A influência grega está presente em toda a sua arte, mas a sua própria marca impõe estilos muito característicos ao pintura romana: cenas de vida, cenas mitológicas, paisagens, naturezas-mortas ou mesmo decorações trompe l'oeil. A decoração arquitetônica era muito popular entre os romanos.
pintura romana
Assim como a arte grega foi introduzida pelas civilizações pré-helênicas de Creta e Micenas, a arte romana também encontrou um terreno fértil na civilização etrusca e grega. Por volta dos anos 1000/800 vêm da região leste do Mediterrâneo, provavelmente da Lídia, na Ásia Menor, as tribos etruscas dentro da Itália. Felizmente, eles complementam a população nativa; para o coração da Itália eles trazem um pedaço da herança cultural do Oriente.
Como os etruscos conquistaram quase toda a península italiana, contribuíram muito para a construção da civilização romana: sua praticidade e habilidade técnica deixaram uma marca profunda na arte romana. Os gregos também exerceram considerável influência na arte e civilização romanas.
Durante o período da grande colonização, 800-550, eles invadiram as margens do Mediterrâneo. Eles também se instalam na Sicília? e sul da Itália, que são, portanto, chamados de Grande Grécia. Esses gregos trazem a civilização grega em todos os seus aspectos para o solo itálico e influenciam a arte romana mais do que qualquer outra pessoa.
Com a ascensão da cultura romana, a era antiga entrou em sua fase final. A arte em Roma desempenhou um papel completamente diferente do da Grécia, na qual estava inextricavelmente ligada à vida.
Pintores, escultores, arquitetos, filósofos e poetas gregos fizeram história. Na Roma antiga, essa tarefa era realizada pelos governantes das cidades, generais, oradores. Seus nomes estão inscritos nos anais da história, mas os nomes dos pintores e escultores romanos não chegaram até nós, embora fossem tão talentosos quanto os gregos.
O fim da cultura etrusca foi o início da arte romana. Provavelmente, antes dessa época havia artistas e escultores na Roma antiga, mas nenhuma informação sobre eles foi preservada. Também afetou o fato de que quase até o fim da existência da República, Roma constantemente travava guerras conquistando seus vizinhos, e a guerra, como você sabe, não contribui para o desenvolvimento da arte.
O país também foi abalado por lutas internas: os plebeus lutaram contra os aristocratas, defendendo seus direitos; As cidades italianas (municípios) exigiam igualdade com os cidadãos de Roma. As guerras duraram séculos, sem parar por um único ano. Talvez por essas razões, a arte romana como tal não existia até os séculos IV-III aC A arquitetura foi a primeira a se declarar: primeiro na forma de pontes e estruturas defensivas, e depois - templos.
Costuma-se dizer que os romanos não são verdadeiros artistas. Pode-se ter essa impressão ao comparar as realizações artísticas dos romanos com, digamos, as dos gregos ou dos egípcios. Nos primeiros séculos da história romana, encontramos pouco para indicar aspirações estéticas ou artísticas; os romanos certamente não criaram arte original.
Se Roma, no entanto, ocupa um lugar de destaque na história da arte ao longo dos séculos, é porque os romanos, após conquistarem o domínio militar sobre o mundo, também reconheceram os valores espirituais e as formas artísticas de outros povos, principalmente os gregos. , tinha uma grande capacidade de assimilar e saber processar de forma pessoal.
Características gerais da pintura romana antiga
A pintura romana chegou até nós quase exclusivamente na forma de pinturas murais. A este respeito, a maioria das obras de arte ainda se encontra no local para o qual foram criadas e onde são conservadas em condições muitas vezes difíceis. Evidência importante da pintura romana são as decorações de túmulos e casas particulares, de templos e santuários em todo o império.
