonskej citlivosti, hoci tento štýl tiež získal určitý západný vplyv, najmä z obdobia predrafaelizmu a romantizmu. Reprezentovali ho najmä Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison a Kobayashi Kokei.
Maľba v európskom štýle bola po prvý raz živená technikami a námetmi používanými v Európe na konci XNUMX. storočia, najmä v súvislosti s akademizmom, ako v prípade Kuroda Seikiho, ktorý niekoľko rokov študoval v Paríži, ale potom pokračoval rôzne prúdy, ktoré sa vyskytli v západnom umení:
Skupina Hakuba Kai prevzala impresionistický vplyv; abstraktná maľba mala Takeo Yamaguchi a Masanari Munay ako hlavné postavy; Medzi figurálnych umelcov patrili Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen a Higashiyama Kaii. Niektorí umelci sa usadili mimo svojej krajiny, napríklad Genichiro Inokuma v Spojených štátoch a Tsuguharu Foujita vo Francúzsku.
V Taishō, štýle jogy, ktorý mal najväčší vplyv na nihongu, hoci rastúce používanie svetla a európska perspektíva zmenšovali rozdiely medzi týmito dvoma prúdmi.
Rovnako ako nihonga do značnej miery prijala inovácie postimpresionizmu, yóga prejavovala záľubu v eklektizme, ktorá vychádzala zo širokej škály odlišných umeleckých hnutí.
Pre túto etapu bola vytvorená Japonská akadémia výtvarných umení (Nihon Bijutsu In). Maľba éry Shōwa bola poznačená dielom Yasuri Sotaro a Umehara Ryuzaburo, ktorí zaviedli koncepty čistého umenia a abstraktnej maľby do tradície Nihonga.
V roku 1931 bola založená Nezávislá umelecká asociácia (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) na podporu avantgardného umenia.
Už počas XNUMX. svetovej vojny vládne právne predpisy jednoznačne zdôrazňovali vlasteneckú tematiku. Po vojne sa umelci opäť objavili vo veľkých mestách, najmä v Tokiu.
Vytváranie mestského a kozmopolitného umenia, ktoré oddane sledovalo štýlové inovácie vyrábané na medzinárodnej úrovni, najmä v Paríži a New Yorku. Po abstraktných štýloch šesťdesiatych rokov sa sedemdesiate roky vrátili k realizmu uprednostňovanému pop-artom, ako ho označuje tvorba Shinohara Ushio.
Je zarážajúce, že koncom 1970. rokov sa udialo niečo zaujímavé, že nastal návrat k tradičnému japonskému umeniu, v ktorom videli väčšiu expresivitu a emocionálnu silu.
Tradícia grafiky pokračovala do XNUMX. storočia v štýle „kreatívnych výtlačkov“ (sosaku hanga), ktoré kreslili a vyrezávali umelci prednostne v štýle nihonga, ako sú Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi a Munakata Shiko.
Spomedzi najnovších trendov mala Gutai Group dobrú povesť v rámci takzvaného akčného umenia, ktoré prirovnávalo zážitok z XNUMX. svetovej vojny cez akcie nabité iróniou, s veľkým zmyslom pre napätie a latentnú agresivitu.
Skupina Gutai pozostávala z: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto a Katsuō Shiraga. Viacerí umelci, prepojení s postmoderným umením, zapojení do nedávneho fenoménu globalizácie, poznačeného multikulturalizmom umeleckých prejavov.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Medzi ďalších významných súčasných japonských umelcov patria: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 a Takashi Murakami.
Ak vás tento článok zaujal, pozývame vás, aby ste si užili tieto ďalšie: