Sebagai budaya purba, Jepun telah menunjukkan seninya selama bertahun-tahun, belajar bersama kami melalui artikel yang menarik ini, semua tentang yang kuno Seni jepun, dibangunkan dari semasa ke semasa dalam pelbagai tempoh dan gaya. Jangan terlepas!
seni jepun
Apabila bercakap tentang seni Jepun, kita bercakap tentang apa yang diberitahu oleh tamadun ini dari semasa ke semasa dalam pelbagai fasa dan gaya, yang dibuka buat sementara waktu dengan perkembangan sosial dan budaya orang Jepun.
Variasi yang dilalui seni di Jepun adalah akibat daripada perkembangan teknologinya, di mana kita dapat menyedari penggunaan bahan mentah negara dalam ekspresi seninya. Begitu juga dengan apa yang dipanggil seni Barat, ekspresi paling lambangnya dipengaruhi oleh agama dan kuasa politik.
Salah satu ciri utama seni Jepun ialah eklektikismenya, datang daripada pelbagai bangsa dan budaya yang tiba di pantainya dari masa ke masa: peneroka pertama yang menetap di Jepun - dikenali sebagai Ainu - tergolong dalam cawangan Kaukasia Utara dan Asia Timur, mungkin. tiba ketika Jepun masih terikat dengan tanah besar.
Asal usul peneroka ini tidak pasti, dan ahli sejarah mempertimbangkan pelbagai hipotesis, daripada bangsa Ural-Altai kepada kemungkinan asal Indonesia atau Mongolia. Walau apa pun, budaya mereka kelihatan sepadan dengan Paleolitik Atas atau Mesolitik.
Selepas itu, pelbagai kumpulan bangsa Melayu dari Asia Tenggara atau Kepulauan Pasifik tiba di pantai Jepun, serta di Korea dan pelbagai bahagian China, secara beransur-ansur diperkenalkan dari selatan, menggantikan Ainu. utara Jepun, manakala dalam gelombang kemudian, pelbagai kumpulan etnik yang sama dari China dan Korea datang ke Jepun.
Dalam campuran kaum ini mesti ditambah pengaruh budaya lain: kerana keterpencilannya, Jepun telah terpencil untuk kebanyakan sejarahnya, tetapi pada selang masa ia telah dipengaruhi oleh tamadun tanah besar, terutamanya China dan Korea, terutamanya sejak abad V.
Oleh itu, budaya nenek moyang Jepun yang muncul dari pos pendatang berturut-turut menambahkan pengaruh asing, membentuk seni eklektik yang terbuka kepada inovasi dan kemajuan gaya.
Menarik juga untuk diperhatikan bahawa kebanyakan seni yang dihasilkan di Jepun adalah berasaskan agama: kepada agama Shinto tipikal di rantau ini, yang terbentuk sekitar abad ke-XNUMX, Buddhisme telah ditambah sekitar abad ke-XNUMX, membentuk gabungan agama yang masih kekal. hari ini dan itu juga telah meninggalkan refleksinya dalam seni.
Seni Jepun adalah akibat daripada budaya dan tradisi yang berbeza ini, mentafsir dengan caranya sendiri bentuk seni yang diimport dari negara lain, yang dicapainya mengikut konsep kehidupan dan seninya, melaksanakan perubahan dan memudahkan ciri-ciri tertentunya.
Seperti kuil Buddha Cina yang rumit, yang di Jepun telah melalui metamorfosis terpaksa meninggalkan unsur-unsur tertentu seni mereka dan bergabung dengan mereka yang lain, ini menyatakan watak kesatuan seni ini, supaya ia sentiasa secara semula jadi mengambil sesuatu dari budaya lain. negara lain.
Seni Jepun dalam budaya Jepun mempunyai rasa meditasi yang hebat dan hubungan antara manusia dan alam semula jadi, juga diwakili dalam objek yang mengelilinginya, daripada yang paling berhias dan tegas kepada yang paling ringkas dan setiap hari.
Ini dapat dilihat dalam nilai yang diberikan kepada ketidaksempurnaan, sifat sementara sesuatu, rasa kemanusiaan yang dibina oleh Jepun dengan persekitaran mereka. Sama seperti dalam upacara minum teh, mereka menghargai ketenangan dan kedamaian keadaan renungan ini yang mereka capai dengan ritual mudah, berdasarkan komponen mudah dan keharmonian ruang yang tidak simetri dan belum selesai.
Bagi mereka, kedamaian dan keseimbangan dikaitkan dengan kemesraan dan keselesaan, kualiti yang seterusnya merupakan gambaran sebenar konsep kecantikan mereka. Walaupun pada waktu makan, bukan jumlah makanan atau persembahannya yang penting, tetapi persepsi deria makanan dan makna estetik yang diberikannya kepada sebarang perbuatan.
Begitu juga, artis dan pengrajin negara ini mempunyai hubungan yang tinggi dengan kerja mereka, merasakan bahan sebagai bahagian penting dalam kehidupan mereka dan komunikasi mereka dengan persekitaran yang mengelilingi mereka.
Asas seni Jepun
Seni Jepun, seperti falsafahnya yang lain -atau, secara ringkasnya, cara melihat kehidupannya- tertakluk kepada gerak hati, kekurangan rasional, ekspresi emosi dan kesederhanaan tindakan dan pemikiran. sering dinyatakan secara simbolik.
Dua daripada ciri tersendiri seni Jepun ialah kesederhanaan dan semula jadi: ekspresi artistik adalah cerminan alam semula jadi, jadi mereka tidak memerlukan pengeluaran yang rumit, semua ini membawa kepada fakta bahawa apa yang artis mahukan ialah apa yang digariskan, dicadangkan, ditafsirkan kemudian. oleh penonton.
Kesederhanaan ini telah menyebabkan dalam melukis kecenderungan kepada lukisan linear, tanpa perspektif, dengan banyak ruang kosong, yang bagaimanapun terintegrasi secara harmoni ke dalam keseluruhan. Dalam seni bina, ia terwujud dalam reka bentuk linear, dengan satah asimetri, dalam gabungan unsur dinamik dan statik.
Sebaliknya, kesederhanaan dalam seni Jepun ini dikaitkan dengan kesederhanaan semula jadi dalam hubungan antara seni dan alam semula jadi, yang merupakan sebahagian daripada keistimewaan mereka, yang dicerminkan dalam kehidupan mereka, dan mereka mengalaminya dengan sensasi melankolis yang halus, hampir kesedihan.
Bagaimana musim berlalu memberi mereka rasa sekejap, di mana anda boleh melihat evolusi yang wujud dalam alam semula jadi kerana sifat kehidupan yang fana. Kesederhanaan ini dicerminkan di atas semua dalam seni bina, yang mengintegrasikan secara harmoni ke dalam persekitarannya, seperti yang ditunjukkan oleh penggunaan bahan semula jadi, tanpa kerja, menunjukkan penampilannya yang kasar dan belum selesai. Di Jepun, alam semula jadi, kehidupan, dan seni adalah berkait rapat, dan pencapaian artistik adalah simbol seluruh alam semesta.
Seni Jepun berusaha untuk mencapai keharmonian sejagat, melampaui jirim untuk mencari prinsip penjanaan kehidupan. Hiasan Jepun berusaha mencari erti kehidupan melalui seni: Keindahan seni Jepun sinonim dengan keharmonian, kreativiti; ia adalah dorongan puitis, jalan deria yang membawa kepada realisasi kerja, yang tidak mempunyai penghujung sendiri, tetapi melampaui.
Apa yang kita panggil kecantikan adalah kategori falsafah yang merujuk kita kepada kewujudan: ia berada dalam mencapai makna dengan keseluruhan. Seperti yang dinyatakan oleh Suzuki Daisetsu: "kecantikan bukan dalam bentuk luaran, tetapi dalam erti kata di mana ia dinyatakan."
Seni tidak bermula dengan wataknya yang waras, tetapi dengan sifat-sifatnya yang menjurus; Ia tidak semestinya tepat, tetapi tunjukkan hadiah yang membawa kepada keutuhan. Ia bertujuan untuk menangkap perkara penting melalui bahagian itu, yang mencadangkan keseluruhan: kekosongan adalah pelengkap kepada Jepun sedia ada.
Dalam pemikiran Timur, terdapat kesatuan antara materi dan roh, yang berlaku dalam perenungan dan persekutuan dengan alam, melalui kepatuhan dalaman, intuisi. Seni Jepun (gei) mempunyai makna yang lebih transenden, lebih tidak ketara daripada konsep seni gunaan di Barat: ia adalah sebarang manifestasi minda, difahami sebagai tenaga penting, sebagai intipati yang memberi kehidupan kepada tubuh kita yang sebenarnya berkembang dan berkembang, merealisasikan perpaduan antara badan, minda dan roh.
Rasa seni Jepun telah berkembang dari masa ke masa: dari permulaannya di mana jejak pertama seni dan keindahan wujud, ia bermula sejak zaman purba apabila prinsip kreatif budaya Jepun dipalsukan dan yang dinyatakan dalam karya kesusasteraan yang paling penting. negara:
Kojiki, Nihonshoki dan Man 'yōshū, di atas adalah penerbitan, dua yang pertama adalah mengenai karya pertama dalam sejarah Jepun dan yang terakhir adalah tentang puisi yang ditulis pada milenium pertama, untuk masa itu pemikiran Sayashi berlaku ("tulen , of course, fresh"), merujuk kepada sejenis keindahan yang dicirikan oleh kesederhanaan, kesegaran, kenaifan tertentu yang datang dengan penggunaan cahaya dan bahan semula jadi seperti Haniwa Figure Land atau kayu dalam seni bina.
Kami boleh mengklasifikasikan Kuil Ise sebagai perwakilan terbaik gaya ini, diperbuat daripada kayu cemara, yang telah diubah suai setiap dua puluh tahun sejak abad ke-XNUMX untuk mengekalkan kejujuran dan kesegarannya. Daripada tanggapan ini timbul salah satu pemalar seni Jepun: nilai yang dikaitkan dengan keindahan fana, fana, fana yang berkembang dari semasa ke semasa.