A influência grega também predominou inicialmente na pintura romana. Um local especificamente romano foi encontrado a partir do século XNUMX aC. C. nas chamadas pinturas triunfais. Para homenagear os generais vitoriosos, pinturas foram levadas como relatos populares na procissão triunfal e depois exibidas em público. Infelizmente, essas pinturas não sobreviveram e são apenas atestadas na literatura antiga.
O costume de pintar as paredes internas das casas entrou nas cidades romanas no século II aC a partir das cidades gregas do sul da Itália, mas os pintores decoradores romanos, recorrendo a técnicas gregas, desenvolveram criativamente seu rico sistema de decoração de paredes. .
Na pintura de parede romana do século II aC, é costume distinguir entre quatro estilos decorativos, que às vezes são chamados de "pompeianos" (porque esses murais foram descobertos pela primeira vez na técnica do afresco durante as escavações em Pompéia).
Uma grande contribuição para o estudo das pinturas murais na Roma Antiga foi feita pelo cientista alemão August May, responsável por identificar os quatro estilos de pintura pompeiana.
A divisão em estilos de pintura é bastante arbitrária e não se sobrepõe às leis gerais da evolução da pintura romana como um todo.
A pintura mural romana pode ser vista de diferentes posições: Primeiro, como uma única composição pictórica que decora esta ou outras instalações de um determinado tamanho e finalidade. Segundo, como um eco de composições gregas e helenísticas.
Terceiro, como busca por este ou aquele padrão cultural, um padrão de gostos artísticos romanos de diferentes épocas. Quarto, como representante das diferentes correntes artísticas da própria pintura romana, as competências técnicas dos seus criadores.
Técnicas e estilos de pintura romana
Os interiores dos edifícios romanos eram muitas vezes ricamente decorados com cores e desenhos arrojados. Pinturas murais, afrescos e o uso de estuque para criar efeitos de relevo foram feitos no século I aC
É usado em edifícios públicos, casas particulares, templos, túmulos e até instalações militares em todo o mundo romano.
Os projetos variavam de detalhes intrincados e realistas a renderizações altamente impressionistas, muitas vezes cobrindo toda a seção de parede disponível, incluindo o teto.
A preparação do reboco foi tão importante que Plínio e Vitrúvio explicam, em suas obras, a técnica utilizada pelos pintores para afrescar as paredes: antes de tudo, era preciso fazer um reboco de boa qualidade que também pudesse ser composto por sete camadas sucessivas de composição diferente.
A primeira foi mais áspera, depois as outras três foram feitas com argamassa e areia e as três últimas com argamassa e pó de mármore; Geralmente, eram feitas camadas de gesso com uma espessura de cerca de oito centímetros, sendo a primeira colocada diretamente na parede para que aderisse bem, sendo a mais grossa (três a cinco cm) feita de areia e cal.
Os pintores de parede romanos preferiam as cores naturais da terra, também os vermelhos, amarelos e ocres mais escuros. Pigmentos azuis e pretos também foram amplamente usados para projetos mais simples, mas evidências de uma oficina de pintura de Pompéia mostram que havia uma ampla gama de tons.
Nos séculos III e II aC, as imagens não eram pintadas diretamente na parede. Em gesso pintado, foram imitadas lajes retangulares de mármore, em pé e deitadas, de diferentes tipos de cores, que foram usadas para revestir as paredes em grande altitude. No topo esta decoração era fechada com uma moldura de gesso, estas molduras continham provavelmente painéis soltos. Vários exemplos desse sistema de decoração foram preservados na Campânia, incluindo a Casa de Salústio em Pompéia.
Isso seguiu a moda que se espalhou por todo o mundo helenístico. Somente no início do século I aC surgiu uma verdadeira arte romana. As placas não eram mais rebocadas em estuque plástico, mas pintadas e a forma sugerida por faixas de luz e sombra.
Mais tarde, a parte central da parede foi pintada como se recuasse ligeiramente e colunas foram retratadas em intervalos regulares que pareciam estar de pé sobre um pódio e aparentemente sustentavam o telhado. O topo da parede sugeria uma vista de outro quarto ou de um pátio. As construções arquitetônicas também foram dispostas simetricamente em torno de uma abertura pintada, com uma porta ou portão no centro, como na vila de Publius Fannius Sinistor em Boscoreale, 50-40 aC
Os temas eram retratos, cenas da mitologia, arquitetura trompe l'oeil, flora, fauna e até jardins, paisagens e paisagens urbanas inteiras para criar panoramas espetaculares que transportam o espectador dos espaços estreitos para o mundo ilimitado da imaginação que o pintor sequestrado.
Os maiores exemplos da pintura romana vêm dos afrescos da área do Vesúvio (Pompeia e Herculano), das tábuas egípcias do Faium e dos modelos romanos, alguns derivados da era paleocristã (pinturas das catacumbas). Temos evidências da pintura romana em três técnicas:
- Pintura mural: feita a fresco, sobre cal fresca, e portanto mais duradoura; as cores foram misturadas com ovo ou cera para facilitar a aderência;
- Pintura em madeira ou painel: pela natureza do suporte, os exemplos recebidos são raros. Uma exceção famosa vem das lápides de Fayum (Egito), felizmente preservadas graças à situação ambiental e climática particular;
- Pintura abstrata, aplicada a objetos, para fins decorativos. Geralmente é caracterizada por traços rápidos e sumários.
Em geral, as pinturas anteriores e as de casas mais ricas mostram mais camadas do que as pinturas posteriores e as de edifícios residenciais menos abastados. Começando na parte superior, camadas de gesso e depois tintas foram aplicadas na parede e finalmente finalizadas na parte inferior.
Apesar das grandes diferenças de detalhes, as paredes são construídas segundo o mesmo esquema. Há sempre uma zona base, uma zona média e uma zona superior. A zona de base é geralmente bastante simples, pode ser monocromática, mas também pode ter imitação de mármore ou pinturas simples de plantas. Padrões geométricos também são muito populares.
Na zona do meio, no entanto, o centro de gravidade da pintura se desdobra. Dependendo do estilo, você encontrará arquitetura elaborada ou campos simples, sendo o centro da parede geralmente particularmente pesado e decorado com uma pintura.
As pinturas de campo, particularmente difundidas no terceiro estilo (ornamental), consistem em uma alternância de campos largos, monocromáticos e estreitos, que muitas vezes são ricamente decorados com plantas, arquitetura irreal ou outros padrões.
A pintura já era praticada pelos etruscos (pinturas tumulares), mas a evidência mais antiga de atividade pictórica em Roma remonta à primeira metade do século V aC: em particular, a figura do famoso Fabius Pictor (final do século IV aC). é lembrado, decorador do Templo de Salus.
Levanta-se a hipótese de que nesta fase mais antiga, a pintura romana já apresentava a peculiar propensão para o caráter festivo dos séculos seguintes, expresso através de uma narração fluida e clara, como nos baixos-relevos escultóricos contemporâneos. Muito famosa é a chamada pintura pompeiana, em homenagem às pinturas encontradas em Pompéia, Herculano e outros países atingidos pela erupção do Vesúvio (79 dC). É dividido em quatro estilos diferentes:
o primeiro estilo
XNUMXº-XNUMXº séculos aC, também chamados de "inlays". Correspondia à vida dos romanos do século II aC Este estilo é uma imitação da alvenaria de mármore colorido. Nas paredes dos cômodos internos, todos os detalhes arquitetônicos foram feitos em peças tridimensionais: pilastras, saliências, cornijas, suportes individuais de alvenaria, e depois tudo foi pintado, imitando pedras de acabamento em cor e padrão.
O gesso, sobre o qual a tinta foi aplicada, foi preparado a partir de várias camadas, sendo cada camada subsequente mais fina.
O estilo "inlay" era uma imitação dos interiores dos palácios e casas ricas das cidades helenísticas, onde os salões eram revestidos com pedras multicoloridas (mármores). O primeiro estilo decorativo saiu de moda nos anos 80 aC Um exemplo do estilo "inlay" é a Casa do Fauno em Pompéia. As cores utilizadas, vermelho escuro, amarelo, preto e branco, distinguem-se pela sua pureza de tom.
Os afrescos da Casa dos Grifos em Roma (100 aC) podem servir como estágio de transição entre o primeiro e o segundo estilos decorativos.
A combinação das cores azul, lilás, castanho claro, uma subtil gradação de pintura real e ilustre, imagem plana e volumétrica, entre a decoração da parede do painel e as colunas, por assim dizer, salientes da parede, permite destacar a pintura do House of Griffins como um caminho de transição de uma imitação mesquinha de alvenaria para a maneira espacial ativa de resolver a parede.
o segundo estilo
Séculos II-I aC Chamado de 'perspectiva arquitetônica', é, em contraste com o estilo plano anterior, mais espacial por natureza. As paredes mostravam colunas, cornijas, pilastras e capitéis com total ilusão de realidade, inclusive enganando. A parte central da parede foi coberta com imagens de pérgulas, varandas, apresentadas em perspectiva, usando claro-escuro. Com a ajuda da pintura decorativa, criou-se um espaço ilusório, as paredes reais pareciam separar-se, a sala parecia maior.
Às vezes, figuras humanas individuais, ou cenas ou paisagens inteiras de várias figuras, eram colocadas entre as colunas e pilastras. Às vezes, no centro da parede havia grandes quadros com grandes figuras. As tramas das pinturas eram em sua maioria mitológicas, com menos frequência cotidianas. Muitas vezes, as pinturas do segundo estilo eram cópias das obras dos antigos pintores gregos do século IV aC
Um exemplo de pintura no segundo estilo decorativo é a decoração pitoresca da Villa dos Mistérios em Pompéia. Em uma pequena sala com um alto pedestal de mármore, contra o fundo de uma parede vermelha brilhante com pilastras verdes, vinte e nove figuras estão agrupadas em tamanho natural.
A maior parte da composição é dedicada aos mistérios em homenagem ao deus Dionísio. O próprio Dionísio também é retratado aqui, apoiado nos joelhos de Ariadne (esposa). Anciões, jovens sátiros, bacantes e mulheres são mostrados aqui.
Muito interessante é a cena em que um velho forte, retratado em uma parede da sala, dirige seu olhar para a jovem bacante, retratada na outra parede. Ao mesmo tempo, Silenus provoca um jovem sátiro com uma máscara teatral nas mãos.
Outra cena de pintura também é interessante, mostrando uma deusa formidável chicoteando uma garota ajoelhada com um longo chicote nas costas nuas, tentando se tornar uma participante plena dos mistérios. A pose da moça, a expressão do rosto, os olhos baços, os fios de cabelo preto emaranhados transmitem sofrimento físico e angústia mental. Este grupo também inclui a bela figura de uma jovem bailarina vaga que já passou nos testes exigidos.
A composição do afresco baseia-se não tanto na proporção de volumes no espaço, mas na justaposição de silhuetas em um plano, embora as figuras representadas sejam volumosas e dinâmicas. Todo o afresco está conectado em um único todo por gestos e posturas dos personagens retratados em várias paredes. Todos os personagens são iluminados por uma luz suave que flui do teto.
Os corpos nus são magnificamente pintados, o esquema de cores das roupas é extremamente bonito. Mesmo que o fundo seja vermelho brilhante, nenhum detalhe desaparece contra esse fundo contrastante. Os participantes dos mistérios são representados para criar a ilusão de sua presença na sala.
Uma característica peculiar do segundo estilo são as imagens da paisagem: montanhas, mar, planícies, animadas por várias figuras grotescas de pessoas, executadas esquematicamente. O espaço aqui não é fechado, mas livre. Na maioria dos casos, a paisagem inclui imagens de arquitetura.
Na época da República Romana, era muito comum o retrato pictórico de cavalete. Em Pompéia, há um retrato de uma jovem com tabuletas de escrita, bem como uma imagem do Terêncio pompeiano com sua esposa. Ambos os retratos são pintados de maneira pictórica moderada. Eles se distinguem por uma boa transferência de plásticos faciais. retratos profundos.
o terceiro estilo
O terceiro estilo pompeiano (final do século I aC – início do século I dC) correspondeu ao estilo ornamental, em vez de decorações pitorescas, com o objetivo de separar e substituir as paredes reais, há pinturas que decoram a parede sem quebrar seu plano.
As pinturas, ao contrário, enfatizam o plano da parede, decorando-a com delicados ornamentos, entre os quais predominam colunas muito graciosas, mais parecidas com candelabros de metal. Não é por acaso que o terceiro estilo decorativo também é chamado de "lustre".
Além dessa leve decoração arquitetônica, pequenas pinturas de conteúdo mitológico foram colocadas no centro da parede. Natureza morta, pequenas paisagens e cenas cotidianas são introduzidas na decoração ornamental com grande habilidade.
Guirlandas de folhas e flores pintadas sobre fundo branco são muito características. Jóias de flores pintadas, ornamentos, cenas em miniatura e naturezas-mortas exigem uma observação atenta. A pintura do terceiro estilo enfatiza o conforto e a intimidade do quarto.
A paleta dos artistas do terceiro estilo é interessante e variada: uma base preta ou roxa escura, na qual costumavam ser retratados pequenos arbustos, flores ou pássaros. Na parte superior apresentavam-se painéis alternados de azul, vermelho, amarelo, verde ou preto, sobre os quais se colocavam pequenas pinturas, medalhões redondos ou figuras individuais soltas espalhadas.
Os artistas romanos elaboraram a solução grega das cenas mitológicas de acordo com o estilo predominante. Expressões faciais sérias, postura calma e moderação de gestos, figuras esculturais.
Foi dada maior atenção a um contorno claro que delineia claramente as dobras da roupa. Um exemplo do terceiro estilo é a Vila de Cícero em Pompéia. Paisagens pastorais idílicas sobreviveram em Pompéia e Roma. Geralmente pinturas de pequeno porte, um tanto esboçadas, às vezes pintadas com uma ou duas cores.
o quarto estilo
O quarto estilo decorativo se desenvolveu na segunda metade do século I. O quarto estilo é sofisticado e exuberante, combinando as promissoras construções arquitetônicas do segundo estilo com decorações ornamentais do terceiro estilo.
A parte ornamental das pinturas assume o caráter de fantásticas composições arquitetônicas, e as pinturas localizadas nas partes centrais das paredes têm caráter espacial e dinâmico.
A gama de cores é geralmente variada. As tramas das pinturas são em sua maioria mitológicas. A multidão de figuras irregularmente iluminadas, representadas em movimento rápido, aumentam a impressão de amplitude. A pintura do quarto estilo novamente quebra o plano da parede, expande os limites da sala.
Os mestres do quarto estilo, criando murais, retratam nas paredes um fantástico e magnífico portal palaciano, ou pinturas narrativas, alternando com “janelas” através das quais são visíveis partes de outras estruturas arquitetônicas.
Às vezes, na parte superior da parede, os artistas pintavam galerias e sacadas com figuras humanas, como se olhassem para os presentes na sala. Para pintar nesse estilo, a seleção de tintas também foi característica. Especialmente neste momento eles representam composições com ações dinâmicas ou nítidas
Em Pompéia, murais e um espírito puramente romano foram preservados. Por exemplo, na Calle de la Abundancia, na entrada da oficina do tintureiro Verecundo, havia uma pintura na parede externa feita com precisão e escrupulosidade, que retrata todos os processos do tintureiro e seus assistentes. Um exemplo do quarto estilo é a pintura do palácio de Nero em Roma (a Casa Dourada), cuja decoração pitoresca foi dirigida pelo artista romano Fabullus.
Era o estilo mais suntuoso, combinando a arquitetura fantástica e ilusionista do segundo estilo, falsos painéis de mármore e elementos ornamentais do terceiro estilo (Casa dos Vettii em Pompeia, Casa dos Dioscuri). Neste período encontram-se majestosos exemplares de arquitetura com efeito teatral e cenográfico que, no entanto, retrabalham e combinam elementos extraídos de estilos anteriores.
Muitas vilas de Pompeia foram decoradas neste estilo a partir da reconstrução após o terremoto de 62 dC Um exemplo delas é a Casa dos Vettii, decorada com cenas da vida cotidiana (por exemplo, briga de galos) e, acima de tudo, cenas com sujeito mitológico.
A originalidade da pintura mural romana dos séculos II-III
Após o desaparecimento de Pompéia, Herculano e Stabiae em 79 dC É muito difícil traçar o caminho do desenvolvimento da pintura romana antiga, pois os monumentos que datam dos séculos II-IV são muito poucos. Podemos dizer definitivamente que a pintura de parede no século II se tornou mais prevalente. Em contraste com o quarto estilo decorativo, onde foi criada a ilusão de um grande espaço, o plano da parede passa a ser enfatizado. A parede é interpretada linearmente por arquiteturas individuais.
Além da pintura na decoração do quarto, foram utilizados vários tipos de mármores e mosaicos colocados tanto no piso quanto nas paredes. Um exemplo é a pintura da villa do imperador Adriano em Tivoli, perto de Roma. No final do século II e primeira metade do século III, as técnicas de pintura decorativa foram ainda mais simplificadas.
O plano da parede, teto, abóbada do túmulo foi dividido por faixas escuras em retângulos, trapézios ou hexágonos, dentro dos quais (como em uma moldura) foi pintada uma cabeça masculina ou feminina, ou um motivo. plantas, pássaros e animais.
Durante o século III, desenvolveu-se uma forma de pintura, caracterizada por traços que enfatizam apenas os volumes principais e seguem a forma plástica. Linhas escuras densas, olhos bem definidos, sobrancelhas, nariz. O cabelo era geralmente tratado a granel. As figuras são esquemáticas. Este estilo tornou-se especialmente popular ao pintar catacumbas cristãs e túmulos romanos.
No final do século III, os mosaicos são especialmente populares. As figuras de mosaico distinguem-se pela rigidez das poses, o desenho das dobras das roupas, a localização do esquema de cores e o plano geral da forma. Os rostos dos personagens representados carecem de características individuais.
Era comum a nobreza mandar decorar as paredes das suas vilas e casas particulares e é por isso que a maior parte das evidências pictóricas que nos chegaram derivam deste contexto. Muito importante para a pintura romana foi a influência grega, derivada do conhecimento das esculturas e pinturas gregas, mas sobretudo da difusão dos pintores gregos em Roma. Da esfera helenística, a pintura romana herdou não apenas temas decorativos, mas também naturalidade e realismo representativo.
Retratos funerários de Fayum
Junto a la pintura romana y de campanas, están los famosos Retratos de Fayum (siglo I a. C. – siglo III d. C.) que se tratan de una serie de tablillas egipcias similares a los retratos que se colocaron sobre los difuntos durante enterro. Os sujeitos foram retratados vivos, com forte realismo dos rostos, representados frontalmente e muitas vezes em fundo neutro. A característica dessas tabuletas é uma vivacidade pictórica excepcional.
Caso exemplar de integração entre diferentes culturas, este conjunto de pinturas é conhecido como Retratos de Fayum devido ao local onde foram encontrados. São cerca de seiscentos retratos funerários, feitos em tábuas de madeira com técnica de encáustica ou têmpera entre os séculos I e III, e conservados em excelentes condições graças ao clima seco do local. A população que aqui viveu era de origem grega e egípcia mas já estava fortemente romanizada nos seus usos, adaptando-os às suas próprias tradições.
