古代の文化として、日本はここ数年その芸術を示してきました。この興味深い記事を通して、古代について私たちと一緒に学びましょう。 アート 日本の、さまざまな時代とスタイルで時間をかけて開発されました。 見逃さず！
日本美術
日本の芸術について話すとき、私たちは、日本人の社会的、文化的発展とともに一時的に展開された、さまざまな段階とスタイルでこの文明によって時間の経過とともに通知されたものについて話します。
日本でアートが受けている変化は、その技術開発の結果であり、その芸術的表現における国の原材料の使用を実現することができます。 いわゆる西洋美術と同様に、その最も象徴的な表現は、宗教と政治力の影響を受けました。
日本の芸術の主な特徴のXNUMXつは、その折衷主義であり、時間の経過とともに海岸に到着したさまざまな人々や文化から来ています。日本に定住した最初の入植者（アイヌとして知られています）は、おそらく北コーカサス地方と東アジアに属していました。日本がまだ本土に執着していたときに到着しました。
これらの入植者の起源は不明であり、歴史家は、ウラルアルタイ人種からインドネシアまたはモンゴルの起源の可能性まで、さまざまな仮説を検討しています。 いずれにせよ、彼らの文化は後期旧石器時代または中石器時代に対応しているようでした。
その後、東南アジアや太平洋諸島からのマレー人種のさまざまなグループが日本の海岸に到着し、韓国や中国のさまざまな地域に到着し、アイヌに取って代わって南から徐々に導入されました。 日本の北では、後の波の間に、中国と韓国からの様々な同民族のグループが日本にやって来ました。
この人種混合に他の文化の影響を加える必要があります。その孤立性のために、日本はその歴史の多くで孤立してきましたが、特にV世紀以降、本土の文明、特に中国と韓国の影響を受けてきました。
このように、移民の連続した前哨基地から出現した日本の先祖の文化は、外国の影響を加え、革新と文体の進歩に開かれた折衷的な芸術を作り上げました。
また、日本で制作された芸術の多くは宗教に基づいていることにも注目してください。XNUMX世紀頃に形成されたこの地域の典型的な神道に仏教が加わり、XNUMX世紀頃に仏教が加わり、今日もなお続く宗教的融合が築かれています。アートにも反映されています。
日本の芸術は、これらの異なる文化や伝統の結果であり、他国から輸入された芸術の形態を独自の方法で解釈し、生命と芸術の概念に従って達成し、変化を実行し、その特定の特性を単純化します。
日本では芸術の特定の要素を放棄して他の要素と結合しなければならないという変容を遂げた精巧な中国の仏教寺院のように、これはこの芸術の結合性を表しており、常に別の文化から何かを自然に取り入れてきました他の国の。
日本の芸術は、日本の文化において、最も華やかで強調されたものから最も単純で日常的なものまで、それを取り巻く物体にも表されている、人間と自然の間の素晴らしい瞑想と相互関係を持っています。
これは、欠陥に与えられた価値、物事の短命な性質、日本人が彼らの環境で確立する人道主義的な感覚に見られます。 茶道と同じように、彼らは、単純な構成要素と非対称で未完成の空間の調和に基づいた単純な儀式で達成するこの熟考の状態の静けさと静けさを大切にしています。
彼らにとって、平和とバランスは暖かさと快適さに関連しており、その品質は彼らの美の概念を真に反映しています。 食事の時でさえ、重要なのは食べ物の量やその表現ではなく、食べ物の感覚的知覚とそれがあらゆる行為に与える美的意味です。
同様に、この国の芸術家や職人は彼らの作品と高度なつながりを持っており、素材を彼らの生活と彼らを取り巻く環境とのコミュニケーションの不可欠な部分であると感じています。
日本美術の基礎
日本の芸術は、他の哲学と同様に、あるいは単に人生の見方も、直感、合理性の欠如、感情的な表現、行動や思考の単純さの影響を受けます。 多くの場合、象徴的に表現されます。
日本美術の特徴のXNUMXつは、シンプルさと自然さです。芸術的表現は自然を反映しているため、精巧な制作は必要ありません。これはすべて、芸術家が望んでいるのは、輪郭を描き、提案し、後で解読することであるという事実につながります。視聴者による。
この単純さは、遠近法なしで、それにもかかわらず全体に調和して統合される豊富な空のスペースで直線的な描画への傾向を描くことになりました。 建築では、動的要素と静的要素の組み合わせで、非対称平面を備えた線形設計で実現します。
同様に、日本の芸術におけるこの単純さは、芸術と自然との関係における生来の単純さに関連しており、それは彼らの生活に反映されている彼らの特異性の一部であり、彼らはそれを憂鬱な、ほとんど悲しみの繊細な感覚で経験します。
季節の移り変わりが彼らに儚い感覚を与える方法。そこでは、人生の儚い性質のために自然に存在する進化を見ることができます。 このシンプルさは、何よりも建築に反映されており、自然素材を使用することで、作業を行わずに周囲に調和して統合され、ラフで未完成の外観を示しています。 日本では、自然、生命、芸術は密接に関連しており、芸術的成果は宇宙全体の象徴です。
日本の芸術は、物質を超えて生命の生成原理を見つけることで、普遍的な調和を達成しようとしています。 日本の装飾は、芸術を通して人生の意味を見つけようとしています。日本の芸術の美しさは、調和、創造性の代名詞です。 それは詩的な衝動であり、作品の実現につながる感覚の道であり、それ自体に目的はありませんが、それを超えています。
私たちが美と呼ぶものは、私たちを存在に言及する哲学的カテゴリーです。それは、全体で意味に到達することにあります。 鈴木大拙が表現したように、「美は外見ではなく、表現される意味で」。
アートは、その賢明な性格から始まるのではなく、その示唆に富む属性から始まります。 正確である必要はありませんが、全体性につながる贈り物を示してください。 それは全体を示唆するその部分を通して本質を捉えることを目的としています：ボイドは既存の日本人を補完するものです。
東洋哲学では、物質と精神の間に統一性があり、それは直観の内面の遵守を通して、自然との熟考と交わりに広がっています。 日本の芸術（gei）は、西洋の応用美術の概念よりも超越的な意味を持ち、無形です。それは、心の現れであり、生命力として理解され、実際に発達し、私たちの体に生命を与える本質として理解されています。進化し、体、心、精神の統一を実現します。
日本美術の感覚は時間とともに発展してきました。芸術と美の最初の痕跡が存在した当初から、それらは日本文化の創造的原則が作り上げられ、最も重要な文学作品で表現された古代にまでさかのぼります。国の：
古事記、日本書紀、万葉集、上記は出版物、最初のXNUMXつは日本史の最初の作品、最後のXNUMXつは最初の千年紀に書かれた詩に関するもので、当時はさやしが普及したと考えていました（「純粋な、もちろん、フレッシュ」）、シンプルさ、フレッシュさ、ハニワフィギュアランドや建築の木材などの光と天然素材の使用に伴うある種の素朴さを特徴とする一種の美しさをほのめかします。
伊勢神宮は、XNUMX世紀からXNUMX年ごとに率直で新鮮さを保つために改修された檜で作られたこのスタイルの最高の表現として分類することができます。 この概念から、日本の芸術の常識のXNUMXつが生まれます。それは、時間の経過とともに発展する、一時的な、一時的な、一時的な美しさに起因する価値です。