Dalam Man 'yōshū, sayakeshi dimanifestasikan dalam kasih sayang untuk setia dan diuji, serta dalam penerangan tentang bagaimana komponen seperti langit dan laut, mereka memberinya rasa kebesaran yang menguasai manusia.
Sayakeshi berkaitan dengan konsep Naru ("menjadi"), di mana masa dinilai sebagai tenaga penting yang menumpu menjadi, dalam kemuncak semua tindakan dan semua kehidupan.
Menempatkan diri kita dalam zaman Nara dan Heian, aspek seni seni berkembang pesat berkat hubungan pertama dengan budaya Cina, serta kedatangan agama Buddha. Konsep utama era ini ialah hati nurani, perasaan emosi yang menguasai penonton dan membawa kepada rasa empati atau kasihan yang mendalam.
Ia berkaitan dengan istilah lain seperti okashi, yang menarik dengan kegembiraan dan perwatakan yang menyenangkan; omoshiroi, harta benda yang bercahaya, yang menarik perhatian dengan kecemerlangan dan kejelasannya; yūbi, konsep keanggunan, keanggunan; yuga, kualiti kehalusan dalam kecantikan; en, tarikan daya tarikan; raja, keindahan ketenangan; yasashi, keindahan budi bicara; dan ushin, rasa artistik yang mendalam.
Kisah Murasaki Shikibu tentang Genji, yang merangkumi konsep estetik baru yang dipanggil mono-no-awareness -istilah yang diperkenalkan oleh Motōri Norinaga-, yang menyampaikan rasa sayu, kesedihan kontemplatif yang diperolehi daripada kefanaan sesuatu, keindahan sekejap yang berlangsung seketika dan kekal dalam ingatan.
Tetapi di atas semua itu adalah perasaan sayu halus yang boleh membawa kepada kesedihan yang mendalam apabila sangat merasakan keindahan yang dihembuskan oleh semua makhluk alam.
Falsafah "mencari ideal" kecantikan ini, keadaan meditasi di mana pemikiran dan dunia pancaindera bertemu, adalah ciri khas makanan istimewa Jepun untuk kecantikan, dan terbukti dalam perayaan Hanami, perayaan bunga sakura.
Pada Zaman Pertengahan Jepun, zaman Kamakura, Muromachi dan Momoyama, di mana cirinya adalah penguasaan ketenteraan dalam keseluruhan masyarakat feudal negara, konsep dō ("jalan") muncul, yang menjana perkembangan seni pada masa itu. , ditunjukkan dalam amalan upacara upacara sosial, seperti yang dibuktikan oleh shodō (kaligrafi), chadō (upacara minum teh), kadō atau ikebana (seni gubahan bunga), dan kōdō (upacara kemenyan).
Amalan-amalan itu tidak kira hasilnya, sebaliknya proses evolusi, evolusi dalam masa - sekali lagi naru -, serta bakat yang ditunjukkan dalam pelaksanaan upacara yang sempurna, yang menandakan kemahiran, serta komitmen rohani dalam mengejar kesempurnaan.
Varian agama Buddha yang dipanggil Zen, yang menekankan "peraturan hidup" tertentu berdasarkan meditasi, di mana orang itu kehilangan kesedaran diri, mempunyai pengaruh yang menentukan pada konsep baru ini. Oleh itu, semua kerja harian melampaui intipati materialnya untuk menandakan manifestasi rohani, yang dicerminkan dalam pergerakan dan peredaran masa ritual.
Konsep ini juga dicerminkan dalam berkebun, yang mencapai tahap kepentingan sedemikian di mana taman adalah penglihatan kosmos, dengan lompang besar (laut) yang dipenuhi dengan objek (pulau), yang terkandung dalam pasir dan batu. , dan tempat tumbuh-tumbuhan membangkitkan peredaran masa.
Ambivalence Zen antara kesederhanaan dan kedalaman kehidupan transenden menyemai semangat "keanggunan sederhana" (wabi) bukan sahaja dalam seni, tetapi juga dalam tingkah laku, hubungan sosial, dan lebih banyak aspek kehidupan seharian. . Guru Sesshū berkata bahawa "Zen dan seni adalah satu."
Zen ini dipersembahkan dalam tujuh fakta hiasan: fukinsei, cara menafikan pengoptimuman untuk mencapai keseimbangan yang ada dalam alam semula jadi; kanso , keluarkan apa yang tertinggal dan apa yang anda keluarkan akan membuatkan anda menemui kesederhanaan alam semula jadi.
Kokō (maruah bersendirian), kualiti yang diperolehi oleh manusia dan objek dari masa ke masa dan memberi mereka kemurnian yang lebih besar daripada intipati mereka; shizen (naturalness), yang dikaitkan dengan keikhlasan, semula jadi adalah tulen dan tidak boleh rosak; yūgen (kedalaman), intipati sebenar sesuatu, yang melampaui kebendaan mereka yang sederhana, penampilan dangkal mereka.
Datsuzoku (detasmen), kebebasan dalam amalan seni, yang misinya adalah untuk membebaskan minda, bukan mengawalnya – oleh itu, seni mengetepikan semua jenis parameter dan peraturan -; seiyaku (ketenangan batin), dalam keadaan tenang, tenang, perlu untuk enam prinsip sebelumnya mengalir.
Ia terutamanya upacara minum teh, di mana konsep seni dan kecantikan Jepun disintesis dengan mahir, mewujudkan agama estetik yang tulen: "teisme". Upacara ini mewakili pemujaan kecantikan yang bertentangan dengan kekasaran kewujudan sehari-hari. Falsafahnya, baik etika dan estetika, menyatakan konsep integral manusia dengan alam semula jadi.
Kesederhanaannya menghubungkan perkara-perkara kecil dengan susunan kosmik: kehidupan adalah ungkapan dan tindakan sentiasa mencerminkan pemikiran. Duniawi adalah sama dengan rohani, yang kecil adalah besar. Konsep ini juga terdapat dalam bilik teh (sukiya), hasil binaan fana daripada dorongan puitis, tanpa hiasan, di mana yang tidak sempurna dihormati, dan sentiasa meninggalkan sesuatu. belum selesai, yang akan melengkapkan imaginasi.
Kekurangan simetri adalah ciri, kerana pemikiran Zen bahawa mengejar kesempurnaan adalah lebih penting daripada dirinya sendiri. Kecantikan hanya boleh ditemui oleh mereka yang melengkapkan melalui penaakulan mereka apa yang hilang.
Akhirnya, dalam era moden -yang bermula dengan zaman Edo-, walaupun idea-idea terdahulu berterusan, kelas-kelas seni baru diperkenalkan, yang dikaitkan dengan kemunculan tatanan sosial lain yang timbul semasa Jepun memodenkan: sui adalah makanan istimewa rohani tertentu, didapati terutamanya dalam kesusasteraan Osaka.
Pemikiran iki adalah rahmat yang bermaruah dan langsung, terutamanya terdapat dalam kabuki; Karumi adalah konsep yang mempertahankan ringan sebagai sesuatu yang primordial, di mana "kedalaman" sesuatu diperoleh, tercermin khususnya dalam puisi haiku, di mana Shiori adalah keindahan nostalgia.
"Tiada yang kekal, tiada yang lengkap dan tiada yang sempurna." Ini akan menjadi tiga kunci yang menjadi asas "Wabi sabi", ungkapan Jepun (atau sejenis penglihatan estetik) yang merujuk kepada keindahan yang tidak sempurna, yang tidak lengkap dan berubah, walaupun ia merujuk kepada keindahan sederhana dan merendah diri, yang tidak konvensional. Falsafah "wabi sabi" adalah untuk menikmati masa kini dan mencari kedamaian dan keharmonian dalam alam semula jadi dan perkara-perkara kecil, dan dengan aman menerima kitaran semula jadi pertumbuhan dan kemerosotan.
Yang mendasari semua elemen ini adalah idea seni sebagai proses kreatif dan bukan sebagai pencapaian material. Okakura Kakuzō menulis bahawa "hanya artis yang percaya pada lengkungan semula jadi jiwa mereka mampu menjana kecantikan sebenar".
Periodisasi seni Jepun
Dalam artikel ini, kami akan menggunakan pembahagian kepada tempoh yang besar dari segi perubahan artistik dan pergerakan politik yang ketara. Pemilihan secara amnya berbeza mengikut kriteria pengarang, dan kebanyakannya juga boleh dibahagikan. Walau bagaimanapun, terdapat juga perbezaan mengenai permulaan dan akhir beberapa tempoh ini. Kami akan mengambil yang dibuat oleh ahli arkeologi Charles T. Kelly, iaitu yang berikut:
Seni Jepun dalam seni plastik
Semasa zaman Mesolitik dan Neolitik, ia kekal terpencil dari benua, jadi semua pengeluarannya adalah miliknya, walaupun tidak begitu penting. Mereka adalah masyarakat separa duduk, tinggal di kampung-kampung kecil dengan rumah yang digali ke dalam tanah, mendapatkan sumber makanan mereka terutamanya dari hutan (rusa, babi hutan, kacang) dan laut (ikan, krustasea, mamalia laut).
Masyarakat ini mempunyai organisasi kerja yang rumit dan mengambil berat tentang ukuran masa, seperti yang dibuktikan oleh beberapa sisa susunan batu bulat di Oyu dan Komakino, yang bertindak sebagai jam matahari. Mereka nampaknya mempunyai unit ukuran piawai, seperti yang dibuktikan oleh beberapa bangunan yang dibina untuk model tertentu.
Di lokasi tertentu yang sepadan dengan tempoh ini, artifak batu dan tulang yang digilap, seramik dan figura antropomorfik telah ditemui. Perlu diingatkan bahawa tembikar Jōmon ialah tembikar buatan manusia yang tertua: kesan terawal tembikar asas bermula pada 11.000 SM, dalam perkakas kecil buatan tangan dengan sisi yang digilap dan bahagian dalam yang besar. , dengan deria berfungsi dan hiasan yang ketat.