Este tipo de pintura sobre a mesa é uma verdadeira pintura do falecido e faz parte dos ritos funerários locais: o custo também pode ser muito alto, pois o retrato pode ser decorado com folhas de ouro para imitar jóias e objetos preciosos, foi colocado entre curativos da múmia por alguns dias durante a exposição do corpo em casa antes do enterro.
Rito Egípcio, Costume Grego mas Estilo Romano: Esta comunidade foi afetada pela arte romana e copiou seus temas e tendências; todos os retratos têm um fundo neutro, mas são altamente plausíveis na representação de características faciais e detalhes de roupas e penteados.
Nesta produção há personagens recorrentes que também foram difundidos em Roma: os olhos grandes, o olhar fixo e a simplificação volumétrica (anulação dos planos de contorno e do corpo) também são encontrados em alguns retratos romanos do período Severo e logo depois.
Classificáveis como o primeiro exemplo de pintura bíblica são as pinturas de Dura Europos (Síria), que datam da primeira metade do século III. A invenção da nova iconografia cristã mostra-se aqui fortemente influenciada pela tradição iconográfica helenístico-judaica: as primeiras ilustrações cristãs extraem, de fato, elementos e iconografia do repertório judaico e pagão, dotando-os de um novo significado religioso.
Dadas as estreitas afinidades iconográficas e estilísticas, acredita-se que os artistas trabalharam simultaneamente para clientes pagãos e cristãos. O realismo que sempre caracterizou a pintura romana foi perdendo-se lentamente na antiguidade tardia quando, com a difusão da arte provincial, as formas começaram a ser simplificadas e muitas vezes simbolizadas.
É o advento da pintura cristã primitiva, conhecida sobretudo pelas pinturas das catacumbas que combinam cenas bíblicas, decorações, figuras de um contexto ainda pagão e um rico repertório de símbolos alusivos a figuras e conteúdos cristãos (por exemplo, os peixes, O bom Pastor). Os exemplos mais famosos vêm das catacumbas de Priscilla, Callisto e SS. Pietro e Marcelino (Roma).
O mosaico romano
Além do mosaico de Alexandre, cenas menores, principalmente quadradas, compostas de pedras multicoloridas, foram encontradas em Pompéia e foram incorporadas como o centro de pisos mais simples. Os chamados emblemas datam do século I aC Mosaicos helenísticos semelhantes foram encontrados em Delos. As imagens, que muitas vezes têm Baco em uma pantera ou naturezas-mortas como assunto, lembram pinturas.
É diferente com pisos em preto e branco, que surgiram na Itália no século I aC. Eles foram executados em mármore e tinham motivos geométricos, plantas e flores estilizadas e representações simplificadas de humanos e animais como tema, e se adequam totalmente à sua arquitetura função. Este mosaico preto e branco, típico da Itália, só se desenvolveu realmente no século II dC, especialmente em Ostia, onde foram feitas grandes composições de criaturas marinhas.
No noroeste do império, eles inicialmente aderiram à tradição preto e branco da Itália, mas a partir de meados do século II dC as pessoas começaram a usar cada vez mais cores. A divisão em superfícies quadradas e octogonais, nas quais várias imagens foram dispostas, era popular lá.
A arte do mosaico floresceu no norte da África, onde grandes cenas mitológicas e cenas da vida cotidiana foram retratadas em muitas cores nos pisos (villa Piazza Armerina na Sicília). Mosaicos policromados também são preservados em Antioquia. No século I dC, os mosaicos de parede eram usados principalmente onde a pintura era menos adequada (por exemplo, em edifícios de poços). Os mosaicos de paredes e abóbadas dos séculos II e III foram quase completamente perdidos.