万葉集では、さやけしは忠実で試された愛情に表れているほか、空や海などの構成要素が人を圧倒するほどの素晴らしさを表現しています。
さやけしは、すべての行動とすべての生命の集大成において、時間が収束する生命エネルギーとして評価されるナル（「なる」）の概念に関連しています。
奈良と平安時代に身を置き、中国文化との最初の接触と仏教の到来のおかげで、芸術の芸術的側面は急速に進化しました。 この時代の主なコンセプトは良心であり、視聴者を圧倒し、深い共感や哀れみにつながる感情的な感情でした。
それは、その喜びと心地よい性格で引き付けられるオカシなどの他の用語に関連しています。 輝くものの性質であるおもしろいは、その輝きと透明感で注目を集めています。 ゆび、優雅さ、優雅さの概念。 ゆが、美の洗練の質。 en、魅力の魅力。 王様、落ち着きの美しさ。 やさし、裁量の美しさ。 そして、ushin、芸術の深い感覚。
本居宣長が導入した「もののあはれ」という新しい美的概念を具現化した紫式部の源氏物語は、物事の一時性に由来する憂鬱で瞑想的な悲しみ、一瞬続く一瞬の美しさ、メモリに残ります。
しかし何よりも、自然界のすべての存在の吐き出された美しさを深く感じるとき、それは深い悲しみにつながる可能性がある繊細な憂鬱な気持ちです。
思考と感覚の世界が出会う瞑想状態の美の「理想的な追求」のこの哲学は、日本の生まれつきの美の繊細さの特徴であり、桜の祭典である花見まつりに表れています。
日本の中世、鎌倉、室町、桃山時代には、封建社会全体での軍事的支配が特徴であり、道（「道」）の概念が出現し、当時の芸術の発展を生み出しました。 、社会儀式の儀式の実践で示されているように、正道（書道）、茶道（茶室）、門または池花（花の配置の芸術）、および光堂（香の儀式）によって証明されています。
実践は結果ではなく、進化の過程、時間の進化-再びナル-、そして儀式の完璧な実行に示される才能、そしてスキルを示す才能、そして精神的なコミットメント完璧の追求。
禅と呼ばれる仏教の変種は、瞑想に基づいて、人が自己認識を失うという特定の「生活のルール」を強調し、これらの新しい概念に決定的な影響を及ぼしました。 このように、すべての日常の仕事は、その物質的な本質を超えて、精神的な現れを意味し、それは時間の動きと儀式の経過に反映されます。
このコンセプトはガーデニングにも反映されており、ガーデニングは、砂や岩に具現化された物体（島）で満たされた大きな空間（海）を備えた宇宙のビジョンであるという重要性に達します。 、そして植生が時間の経過を呼び起こす場所。
超越的な生活のシンプルさと深さの間の禅のアンビバレンスは、芸術だけでなく、行動、社会的関係、そして生活のより日常的な側面にも「シンプルエレガンス」（わび）の精神を吹き込みます。 。 雪舟師匠は「禅と芸術は一つだ」と言った。
この禅は、XNUMXつの装飾的な事実で提示されます。自然界に存在するバランスを達成するための最適化を否定する方法であるfukinsei。 かんそう、残ったものを取り出して、取り出したものが自然の素朴さを発見させてくれます。
Kokō（孤独な尊厳）、人や物が時間の経過とともに獲得し、本質のより純粋なものを与える品質。 誠実さにつながる自然は本物で腐敗しません。 ユーゲン（深さ）、物事の本質であり、単純な物質性、表面的な外観を超えています。
だつぞく（分離）、芸術の実践における自由。その使命は心を制御するのではなく、心を解放することです。したがって、芸術はあらゆる種類のパラメーターや規則を省きます。 セイヤク（内なる静けさ）、静けさ、落ち着きのある状況で、前のXNUMXつの原則が流れるために必要です。
特に茶道では、日本の芸術と美の概念が見事に統合され、本物の美的宗教である「有神論」が生み出されます。 この儀式は、日常生活の卑劣さに対抗する美の崇拝を表しています。 彼の哲学は、倫理的かつ美的の両方で、自然と人間の不可欠な概念を表現しています。
そのシンプルさは、ささいなことと宇宙の秩序を結びつけます。人生は表現であり、行動は常に思考を反映しています。 テンポラルはスピリチュアルに等しく、スモールはグレートです。このコンセプトは、不完全なものが崇拝され、常に何かを残す、装飾のない詩的な衝動の一時的な建設製品である茶室（スキヤ）にも見られます。未完成、それは想像力を完成させます。
完全性の追求はそれ自体よりも重要であると禅が考えているため、対称性の欠如が特徴的です。 美しさは、欠けているものを推論することによって完了する人によってのみ発見することができます。
最後に、江戸時代から始まった現代では、以前の考えは残っていますが、新しい芸術の授業が導入されています。これは、日本が近代化するにつれて生じる他の社会秩序の出現に関連しています。主に大阪文学で。
壱岐は、特に歌舞伎に見られる威厳のある直接的な恵みだと考えました。 カルミは、軽さを原始的なものとして擁護する概念であり、その下で物事の「深さ」が得られ、特に詩織が懐かしい美しさである俳句の詩に反映されています。
「何も持続せず、完全なものも、完璧なものもありません。」 これらは、「わびさび」の基礎となるXNUMXつの鍵であり、不完全、不完全、変化の美しさを表す日本語の表現（または一種の美的ビジョン）ですが、控えめで謙虚な、型破りな美しさ。 「わびさび」の哲学は、現在を楽しみ、自然と小さなものに平和と調和を見出し、自然の成長と衰退のサイクルを平和的に受け入れることです。
これらすべての要素の根底にあるのは、物質的な成果としてではなく、創造的なプロセスとしてのアートのアイデアです。 岡倉天心は、「魂の生来のゆがみを信じる芸術家だけが本当の美しさを発揮できる」と書いています。
日本美術の時代区分
この記事では、注目すべき芸術的変化と政治運動の観点から、大きな期間へのセグメンテーションを使用します。 選択は一般的に著者の基準によって異なり、それらの多くは細分化することもできます。 ただし、これらの期間の一部の開始と終了に関しても違いがあります。 考古学者のチャールズ・T・ケリーが作ったものを取り上げます。これは次のとおりです。
造形芸術における日本美術
中石器時代と新石器時代の間、それは大陸から孤立したままだったので、その生産はほとんど重要ではありませんが、すべて独自のものでした。 彼らは半座りがちな社会で、家が地面に掘られた小さな村に住んでいて、主に森（鹿、イノシシ、ナッツ）と海（魚、甲殻類、海洋哺乳類）から食料資源を得ていました。
これらの社会は精巧な仕事の組織を持っていて、日時計として機能した大湯と駒木野の円形の石の配置のいくつかの残骸によって証明されるように、時間の測定に関心がありました。 特定のモデルに基づいて建てられたいくつかの建物からも明らかなように、彼らは明らかに標準化された測定単位を持っていました。
この時期に対応する特定の場所では、磨かれた石や骨の遺物、陶器、擬人化された人物が発見されています。 縄文土器は最も古い人工陶器であることに注意してください。初歩的な陶器の最も初期の痕跡は、磨かれた側面と大きな内部を備えた小さな手作りの道具で、紀元前11.000、XNUMX年にさかのぼります。 、機能的なセンスと控えめな装飾が施されています。