Tinggalan ini sepadan dengan zaman yang dipanggil "prejōmon" (11000-7500 SM), diikuti oleh Jōmon "kuno" atau "awal" (7500-2500 SM), di mana tembikar Jōmon yang paling tipikal dibuat, dibuat dengan tangan dan dihiasi. dengan hirisan atau kesan tali, pada dasar sejenis bekas berbentuk balang dalam. Hiasan asas terdiri daripada cetakan yang dibuat dengan tali serat sayuran, yang ditekan pada tembikar sebelum menembaknya.
Di beberapa kawasan hirisan ini telah mencapai tahap penghuraian yang tinggi, dengan tepi yang dipahat sempurna, melukis satu siri garisan abstrak yang sangat rumit. Pada kejadian yang jarang berlaku, tinggalan adegan kiasan telah ditemui, umumnya lukisan antropomorfik dan zoomorfik (katak, ular), menonjolkan adegan memburu yang terdapat dalam pasu yang ditemui di Hirakubo, utara Honshū.
Akhir sekali, dalam "Jōmon Akhir" (2500-400 SM), kapal kembali kepada bentuk yang lebih semula jadi, kurang rumit, dengan mangkuk dan bekas beralas bulat, amphora berleher sempit, dan mangkuk dengan pemegang, selalunya dengan batang. atau asas yang dinaikkan. Tanda tempat tembikar Jōmon ialah: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo, dan Okinohara di Pulau Honshū; Sobata di pulau Kyūshū; dan Hamanasuno dan Tokoro di pulau Hokkaidō.
Selain daripada pasu, pelbagai patung dalam bentuk manusia atau haiwan telah dibuat dalam seramik, dibuat dalam beberapa bahagian, jadi hanya sedikit sisa-sisa kepingan keseluruhan telah ditemui. Mereka dalam bentuk antropomorfik boleh mempunyai sifat maskulin atau feminin, dan beberapa tanda androgini juga telah ditemui.
Ada yang membengkak perut, jadi mungkin dikaitkan dengan ibadah kesuburan. Perlu diperhatikan ketepatan butiran yang ditunjukkan oleh beberapa tokoh, seperti gaya rambut yang berhati-hati, tatu dan pakaian hiasan.
Nampaknya dalam masyarakat ini perhiasan badan adalah sangat penting, terutamanya di telinga, dengan anting-anting seramik pelbagai pembuatan, dihiasi dengan pewarna kemerahan. Di Chiamigaito (Pulau Honshū) lebih daripada 1000 perhiasan ini telah ditemui, mencadangkan bengkel tempatan untuk penghuraian produk ini.
Pelbagai topeng juga bermula dari tempoh ini, menandakan kerja individu pada muka. Dengan cara yang sama, pelbagai jenis manik jed hijau telah dibuat, dan mereka sudah biasa dengan kerja lakuer, seperti yang dibuktikan oleh beberapa pengikat yang ditemui di Torihama. Sisa-sisa pedang, tulang atau tanduk gading juga telah ditemui.
Zaman Yayoi (500 SM-300 AD)
Tempoh ini bermakna penubuhan muktamad masyarakat agraria, yang menyebabkan penebangan hutan perluasan wilayah yang besar.
Transformasi ini telah membawa kepada evolusi masyarakat Jepun dalam bidang teknologi, budaya dan sosial, dengan stratifikasi sosial dan pengkhususan kerja yang lebih besar, dan telah menyebabkan peningkatan konflik bersenjata.
Kepulauan Jepun dipenuhi dengan negeri-negeri kecil yang terbentuk di sekeliling puak (uji), antaranya Yamato mendominasi, yang melahirkan keluarga empayar. Kemudian Shintoisme muncul, agama mitologi yang menjatuhkan maharaja Amaterasu, dewi matahari.
Agama ini mempromosikan rasa sebenar kesucian dan kesegaran seni Jepun, dengan keutamaan kepada bahan tulen dan tanpa hiasan, dengan rasa integrasi dengan alam semula jadi (kami atau superconsciousness). Dari abad ke-XNUMX SM. C. mula memperkenalkan tamadun benua, kerana hubungan dengan China dan Korea.
Budaya Yayoi muncul di pulau Kyūshū sekitar 400-300 SM. C., dan berpindah ke Honshū, di mana ia secara beransur-ansur menggantikan budaya Jōmon. Dalam tempoh ini, sejenis pengebumian besar dengan ruang dan busut yang dihiasi dengan silinder terakota dengan figura manusia dan haiwan telah dilanjutkan.
Kampung-kampung dikelilingi oleh parit, dan pelbagai peralatan pertanian (termasuk alat batu berbentuk bulan sabit yang digunakan untuk menuai) muncul, serta pelbagai senjata, seperti busur dan anak panah dengan hujung batu yang digilap.
Dalam Tembikar, objek berikut dihasilkan khas: Balang, Pasu, Pinggan, Cawan dan Botol dengan kekhususan tertentu. Mereka mempunyai permukaan yang digilap, dengan hiasan ringkas, kebanyakannya hirisan, pita bertitik dan zigzag, objek yang paling banyak digunakan ialah kaca yang namanya Tsubo.
Dia menonjolkan karya dengan logam, terutamanya gangsa, seperti yang dipanggil loceng dotaku, yang berfungsi sebagai objek upacara, dihiasi dengan lingkaran (ryusui) dalam bentuk air mengalir, atau haiwan dalam relief (terutamanya rusa, burung, serangga dan amfibia), serta adegan memburu, memancing dan kerja pertanian, terutamanya yang berkaitan dengan padi.
Rusa nampaknya mempunyai makna yang istimewa, mungkin dikaitkan dengan dewa tertentu: di banyak tempat banyak bilah bahu rusa telah ditemui dengan hirisan atau tanda yang dibuat dengan api, yang dikatakan dikaitkan dengan sejenis ritual.
Barangan hiasan lain yang ditemui di tapak Yayoi termasuk: cermin, pedang, pelbagai manik, dan magatama (kepingan jed dan batu akik berbentuk gajus, yang berfungsi sebagai permata kesuburan).
Tempoh Kofun (300-552)
Era ini menandakan penyatuan Imperial Central State, yang mengawal sumber penting, seperti besi dan emas. Seni bina lebih baik dibangunkan di tanah perkuburan, dengan ruang biasa dan makam laluan yang dipanggil kofun ("makam lama"), di mana timbunan tanah besar dinaikkan.
Pengebumian maharaja Ōjin (346-395) dan Nintoku (395-427) sangat menarik, di mana pelbagai jenis objek ditemui, antaranya terdapat; barang kemas, figura yang diperbuat daripada pelbagai bahan terutamanya figura terakota.
Patung-patung ini adalah kira-kira enam puluh sentimeter tinggi, boleh dikatakan tanpa ekspresi, hanya beberapa celah di mata dan mulut, walaupun ia adalah contoh seni yang sangat relevan pada masa ini.
Menurut pakaian dan peralatan mereka, pelbagai perdagangan menonjol dalam watak-watak ini, seperti petani, anggota militia, sami, wanita wilayah, penyanyi, dll.
Pada akhir tempoh ini, figura haiwan juga muncul, termasuk rusa, anjing, kuda, babi hutan, kucing, ayam, biri-biri dan ikan, menandakan kepentingan penempatan tentera pada masa itu, yang ciri-ciri gayanya dikaitkan dengan budaya Silla .dari Korea, serta sejenis tembikar yang dipanggil Sueki, yang gelap dan sangat halus, dengan aksesori berdenting.
Pembezaan sosial telah membawa kepada pengasingan kelas pemerintah di kawasan kejiranan eksklusif bandar, seperti Yoshinogari, akhirnya diasingkan secara kekal di kawasan kejiranan terpencil seperti Mitsudera atau kompleks istana Kansai, Ikaruga dan Asuka-Itabuki.
Bagi seni bina keagamaan, kuil Shinto awal (jinja) diperbuat daripada kayu, di atas tapak yang terangkat dan dinding yang terdedah atau sekatan gelongsor, dengan tapak yang menyokong bumbung yang landai.
Salah satu komponen cirinya ialah torii, gerbang pintu masuk yang menandakan pintu masuk ke tempat suci. Perhatikan Kuil Ise, yang telah dibina semula setiap dua puluh tahun sejak abad ke-XNUMX.
Bangunan utama (Shoden) mempunyai lantai yang ditinggikan dan bumbung berbumbung, dengan sembilan tapak, yang diakses oleh tangga luar. Ia adalah dalam gaya shinmei zukuri, yang mencerminkan gaya Shinto lewat, sebelum kedatangan agama Buddha di Jepun.
Satu lagi kuil mitos yang tidak pasti asal usulnya ialah Izumo Taisha, berhampiran Matsue, sebuah kuil legenda yang diasaskan oleh Amaterasu. Ia adalah dalam gaya taisha zukuri, ia dianggap sebagai yang tertua di kalangan kuil, tarikan utama adalah ketinggian bangunan pada pilaster, dengan tangga sebagai akses utama, dan kemasan kayu ringkas tanpa lukisan.
Menurut manuskrip yang ditemui, tempat suci asal itu mempunyai ketinggian 50 meter, tetapi akibat kebakaran ia dibina semula dengan ketinggian 25 meter. Bangunan itu ialah Honden ("tempat perlindungan dalam") dan Hayden ("tempat perlindungan luar"). Kinpusen-ji, kuil utama shugendō, agama pertapa yang menggabungkan kepercayaan Shinto, Buddhisme dan animisme, juga tergolong dalam zaman ini.
Dalam tempoh ini kita dapati sampel lukisan pertama, seperti dalam Pengebumian Diraja Ōtsuka dan makam Kyūshū berbentuk dolmen (abad ke-XNUMX-XNUMX), dihiasi dengan adegan mangsa yang terperangkap, pertempuran, kuda, burung dan kapal, atau dengan lingkaran. dan bulatan sepusat.
Ia adalah lukisan dinding, diperbuat daripada hematit merah, karbon hitam, kuning oker, putih kaolin, dan hijau klorit. Salah satu reka bentuk ciri zaman ini ialah apa yang dipanggil chokomon, terdiri daripada garis lurus dan gerbang yang dilukis pada pepenjuru atau salib, dan terdapat pada dinding makam, sarkofagus, patung Haniwa dan cermin gangsa.
Zaman Asuka (552-710)
Yamato membayangkan kerajaan berpusat pada model Cina, yang terkandung dalam undang-undang Shōtoku-Taishi (604) dan Taika tahun 646. Pengenalan agama Buddha menghasilkan kesan artistik dan estetik yang hebat di Jepun, dengan pengaruh seni China yang hebat.
Kemudian datanglah pemerintahan Putera Shōtoku (573-621), yang menyukai agama Buddha dan budaya secara umum, dan berbuah untuk seni. Seni bina telah diwakili di kuil dan biara, kebanyakannya telah hilang, dengan mengandaikan penggantian garis Shinto yang mudah dengan keindahan yang datang dari tanah besar.
Sebagai bangunan paling cemerlang dalam tempoh ini, kita mesti menamakan kuil Hōryū-ji (607), mewakili gaya Kudara (Paekche di Korea). Ia dibuat di atas dasar kuil Wakakusadera, yang didirikan oleh Shōtoku dan dibakar oleh lawannya pada tahun 670.
Dibina dengan planimetri paksi, ia terdiri daripada satu set bangunan di mana pagoda (Tō), Yumedono ("dewan impian") dan Kondō ("dewan emas") terletak. Ia adalah dalam gaya Cina, menggunakan buat kali pertama bumbung jubin seramik.
Salah satu ciri contoh luar biasa ini ialah Kuil Itsukushima (593), dibuat di atas air, di Seto, di mana Gojūnotō, Tahōtō dan pelbagai honden dicatatkan. Disebabkan keindahannya ia telah dinamakan sebagai Tapak Warisan Dunia pada tahun 1996 oleh PBB.
Arca bertemakan Buddha diperbuat daripada kayu atau gangsa: patung Buddha pertama diimport dari tanah besar, tetapi kemudiannya sejumlah besar artis Cina dan Korea menetap di Jepun.
Imej Kannon, nama Jepun Bodhisattva Avalokiteśvara (dipanggil Guan Yin dalam bahasa Cina), telah berkembang biak di bawah nama Bodhisattva Kannon, karya Tori Korea; Kannon yang terletak di kuil Yumedono Hōryū-ji; dan Kannon dari Kudara (abad ke-623), oleh artis yang tidak dikenali. Satu lagi karya penting ialah Triad Sâkyamuni (XNUMX), dalam gangsa, oleh Tori Busshi yang dipasang di kuil Hōryū-ji.
Secara umum, ia adalah karya gaya yang teruk, sudut dan kuno, diilhamkan oleh gaya Koguryŏ Korea, seperti yang dilihat dalam karya Shiba Tori, yang menandakan "gaya rasmi" zaman Asuka: Buddha Asuka Agung (kuil Hoko - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Artis lain yang mengikuti gaya ini ialah Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, pengarang The Four Celestial Guardians (shitenno) of the Golden Hall of Hōryū-ji (645), yang walaupun gaya yang sangat lama menyajikan evolusi volumetrik yang lebih bulat, dengan lebih banyak lagi. muka ekspresif.
Lukisan yang dipengaruhi oleh motif Cina, dibuat dalam dakwat atau pewarna mineral yang digunakan pada sutera atau kertas, pada skrol perkamen atau digantung di dinding. Ia menunjukkan rasa lukisan yang hebat, dengan karya asli yang hebat, seperti relikuari Tamamushi (Hōryū-ji), dalam kayu kapur barus dan kayu cemara, dengan jalur kerawang gangsa, mewakili pelbagai pemandangan dalam minyak pada kayu lacquer, dalam teknik yang dipanggil mitsuda -i dari Parsi dan berkaitan dengan lukisan Cina dinasti Wei.
Di dasar relikuari adalah jataka (akaun kehidupan lampau Buddha), menunjukkan putera Mahasattva menyucikan dagingnya sendiri kepada harimau betina yang lapar. Pada masa ini, kaligrafi mula mendapat perhatian, diberikan tahap artistik yang sama seperti imej kiasan.
Permaidani sutera juga diperhatikan, seperti Mandala Tenkoku yang dibuat untuk Shōtoku (622). Seramik, yang boleh berlapis atau tidak, mempunyai sedikit pengeluaran tempatan, sebagai import China yang paling bernilai.
Zaman Nara (710-794)
Dalam tempoh ini, ibu kota itu ditubuhkan di Nara (710), ibu kota tetap pertama mikado. Pada masa ini, seni Buddha berada pada kemuncaknya, meneruskan pengaruh Cina dengan keamatan yang hebat: orang Jepun melihat dalam seni Cina keharmonian dan kesempurnaan yang serupa dengan cita rasa Eropah untuk seni klasik Greco-Rom.
Beberapa contoh seni bina dari zaman itu ialah bangunan monumental, seperti Pagoda Yakushi-ji Timur, kuil Tōshōdai-ji, Tōdai-ji, dan Kōfuku-ji, dan Shōso-in Imperial Storehouse di Nara, yang memelihara banyak artifak. dari seni dari zaman Maharaja Shōmu (724-749), dengan karya dari China, Parsi, dan Asia Tengah. Bandar Nara dibina mengikut susun atur grid, dimodelkan mengikut Chang'an, ibu kota dinasti Tang.
Istana empayar diberi kepentingan yang sama seperti biara utama, Tōdai-ji (745-752), dibina mengikut pelan simetri dalam kandang besar dengan pagoda berkembar, dan menampilkan Daibutsuden, "dewan besar Buddha". «. dengan patung gangsa besar 15 meter Buddha Vairocana (Dainichi dalam bahasa Jepun), disumbangkan oleh Maharaja Shōmu pada 743. Dibina semula pada 1700, Daibutsuden ialah bangunan kayu terbesar di dunia.
Satu lagi kuil penting ialah Hokkedō, yang mempunyai satu lagi patung tersergam indah, Kannon Fukukenjaku, bodhisattva lacquered lapan bersenjata dengan ketinggian empat meter. tinggi dan pengaruh Tang, yang ketara dalam ketenangan dan ketenangan ciri-ciri wajah.
Sebaliknya, Pagoda Yakushi-ji Timur adalah percubaan arkitek Jepun untuk mencari gaya mereka sendiri, menjauhi pengaruh China. Ia menyerlah kerana ketegaknya, dengan penutup berselang-seli dengan saiz yang berbeza, yang memberikan rupa tanda kaligrafi.
Dalam strukturnya, cucur atap dan balkoni terserlah, dibentuk oleh palang kayu yang saling mengunci, berwarna putih dan coklat. Di dalamnya terdapat imej Yakushi Nyorai ("Buddha Perubatan"). Ia disenaraikan sebagai Tapak Warisan Dunia di bawah nama Monumen Sejarah Nara Purba.
Tōshōdai-ji (759) mempunyai tahap asimilasi nasional yang sama, menunjukkan perbezaan yang jelas antara Kondō ("dewan emas"), dengan kekukuhan, simetri, dan menegaknya yang dipengaruhi oleh Cina, dan Kodō ("dewan kuliah") . ”), lebih mudah dan mendatar yang menunjukkan tradisi orang asli.
Pempamer lain ialah Kiyomizu-dera (778), yang bangunan utamanya menonjol kerana pagarnya yang besar, disokong oleh ratusan tiang, yang menonjol di atas bukit dan menawarkan pemandangan bandar Kyoto yang mengagumkan. Kuil ini adalah salah satu calon untuk senarai Tujuh Keajaiban Dunia Baru, walaupun ia tidak dipilih.
Untuk bahagiannya, Rinnō-ji terkenal dengan Sanbutsudō, di mana terdapat tiga patung Amida, Senjūkannon dan Batōkannon. Sebagai kuil Shinto, Fushimi Inari-taisha (711) terserlah, didedikasikan untuk semangat Inari, khususnya dinamakan untuk beribu-ribu torii merah yang menandakan jalan di sepanjang bukit tempat kuil itu berdiri.
Perwakilan Buddha telah mencapai perkembangan besar dalam arca, dengan patung-patung yang sangat cantik: Sho Kannon, Buddha Tachibana, Bodhisattva Gakko dari Tōdai-ji. Pada zaman Hakuhō (645-710), penindasan puak Soga dan penyatuan empayar membawa kepada berakhirnya pengaruh Korea dan penggantiannya oleh orang Cina (dinasti Tang), menghasilkan satu siri karya yang lebih hebat dan realisme, dengan lebih bulat dan bentuk yang lebih anggun.
Perubahan ini dapat dilihat pada sebahagian daripada patung gangsa berlapis emas Yakushi-ji, yang dibentuk oleh Buddha duduk (Yakushi) diiringi oleh bodhisattva Nikko ("Cahaya Matahari") dan Gakko ("Cahaya Bulan"), yang menunjukkan dinamisme yang lebih besar dalam kedudukan kontrappostonya, dan ekspresi wajah yang lebih besar.
Di Hōryū-ji, gaya Tori yang berasal dari Korea diteruskan, seperti dalam Kannon Yumegatari dan Amida Triad dari loket Lady Tachibana. Di Kuil Tōshōdai-ji terdapat satu siri patung besar, diperbuat daripada lakuer kering berongga, menonjolkan pusat Buddha Rushana (759), iaitu setinggi 3,4 meter. Terdapat juga perwakilan roh penjaga (Meikira Taisho), raja (Komokuten), dll. Ia adalah karya dalam kayu, gangsa, tanah liat mentah atau lakuer kering, dengan realisme yang hebat.
Lukisan itu diwakili oleh hiasan dinding Hōryū-ji (akhir abad ke-XNUMX), seperti lukisan dinding Kondō, yang mempunyai persamaan dengan Ajantā di India. Pelbagai tipologi juga telah muncul, seperti kakemono ("lukisan gantung") dan emakimono ("lukisan penggelek"), cerita-cerita yang dilukis pada gulungan kertas atau sutera, dengan teks yang menerangkan adegan yang berbeza, dipanggil sutra.