O mosaico da parede só se desenvolveu plenamente nas igrejas cristãs (século IV). Além do mosaico, também era utilizada uma técnica chamada opus sectile, na qual figuras e motivos eram formados por grandes peças recortadas de diferentes tipos de mármore. Essa técnica foi usada não apenas para pisos, mas também para paredes.
Curiosidades
- Segundo Plínio, as cores foram divididas em 'florais' (minium, armênio, cinábrio, crisocola, indicum e proposito) que deveriam ser compradas diretamente pelo cliente e "austeras", que ao invés foram incluídas pelo artista no preço final do trabalho. e geralmente incluíam ocre amarelo e vermelho, terras e azul egípcio
- Descobriu-se que na Vila Imperial de Pompeia as pinturas dos corredores, todas pertencentes ao terceiro estilo, haviam sido restauradas alguns anos antes da erupção e apenas cinquenta anos após sua construção, o que demonstra o grande valor já atribuído na antiguidade.
- A natureza representada na pintura romana é sempre e apenas a dos jardins: na mentalidade da época a natureza espontânea se combinava com os costumes bárbaros e a ausência de civilização, as únicas representações toleradas são as de animais selvagens em cenas de caça mitológicas.
- No século XV, em Roma, uma "caverna" com paredes completamente pintadas foi descoberta acidentalmente: era a Domus Aurea do imperador Nero. O pintor da corte Fabullus ou Amulius de 64 a 68 dC trabalha na Domus Aurea, pintando a maioria das salas no quarto estilo pompeiano.
As cores
As cores foram feitas com pigmentos de origem vegetal ou mineral e Vitruvio em De Architectura fala de um total de dezesseis cores sendo duas orgânicas, cinco naturais e nove artificiais. As primeiras são as pretas, obtidas pela calcinação da resina com pedaços de madeira resinosa ou bagaço queimados no forno e depois encadernados com farinha, e as roxas, derivadas do murex, que foi mais utilizado na técnica de têmpera.
As cores de origem mineral (branco, amarelo, vermelho, verde e tons escuros) foram obtidas por decantação ou calcinação. A decantação é uma técnica de separação que consiste em separar duas substâncias de uma mistura sólido-líquido pela força da gravidade (na prática, o sólido se deposita no fundo de um recipiente até que todo o líquido acima se esvazie).
A calcinação é um processo de aquecimento de alta temperatura que é continuado pelo tempo necessário para remover todas as substâncias voláteis de um composto químico e tem sido usado desde os tempos antigos para a produção de pigmentos de tinta, incluindo cerúleo. As nove artificiais foram obtidas a partir da composição com diversas substâncias e dentre estas as mais utilizadas foram o cinábrio (vermelho vermelho) e o cerúleo (azul egípcio).
O cinábrio, de origem mercurial, era de difícil aplicação e manutenção (escurecia à luz) e era muito caro e muito procurado. Foi importado das minas perto de Éfeso na Ásia Menor e de Sisapo na Espanha. Cerulean era feito de areia nitro fleur triturada misturada com limalha de ferro úmida que era seca e depois queimada em pellets.
Esta cor foi importada para Roma por um banqueiro, Vestorius, que a vendeu sob o nome de Vesterianum e custou cerca de onze denários. A lei estabelecia que o cliente fornecesse as cores "floridas" (as mais caras) enquanto as cores "austeras" (mais baratas) eram incluídas no contrato. A oficina, talvez, fosse composta por um mestre com seus ajudantes.
Esses artesãos altamente estimados passaram a fazer parte do instrumentum da loja, e quando a loja foi vendida para outros proprietários, eles também, juntamente com as ferramentas de trabalho (nível, fio de prumo, esquadro, etc.) e ferramentas, mudaram de dono. Seu trabalho começava ao amanhecer e terminava ao entardecer e, embora suas obras fossem visitadas e admiradas, não eram levadas em consideração.
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