これらの遺跡は、「プレジョモン」（紀元前11000、7500〜7500、2500年）と呼ばれる時代に対応し、「古風な」または「初期の」縄文（紀元前XNUMX、XNUMX〜XNUMX、XNUMX年）が続き、最も典型的な縄文土器が手作業で作られ、装飾されています。 ある種の深い壺型の容器の基部に、切り込みまたはロープの痕跡があります。 基本的な装飾は、植物繊維のコードで作られたプリントで構成され、陶器を焼く前に押し付けられました。
いくつかの領域では、これらの切開は高度に精巧になっており、完全に彫られたエッジで、一連の非常に複雑な抽象的な線を描いています。 まれに、本州の北にある平窪村で見つかった花瓶にある狩猟シーンを強調する、擬人化された動物形の絵（カエル、ヘビ）などの比喩的なシーンの残骸が見つかりました。
最後に、「縄文後期」（紀元前2500年から400年）では、船はより自然で手の込んだ形に戻り、丸底のボウルと船、首の狭いアンフォラ、ハンドル付きのボウルがあります。多くの場合、棒が付いています。 または隆起したベース。 縄文土器のランドマークは、本州の帝釈峡、鳥浜、戸ヶ里石、松島、加茂、沖野原です。 九州のそば田。 北海道の浜那須野と常呂。
花瓶とは別に、人間や動物の形をしたさまざまな置物がセラミックで作られ、いくつかの部分で作られているため、全体の残骸はほとんど見つかりませんでした。 擬人化されたものは男性的または女性的な属性を持つことができ、両性具有の兆候のいくつかも発見されています。
腹が腫れている人もいるので、出産する崇拝に関係している可能性があります。 注意深いヘアスタイル、タトゥー、装飾的なドレスなど、一部の人物が示す細部の正確さは注目に値します。
これらの社会では、体の装飾は、主に耳において、赤みがかった染料で装飾されたさまざまなメーカーのセラミックイヤリングで非常に重要だったようです。 Chiamigaito（本州島）では、これらの装飾品が1000以上発見されており、これらの製品を作るための地元の工房を示唆しています。
さまざまなマスクもこの時期にさかのぼり、顔の個別の作業を示しています。 同様に、さまざまな種類の緑色のジェダイトビーズが作られ、鳥浜で見つかったいくつかの留め具からもわかるように、漆の作業に精通していました。 剣、骨、象牙の角の残骸も発見されています。
弥生時代（紀元前500年〜西暦300年）
この時期は農耕社会の決定的な確立を意味し、それは領土の大規模な拡大の森林破壊を引き起こしました。
この変革は、技術的、文化的、社会的分野での日本社会の進化をもたらし、社会の階層化と仕事の専門化が進み、武力紛争が増加しました。
日本列島には氏族（uji）の周りに形成された小さな州が点在し、その中で大和が支配的であり、それが皇室を生み出しました。 すると神道が現れ、太陽神アマテラスの皇帝を倒した神話が登場しました。
この宗教は、純粋な素材を好み、装飾がなく、自然との統合感（神または超意識）を備えた、日本の芸術の真の純粋さと新鮮さの感覚を促進しました。 紀元前XNUMX世紀から。 C.は中国と韓国との関係のために大陸文明を導入し始めました。
弥生文化は紀元前400年から300年頃に九州の島に現れました。 C.、そして本州に移り、そこで縄文文化に徐々に取って代わった。 この時期に、人間や動物の像が描かれたテラコッタの円柱で飾られた部屋と塚を備えた一種の大規模な埋葬が拡張されました。
村は溝に囲まれ、さまざまな農機具（収穫に使用される三日月形の石器を含む）や、磨かれた石の先端を持つ弓や矢などのさまざまな武器が登場しました。
陶器では、次のオブジェクトが特別に作成されました：特定の特殊性を備えた瓶、花瓶、皿、カップ、ボトル。 表面は磨き上げられており、主に切り込み、点線、ジグザグの鯉のぼりなどのシンプルな装飾が施され、最もよく使われたのは坪という名前のガラスでした。
彼は金属、主に銅鐸のような、儀式用のオブジェとして機能し、流水の形をしたらせん状（竜水）で飾られた金属、または安堵した動物（主に鹿、鳥、昆虫、両生類）、そして狩猟、釣り、農作業、特に米に関連するシーン。
鹿は特別な意味を持っていたようで、おそらく特定の神に関連しているようです。多くの場所で、ある種の儀式に関連していると言われている、火で作られた切り込みや跡が付いた鹿の肩甲骨が多数見つかりました。
弥生遺跡で見られるその他の装飾品には、鏡、刀、さまざまなビーズ、差し玉（カシューの形をした翡翠と瑪瑙、出産の宝石）などがあります。
古墳時代（300-552）
この時代は、鉄や金などの重要な資源を管理していた帝国中央州の統合を示しました。 建築は、古墳（「古い墓」）と呼ばれる典型的な部屋と通路の墓があり、その上に大きな土の塚が建てられた墓地で開発されたことが好ましい。
応神天皇（346-395）と仁徳天皇（395-427）の埋葬は印象的で、その中には多種多様な物が見つかりました。 ジュエリー、さまざまな素材で作られたフィギュア、特にテラコッタのフィギュア。
これらの小像は、高さ約XNUMXセンチで、ほとんど無表情で、目と口にわずかなスリットがありましたが、この時代の芸術の非常に関連性の高い例です。
彼らの衣服や道具によると、農民、民兵、僧侶、地方の女性、ミンストレルなど、さまざまな貿易がこれらのキャラクターで際立っています。
この期間の終わりには、鹿、犬、馬、イノシシ、猫、鶏、羊、魚などの動物の姿も現れ、その様式的特徴が新羅文化に関連している当時の軍事的定住の重要性を示しています。韓国から、そしてスエキと呼ばれる一種の陶器で、暗くて非常に細かく、きらきらと輝くアクセサリーが付いています。
社会の差別化により、吉野ヶ里などの排他的な都市の支配階級が孤立し、光寺や関西、斑鳩、飛鳥・伊田吹の宮殿群などの孤立した地域に永久に隔離されることになりました。
宗教建築に関しては、初期の神社（神社）は、隆起した土台と露出した壁またはスライド式の仕切りの上に木でできていて、土台は傾斜した屋根を支えていました。
その特徴的な構成要素のXNUMXつは、聖地への入り口を示す入り口のアーチである鳥居です。 XNUMX世紀からXNUMX年ごとに再建されている伊勢神宮に注目してください。
本館（昇電）は、上げ床と切妻屋根があり、XNUMXつのベースがあり、外部階段でアクセスできます。 日本に仏教が到来する前の、後期の神道様式を反映した神明造様式です。
起源が不明なもうXNUMXつの神話上の寺院は、天照大神によって設立された伝説の寺院、松江の近くにある出雲大社です。 大社造風で、神社の中でも最古とされており、階段をメインにした柱の高さを主なアトラクションとし、無塗装でシンプルな木目調に仕上げています。
見つかった写本によると、元の聖域の高さは50メートルでしたが、火災により25メートルの高さで再建されました。 建物は本殿（「内側の聖域」）とヘイデン（「外側の聖域」）でした。 修験道の本堂である金峯山寺もこの時代に属し、神道、仏教、アニミズムの信仰を組み合わせた禁欲的な宗教です。
この時期には、大塚王室の葬儀や九州のドルメン型の墓（XNUMX〜XNUMX世紀）のように、捕らえられた獲物、戦い、馬、鳥や船、または渦巻きのシーンで飾られた最初の絵画のサンプルが見つかりますと同心円。