Di Nara Shōso-in, terdapat beberapa lukisan bertema sekular, dengan pelbagai jenis dan tema: tumbuhan, haiwan, landskap dan objek logam. Pada pertengahan tempoh itu, sekolah lukisan Dinasti Tang menjadi popular, seperti yang dapat dilihat dalam mural makam Takamatsuzuka, yang bertarikh sekitar 700 tahun.
Dengan dekri Taiho-ryo 701, profesion pelukis dikawal dalam syarikat kraf. dikawal oleh Jabatan Pelukis (takumi-no-tuskasa), di bawah Kementerian Dalam Negeri. Persatuan-persatuan ini bertanggungjawab menghias istana dan kuil, dan strukturnya bertahan sehingga era Meiji. Tembikar telah berkembang dengan luar biasa melalui pelbagai teknik yang diimport dari China, seperti penggunaan warna terang yang digunakan pada tanah liat.
Zaman Heian (794-1185)
Dalam tempoh ini kerajaan puak Fujiwara berlaku, yang menubuhkan kerajaan berpusat yang diilhamkan oleh kerajaan China, dengan ibu kotanya di Heian (kini Kyoto). Tuan-tuan feudal yang hebat (daimyō) bangkit dan sosok samurai muncul.
Pada masa ini, grafologi yang dipanggil Hiragana muncul, yang menyesuaikan kaligrafi Cina kepada bahasa polisilabik yang digunakan di Jepun, menggunakan aksara Cina untuk nilai fonetik suku kata. Putusnya hubungan dengan China menghasilkan seni Jepun yang lebih jelas, dengan seni sekular muncul bersama seni keagamaan yang akan menjadi cerminan setia nasionalisme mahkamah empayar.
Ikonografi Buddha mengalami perkembangan baru dengan pengimportan dua mazhab baru dari tanah besar, Tendai dan Shingon, berdasarkan Buddhisme Tantrik Tibet, yang menggabungkan unsur Shinto dan menghasilkan ciri sinkretisme agama pada masa ini.
Seni bina mengalami perubahan dalam rancangan biara, yang didirikan di tempat terpencil, bertujuan untuk meditasi. Kuil yang paling penting ialah Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816), dan kuil pagoda Murō-ji. Enryaku-ji, yang terletak di sekitar Gunung Hiei, adalah salah satu Monumen Bersejarah Kyoto Purba, diisytiharkan sebagai Tapak Warisan Dunia pada tahun 1994.
Ia diasaskan pada 788 oleh Saichō, yang memperkenalkan Mazhab Buddha Tendai ke Jepun. Enryaku-ji mempunyai kira-kira 3.000 kuil, dan merupakan pusat kuasa yang hebat pada zamannya, dengan kebanyakan bangunannya dimusnahkan oleh Oda Nobunaga pada tahun 1571.
Daripada bahagian yang masih hidup, Saitō ("dewan barat") menonjol hari ini dan Tōdō ("dewan timur"), di mana Konpon chūdō terletak, binaan Enryaku ji yang paling mewakili, di mana patung Buddha disimpan .dipahat oleh Saichō sendiri, Yakushi Nyorai.
Arca tersebut mengalami sedikit penurunan berbanding zaman sebelumnya. Sekali lagi, perwakilan Buddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai dari kuil Jingo-ji di Kyoto; Amida Nyorai dari biara Byōdō-in), serta dewi Shinto tertentu (Kichijoten, dewi kebahagiaan, setara dengan Lakshmī India) .
Kekakuan agama Buddha yang berlebihan mengehadkan kespontanan artis, yang mengehadkan dirinya kepada kanun seni yang tegar yang menjejaskan kebebasan kreatifnya. Semasa 859 dan 877, gaya Jogan dihasilkan, dibezakan oleh imej graviti yang hampir menakutkan, dengan udara introspektif dan misteri tertentu, seperti Shaka Nyorai dari Murō-ji.
Semasa zaman Fujiwara, sekolah yang diasaskan oleh Jōchō di Byōdō-in menjadi terkenal, dengan gaya yang lebih elegan dan langsing daripada arca Jogan, mengekspresikan bentuk badan yang sempurna dan rasa pergerakan yang hebat.
Bengkel Jōchō memperkenalkan teknik yosegi dan warihagi, yang terdiri daripada membahagikan rajah kepada dua bongkah yang kemudiannya dicantumkan untuk memahatnya, sekali gus mengelakkan keretakan berikutnya, salah satu masalah utama dengan angka besar. Teknik ini juga membolehkan pemasangan bersiri dan telah dibangunkan dengan kejayaan besar di sekolah Kei zaman Kamakura.
Lukisan Yamato-e tumbuh subur terutamanya pada skrol tulisan tangan yang dipanggil emaki, yang menggabungkan adegan bergambar dengan kaligrafi Katakana yang elegan. Skrol ini menceritakan petikan sejarah atau sastera, seperti The Tale of Genji, sebuah novel karya Murasaki Shikibu dari akhir abad ke-XNUMX.
Walaupun teks itu adalah karya jurutulis terkenal, imej-imej itu lazimnya dilaksanakan oleh penghormatan mahkamah, seperti Ki no Tsubone dan Nagato no Tsubone, dengan mengandaikan sampel estetika feminin yang akan mempunyai perkaitan yang besar dalam seni Jepun kontemporari.
Pada masa ini, klasifikasi lukisan mengikut jantina bermula, yang menandakan perbezaan yang ketara antara orang ramai, di mana maskulin berada di bawah pengaruh Cina, dan feminin dan lebih estetik adalah artistik Jepun.
Dalam onna-e, sebagai tambahan kepada Sejarah Genji, Heike Nogyo (Sutra Teratai) menonjol, ditugaskan oleh klan Taira untuk kuil Itsukushima, di mana mereka terkandung dalam pelbagai skrol mengenai keselamatan jiwa yang diisytiharkan oleh agama Buddha.
Sebaliknya, The otoko-e ini lebih bernaratif dan bertenaga daripada ona-e, lebih penuh aksi, dengan lebih realisme dan pergerakan, seperti dalam gulungan Shigisan Engi, tentang keajaiban sami Myoren; Ban Danigon E-kotoba, tentang peperangan antara puak-puak saingan pada abad ke-XNUMX; dan Chōjugiga, adegan haiwan dengan tanda karikatur dan nada satira, mengkritik golongan bangsawan.
Zaman Kamakura (1185-1392)
Selepas beberapa pertikaian antara puak feudal, Minamoto telah dikenakan, yang menubuhkan shogunate, satu bentuk kerajaan dengan mahkamah tentera. Pada masa ini, mazhab Zen telah diperkenalkan ke Jepun, yang akan sangat mempengaruhi seni kiasan. Seni binanya lebih ringkas, lebih berfungsi, kurang mewah dan berhias.
Peraturan Zen membawa apa yang dipanggil gaya Kara-yo: Tempat ibadat Zen mengikuti teknik planimetri paksi Cina, walaupun bangunan utama bukanlah kuil, tetapi bilik bacaan, dan tempat kehormatan tidak diduduki oleh patung. Buddha, tetapi dengan takhta kecil tempat abbot mengajar murid-muridnya.
Lima kompleks kuil besar Sanjusangen-dō, di Kyoto (1266), serta biara Kennin-ji (1202) dan Tōfuku-ji (1243) di Kyoto, dan Kenchō-ji (1253) dan Engaku-ji (1282). ) di Kamakura.
Kōtoku-in (1252) terkenal dengan patung gangsa Amida Buddha yang besar dan berat, menjadikannya Buddha kedua terbesar di Jepun selepas Tōdai-ji.
Pada tahun 1234, Kuil Chion-in, tempat kedudukan agama Buddha Jōdo shū, telah dibina, dibezakan oleh pintu utamanya yang besar (Sanmon), struktur terbesar seumpamanya di Jepun.
Salah satu wakil terakhir zaman ini ialah Hongan-ji (1321), yang terdiri daripada dua kuil utama: Nishi Hongan-ji, yang merangkumi Goei-dō dan Amida-dō, bersama dengan pavilion teh dan dua peringkat teater Noh, satu daripadanya mendakwa sebagai yang tertua yang masih hidup; dan Higashi Hongan-ji, rumah Shosei-en yang terkenal.
Arca itu memperoleh realisme yang hebat, mendapati artis kebebasan penciptaan yang lebih besar, seperti yang dibuktikan oleh potret bangsawan dan tentera, seperti Uesugi Shigusa (oleh artis tanpa nama), seorang lelaki tentera abad keempat belas.
Karya Zen tertumpu pada perwakilan tuan mereka, dalam sejenis patung yang dipanggil shinzo, seperti tuan Muji Ichien (1312, oleh pengarang tanpa nama), dalam kayu polikrom, yang mewakili tuan Zen duduk di atas takhta, dalam sikap meditasi santai.
Sekolah Kei Nara, pewaris Sekolah Jōchō zaman Heian, amat penting untuk kualiti karyanya, di mana pengukir Unkei, pengarang patung sami Muchaku dan Sesshin (Kōfuku-ji dari Nara), juga sebagai imej Kongo Rikishi (roh penjaga), seperti dua patung besar yang terletak di pintu masuk kuil Tōdai-ji setinggi 8 meter (1199).
Gaya Unkei, dipengaruhi oleh arca Cina dinasti Song, sangat realistik sambil menangkap kajian fisiognomik paling terperinci dengan ekspresi emosi dan kerohanian dalaman individu yang digambarkan.
Kristal gelap bahkan tertanam di mata, untuk memberikan ekspresi yang lebih besar. Kerja Unkei menandakan permulaan potret Jepun. Anak lelakinya Tankei, pengarang Kannon Senju untuk Sanjusangen-dō, meneruskan kerjanya.
Lukisan itu dicirikan oleh peningkatan realisme dan introspeksi psikologi. Landskap (Air Terjun Nachi) dan potret Monk Myoe dalam Contemplation, oleh Enichi-bo Jonin; set potret dari Kuil Jingo-ji di Kyoto, oleh Fujiwara Takanobu; Potret Goshin Maharaja Hanazono, telah dibangunkan terutamanya.
Mod yamato-e diteruskan dan imej diterangkan dalam skrol, kebanyakannya sepanjang beberapa meter. Manuskrip ini menggambarkan butiran kehidupan seharian, pemandangan bandar atau luar bandar, atau menggambarkan peristiwa sejarah, seperti Perang Kyoto 1159 antara cabang saingan Keluarga Diraja.
Mereka dipersembahkan dalam adegan berterusan, mengikut susunan naratif, dengan panorama yang tinggi, dalam garis lurus. Skrol bergambar peristiwa era Heiji (Heiji monogatari) dan skrol Kegon Engi karya Enichi-bo Jonin menonjol.
Lukisan yang dikaitkan dengan organisasi Zen lebih dipengaruhi secara langsung oleh orang Cina, dengan teknik yang lebih kepada garisan dakwat Cina yang ringkas mengikut diktum Zen yang "terlalu banyak warna membutakan mata."
Zaman Muromachi (1392-1573)
Keshogunan berada di tangan Ashikaga, yang pergaduhannya memihak kepada kuasa daimyō yang semakin meningkat, yang membahagikan tanah. Seni binanya lebih elegan dan asli Jepun, menampilkan rumah agam yang megah, biara seperti Zuihoji, dan kuil seperti Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji atau Golden Pavilion (1397), dan Ginkaku-ji. o Pavilion Perak (1489), di Kyoto.
Kinkaku-ji dibina sebagai perkampungan rehat untuk Shogun Ashikaga Yoshimitsu, sebagai sebahagian daripada domainnya yang dipanggil Kitayama. Anaknya menukar bangunan itu menjadi kuil untuk mazhab Rinzai. Ia adalah bangunan tiga tingkat, dua yang pertama ditutup dengan daun emas tulen. Pavilion berfungsi sebagai sheriden, yang melindungi peninggalan Buddha.
Ia juga mengandungi pelbagai patung Buddha dan Bodhisattva, dan fenghuang emas berdiri di atas bumbung. Ia juga mempunyai taman bersebelahan yang indah, dengan kolam yang dipanggil Kyōko-chi, dengan banyak pulau dan batu yang mewakili kisah penciptaan Buddha.
Bagi pihaknya, Ginkaku-ji dibina oleh shogun Ashikaga Yoshimasa, yang berusaha untuk meniru Kinkaku-ji yang dibina oleh moyangnya Yoshimitsu, tetapi malangnya dia tidak dapat menutup bangunan itu dengan perak seperti yang dirancang.
Juga ciri seni bina zaman ini ialah penampilan tokonoma, sebuah bilik yang dikhaskan untuk merenung lukisan atau gubahan bunga, selaras dengan estetika Zen. Selain itu, tatami, sejenis tikar yang diperbuat daripada jerami padi, telah diperkenalkan, yang menjadikan bahagian dalam rumah Jepun lebih menyenangkan.
Pada masa ini, seni berkebun berkembang khususnya, meletakkan asas artistik dan estetik taman Jepun. Dua mod utama muncul: tsukiyama, di sekitar bukit dan tasik; dan hiraniwa, sebuah taman rata dengan pasir berpasir, dengan batu, pokok dan telaga.
Tumbuhan yang paling biasa terdiri daripada buluh dan pelbagai jenis bunga dan pokok, sama ada malar hijau, seperti pain hitam Jepun, atau daun luruh, seperti maple Jepun, unsur-unsur seperti pakis dan buih juga dihargai.
Bonsai adalah satu lagi elemen khas dalam berkebun dan reka bentuk dalaman. Taman selalunya termasuk tasik atau kolam, pelbagai jenis astaka (biasanya untuk upacara minum teh), dan tanglung batu. Salah satu ciri khas taman Jepun, seperti dalam seninya yang lain, adalah penampilannya yang tidak sempurna, belum selesai dan tidak simetri.
Terdapat pelbagai jenis taman: "berjalan", yang boleh dilihat berjalan di sepanjang laluan atau di sekitar kolam; daripada «ruang tamu», yang boleh dilihat dari tempat tetap, biasanya astaka atau pondok jenis machiya.
Te (rōji), di sekitar laluan menuju ke bilik teh, dengan jubin bakdosin atau batu menandakan laluan; dan "kontemplasi" (karesansui, "landskap gunung dan air"), yang merupakan taman Zen yang paling tipikal, dilihat dari platform yang terletak di biara Zen.
Satu contoh yang baik ialah landskap tanpa air di taman Ryōan-ji di Kyoto oleh pelukis dan penyair Sōami (1480), yang mewakili laut, diperbuat daripada pasir yang diraup, penuh dengan pulau, yang berupa batu. , membentuk satu keseluruhan yang menggabungkan realiti dan ilusi dan yang mengundang ketenangan dan renungan.
Kebangkitan semula lukisan dicatatkan, dibingkai dalam estetika Zen, yang menerima pengaruh Cina dari dinasti Yuan dan Ming, tercermin terutamanya dalam seni hiasan.
Teknik gouache telah diperkenalkan, transkripsi sempurna doktrin Zen, yang berusaha untuk mencerminkan dalam landskap apa yang mereka maksudkan, bukannya apa yang mereka wakili.
Sosok bunjinso muncul, "sami intelektual" yang mencipta karya sendiri, sarjana dan pengikut teknik Cina dalam dakwat monokrom, dalam sapuan berus yang ringkas dan meresap, yang mencerminkan dalam karyanya unsur-unsur semula jadi seperti pain, buluh, orkid, buluh , batu, pokok, burung dan figura manusia yang tenggelam dalam alam semula jadi, dalam sikap meditasi.
Di Jepun, teknik dakwat Cina ini dipanggil sumi-e. Berdasarkan tujuh prinsip estetik Zen, sumi-e berusaha untuk mencerminkan emosi dalaman yang paling sengit melalui kesederhanaan dan keanggunan, dalam garisan ringkas dan sederhana yang mengatasi penampilan luaran mereka untuk menandakan keadaan perhubungan dengan alam semula jadi.
Sumi-e adalah cara (dō) untuk mencari kerohanian dalaman, ini digunakan oleh sami. Keistimewaan dakwat, halus dan meresap, membolehkan artis menangkap intipati sesuatu, dalam kesan yang mudah dan semula jadi, tetapi pada masa yang sama mendalam dan transenden.
Ia adalah seni naluriah pelaksanaan pantas, mustahil untuk retouch, fakta yang menyatukannya dengan kehidupan, di mana ia adalah mustahil untuk kembali kepada apa yang telah dilakukan. Setiap jalan membawa tenaga penting (ki), kerana ia adalah satu tindakan penciptaan, di mana minda dimasukkan ke dalam tindakan dan proses itu lebih penting daripada hasilnya.
Wakil sumi-e yang paling penting ialah: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei dan, lebih-lebih lagi, Sesshū Tōyō, pengarang potret dan landskap, artis pertama yang melukis semasa hidup. Sesshū adalah seorang Gaso, seorang pelukis sami, yang mengembara ke China antara 1467 dan 1469, di mana dia belajar seni dan landskap semula jadi.
Landskapnya terdiri daripada struktur linear, diterangi oleh cahaya tiba-tiba yang mencerminkan konsep Zen bagi momen transenden. Ini adalah landskap dengan kehadiran unsur anekdot, seperti kuil di kejauhan atau figura manusia kecil, dibingkai di tempat terpencil seperti tebing.
Satu genre baru lukisan puitis juga telah muncul, shinjuku, di mana landskap menggambarkan puisi yang diilhamkan secara naturalistik. Juga patut disebut ialah Sekolah Kanō, yang diasaskan oleh Kanō Masanobu, yang menggunakan teknik gouache untuk mata pelajaran tradisional, menggambarkan tema suci, kebangsaan dan landskap.
Cucian itu juga digunakan pada skrin dicat dan panel pintu gelangsar fusuma, ciri reka bentuk dalaman Jepun. Dalam seramik, sekolah Seto menonjol, tipologi yang paling popular ialah tenmoku. Lakuer dan objek logam juga merupakan contoh yang ketara dari tempoh ini.
Zaman Azuchi–Momoyama (1573–1603)
Pada masa ini, Jepun sekali lagi disatukan oleh Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, dan Tokugawa Ieyasu, yang menghapuskan daimyō dan berkuasa.
Mandatnya bertepatan dengan kedatangan pedagang Portugis dan mubaligh Jesuit, yang memperkenalkan agama Kristian ke negara itu, walaupun hanya mencapai minoriti.
Pengeluaran artistik pada masa ini beralih daripada estetika Buddha, menekankan nilai tradisional Jepun, dengan gaya letupan. Pencerobohan Korea pada tahun 1592 menyebabkan pemindahan paksa ramai artis Korea ke Jepun, yang tinggal di pusat pengeluaran tembikar terpencil dari yang lain.
Juga, dalam tempoh ini, pengaruh Barat pertama diterima, dicerminkan dalam gaya Namban, dibangunkan dalam arca miniaturis, dengan tema sekular, objek porselin hiasan dan skrin lipat yang dihiasi dalam gaya Yamato-e, dalam warna terang dan daun emas, dalam babak yang mengisahkan kedatangan orang Eropah di pantai Jepun.
Teknik perspektif, serta varian lain lukisan Eropah seperti penggunaan lukisan minyak, tidak bertapak dalam bentuk seni di Jepun.
Dalam seni bina, pembinaan istana yang hebat (shiro) menonjol, yang diperkukuh dengan pengenalan di Jepun senjata api asal Barat. Istana Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō, dan Fushimi-Momoyama adalah contoh yang baik.
Istana Himeji, salah satu binaan utama pada masa itu, menggabungkan kubu besar dengan keanggunan struktur yang kelihatan menegak, di atas lima tingkat kayu dan plaster, dengan bentuk bumbung melengkung lembut serupa dengan kuil tradisional Jepun.
Perkampungan upacara minum teh desa, yang terdiri daripada vila atau istana kecil dan taman-taman besar, juga telah berkembang biak, dan teater kayu untuk persembahan kabuki telah dibina di beberapa bandar.