それらは、ヘマタイトレッド、カーボンブラック、オーカーイエロー、カオリンホワイト、クロライトグリーンで作られた壁画でした。 この時代の特徴的なデザインの一つは、対角線または十字架に描かれた直線とアーチで構成され、墓、石棺、埴輪像、銅鏡の壁に存在する、いわゆる長光門です。
飛鳥時代（552-710）
ヤマトは、聖徳太子（604）と646のタイカの法則に具体化された中国モデルの中央集権王国を考案しました。仏教の導入は、中国の芸術から大きな影響を受けて、日本に大きな芸術的および美的影響を与えました。
その後、仏教と文化全般を支持し、芸術に実り多い聖徳太子（573-621）の治世が到来しました。 建築は寺院や僧院で表現されていましたが、単純な神道の線が本土からの壮大さで置き換えられたと仮定すると、ほとんど失われています。
この時代の最も優れた建物として、法隆寺（607）を名付けなければなりません。これは、クダラ様式（韓国の百済）を代表するものです。 聖徳太子によって建てられ、670年に敵によって焼かれた若草寺の敷地内で作られました。
軸方向の面積測定で建てられ、塔（東）、夢の殿（「夢の殿堂」）、近藤（「黄金の殿堂」）が位置する一連の建物で構成されています。 陶磁器瓦屋根を初めて使用した中国風。
この特別な例の特徴の593つは、五十能、多宝塔、さまざまな本殿が有名な瀬戸の厳島神社（1996）です。 その美しさから、XNUMX年に国連によって世界遺産に指定されました。
仏教をテーマにした彫刻は木や青銅で作られていました。最初の仏像は本土から輸入されましたが、その後、多くの中国人や韓国人の芸術家が日本に定住しました。
菩薩観音菩薩の日本名である観音菩薩の像は、韓国の鳥の作品である菩薩観音の名で広まりました。 法隆寺の夢殿寺にある観音。 未知の芸術家によるクダラの観音（623世紀）。 もう一つの重要な作品は、法隆寺の寺院に設置された鞍作止利によるブロンズの釈迦牟尼の三つ組（XNUMX）です。
一般的には、飛鳥時代の「公式スタイル」である飛鳥大仏（方広寺- ji、606）、Yakushi Buddha（607）、Kannon Guze（621）、Triad Shaka（623）。
このスタイルに従った別の芸術家は、法隆寺の黄金ホール（645）の四天の守護者（下野）の著者である山口彩の奥内あたひでした。表情豊かな顔。
絹や紙、羊皮紙の巻物、壁に掛けられたインクや鉱物染料で作られた、中国のモチーフに影響を受けた絵画。 樟脳や檜の木の玉虫聖骨箱などの独創性に富んだ作品と、漆塗りの木に油彩を塗った青銅の細線細工の帯が、みつだと呼ばれる技法で描かれた、素晴らしい絵の感覚を表しています。 -私はペルシャ出身で、魏王朝の中国絵画に関連しています。
聖骨箱の土台にはジャータカ（仏陀の過去の生活の記録）があり、摩訶薩王子が自分の肉を空腹のあばずれ女に奉献していることを示しています。 この頃、書道は比喩的なイメージと同じ芸術的レベルを与えられて、目立つようになり始めました。
聖徳太子に作られた曼荼羅天国（622）などの絹のタペストリーも注目されました。 釉薬の有無にかかわらず、陶磁器は現地生産がほとんどなく、中国からの輸入品として最も価値がありました。
奈良時代（710-794）
この間、首都はミカドの最初の固定資本である奈良（710）に設立されました。 当時、仏教美術は絶頂期にあり、中国の影響を非常に強く続けていました。日本人は中国美術において、古典的なギリシャローマ美術に対するヨーロッパの趣味に似た調和と完璧さを見ました。
当時の建築の例としては、東薬師寺、東大寺、東大寺、興福寺などの記念碑的な建物や、多くの物を保存している奈良の正倉院帝国倉庫などがあります。正倉院皇帝（724-749）の時代の芸術から、中国、ペルシャ、中央アジアの作品で。 奈良市は、唐代の首都である長安をモデルにした格子状のレイアウトで建てられました。
皇居は、東大寺（745-752）と同じ重要性を与えられ、双塔のある大きな囲いの中に対称的な計画に従って建てられ、「大仏殿」である大仏殿が特徴です。 «。 聖武天皇が15年に寄贈した、743メートルの大日如来の銅像があります。1700年に再建された大日如来は、世界最大の木造建築物です。
もう一つの重要な寺院は、高さXNUMXメートルのXNUMX本の腕を持つ漆塗りの菩薩である観音菩薩像を誇る法華堂です。 顔の特徴の静けさと穏やかさで顕著である高いと唐の影響。
対照的に、東薬師寺パゴダは、中国の影響から離れて、日本の建築家が独自のスタイルを見つけようとした試みでした。 さまざまなサイズのカバーが交互に配置されているため、その垂直性が際立っており、書道の看板のように見えます。
その構造では、庇とバルコニーが際立っており、白と茶色の木製のバーがかみ合って形成されています。 その中には薬師如来の像が収められています。 古都奈良の歴史的建造物という名前で世界遺産に登録されています。
唐招提寺（759）は同化度が高く、中国の影響を受けた堅固さ、対称性、垂直性を備えた近藤（「黄金の殿堂」）と鼓童（「講堂」）との明確な対照を示しています。 。”）、アボリジニの伝統を表す、よりシンプルで水平なもの。
もう一つの出展者は清水寺（778）で、本館は巨大な手すりで際立っており、丘の上に立って京都の街の印象的な景色を望む何百もの柱に支えられています。 この神殿は、選ばれなかったものの、世界の新七不思議のリストの候補のXNUMXつでした。
宝物殿は三仏堂で有名で、阿弥陀如来、千住館、馬頭観音の711体の銅像があります。 神社として、伏見稲荷大社（XNUMX）は、稲荷の精神に捧げられて際立っています。特に、神社が立つ丘に沿って道を示す何千もの赤い鳥居にちなんで名付けられました。
仏像は、観音菩薩、立花の仏、東大寺の菩薩がっこなど、美しい彫像で彫刻の発展を遂げました。 白鳳時代（645-710）には、蘇我氏の抑圧と帝国の統合により、韓国の影響力がなくなり、中国（唐）に取って代わられ、より壮大でリアリズムのある一連の作品が生まれました。より優雅な形。
この変化は、薬師寺の金色の銅像の一部で顕著であり、座仏（薬師）が菩薩日光（「日光」）と学校（「月光」）を伴って形成され、コントラポストの位置でより大きなダイナミズムを示しています。そしてより大きな顔の表現力。
法隆寺では、観音菩薩や立花淑女ロケットのアミダトライアドのように、韓国起源の鳥のスタイルが続いた。 唐招提寺には、高さ759メートルの中央仏陀ルシャナ（3,4）を浮き彫りにした、中空の乾いた漆で作られた一連の大きな彫像があります。 守護霊（名庄大将）、王（コモクテン）などの表現もあります。 それらは、木、青銅、生の粘土、またはドライラッカーで作られた、非常にリアルな作品です。
この絵は、インドのアジャンタと類似した法隆寺の壁飾り（XNUMX世紀後半）など、近藤のフレスコ画で表現されています。 掛軸（「掛軸」）や絵巻（「ローラー画」）など、さまざまな類型も登場しており、紙や絹に巻かれた物語に、経と呼ばれるさまざまな場面を説明するテキストが描かれています。
奈良正倉院には、植物、動物、風景、金属など、さまざまな種類やテーマの世俗をテーマにした絵画が数多くあります。 中期には、700年頃の高松塚古墳の壁画に見られるように、唐代の絵画学校が流行しました。
701の大法龍令により、画家の職業は工芸会社で規制されています。 内務省傘下の画家部（匠のつかさ）が管理。 これらの協会は宮殿や寺院の装飾を担当し、その構造は明治時代まで続きました。 陶器は、粘土に鮮やかな色を塗るなど、中国から輸入されたさまざまな技法によって著しく進化してきました。
平安時代（794-1185）
この時期、藤原氏が政権を握り、平安（現京都）を首都とする中国政府に触発された中央政府を樹立しました。 大藩主（大名）が誕生し、武士の姿が現れました。
この頃、ひらがなと呼ばれる筆跡学が登場しました。これは、音節の音声値に漢字を使用して、中国の書道を日本で使用されている多音節言語に適合させたものです。 中国との関係の崩壊は、より明確な日本の芸術を生み出し、宗教芸術と並んで世俗的な芸術が出現し、それは宮廷のナショナリズムを忠実に反映したものになるでしょう。
仏教の図像は、神道の要素を取り入れ、この時代に特徴的な宗教的シンクロリズムを生み出したチベット密教に基づいて、本土から天台宗と真言宗のXNUMXつの新しい宗派を輸入することで新たな発展を遂げました。
建築は、瞑想を目的として、孤立した場所に建てられた修道院の計画に変更が加えられました。 最も重要な神殿は延暦寺（788）、金剛峯寺（816）、室生寺です。 比叡山の近くにある延暦寺は、1994年に世界遺産に登録された古都京都の文化遺産のひとつです。
天台仏教を日本に紹介した最澄によって788年に設立されました。 延暦寺には約3.000の寺院があり、1571年に織田信長によってほとんどの建物が破壊され、当時は大きな権力の中心でした。
生き残った部分の中で、今日は最澄（「西ホール」）が際立っており、金橋中堂がある東堂（「東ホール」）は、仏像が保管されている延暦寺の最も代表的な建造物です。 。最澄自身、薬師如来によって彫刻されました。
彫刻は以前に比べてわずかに減少しています。 繰り返しになりますが、仏陀（ニョイリン観音、京都の神護寺の薬師ニョライ、平等院のアミダニョライ）、および特定の新東の女神（吉祥天、幸福の女神、ラクシュミインドに相当）の表現。
仏教の過度の硬直性は芸術家の自発性を制限し、芸術家は彼の創造的自由を損なう堅固な芸術的規範に自分自身を制限します。 859年から877年にかけて、室生寺のシャカニョライのように、内省的で神秘的な空気を伴う、ほとんど威圧的な重力のイメージによって区別される、ジョガンスタイルが生み出されます。
藤原時代、定朝が平等院に創立した学校は、定朝の彫刻よりも優雅でほっそりしたスタイルで、完璧な体型と素晴らしい動きの感覚を表現して有名になりました。
寄木細工の工房では、寄木細工と割はぎの技法を紹介しました。寄木細工と割はぎの技法は、図をXNUMXつのブロックに分割し、それらを結合して彫刻することで、大きな図の主な問題のXNUMXつであるその後のひび割れを回避しました。 これらの技術はシリアルマウントも可能で、鎌倉時代の圭学派で大成功を収めて開発されました。
大和絵は、絵巻と呼ばれる手書きの巻物に特によく見られます。絵巻は、絵のシーンとエレガントなカタカナの書道を組み合わせたものです。 これらの巻物は、紫式部のXNUMX世紀後半の小説 『源氏物語』などの歴史的または文学的な一節を物語っています。
テキストは著名な書記の作品でしたが、画像は通常、日本の現代美術に非常に関連する女性の美学のサンプルを想定して、「木のつぼね」や「長門のつぼね」などの宮廷の娼婦によって実行されました。
この時、性別による絵画の分類が始まり、男性が中国の影響下にあった一般市民と、女性的でより美的なものが芸術的に日本人であるという認識できる区別が示されました。
おなえでは、源氏の歴史に加えて、平家から厳島神社に依頼された平家物語が際立っており、仏教によって宣言された魂の救いに関するさまざまな巻物に具現化されています。
一方、このおとこえは、信貴山縁起の巻物のように、僧侶ミョーレンの奇跡について、オナエよりも物語的でエネルギッシュで、アクションに溢れ、よりリアリズムと動きがありました。 XNUMX世紀のライバル氏族間の戦争についてのBanDanigonE-kotoba。 鳥獣戯画は、似顔絵のサインと風刺的なトーンの動物のシーンで、貴族を批判しています。
鎌倉時代（1185-1392）
藩の間で何度か論争が起こった後、源氏が課され、幕府が軍事法廷のある政府の一形態として設立されました。 この時、禅宗が日本に紹介され、比喩芸術に大きな影響を与えました。 アーキテクチャはよりシンプルで、より機能的で、豪華ではなく、華やかでした。
禅の支配はいわゆるカラヨ様式をもたらしました。本館は寺院ではなく読書室であり、名誉の場所は彫像で占められていませんでしたが、禅の礼拝所は中国の軸平面測定技術に従いました。仏、しかし修道院長が弟子たちに教えた小さな王位によって。
京都の三十三間堂（1266）、建仁寺（1202）、東福寺（1243）、建長寺（1253）、円覚寺（1282）の五大寺。 ）鎌倉で。
鎌倉大仏殿（1252）は、大きくて重い銅像で有名で、東大寺に次ぐ日本でXNUMX番目に大きな仏像です。
1234年、浄土宗の本拠地である知恩院が建てられ、日本最大の建造物である巨大な正門（三門）が特徴です。
この時代の最後の代表の1321つは、XNUMXつの主要な寺院で構成される弘安寺（XNUMX）でした。西祥安寺には、五栄堂とアミダ堂があり、茶館とXNUMXつのステージがあります。能楽堂。そのうちのXNUMXつは、現在も生きている最古のものであると主張しています。 そして、有名な渉成園の本拠地である東不要寺。
この彫刻は、XNUMX世紀の軍人である上杉重佐（匿名の芸術家による）のような貴族や兵士の肖像画からも明らかなように、芸術家の創造の自由度を高め、素晴らしいリアリズムを獲得しました。
禅師の作品は、無印良品（1312年、匿名の作者による）のような無印良品のような、王座に座っている禅師を表す多色の木で、彼らの主人の表現を中心に、瞑想の態度はリラックスしました。
平安時代の定朝学派の継承者である奈良の圭学院は、その作品の質にとって特に重要であり、彫刻家の運慶は、僧侶のムチャクとセッシン（奈良の興福寺）の彫像の著者でもありました。高さ8メートルの東大寺（1199）の入り口にあるXNUMX体の巨大な彫像など、金剛力士の像として。
宋王朝の中国の彫刻に影響を受けた運慶のスタイルは、描かれた個人の感情的な表現と内面の精神性を備えた最も詳細な人相学の研究を捉えながら、非常に現実的でした。
目元にもダーククリスタルを埋め込んで表現力を高めました。 運慶の作品は、日本の肖像画の始まりを示しました。 三十三間堂の観音千住の作者である息子の湛慶は、仕事を続けました。
この絵は、リアリズムの向上と心理的な内省が特徴でした。 成忍の城人による造園（那智の滝）と熟考中の肖像画の僧侶明恵。 藤原隆信による京都の神護寺からの肖像画のセット。 花園天皇の護神の肖像画は、主に開発されました。
大和絵モードは続き、画像は数メートルの長さの巻物で説明されました。 これらの写本は、日常生活の詳細、都市や田舎の風景、または皇室のライバル支部間の1159年の京都戦争などの歴史的出来事を示しています。
それらは、物語の順序に従って、高いパノラマで直線的に連続したシーンで提示されました。 平治物語絵巻（平治物語絵巻）の絵巻物や、成忍城人の華厳縁起巻物が目立ちます。
禅の組織に関連する絵画は、より直接的に中国の影響を受けており、「色が多すぎると目をくらませる」という禅の口述に従って、より単純な墨の線の技法が使われていました。
室町時代（1392-1573）
幕府は、土地を分割する大名の成長する力を支持する戦いをしている足利の手にあります。 建築はよりエレガントで典型的な日本式で、風格のある邸宅、瑞法寺などの僧院、相国寺（1382）、金閣寺または金閣寺（1397）、銀閣寺などの寺院が特徴です。 o京都のシルバーパビリオン（1489）。
金閣寺は、北山と呼ばれる彼の領地の一部として、将軍足利義満の休憩所として建てられました。 彼の息子はその建物を臨済宗の寺院に改築しました。 それはXNUMX階建ての建物で、最初のXNUMXつは純金箔で覆われています。 パビリオンは、仏陀の遺物を保護するシェリデンとして機能します。
また、さまざまな仏像や菩薩像があり、屋根には金色の鳳凰が立っています。 また、隣接する美しい庭園には鏡湖池と呼ばれる池があり、仏教の創造物語を表す多くの島や石があります。
金閣寺は、祖先の吉光が建てた金閣寺を真似ようとした将軍足利義政が建てたものですが、残念ながら計画通りに銀で覆うことができませんでした。
また、この時代の建築の特徴は、禅の美学に沿って、絵画や生け花を熟考するために予約された床の間の外観です。 また、稲わらでできた畳の一種である畳が導入され、日本家屋のインテリアがより快適になりました。
この時期、特にガーデニングの芸術が発展し、日本庭園の芸術的かつ美的基盤が築かれました。 XNUMXつの主要なモードが出現しました。XNUMXつは丘と湖の周りの月山です。 そして、石、木、井戸のあるすくい砂の平らな庭、ひらにわ。
最も一般的な植生は竹でできており、クロマツのような常緑樹やイロハモミジのような落葉樹など、さまざまな種類の花や木があり、シダや泡などの要素も評価されます。
盆栽は、ガーデニングとインテリアデザインのもうXNUMXつの典型的な要素です。 庭園には、湖や池、さまざまな種類のパビリオン（通常は茶道用）、石灯籠が含まれることがよくあります。 日本庭園の典型的な特徴のXNUMXつは、他の芸術と同様に、その不完全で未完成の非対称の外観です。
庭園にはさまざまな種類があります。小道や池の周りを歩いているのを見ることができる「ウォーキング」。 固定された場所、一般的にはパビリオンまたは町家タイプの小屋から見ることができる「リビングルーム」の。
Te（rōji）、茶室に通じる小道の周り、バクドシンのタイルまたは石が小道を示しています。 そして、禅僧院にあるプラットホームから見た最も典型的な禅庭園である「熟考」（枯山水、「山と水の風景」）。
その好例は、京都の龍安寺庭園の、画家で詩人の相亜美（1480）による、岩である島々に満ちた掻き集められた砂でできた海を表す、いわゆる水なしの風景です。 、現実と幻想を組み合わせ、落ち着きと反省を招く全体を形成します。
元王朝と明王朝の中国の影響を受けた禅の美学に囲まれた絵画の復活が注目され、主に装飾芸術に反映されました。
ガッシュ技法が導入されました。これは、禅の教義を完全に転写したものであり、それらが表すものではなく、それらが意味するものを風景に反映しようとします。
松、葦、蘭、竹などの自然の要素を作品に反映した、彼自身の作品、モノクロインクで中国の技術の学者や信者を簡潔かつ拡散した筆運びで作成した「知識人の僧侶」の姿が現れました、岩、木、鳥、そして自然に浸る人物、瞑想の姿勢。
日本では、この墨絵は墨絵と呼ばれていました。 禅のXNUMXつの美的原則に基づいて、墨絵は、自然との交わりの状態を表すために外見を超越するシンプルで控えめな線で、シンプルさと優雅さを通して最も激しい内面の感情を反映しようとしました。
スミエは内なる精神性を見つけるための手段（dō）であり、これは僧侶によって使用されました。 繊細で拡散したインクの特殊性により、アーティストは物事の本質をシンプルで自然な印象で捉えることができましたが、同時に深くて超越的でした。
それは、迅速な実行の本能的な芸術であり、レタッチすることは不可能であり、それを人生と結びつけるという事実であり、そこでは行われたことに戻ることは不可能です。 それぞれの道は活力（気）を運びます。なぜなら、それは創造の行為であり、心が行動に移され、プロセスが結果よりも重要だからです。
墨絵の最も重要な代表者は、無等周位、如拙、周文、雪村、そして何よりも、生前に絵を描いた最初の芸術家である、肖像画や風景画の作者である雪舟です。 雪舟は、1467年から1469年にかけて中国を訪れ、芸術と自然の景観を学んだ僧侶画家のガソでした。
彼の風景は直線的な構造で構成されており、超越的な瞬間の禅の概念を反映する突然の光に照らされています。 これらは、崖などの遠隔地に囲まれた、遠くにある神殿や小さな人物などの逸話的な要素が存在する風景です。
詩的な絵画の新しいジャンルである新宿も出現しました。新宿では、風景が自然にインスピレーションを得た詩を描いています。 また、狩野正信によって設立された狩野派は、伝統的な主題にガッシュ技法を適用し、神聖な、国の、そして風景のテーマを示しています。
ウォッシュは、日本のインテリアデザインの特徴である襖引き戸の塗装されたスクリーンとパネルにも適用されました。 陶磁器では、瀬戸派が際立っており、最も人気のある類型は天目茶碗です。 漆や金属のオブジェもこの時期の注目すべき例です。
安土桃山時代（1573〜1603）
この時までに、日本は再び織田信長、豊臣秀吉、そして大名を排除して権力を握った徳川家康によって統一されました。
彼の任務は、少数派にしか到達しなかったものの、ポルトガルにキリスト教を紹介したポルトガルの商人とイエズス会の宣教師の到着と一致しました。
今回の芸術作品は仏教の美学から離れ、日本の伝統的な価値観を強調し、爆発的なスタイルで表現されました。 1592年の韓国の侵略により、多くの韓国人芸術家が日本に強制的に移住させられました。彼らは他の人から隔離された陶器製造センターに住んでいました。
また、この時期に最初の西洋の影響を受け、南蛮様式に反映され、世俗的なテーマ、装飾的な磁器、大和絵様式で装飾された明るい色と金箔を備えたミニチュア主義の彫刻で開発されました。日本の海岸にヨーロッパ人が到着したことを物語るシーンで。
遠近法や、油絵の使用などのヨーロッパ絵画の他の変種は、日本では芸術の形に足がかりがありませんでした。
建築では、西洋起源の銃器の日本での導入によって強化された大城（シロ）の建設が際立っています。 姫路城、安土城、松本城、二条城、伏見桃山城などがその好例です。
当時の主要な建造物のXNUMXつである姫路城は、XNUMX階建ての木材と漆喰で、日本の伝統的な寺院のような緩やかに湾曲した屋根の形をした、巨大な要塞と垂直に見える構造の優雅さを兼ね備えています。
小さな別荘や宮殿、広い庭園からなる素朴な茶室も盛んになり、歌舞伎を上演する木造劇場が一部の都市に建設されました。
絵画の分野では、狩野派が公務の大部分を占めており、日本の主要な城の壁画を詳しく説明しています。狩野永徳や狩野山楽という重要人物がいました。
狭い防御口の照明が不十分な城では、動物などの英雄的なシーンで飾られた大きな壁画で、光を反射して部屋全体に拡散させる、金色の背景を持つ一種のパーティションが作成されました。 虎や龍、庭や池、橋のある風景など、四季折々のテーマでした。
長谷川等伯や海北友松の作品に見られるように、スクリーン印刷もまた、一般的に水墨画を使用して、墨絵のスタイルに従って著しく発展しました。 写本、屏風、扇子の巻物に描かれた、躍動感あふれる作品作家・俵屋宗達の姿も浮き彫りになりました。
彼は平安時代の琳派と呼ばれる和歌の台本に触発された叙情的で装飾的なスタイルを作成し、源氏の物語、ツタの道、雷と風の神など、視覚的な美しさと感情的な強さの素晴らしい作品を生み出しました、など。
陶磁器の製造は大ブームの瞬間を迎え、韓国の陶磁器に触発された茶道用の製品を開発しました。その素朴さと未完成の外観は、茶道に浸透する禅の美学を完全に反映しています。
ネズミプレートやコーガンウォータージャグなどの新しいデザインが登場しました。通常、白いボディが長石の層に浸され、鉄のフックで作られたシンプルなデザインで装飾されています。 それは、艶をかけられた外観を持ち、未完成の処理が施された厚いセラミックであり、不完全さと脆弱性の感覚を与えました。
瀬戸は主な生産者であり続け、美濃の町には志野と織部というXNUMXつの重要な学校が生まれました。 唐津学派とXNUMX種類のオリジナル陶器も注目されました。
伊賀は、ざらざらした質感と厚い釉薬の層があり、深い亀裂があります。 そして、赤褐色の素焼きの陶器であるBizenは、まだ柔らかく、ホイールから取り外されて小さな自然のひび割れや切り込みが生じ、Zenの不完全さの美学を維持しながら、もろい外観を与えました。
この時期の最高の芸術家の一人は、絵画、詩、園芸、漆器などに優れた本阿弥光悦でした。 平安時代の芸術の伝統と青蓮院の書道の訓練を受け、徳川家康から土地を寄贈され、京都近郊の鷹峯に職人の植民地を設立しました。
集落は日蓮仏教学校の職人によって維持されており、多くの高品質な作品を生み出してきました。 彼らは、金と真珠層の象眼細工で飾られた漆器、主にオフィスアクセサリー、そして茶道のためのさまざまな道具と食器を専門とし、フルボディの藤山丼を強調しました。 赤みがかった黒のパンティーで覆われ、その上に、降雪の効果を与える不透明な氷のような白。
江戸時代（1603-1868）
この芸術的な時代は、日本がすべての外部との接触を遮断された徳川の歴史的時代に対応しています。 首都は、将来の東京である江戸に設立されました。 クリスチャンは迫害され、ヨーロッパの商人は追放されました。
家臣の制度にもかかわらず、貿易と工芸品が急増し、権力と影響力が増したブルジョア階級を生み出し、芸術、特に版画、陶磁器、漆器、陶器の宣伝に専念しました。 テキスタイル。
最も代表的な作品は、1636年にユネスコの世界遺産に登録された「日光の社寺」の一部である京都の桂離宮と日光の東照宮（1999年）です。
神道仏教徒の連合のジャンルは、将軍徳川家康の霊廟です。 寺院は、目に見える表面全体を覆うカラフルなレリーフを備えた、厳密に対称的な構造です。 そのカラフルな構造と過負荷の装飾は、当時の寺院のスタイルとは異なり、際立っています。
インテリアは明るい色の詳細な漆の彫刻と見事に塗装されたパネルで飾られています。 桂離宮（1615-1662）は、禅に着想を得た非対称の計画に基づいて建てられました。外壁の直線の使用は、周囲の庭のしなやかさと対照的です。
皇室が休む場所であるという条件から、別荘は本館、いくつかの別館、茶室、70000メートルの公園で構成されていました。 XNUMX階しかない本殿は、角でXNUMXつの別館に分かれています。
建物全体が柱の上に建てられ、その上に壁とドアのある一連の部屋があり、狩野探幽の絵が描かれているという特徴があります。
また、この時代の特徴は、茶室（茶室）であり、一般的に茅葺き屋根の小さな木造の建物で、禅の概念に従って、地衣類、コケ、落ち葉が見られる、見かけ上放棄された状態の庭園に囲まれています。 超越的な不完全さの。
芸術的および知的発達の始まり
この間、日本は出島のオランダ商人から受け取った情報や本を通して、西洋の技術や科学の進歩（蘭学と呼ばれる）を徐々に研究しました。
最も研究された分野には、地理学、医学、自然科学、天文学、芸術、言語、電気的および機械的現象の研究などの物理的概念が含まれていました。 西洋の世界から完全に独立した傾向で、数学の大きな発展もありました。 この強い流れはわさんと呼ばれていました。
宋明理学の開花は、この時代の最大の知的発達でした。 儒教の研究は仏教の聖職者によって長い間活発に行われてきましたが、この時期にこの信念体系は人間と社会の概念に大きな注目を集めました。
倫理的ヒューマニズム、合理主義、儒教の歴史的展望は社会モデルと見なされていました。 XNUMX世紀半ばには、儒教が支配的な法哲学となり、国学という国家学習システムの発展に直接貢献しました。
将軍政権に対する彼の主な美徳は、階層的関係、服従に重点を置いたことでした。 頂点に。 服従は社会全体に広がり、封建制度の維持を促進します。
テキスタイルアートは、最高品質のレベルに達したシルクを中心に非常に重要になりました。そのため、明るい色と絶妙なデザインのシルクドレス（着物）が部屋に飾られることがよくありました。 それらがスクリーンであるかのように分離されました。
染色、刺繡、錦織、エンボス加工、アップリケ、手塗りなど、さまざまな技法が使用されてきました。 シルクは上流階級だけが利用できましたが、綿に身を包んだ人々はインドネシアの絣技法を使用して作られ、セクションで紡がれ、藍に染められて白になりました。
品質の低い別の技法は、さまざまな色の綿糸を織り、自家製の染料をバティックスタイルで米ペーストと調理および凝集した米ぬかを使用して適用することでした。
なお、XNUMX世紀の日本美術は西洋美術の影響を受けたのと同様に、日本美術の異国情緒や自然さにも影響を受けていました。 このようにして、いわゆるジャポニスムが西洋で生まれ、主にXNUMX世紀後半、特にフランスとイギリスで発展しました。
これは、日本の版画、磁器、漆、扇子、竹のオブジェからインスピレーションを得た、いわゆるジャポネリーで明らかになりました。これらは、家の装飾と、日本の文化のファンタジーと装飾主義を反映する多くの個人的な衣服の両方で流行しています。日本の美学。
絵画では、浮世絵学校のスタイルが熱狂的に受け入れられ、歌麿、広重、北斎の作品が高く評価されました。 西洋の芸術家は、日本画の単純化された空間構造、単純な輪郭、書道のスタイル、そして自然主義的な感性を模倣しました。
現代（1868年以降）
明治時代（1868-1912）に、日本では深い文化的、社会的、技術的ルネッサンスが始まり、それはより外の世界に開かれ、西洋でなされた新しい進歩を取り入れ始めました。 1868年の憲章は封建的特権と階級の違いを廃止しましたが、それは貧しいプロレタリア階級の改善にはつながりませんでした。
強力な帝国主義の膨張主義の時代が始まり、それが第二次世界大戦につながりました。 戦後、日本は民主化と経済発展の過程を経て、世界有数の経済大国の1912つとなり、工業生産と技術革新の中心地となりました。 明治時代には、大正（1926-1926）、昭和（1989-1989）、平成（XNUMX-）の時代が続きました。
1930年以来、中国と南アジアでの進歩的な軍事化と拡大、そしてその結果としての軍事予算に割り当てられた資源の増加は、芸術的後援の減少につながりました。 しかし、戦後の経済ブームと国の工業化によって達成された新たな繁栄により、文化的グローバリゼーションの過程により、芸術はすでに国際的な芸術運動に完全に没頭して生まれ変わりました。
同様に、経済的繁栄は、日本および国際的な芸術の普及と保存に役立つ多くの美術館や展示場を収集し、作成することを奨励しています。 宗教分野では、神道の明治時代に唯一の国教（神仏分離）として確立されたため、仏教寺院や芸術作品が放棄され、破壊されました。これは、アーネスト・フェノロサ教授の介入なしには取り返しのつかないものでした。哲学。 東京帝国大学から。
有力で後援者であるウィリアム・ビゲロウとともに、彼はボストン美術館とワシントンDCのフリーア美術館で仏教美術のコレクションを育んだ多数の作品を保存しました。世界。。
建築には二重の方向性があります。伝統的なもの（靖国神社、平安神宮、明治寺、東京）とヨーロッパの影響を受けた新しい技術を統合したもの（大和文華館、吉田磯八立、奈良）です。
西洋化により、銀行、工場、鉄道駅、公共の建物など、西洋の材料と技術で建てられた新しい建物が建設され、当初は英国のビクトリア朝の建築を模倣していました。 フランク・ロイド・ライト（帝国ホテル東京）など、外国人建築家も日本で働いています。
第二次世界大戦後、国を再建する必要があったため、建築と都市主義は大きな後押しを受けました。 その後、新世代の建築家が登場しました。
丹下健三が率いる、広島平和記念資料館、東京の聖マリア大聖堂、1964年東京オリンピックのオリンピックスタジアムなどの作品の著者。
タンゲの学生と信者は、「代謝」として理解される建築の概念を作成し、建物を機能的なニーズに適合させなければならない有機的な形態と見なしました。
1959年に設立された運動では、外部の変化に応じて変化する一連の建物を、まるで生物のように作成することを前提とした人口中心を作ることを考えました。
そのメンバーには、黒川紀章、渋谷晃、渡邊洋二、菊竹清訓が含まれていました。 もう一人の代表は前川国男で、丹下と一緒に、古い日本の美的アイデアを堅固な現代建築に取り入れました。
畳や柱の使用、日本の神殿の伝統的な建築要素、または彼の作品への庭園と彫刻の統合など、伝統的な技術と材料を再び使用します。 槇文彦が建物とその周辺の空間的関係を研究した真空技術を使うことを忘れないでください。
1980年代以降、ポストモダンアートは日本で確固たる地位を築いてきました。古くから、人気のある要素と洗練されたフォルムの融合が特徴的です。
このスタイルは、主に北九州市立美術館と京都コンサートホールの著者である磯崎新によって代表されました。 磯崎は丹下に師事し、彼の作品の中で、日本特有の空間的、機能的、装飾的なアイデアで西洋の概念を統合しました。
安藤忠雄は、外気への光と開放空間の貢献に大きな関心を持って、よりシンプルなスタイルを開発しました（水の教会、トマヌ、北海道、光の教会、茨木、大阪、美術館子供たち、姫路）。
坂茂は、紙やプラスチックなどの型にはまらない素材を使用しているのが特徴でした。1995年の兵庫県南部地震の後、多くの人々が家を失いました。伊東豊雄は、デジタル時代の都市の物理的イメージを探求しました。
彫刻には、抽象的な堀内正和と水井康雄（フランス在住）に加えて、キムチヨッシーとロモリーニ豊福の名前を強調した、伝統と前衛的な二重性もあります。 イサム・ノグチと流政之は、素材の粗さと光沢のコントラストを研究する作品で、彼らの国の豊かな彫刻の伝統をまとめました。
絵も伝統（日本画）と西洋（ヨガ）の20つの傾向をたどりましたが、両方が存在するにもかかわらず、富岡鉄斎の姿は19世紀の初めに残りました。 XNUMX世紀、美術評論家の岡倉天心と教育者のアーネスト・フェノロサによる。
日本の感性を表現する典型的な形を伝統芸術に求めていますが、このスタイルは、特にラファエル前派やロマン主義からも西洋の影響を受けています。 主に菱田春草、横山大観、下村観山、前田青邨、小林古径が代表を務めた。
ヨーロッパ風の絵画は、XNUMX世紀の終わりにヨーロッパで使用された技術とテーマによって初めて育まれました。これは、パリで数年間勉強した黒田清輝のように、主にアカデミックに関連していますが、その後も続けられました。西洋美術で発生したさまざまな流れ：
白馬会グループは印象派の影響を受けました。 抽象絵画は山口長男とムナイ正成が主人公でした。 比喩的な芸術家には、福田平八郎、徳岡神泉、東山魁夷が含まれていました。 アメリカの猪熊弦一郎やフランスの藤田嗣治など、国外に定住したアーティストもいます。
大正では、光とヨーロッパの視点の使用が増えると、XNUMXつの流れの違いは減少しましたが、日本画に最も影響を与えたヨガスタイル。
日本画がポスト印象派の革新を大いに採用したように、ヨガはさまざまな多様な芸術運動から生まれた折衷主義の傾向を示しました。
この段階で、日本美術院（日本美術院）が創設されました。 昭和の絵画は、日本画の伝統に純粋な芸術と抽象絵画の概念を導入した、安里宗太郎と梅原龍三郎の作品によって特徴づけられました。
1931年、前衛芸術を推進するために独立美術協会（独立美術協会）が設立されました。
第二次世界大戦の早い段階で、政府の法規制は愛国的なテーマを明確に強調していました。 戦後、アーティストは大都市、特に東京に再登場しました。
特にパリとニューヨークで国際的に生み出されたスタイルの革新に熱心に従った、都会的でコスモポリタンなアートの創造。 XNUMX年代の抽象的なスタイルの後、XNUMX年代は篠原有司雄の作品に示されているように、ポップアートが好むリアリズムに戻りました。
1970年代の終わりごろに何か面白いことが起こったのは驚くべきことであり、それは彼らがより大きな表現力と感情的な強さを見た伝統的な日本の芸術に戻ったということです。
版画の伝統は、川瀬巴水、吉田博、棟方志功など、できれば日本画風の芸術家によって描かれ、彫刻された「創作版画」（創作版画）のスタイルでXNUMX世紀まで続いた。
最新のトレンドの中で、具体グループはいわゆるアクションアートの中で評判が良く、皮肉を込めたアクションを通じて第二次世界大戦の経験を同一視し、緊張感と潜在的な攻撃性を高めました。
具体グループは、吉原治良、元永定正、嶋本昭三、白髪一雄で構成されていました。 ポストモダンアートに関連して、芸術表現の多文化主義によって特徴づけられる、グローバリゼーションの最近の現象に関与している何人かの芸術家。
戸谷成雄、森村泰昌。 その他の著名な現代日本人アーティストには、岡本太郎、木村忠太、池村レイコ、野田道子、森村泰昌、草間彌生、天野芳孝、福田繁雄、久保田成子、奈良義友71、村上隆などがいます。
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