Dalam bidang melukis, sekolah Kanō menangkap sebahagian besar komisen rasmi, menghuraikan lukisan mural istana utama Jepun, terdapat tokoh penting bernama Kanō Eitoku dan Kanō Sanraku.
Untuk istana, yang kurang diterangi oleh bukaan pertahanannya yang sempit, sejenis partition dengan latar belakang emas telah dicipta yang memantulkan cahaya dan meresapkannya ke seluruh bilik, dengan mural besar yang dihiasi dengan adegan heroik, seperti haiwan. seperti harimau dan naga, atau landskap dengan kehadiran taman, kolam dan jambatan, atau dalam empat musim, tema yang agak biasa pada masa itu.
Percetakan skrin juga telah berkembang dengan luar biasa, umumnya dengan dakwat lusuh, mengikut gaya sumi-e, seperti yang boleh dilihat dalam karya Hasegawa Tōhaku (hutan pain) dan Kaihō Yūshō (pokok pain dan plum di bawah cahaya bulan). Sosok Tawaraya Sōtatsu, pengarang karya dinamik yang hebat, dalam skrol manuskrip, skrin dan kipas, turut ditonjolkan.
Dia mencipta gaya lirik dan hiasan yang diilhamkan oleh skrip waka era Heian, yang dipanggil rinpa, menghasilkan karya keindahan visual yang hebat dan keamatan emosi, seperti Kisah Genji, Jalan Ivy, dewa petir dan angin. , dsb.
Pembuatan seramik mencapai detik ledakan hebat, membangunkan produk untuk upacara minum teh, diilhamkan oleh seramik Korea, yang kedesaan dan penampilan yang belum selesai mencerminkan dengan sempurna estetika Zen yang meresap dalam upacara minum teh.
Reka bentuk baharu muncul, seperti pinggan nezumi dan jag air kogan, biasanya dengan badan putih bermandikan lapisan feldspar dan dihiasi dengan reka bentuk ringkas yang diperbuat daripada cangkuk besi. Ia adalah seramik tebal dengan penampilan berlapis, dengan rawatan yang belum selesai, yang memberikan rasa ketidaksempurnaan dan kelemahan.
Seto kekal sebagai pengeluar utama, manakala di bandar Mino lahir dua sekolah penting: Shino dan Oribe. Sekolah Karatsu dan dua jenis tembikar asli juga diperhatikan:
Iga, dengan tekstur kasar dan lapisan sayu yang tebal, dengan retakan yang dalam; dan Bizen, tembikar tidak berlapis coklat kemerah-merahan, masih lembut, dikeluarkan dari roda untuk menghasilkan rekahan dan hirisan semula jadi yang kecil yang memberikan rupa yang rapuh, masih sesuai dengan estetika Zen yang tidak sempurna.
Salah seorang artis terbaik pada masa ini ialah Honami Kōetsu, yang cemerlang dalam lukisan, puisi, berkebun, pernis, dll. Dilatih dalam tradisi seni zaman Heian dan dalam sekolah kaligrafi Shorenin, dia mengasaskan koloni artisan di Takagamine, berhampiran Kyoto, di atas tanah yang didermakan oleh Tokugawa Ieyasu.
Penempatan itu telah diselenggarakan oleh tukang dari Sekolah Buddha Nichiren dan telah menghasilkan beberapa karya berkualiti tinggi. Mereka pakar dalam barangan lakuer, terutamanya aksesori pejabat, dihiasi dengan tatah emas dan ibu mutiara, serta pelbagai peralatan dan pinggan mangkuk untuk upacara minum teh, menyerlahkan mangkuk fujisan yang bertubuh penuh. kemerah-merahan yang dilitupi dalam seluar dalam hitam dan, di atas, putih berais legap yang memberikan kesan salji turun.
Zaman Edo (1603-1868)
Tempoh seni ini sepadan dengan zaman sejarah Tokugawa, apabila Jepun ditutup kepada semua hubungan luar. Ibu kota itu ditubuhkan di Edo, Tokyo masa depan. Orang Kristian dianiaya dan saudagar Eropah dihalau.
Walaupun sistem vassalage, perdagangan dan kraf telah berkembang pesat, menimbulkan kelas borjuasi yang berkembang dalam kuasa dan pengaruh, dan mendedikasikan diri mereka untuk mempromosikan seni, terutamanya cetakan, seramik, pernis, dan barangan. tekstil.
Karya yang paling mewakili adalah Istana Katsura di Kyoto dan Makam Tōshō-gū di Nikkō (1636), yang merupakan sebahagian daripada "Kuil dan Kuil Nikkō", kedua-duanya diisytiharkan sebagai Tapak Warisan Dunia oleh UNESCO pada tahun 1999.
Sesuatu genre kesatuan Shinto-Buddha, adalah makam shogun Tokugawa Ieyasu. Kuil ini adalah struktur simetri tegar dengan pelepasan berwarna-warni meliputi seluruh permukaan yang boleh dilihat. Pembinaannya yang berwarna-warni dan perhiasan yang berlebihan terserlah, yang berbeza daripada gaya kuil pada masa itu.
Bahagian dalamannya dihiasi dengan ukiran lakuer terperinci dalam warna-warna terang dan panel yang dicat dengan mahir. Istana Katsura (1615-1662) dibina di atas pelan asimetri yang diilhamkan oleh Zen, di mana penggunaan garis lurus pada bahagian hadapan luaran berbeza dengan kemewahan taman di sekelilingnya.
Oleh kerana statusnya sebagai tempat duduk keluarga diraja akan berehat, vila itu terdiri daripada bangunan utama, beberapa tambahan, bilik teh dan taman sepanjang 70000 meter. Istana utama, yang hanya mempunyai satu tingkat, dibahagikan kepada empat lampiran bertemu di sudut.
Keseluruhan bangunan mempunyai ciri-ciri tertentu yang dibina di atas tiang dan di atasnya satu siri bilik dengan dinding dan pintu, beberapa dengan lukisan oleh Kanō Tan'yū.
Juga ciri zaman ini ialah rumah teh (chashitsu), umumnya bangunan kayu kecil dengan bumbung jerami, dikelilingi oleh taman-taman dalam keadaan terbiar yang jelas, dengan lichen, lumut dan daun yang gugur, mengikut konsep Zen. daripada ketidaksempurnaan yang melampaui batas.
Permulaan pembangunan seni dan intelek
Dalam tempoh ini, Jepun secara beransur-ansur mempelajari teknik Barat dan kemajuan saintifik (dipanggil rangaku) melalui maklumat dan buku yang diterima daripada pedagang Belanda di Dejima.
Bidang yang paling banyak dipelajari termasuk geografi, perubatan, sains semula jadi, astronomi, seni, bahasa, konsep fizikal seperti kajian fenomena elektrik dan mekanikal. Terdapat juga perkembangan besar dalam matematik, dalam aliran yang benar-benar bebas daripada dunia Barat. Arus kuat ini dipanggil wasan.
Pembungaan Neo-Confucianisme adalah perkembangan intelektual terbesar pada zaman itu. Kajian Konfusianisme telah lama aktif oleh ulama Buddha, tetapi dalam tempoh ini sistem kepercayaan ini menarik perhatian besar kepada konsep manusia dan masyarakat.
Humanisme beretika, rasionalisme dan perspektif sejarah Konfusianisme dilihat sebagai model sosial. Pada pertengahan abad ke-XNUMX, Konfusianisme menjadi falsafah undang-undang yang dominan dan secara langsung menyumbang kepada pembangunan sistem pembelajaran kebangsaan, kokugaku.
Kebaikan utamanya untuk rejim shogunal ialah penekanan pada hubungan hierarki, penyerahan. ke atas. dan ketaatan, yang meluas ke seluruh masyarakat dan memudahkan pemeliharaan sistem feudal.
Seni tekstil memperoleh kepentingan yang besar, terutamanya dalam sutera, yang mencapai tahap kualiti tertinggi, itulah sebabnya pakaian sutera (kimono) dalam warna terang dan reka bentuk yang indah sering digantung di dalam bilik. dipisahkan, seolah-olah ia adalah skrin.
Pelbagai teknik telah digunakan, seperti pencelupan, sulaman, brokat, embossing, appliqué, dan lukisan tangan. Sutera hanya tersedia untuk golongan atasan, manakala orang berpakaian kapas, dibuat menggunakan teknik ikat Indonesia, dipintal mengikut bahagian dan dicelup nila berselang-seli dengan warna putih.
Satu lagi teknik yang kurang berkualiti ialah tenunan benang kapas dengan warna yang berbeza, dengan pewarna buatan sendiri digunakan dalam gaya batik menggunakan pes beras dan dedak padi yang telah dimasak dan diglomerasi.
Perlu diingatkan bahawa sama seperti seni Jepun dipengaruhi oleh seni Barat pada abad ke-XNUMX, ia juga dipengaruhi oleh eksotisme dan semula jadi seni Jepun. Ini adalah bagaimana apa yang dipanggil Japonisme dilahirkan di Barat, berkembang terutamanya pada separuh kedua abad ke-XNUMX, terutamanya di Perancis dan Great Britain.
Ini didedahkan dalam apa yang dipanggil Japoneries, objek yang diilhamkan oleh cetakan Jepun, porselin, lakuer, kipas dan objek buluh, yang telah menjadi bergaya dalam hiasan rumah dan dalam banyak pakaian peribadi yang mencerminkan fantasi dan hiasan budaya Jepun. Estetika Jepun .
Dalam lukisan, gaya sekolah ukiyo-e diterima dengan penuh semangat, dan karya Utamaro, Hiroshige, dan Hokusai sangat dihargai. Seniman Barat meniru pembinaan spatial yang dipermudahkan, kontur ringkas, gaya kaligrafi, dan kepekaan naturalistik lukisan Jepun.
Zaman kontemporari (sejak 1868)
Dalam tempoh Meiji (1868-1912) kebangkitan budaya, sosial dan teknologi yang mendalam bermula di Jepun, yang membuka lebih banyak kepada dunia luar dan mula menggabungkan kemajuan baru yang dibuat di Barat. Piagam 1868 menghapuskan keistimewaan feudal dan perbezaan kelas, yang tidak membawa kepada peningkatan kelas proletariat yang miskin.
Satu tempoh pengembangan imperialis yang kuat bermula, yang membawa kepada Perang Dunia Kedua. Selepas perang, Jepun mengalami proses pendemokrasian dan pembangunan ekonomi yang menjadikannya salah satu kuasa ekonomi terkemuka dunia dan pusat pengeluaran perindustrian dan inovasi teknologi yang terkemuka. Era Meiji diikuti oleh era Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989), dan Heisei (1989-).
Sejak tahun 1930, ketenteraan dan pengembangan yang progresif di China dan Asia Selatan, dengan peningkatan akibat dalam sumber yang diperuntukkan kepada belanjawan ketenteraan, telah menyebabkan penurunan dalam naungan artistik. Walau bagaimanapun, dengan ledakan ekonomi pasca perang dan kemakmuran baru yang dicapai dengan perindustrian negara, seni itu dilahirkan semula, sudah tenggelam sepenuhnya dalam gerakan seni antarabangsa kerana proses globalisasi budaya.
Selain itu, kemakmuran ekonomi menggalakkan pengumpulan, mewujudkan banyak muzium dan pusat pameran yang membantu menyebarkan dan memelihara seni Jepun dan antarabangsa. Dalam bidang keagamaan, penubuhan dalam era Meiji Shintoisme sebagai satu-satunya agama rasmi (Shinbutsu bunri) membawa kepada pengabaian dan pemusnahan kuil Buddha dan karya seni, yang tidak akan dapat diperbaiki tanpa campur tangan Ernest Fenollosa, profesor falsafah. dari Universiti Imperial Tokyo.
Bersama pembesar dan penaung William Bigelow, beliau menyelamatkan sejumlah besar karya yang memupuk koleksi seni Buddha di Muzium Seni Halus di Boston dan Galeri Seni Freer di Washington DC, dua daripada koleksi seni Asia terbaik di dunia. .
Seni bina mempunyai dua arah: yang tradisional (kuil Yasukuni, Heian Jingu dan kuil Meiji, di Tokyo) dan yang dipengaruhi Eropah, yang mengintegrasikan teknologi baharu (Muzium Yamato Bunkakan, oleh Iso Hachi Yoshida, di Nara).
Pembaratan membawa kepada pembinaan bangunan baru seperti bank, kilang, stesen kereta api, dan bangunan awam, dibina dengan bahan dan teknik Barat, pada mulanya meniru seni bina zaman Victoria Inggeris. Beberapa arkitek asing juga pernah bekerja di Jepun, seperti Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).
Seni bina dan urbanisme menerima rangsangan besar selepas Perang Dunia II, kerana keperluan untuk membina semula negara. Kemudian generasi baru arkitek muncul.
Diketuai oleh Kenzō Tange, pengarang karya seperti Muzium Peringatan Keamanan Hiroshima, Katedral St. Mary di Tokyo, Stadium Olimpik untuk Sukan Olimpik Tokyo 1964, dsb.
Pelajar dan pengikut Tange mencipta konsep seni bina yang difahami sebagai "metabolisme", melihat bangunan sebagai bentuk organik yang mesti disesuaikan dengan keperluan berfungsi.
Gerakan yang diasaskan pada tahun 1959, mereka berfikir untuk membuat pusat penduduk, yang premisnya adalah untuk mencipta satu siri bangunan yang berubah mengikut perubahan luaran, seolah-olah ia adalah organisma.
Ahlinya termasuk Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe, dan Kiyonori Kikutake. Seorang lagi wakil ialah Maekawa Kunio yang, bersama-sama dengan Tange, memperkenalkan idea-idea estetik Jepun lama ke dalam bangunan kontemporari yang tegar.
Sekali lagi menggunakan teknik dan bahan tradisional seperti tikar tatami dan penggunaan tiang, elemen pembinaan tradisional dalam kuil Jepun, atau integrasi taman dan arca dalam ciptaannya. Saya tidak lupa menggunakan teknik vakum, ia telah dikaji oleh Fumihiko Maki dalam hubungan ruang antara bangunan dan persekitarannya.
Sejak 1980-an, seni pascamoden telah bertapak kukuh di Jepun, sejak zaman purba percantuman antara elemen popular dan kecanggihan bentuk adalah ciri.
Gaya ini diwakili terutamanya oleh Arata Isozaki, pengarang Muzium Seni Kitakyushu dan Dewan Konsert Kyoto. Isozaki belajar dengan Tange dan dalam karyanya dia mensintesis konsep barat dengan idea spatial, berfungsi dan hiasan tipikal Jepun.
Bagi pihaknya, Tadao Andō telah membangunkan gaya yang lebih ringkas, dengan mengambil berat terhadap sumbangan cahaya dan ruang terbuka kepada udara luar (Chapel on the water, Tomanu, Hokkaidō; Church of the Light, Ibaraki, Osaka; Museum of the Kanak-kanak, Himeji).
Shigeru Ban dicirikan oleh penggunaan bahan yang tidak konvensional, seperti kertas atau plastik: selepas gempa bumi Kobe pada tahun 1995, yang menyebabkan ramai orang kehilangan tempat tinggal, Ban menyumbang dengan mereka bentuk Delo yang dikenali sebagai Rumah Kertas dan Gereja Kertas, akhirnya , Toyō Itō meneroka imej fizikal bandar pada zaman digital.
Dalam arca juga terdapat dualiti tradisi-avant-garde, menonjolkan nama Yoshi Kimuchi dan Romorini Toyofuku, sebagai tambahan kepada abstrak Masakazu Horiuchi dan Yasuo Mizui, penduduk terakhir di Perancis. Isamu Noguchi dan Nagare Masayuki telah menghimpunkan tradisi arca yang kaya di negara mereka dalam karya yang mengkaji kontras antara kekasaran dan pengilat bahan.
Lukisan itu juga mengikuti dua aliran: tradisional (nihonga) dan barat (yōga), walaupun wujud kedua-duanya, figura Tomioka Tessai kekal pada awal abad ke-20. Manakala gaya nihonga dirangsang pada penghujungnya daripada Abad ke-19 oleh pengkritik seni Okakura Kakuzō dan pendidik Ernest Fenollosa.
Melihat kepada seni tradisional untuk bentuk archetypal ekspresi kepekaan Jepun, walaupun gaya ini juga telah menerima beberapa pengaruh Barat, terutamanya dari Pra-Raphaelite dan Romantikisme. Beliau terutamanya diwakili oleh Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison, dan Kobayashi Kokei.
Lukisan gaya Eropah telah dipupuk buat kali pertama dengan teknik dan tema yang digunakan di Eropah pada akhir abad ke-XNUMX, terutamanya berkaitan dengan akademik, seperti dalam kes Kuroda Seiki, yang belajar selama beberapa tahun di Paris, tetapi kemudiannya meneruskan. arus berbeza yang berlaku dalam seni Barat:
Kumpulan Hakuba Kai mengambil pengaruh Impresionis; lukisan abstrak mempunyai Takeo Yamaguchi dan Masanari Munay sebagai watak utama; Artis figuratif termasuk Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen, dan Higashiyama Kaii. Beberapa artis telah menetap di luar negara mereka, seperti Genichiro Inokuma di Amerika Syarikat dan Tsuguharu Foujita di Perancis.
Dalam Taishō, gaya yōga yang mempunyai pengaruh paling besar pada nihonga, walaupun peningkatan penggunaan cahaya dan perspektif Eropah mengurangkan perbezaan antara kedua-dua arus.
Sama seperti nihonga sebahagian besarnya menerima pakai inovasi Pasca-Impresionisme, yōga mempamerkan kegemaran terhadap eklektikisme, yang muncul daripada pelbagai jenis pergerakan seni yang berbeza.
Untuk peringkat ini, Akademi Seni Halus Jepun (Nihon Bijutsu In) telah diwujudkan. Lukisan era Shōwa ditandai dengan karya Yasuri Sotaro dan Umehara Ryuzaburo, yang memperkenalkan konsep seni tulen dan lukisan abstrak kepada tradisi Nihonga.
Pada tahun 1931, Persatuan Seni Bebas (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) telah ditubuhkan untuk mempromosikan seni avant-garde.
Seawal Perang Dunia II, peraturan undang-undang kerajaan dengan jelas menekankan tema patriotik. Selepas perang, artis muncul semula di bandar-bandar besar, terutamanya Tokyo.
Mencipta seni bandar dan kosmopolitan, yang dengan setia mengikuti inovasi gaya yang dihasilkan di peringkat antarabangsa, terutamanya di Paris dan New York. Selepas gaya abstrak tahun enam puluhan, tahun tujuh puluhan kembali kepada realisme yang digemari oleh seni pop, seperti yang dilambangkan oleh karya Shinohara Ushio.
Adalah menarik bahawa sesuatu yang menarik berlaku menjelang akhir tahun 1970-an, ia adalah bahawa terdapat kembali kepada seni tradisional Jepun, di mana mereka melihat ekspresif dan kekuatan emosi yang lebih besar.
Tradisi seni cetak diteruskan hingga abad ke-XNUMX dalam gaya "cetakan kreatif" (sosaku hanga) yang dilukis dan diukir oleh artis sebaik-baiknya dalam gaya nihonga, seperti Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi, dan Munakata Shiko.
Antara trend terkini, Kumpulan Gutai mempunyai reputasi yang baik dalam apa yang dipanggil seni aksi, yang menyamakan pengalaman Perang Dunia II melalui tindakan yang didakwa dengan ironi, dengan rasa ketegangan yang hebat dan keagresifan terpendam.
Kumpulan Gutai terdiri daripada: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, dan Katsuō Shiraga. Dikaitkan dengan seni pascamoden, beberapa artis, terlibat dalam fenomena globalisasi baru-baru ini, ditandai dengan kepelbagaian budaya ekspresi artistik.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Artis Jepun kontemporari terkenal yang lain termasuk: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 dan Takashi Murakami.
Jika anda mendapati artikel ini menarik, kami menjemput anda untuk menikmati artikel lain ini: