L'enfasi è sul sentimento e l'emozione all'interno del Pittura del romanticismo. C'è molto spazio per l'intuizione e l'immaginazione dell'artista. Questo a volte si traduceva in straordinarie opere d'arte con un'atmosfera poetica venata di sentimentalismo.
pittura del romanticismo
Alla fine del XNUMX° e XNUMX° secolo, la cultura europea e, compresa quella americana, conobbe una nascita completamente diversa dal periodo del pensiero e della filosofia illuministi, la fase del Romanticismo. Infiltrandosi gradualmente dalla Germania nella cultura e nell'arte di Inghilterra, Francia, Russia e altri paesi europei, il Romanticismo ha arricchito il mondo dell'arte con nuovi colori, storie e l'audacia del nudo.
Caratteristiche generali del Romanticismo
Il romanticismo nasce come movimento letterario in Germania, Inghilterra e Francia. Alla fine del XNUMX° secolo (secolo della Ragione), la gente si stancava del pensiero razionalistico dell'Illuminismo e del classicismo accademico, in cui cercava costantemente di imitare i vecchi classici.
Nel Romanticismo, l'artista non era più un imitatore dell'arte classica, ma divenne lui stesso un creatore. Ha lavorato da un sentimento personale. L'arte divenne "l'espressione personale dell'emozione individuale". In questo atteggiamento nei confronti della vita nell'Ottocento, l'esperienza dell'individuo era il punto di partenza. Da una visione negativa del proprio tempo con l'industria, il razionalismo e il materialismo, il passato era visto in modo ideale.
Questo sentimento era considerato superiore al buon senso, perché il romantico viveva insoddisfatto della società: fuggiva dal qui e ora ad altre culture, al passato, nelle fiabe o nella natura. Con malinconia si desiderava tornare al medioevo, all'idea che la vita fosse ancora pura e autentica allora.
Nelle arti plastiche il culmine del romanticismo fu tra il 1820 e il 1850. In molti paesi europei vi fu un risveglio di interesse per i miti, le saghe, le fiabe e le leggende del proprio paese e per la letteratura che ne esalta il glorioso passato. In Inghilterra, Sir Walter Scott ha scritto più di trenta romanzi storici, uno dei quali era Ivanhoe. In Francia, Victor Hugo ha scritto Notre Dame de Paris, una storia medievale in cui Quasimodo, il gobbo, ha il ruolo principale.
C'erano le traduzioni di Mille e una notte, una serie di racconti orientali. I compositori si sono ispirati a canzoni popolari, ballate e leggende del passato. Franz Schubert compose non meno di seicento Lieder romantici. Ludwig van Beethoven scelse la natura come punto di partenza della sua Pastorale. Nel Romanticismo l'armonia era vista nella natura, le leggi naturali erano un esempio. Lo scrittore tedesco Goethe ha sviluppato un metodo di studio della natura basato sulla percezione.
Goethe è stato anche molto influente attraverso la sua teoria del colore, che ha preso i contrasti complementari, in particolare il blu e il giallo caldo, come punto di partenza. Il melodramma predominava nei balletti romantici e nel teatro. Più uno spettacolo teatrale, con costumi esagerati e set fantastici, più veniva apprezzato.
Molti artisti sono fuggiti con i loro temi nel passato o nel futuro, nell'esotismo, nella fantasia, nella natura "selvaggia" incontaminata o hanno nutrito un desiderio romantico per un amore impossibile. Gli artisti romantici a volte scappano letteralmente dalla realtà come desiderio di morte, come liberazione dalla sofferenza.
Tutti questi temi sono stati affrontati soggettivamente dall'artista, partendo dal presupposto che il sentimento o l'idea individuale evochi sentimenti e idee universali. L'artista era visto come un sommo sacerdote del superiore o soprannaturale, come un conoscitore del sublime. Con la sua immaginazione, solo l'artista ha saputo trasformare i sentimenti personali in arte, un'intensa esperienza di vita interiore.
Anche i precursori del romanticismo (Johann Heinrich Füssli e Francisco de Goya e gli scrittori del movimento letterario Sturm und Drang) si riferivano ai sentimenti come fonte di esperienza estetica, pur non escludendo l'orrore e il terrore, così come l'ammirazione e lo stupore. , e quindi il co-fondatore di “Black Romanticism”.
L'immaginazione individuale, il sublime e la bellezza della natura sono state discusse come nuove categorie estetiche. Nella seconda metà del diciannovesimo secolo, il realismo contrasta con il romanticismo.
Storia
Quando si parla di romanticismo si parla di un periodo storico dal 1815 al 1848 in cui l'intera società è presa da un vento che soffia già dalla fine del XNUMX° secolo e continuerà a soffiare nel secolo successivo e che sottolinea i nuovi valori sociali.
Certamente nello spirito del Settecento conteneva già gli elementi identificativi del Romanticismo, ma da quanto si ricava dagli scritti dell'epoca erano considerati valori negativi, tanto da essere individuati come sintomo di disturbi psichici riconducibili a "Il male del secolo" descritto rapidamente dal medico e filosofo francese La Mettrie (1709-51) in "De la folie".
Tra i grandi precursori del movimento romantico c'è Francisco de Goya, che, superando le diffuse idee neoclassiche, accentuò il gusto figurativo del Settecento per ottenere una nuova libertà espressiva tipica del romanticismo, da cui anticipò coraggiosamente i motivi fantastici più oscuri.
Il romanticismo, come fenomeno sociale, fu inizialmente teorizzato in Germania, ma ebbe effetti più ampi in Francia, dove le norme di comportamento sociale erano così forti che gli artisti romantici vivevano da soli, oppressi da un profondo senso di disagio e di colpa.
Nella pittura del romanticismo si fa riferimento a tendenze culturali e filosofiche, era rilevante in America e negli stati europei nel diciottesimo, diciannovesimo e ventesimo secolo. Il genere ebbe origine in Germania, si manifestò inizialmente in letteratura, poi passò alla pittura e si diffuse in Inghilterra, colpì Francia, Spagna e molti altri paesi in Europa e America.
L'era del romanticismo cade nel periodo storico compreso tra la Rivoluzione francese del 1789 e le rivoluzioni democratico-borghesi europee del 1848, una svolta nella vita dei popoli europei.
La rapida crescita del capitalismo minò le fondamenta del sistema feudale e ovunque le relazioni sociali, mantenute per secoli, iniziarono a crollare. Rivoluzioni e reazioni scossero l'Europa, la mappa fu ridisegnata. In queste condizioni contraddittorie avveniva il rinnovamento spirituale della società.
Il romanticismo si sviluppò originariamente (1790) nella filosofia e nella poesia in Germania, e successivamente (1820) si diffuse in Inghilterra, Francia e altri paesi. Il romanticismo pone alla base della percezione della vita il conflitto tra l'ideale e la realtà, i sentimenti elevati e la quotidianità.
Il genere della pittura del romanticismo si formò gradualmente, inizialmente apparve un ideale eroico romantico. Verso la fine del XIX secolo, la tendenza iniziò a manifestarsi. Principali obiettivi e dogmi: enfasi sulla spontaneità, fiducia nel meglio delle persone e ricerca della giustizia. Lo stile del romanticismo è caratterizzato dalla predominanza di temi mitologici, dall'idealizzazione dei tempi passati, dal rifiuto dei dogmi del passato e dalla visione razionale e dalle immagini liriche.
Ogni artista ha visto il genere del romanticismo nella pittura a modo suo, quindi il tema, lo stile e i dettagli sono significativamente diversi. Le particolarità della direzione hanno contribuito all'apertura di diverse scuole, tra le quali: la Norwich School of Landscape Painters, la Barbizon School, ecc. Allo stesso modo, lo stile aveva un certo valore nella manifestazione del simbolismo e dell'estetismo, e grazie al contributo degli artisti più influenti si formò il movimento preraffaellita.
Il romanticismo nelle arti visive era in gran parte basato sulle idee di filosofi e scrittori. Nella pittura, come in altre forme d'arte, i romantici erano attratti da tutto ciò che era insolito, sconosciuto, fossero paesi lontani con i loro costumi e costumi esotici (Delacroix), il mondo delle visioni mistiche (Blake, Frederick, Preraffaelliti), la magia , sogni (Runge) o subcoscienza delle profondità oscure (Goya, Füssli).
Il patrimonio artistico del passato divenne fonte di ispirazione per molti artisti: l'Antico Oriente, il Medioevo e il Proto-Rinascimento (Nazareno, Preraffaelliti). In contrasto con il classicismo, che esaltava il chiaro potere della ragione, i romantici cantavano sentimenti appassionati e tempestosi che catturavano l'intera persona.
I primi a rispondere alle nuove tendenze sono stati il ritratto e il paesaggio, che stanno diventando i generi preferiti della pittura del romanticismo.
Il fiorire del genere del ritratto fu associato all'interesse dei romantici per la brillante individualità umana, la bellezza e la ricchezza del loro mondo spirituale. La vita dello spirito umano prevale in un ritratto romantico sull'interesse per la bellezza fisica, nella plasticità sensuale dell'immagine. Un ritratto romantico (Delacroix, Gericault, Runge, Goya) rivela sempre l'unicità di ogni persona, trasmette dinamismo, intenso palpito della vita interiore, passione ribelle.
Ai romantici interessa anche la tragedia di un'anima spezzata: gli eroi delle opere sono spesso malati di mente. I romantici pensano che il paesaggio sia l'incarnazione dell'anima dell'universo; la natura, come l'anima umana, appare dinamica, in continuo mutamento.
I paesaggi ordinati e nobilitati caratteristici del classicismo furono sostituiti da immagini di natura spontanea, recalcitrante, potente, in continua evoluzione, corrispondenti alla confusione dei sentimenti degli eroi romantici.
Caratteristiche e tendenze
Per buona parte del XNUMX la corrente neoclassica dominò la pittura, ispirandosi principalmente a dettami di ordine, equilibrio, razionalità e chiarezza. Per i pittori dell'epoca acquisisce un'importanza fondamentale il soggetto rappresentato, che viene solitamente catalogato secondo criteri di rilevanza e generi sempre meno minori.
Tuttavia, nel pieno del periodo romantico, assistiamo allo stravolgimento di tutto ciò che ha condizionato i dettami artistici neoclassici a vantaggio di tendenze del tutto nuove. La pittura, infatti, diventa terreno fertile per l'irrazionale, per i sentimenti, per la passione, per l'energia, per l'assoluto e per il mistero.
In particolare il pittore smette di ricoprire un ruolo sociale prestabilito legato a determinati protocolli artistici e diventa un borghese semplice e comune come tanti che intendono fare della creatività e della fantasia la propria figura artistica.
Il pittore, cioè, comincia a puntare all'individualismo, all'espressione spontanea e libera del proprio genio creativo. In questa prospettiva, quindi, tutte le regole e le convenzioni sono assolutamente vietate in fase di creazione per dare libero sfogo alla soggettività del pittore.
Tuttavia, nell'era romantica, non cambiarono solo le regole pittoriche, ma anche lo scopo artistico. Se in pieno neoclassicismo, infatti, ogni opera è portavoce di uno scopo didattico, di uno scopo educativo, nel periodo romantico (come abbiamo sottolineato prima) l'opera d'arte è mera espressione dell'interiorità del pittore che non punta più all'imitazione della natura circostante ma alla rappresentazione del conflitto con la società, dell'io contro la natura fuori di sé.
Da questo punto di vista, il soggetto pittorico smette di svolgere un ruolo preponderante perché ciò che realmente trasmette il messaggio artistico diventa il modo prescelto di ritrarre. In Inghilterra, ad esempio, la pittura romantica era principalmente paesaggistica, ma mancava di dettagli nobilitanti.
Il paesaggio è rappresentato così come appare, senza fronzoli o convenzioni come nei dipinti di Constable o carico di dramma, con potente forza evocativa, come nelle opere di Turner, in cui sono compresi anche elementi di modernità, come il treno, la macchina, veloce ma inserita in contesti sfocati, dinamici, tesi.
In Germania, invece, la pittura volge lo sguardo verso obiettivi più filosofici e religiosi, come nei dipinti di Caspar David Friedrich, ad esempio, in cui il tema romantico si fa largo concentrandosi sull'angoscia dell'uomo, la solitudine, il malinconia espressa grazie all'uso di una natura nuda e simbolica.
In Francia, la pittura del romanticismo prende forza, si carica di violenza, lotta, tensione drammatica, tutti elementi sviluppati da Géricault nel dipinto "La zattera di Medusa", in cui viene messo in scena un naufragio in uno dei momenti più drammatici.
Lo spirito della pittura del romanticismo
Lo spirito romantico rifiuta la disciplina accademica a favore di un ritorno rigenerativo a qualcosa di più antico e libero, più personale ed esotico. La scoperta di Ercolano e Pompei nel XVII secolo aveva risvegliato negli artisti un sentimento di nostalgia per il passato che li aveva portati a riscoprire e riappropriarsi di nuove e antiche forme espressive.
L'ideale plastico mediterraneo, incarnato dall'eroe greco o romano, è stato gradualmente sostituito dal gusto per le civiltà nordica, germanica, inglese, scandinava e scozzese. La pittura è l'arte figurativa per eccellenza del Romanticismo e acquisisce sfaccettature molto diversificate a seconda del territorio in cui si è sviluppata.
sentimenti nazionalisti
La Rivoluzione francese, nata dall'Illuminismo, fu lo sfondo del Romanticismo. Nato dall'ideale illuminista, "libertà, uguaglianza e fratellanza" forniva anche una base per emozioni eroiche e sciovinistiche. Il romanticismo ha innescato sentimenti nazionalisti, in cui sono stati glorificati il paese, la lingua e la storia e le norme e i valori tradizionali.
Nel processo di formazione della nazione e dello stato nel XNUMX° secolo, il nazionalismo emerse anche come ideologia politica. Il contenuto delle opere d'arte ha paragonato questi sentimenti nazionalisti al passato mitologico storico o immaginario. Anche i punti salienti artistici di quel passato nazionale hanno ricevuto molta attenzione nei musei.
Sebbene i pittori romantici vadano spesso indietro nel tempo, Eugène Delacroix ritrasse la rivoluzione del 1830 quello stesso anno. I rivoluzionari sono guidati da Marianne, il simbolo nazionale della Francia.
Come allegoria della libertà, ha in mano la bandiera francese e un fucile. Delacroix non ha dato al dipinto uno strato di vernice, quindi le trame polverose e i vapori di polvere sono opachi sulla tela. La mancanza di uno strato lucido rende la performance più realistica.
Nonostante la lotta degli artisti per determinare da soli il contenuto del loro lavoro, persisteva anche una richiesta di lavoro in stile classico. Nonostante la Rivoluzione francese, i pittori accademici potevano ancora guadagnarsi da vivere dipingendo immagini mitologiche e religiose. Durante la Rivoluzione francese, le chiese soffrirono, ma in seguito quasi tutti i regimi francesi mantennero legami con la chiesa.
Né volevano ferire i sentimenti religiosi della maggioranza della popolazione. Pittori raffinati tradizionali e conservatori come Delaroche, Lourens Alma Tadema e Bouguereau hanno risposto alla richiesta di dipinti religiosi e mitologici nella tradizione accademica.
Luoghi esotici
Il diciannovesimo secolo fu il secolo dell'espansione. Ciò che all'inizio sembrava lontano si è avvicinato grazie al treno e ai piroscafi. Le mostre mondiali hanno presentato arte e industria dei continenti "stranieri". Il colonialismo portò in Europa i mondi esotici e "primitivi". L'orientalismo e l'esotismo nell'arte sono nati dal colonialismo e dalle fiere mondiali.
I dipinti accademici di Lawrence Alma-Tadema come "La morte del primogenito" erano affascinati dall'argomento esotico della rappresentazione. Alma-Tadema ha lavorato nello stile classico tradizionale, ma le sue esibizioni hanno alimentato l'immaginazione romantica ed esotica. Gli artisti fecero molti studi e schizzi durante i loro viaggi, precedentemente visti come studi preliminari insignificanti.
Nella pittura del Romanticismo, lo schizzo diventava un'espressione artistica spontanea, in cui era visibile la calligrafia personale dell'artista.
Lo spirito guerriero, che crebbe con le ambizioni imperiali di Napoleone, prevalse nella coscienza di molti artisti. Il movimento degli eserciti portava a scambi tra civiltà diverse, approfondendo la conoscenza reciproca, si apprezzavano gli stili caratteristici di ogni paese.
Le campagne napoleoniche in Medio Oriente suscitarono interesse nelle civiltà araba ed ebraica, e pittori come Gross e Auguste iniziarono a collezionare oggetti orientali, gioielli e tappeti, che passarono al linguaggio pittorico grazie a Ingres, Delacroix e Chassériau
Pittura romantica in diversi paesi
La profondità delle proprie esperienze e dei propri pensieri è ciò che i pittori trasmettono attraverso la loro immagine artistica, che è fatta di colore, composizione e accenti. Diversi paesi europei avevano le loro peculiarità nell'interpretazione della pittura del romanticismo. Tutto ciò è legato alla corrente filosofica, oltre che alla situazione socio-politica, alla quale l'arte era l'unica risposta viva. La pittura non ha fatto eccezione.
La pittura figurativa nel romanticismo acquisisce sfaccettature molto diversificate a seconda del territorio in cui si sviluppa. Tra i grandi precursori del movimento romantico c'era Francisco Goya in Spagna. In Francia e in Inghilterra è riemerso l'interesse per il recente passato nazionale, che ha favorito un cambiamento nel design dei decori e degli accessori, fino alla creazione dello “Stile Troubadour”.
Questo gusto nasce già nel 1770, favorito in Francia dalla serie di statue commissionate dal conte d'Angiviller, a commemorazione di illustri francesi. Le poesie di Milton e la riscoperta dei drammi di Shakespeare hanno svolto lo stesso ruolo nello stimolare un ritorno alle glorie passate.
Il romanticismo tedesco nella pittura
Sul territorio della Germania, lo stile si è manifestato prima, gli artisti si sono sforzati di idealizzare il passato: il Medioevo. Le opere erano spesso contemplative e passive, aderendo al romanticismo specializzato in paesaggi e ritratti. Tra gli altri, ha evidenziato Otto Runge, le sue tele combinano la tensione della vita interiore mantenendo la calma nelle manifestazioni esterne.
Runge disegnava scene di animali selvatici usando colori vividi, mentre erano spesso presenti creature ultraterrene. Ha studiato attivamente le informazioni sulla resa cromatica, ha scritto trattati su questo argomento, ha diviso lo spettro in parti ed è stato in grado di ottenere un grande successo nella trasmissione di colori e luce. Nelle sue fantastiche tele, è stato in grado di ottenere un senso dello spazio e dell'aria.
La pittura del pieno romanticismo del XIX e XX secolo si rifletteva nell'opera di Caspar David Friedrich, specializzato in opere in stile paesaggistico. Ha scelto le montagne del sud della Germania come tema principale della sua creatività. Il talento dell'artista gli ha permesso di trasmettere il fascino della zona, unito alla malinconica trasparenza della costa del mare. Dipingeva spesso paesaggi sotto una moderata luce lunare.
Il tema mitologico era vicino a molti artisti, in particolare si nota la predominanza del romanticismo nella pittura di Carstens.
Ha creato disegni che accompagnano vari libri, ha dipinto residenze reali. Già durante il suo lavoro a Roma, scrisse attivamente nella regia, combinandola spesso con il neoclassicismo. L'artista è riuscito a riflettere sentimenti nascosti, dramma. In molti modi, la direzione degli artisti locali nella pittura del romanticismo tedesco ha contribuito all'ulteriore diffusione dello stile, riflettendo più la percezione interiore che la vera essenza delle cose.
Un ramo è il genere del romanticismo in pittura chiamato Biedermeier, che si riflette nelle opere da camera, di solito scene di tutti i giorni. Lo stile era tipico della pittura del romanticismo tedesco e austriaco, nei disegni si privilegiava scene idilliache. Lo stile era rappresentato da Ludwig Richter, GF Kersting, Ferdinand Waldmüller e altri artisti.
Il romanticismo inglese nella pittura
In Inghilterra si distinguevano tre correnti artistiche: la corrente onirica visionaria, la corrente del sublime e la corrente pittoresca. I massimi esponenti di ciascuno di essi furono rispettivamente William Blake, William Turner e John Constable. Il poeta visionario William Blake traeva le sue opere pittoriche dalle immagini create dalla sua poesia, strettamente legate al cristianesimo.
John Constable è stato il primo a rinnovare con i suoi colori il sentimento gioioso e libero della natura, inaugurato nel secolo precedente da Jean Honorè Fragonard, ma abbandonato in epoca neoclassica, sublimandolo. Il sentimento della storia e il piacere di illustrare il pittoresco si sentono in Inghilterra, un esempio è l'opera Blizzard, in cui William Turner rappresenta Annibale con i suoi soldati che attraversano le Alpi.
Mentre Thomas Gainsborough ha avuto il tempo di scoprire la misteriosa magia dei colori con i loro tocchi quasi schematici, fluidi, indeterminati rispetto all'accademismo e l'uso di un personale mix fluido e brillante.
Sul territorio dell'Inghilterra, anche lo stile ha messo perfettamente radici, la pittura del romanticismo inglese è più evidente nelle opere di Johann Heinrich Füssli. Prediligeva la grafica e la pittura, mantenendo il romanticismo nelle sue fondamenta. Riuscì a combinare l'idealizzazione dell'immagine nella forma classica con trame fantastiche.
L'artista ha mostrato le paure umane, inclusa la paura degli spiriti maligni che presumibilmente strangolano le persone nel sonno. Sebbene l'artista sia nato in Svizzera, ha trascorso gran parte della sua vita in Inghilterra.
Grazie alla sua visione del romanticismo in Inghilterra, il dipinto acquisì un carattere mistico. Visioni fantastiche e incubi caratteristici di milioni di persone che ci guardano dalle tele. Per molto tempo la questione è rimasta inespressa e grazie a Füssli hanno potuto dibattere a livello pubblico. Ha combinato fiabe, folklore e allucinazioni.
Inoltre, l'essenza del romanticismo nella pittura europea è stata rivelata da William Turner, diventato famoso per la trasmissione della luce all'aria e il riflesso delle ombre. Una caratteristica è una fantasmagoria, ha mostrato uragani, tempeste, disastri. A poco a poco, le sfumature scure sono scomparse dalle opere dell'artista e il posto principale in esse è stato assegnato all'illuminazione e all'aria. Rifletteva il movimento, le sfumature e l'illuminazione speciale.
Un noto rappresentante della pittura del romanticismo europeo era William Blake, alcune delle sue opere furono influenzate dallo studio approfondito della Bibbia, ma l'arte attirò l'artista fin dall'infanzia. Ha lavorato a tempera e acquarello, sostenendo che le visioni gli vengono. Vedendo cose incredibili, rifletteva la sua essenza nelle sue opere, credendo che tutti gli artisti lavorassero in questo modo.
William Blake ebbe successo solo negli ultimi dieci anni della sua vita, quando trovò persone che la pensavano allo stesso modo e iniziò a vendere le sue opere con profitto. L'arte è dominata da immagini femminili, divinità, vari animali e soggetti non standard.
John Constable aveva uno stile di pittura in rilievo, formava la trama con tratti spessi, spesso evitando i dettagli. Dipinse ritratti per il suo sostentamento e considerava la pittura di paesaggio la sua vocazione, imparando la bellezza della natura e le leggi del colore prima di rendere popolare la direzione tra gli impressionisti.
L'artista preferiva dipingere le bellezze inglesi, formando molti schizzi per ottenere ancora più composizione. Spesso gli schizzi avevano un'espressione e un'energia speciali, ma alla fine non si riflettevano nel lavoro finito.
Molto spesso lo scenario era dipinto con un pregiudizio mistico. Sebbene l'essenza dell'opera sia trasmessa nello stile del romanticismo, ha cercato di mostrare effetti atmosferici, tra cui è stato in grado di disegnare l'elevata umidità, il movimento dell'ambiente. Tra l'altro, sono state utilizzate linee spezzate, tocchi con un pennello con vernice leggera per dare l'effetto di luminosità.
Constable ha mostrato la furia degli elementi, spesso rappresentati con arcobaleni, splendidi edifici, comprese le cattedrali. Sapeva aggiungere dettagli in modo tale da ottenere una serie speciale di sfumature, formare leggerezza e attirare l'attenzione sulle tele.
Il romanticismo francese nella pittura
In Francia, il romanticismo nella pittura si è sviluppato secondo principi diversi. Vita sociale tempestosa e sconvolgimenti rivoluzionari si manifestano nella pittura per la gravitazione dei pittori di rappresentare soggetti allucinatori e storici, anche con eccitazione nervosa e pathos, raggiunti da abbaglianti contrasti cromatici, un po' di caos, espressione di movimenti. , oltre a composizioni spontanee.
I primi segni di un cambiamento di stile si possono vedere in Francia durante il 1810. Durante il regno di Napoleone, Jacques-Louis David diede forma alla pittura accademica con ritratti di stato e dipinti storici.
La pittura storica che ora inizia mostra composizioni idealizzate, per lo più di piccolo formato, del Medioevo e del Rinascimento, denominate stile trobadorico. Il contenuto è solitamente intimo e aneddotico, ma ci sono anche scene molto drammatiche.
Vengono ricostruite le vite di artisti venerati come Raffaello o Leonardo da Vinci, così come quelle di sovrani o personaggi di fantasia. Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Ingres, Richard Parkes Bonington, Paul Delaroche sono i più importanti artisti della pittura romantica in Francia.
L'importante autore francese, Victor Hugo, si dedicò al disegno scrivendo, letteralmente "tra due versi". I suoi cupi paesaggi in seppia (inchiostro marrone scuro) e inchiostro nero riflettono l'atmosfera dei suoi romanzi senza riferirsi ad essi in termini di motivo. Il romantico si trova principalmente nei temi: castelli gotici, rovine in decomposizione, natura selvaggia, mare ruggente con navi, ecc. André Bretón apprezzava già il lavoro di Hugo con l'inaspettato, la sua ricerca del misterioso.
William Bouguereau inizialmente scelse temi mitologici e pezzi di genere, in seguito principalmente temi religiosi. Aveva uno stile virtuoso che riusciva a riprodurre magnificamente la sensualità della pelle e delle trame. Sebbene il suo stile sia molto accademico, con le forme e le linee chiare e i colori del neoclassicismo, molte raffigurazioni sono in linea con il sentimento della pittura del romanticismo.
Il suo lavoro illustra anche la fuga dalla realtà, l'evasione dal XIX secolo. Il misticismo, la contemplazione e il dramma nel suo lavoro di raffigurazioni di santi e figure mitologiche hanno attratto molte persone, comprese le signore e i signori ritratti dai preraffaelliti in risposta ai rapidi cambiamenti nella società. Anche pittori come Dante Gabriel Rossetti non hanno voluto annunciare una rivoluzione pittorica.
Per i francesi romanticismo significa anche il senso della vita moderna e lo sforzo di comprendere e illustrare oggi. Il classicismo viene così abbandonato, Eugene Delacroix è il leader della pittura romantica francese: il suo famoso dipinto "Liberty Leading the People" è considerato la prima parte di natura politica nella storia dell'arte moderna.
lo stile trovatore
Lo stile può essere considerato un aspetto del Romanticismo, una versione pittorica delle poesie e dei romanzi di Walter Scott, ed è stato descritto come uno "stile nello stile". Popolare soprattutto in Francia, i pittori di questa corrente rappresentano scene ispirate al medioevo e al rinascimento, con abiti colorati, amori e gesta cavalleresche.
I dipinti in stile trovatore sono generalmente di piccole dimensioni, con un'enfasi sui dettagli. Molti artisti importanti si sono confrontati con questo stile, ad esempio Jean-Auguste-Dominique Ingres ne La morte di Leonardo da Vinci (1818, Petit Palais, Parigi).
Artisti della pittura romantica
Il romanticismo si esprimeva pienamente nella pittura. Viste a livello internazionale, alcune icone pittoriche tipiche dell'"età romantica" 1790-1850 furono: il pittore tedesco Caspar David Friedrich, l'inglese John Constable e il pittore francese Eugène Delacroix. Le loro differenze tra loro mostrano quanto fosse davvero diverso il movimento del Romanticismo.
Eugenio Delacroix 1798–1863
Delacroix ha lasciato un vasto corpus di lavori, ha realizzato centinaia di dipinti, acquerelli, murales, disegni, litografie e incisioni. In tal modo, ha spesso scelto rappresentazioni con un contenuto emotivo o drammatico, raffiguranti eventi storici, mitologici e letterari. È riuscito a drammatizzare le sue esibizioni con forti contrasti chiaro-scuro. A differenza dei pittori accademici del neoclassicismo, Delacroix si è concentrato non su forme e linee "cool", ma sul colore e sull'atmosfera.
Sebbene le composizioni di Delacroix siano studiate in dettaglio, l'effetto del colore era importante per lui, ne discusse con Constable e Turner. Nei suoi viaggi in Marocco, tra gli altri, realizza numerosi schizzi e acquerelli.
Delacroix ha anche scelto temi esotici, principalmente ispirati dai suoi viaggi in Nord Africa. Nel 1824 fece scalpore con il suo dipinto alto quattro metri Il massacro di Chios. Il sottotitolo era: Scena di un omicidio di massa a Chios; Famiglie greche in attesa di morte o schiavitù.
In esso ha ritratto un orribile massacro avvenuto sull'isola di Chios due anni prima. Inoltre, cinquantamila greci furono uccisi dai turchi ottomani e altrettanti furono presi come schiavi. Delacroix, che conosceva bene la Zattera della Medusa di Géricault perché ne era stato un modello, costruì allo stesso modo la composizione con figure impilate in triangoli. Grazie a questo dipinto, Delacroix fu presto considerato il pittore più importante dell'era romantica.
Nel 1827 Delacroix espose il pezzo storico La morte di Sardanapalo, la storia di un antico monarca assiro. Dopo che il suo palazzo fu assediato, si dice che questo sultano abbia ucciso il suo harem e i suoi cavalli e bruciato i loro averi prima di suicidarsi. Il dipinto raffigura le drammatiche esecuzioni di coloro che non berrebbero veleno, con un profondo contrasto complementare tra il rosso caldo e le ombre scure da cui già si alza il fumo.
Théodore Gericault 1791–1824
Anche a Géricault la linea e la forma austere, così caratteristiche dei neoclassici, svaniscono. Ha affrontato le questioni della vita attraverso temi storici, ma ha anche guardato alla realtà quotidiana. La tela più famosa di Géricault, La zattera della Medusa, è basata su una storia vera.
Géricault ha messo in evidenza il momento più drammatico in questo: nel momento in cui la zattera sta per affondare e quasi tutte le persone a bordo della Medusa sono morte, alcuni scoprono una nave all'orizzonte. Quella è la nave che ha salvato questi sopravvissuti.
Francisco Goya 1746–1828
Come pittore di corte, Goya dipinse ritratti della famiglia reale spagnola. Goya aveva vissuto molta povertà nella sua giovinezza, e per l'osservatore attento si può vedere da questi ritratti che nutriva ancora sospetti dell'aristocrazia. Ha anche mostrato la paura della guerra, dell'oppressione e della violenza in incisioni e dipinti con raffigurazioni raccapriccianti.
Il popolo spagnolo si ribellò dopo il 1808 alle truppe francesi di Napoleone, che durante l'occupazione commisero terribili atrocità. Ne seguì un violento caos in Spagna. Questi terribili eventi determinarono il lavoro di Goya fino al 1815. L'opera più famosa di questo periodo è il 3 maggio 1808, che mostra l'esecuzione di civili.
Goya ha anche interpretato in modo appropriato la disperazione nella serie di dipinti neri. Negli ultimi anni della sua vita, la fantasia ha giocato un ruolo importante, le sue immagini dark fantasy rappresentano il lato depravato dell'uomo. Goya occupa un posto speciale, come cortigiano e ritrattista ha dovuto adattarsi un po' all'élite, ma ha anche lasciato a verbale la sua avversione per il comportamento dell'uomo. L'opera di Goya, dunque, si lega al tardo barocco, ma annuncia anche la pittura del romanticismo.
Dante Gabriele Rossetti 1828-1882
Nel 1848, diversi artisti inglesi fondarono la Confraternita dei Preraffaelliti. Uno degli artisti di questo gruppo era Dante Gabriel Rossetti. Volevano tornare alla natura e prendere le distanze dall'arte accademica. La prima pittura italiana prima di Raffaello (pre-Raffaello) fu l'ispirazione per la sua pittura. Pensa a pittori come Botticelli, Tiziano e Giorgione.
L'obiettivo dei preraffaelliti era creare un mondo migliore fermando la meccanizzazione in corso che stava travolgendo l'Inghilterra vittoriana. Gli elementi religiosi e sociali hanno svolto un ruolo importante nel suo lavoro.
Caspar David Friedrich 1774-1840
Caspar David Friedrich è stato, in pittura, il più importante interprete dello spirito romantico tedesco. Nelle sue opere il pittore esprime la solitudine, la malinconia, l'angoscia dell'uomo di fronte a una natura arcana e simbolica, che non svela il segreto della morte. La natura è rappresentata da Friedrich in tutta la sua infinità, quasi a esprimere il sentimento di impotenza dell'uomo, essere finito, di fronte alla natura, manifestazione infinita.
L'aggettivo spesso usato per spiegare il romanticismo tedesco risiede nel termine Sehnsucht, che può essere tradotto come "desiderio del desiderio" o "male del desiderio", un sentimento di continua irrequietezza e di struggente tensione, un sentimento che affligge il soggetto e lo spinge a andare oltre i limiti della realtà terrena, opprimente e soffocante, per rifugiarsi dentro o in una dimensione che va oltre lo spazio-tempo.
Francesco Hayes 1791-1882
In Italia il massimo rappresentante della pittura romantica fu il veneziano Francesco Hayez, noto ritrattista e principale interprete della pittura storica in Italia. Il tema storico era per Hayez il mezzo per veicolare i fatti e le aspirazioni risorgimentali.
A differenza di Delacroix, che dipinse l'attualità politica nella sua terra natale, Hayez trasse i suoi temi da episodi della storia italiana passata (soprattutto medievale), a cui attribuì il valore delle metafore dei giorni nostri. La sua opera Il bacio è considerata il manifesto dell'arte romantica italiana.
Joseph MallordWilliam Turner 1775-1851
L'inglese Joseph Mallord William Turner è uno degli artisti più originali dei tempi moderni. Turner iniziò a colorare i punti e studiò alla Royal Academy di Londra a partire dal 1789. Inizialmente, era interessato alla pittura di paesaggi.
Durante i suoi viaggi in Inghilterra e Galles, realizza disegni e acquerelli di antichi castelli, cattedrali e paesaggi costieri. Ha creato i suoi primi dipinti ad olio nel 1796. Negli anni successivi ha creato paesaggi e marine, che spesso ha portato all'irreale con figure mitologiche e motivi drammatici.
I dipinti di paesaggio di Turner sono un preludio all'Impressionismo, all'Espressionismo e all'Informalismo. È considerato lo scopritore del paesaggio atmosferico, e quindi è stato il primo a creare la direzione nella pittura di paesaggio che non vuole rappresentare gli oggetti stessi, ma l'impressione che danno in determinate condizioni di illuminazione. Visto in questo modo, è il vero precursore degli impressionisti e circa due generazioni prima dei francesi.
I dipinti di Turner portano modi e timbri completamente nuovi alla pittura del diciannovesimo secolo. Ha dipinto i suoi paesaggi, le ore del giorno, le condizioni meteorologiche, le formazioni nuvolose con contorni dissolti e sfocati, con dettagli nitidi nel mezzo. Il suo dipinto del 1844 "Rain, Steam, Speed" è una delle prime raffigurazioni di una ferrovia: la macchina a vapore di ferro emerge da una nebbiosa nuvola di colore; la bruttezza e la magnificenza del mondo cambiato dall'industria sono attraenti.
Quadri emblematici del romanticismo
Per quanto riguarda il romanticismo, la pittura è senza dubbio uno dei modi migliori per comprendere l'anima di questo periodo storico intenso e contrastato. I motivi principali degli artisti in questo periodo erano il desiderio, l'amore e la solitudine, così come il terrificante, il subconscio, il fantastico e l'avventuroso, a cui noi umani non possiamo resistere. Le opere d'arte romantiche sono modellate dallo spirito dell'individualismo e spesso trasmettono uno stato d'animo malinconico, persino triste.
Il bacio di Francesco Hayez
(Pinacoteca di Brera -Milano) Non si può parlare dei più bei quadri romantici senza partire dal capolavoro italiano di Francesco Hayez, pittore italiano con una forte presenza a Milano, capace di coniugare racconti politici con scene di intensa bellezza. Non a caso questo dipinto è diventato il manifesto del romanticismo in Italia e lo stesso pittore lo ha proposto in tre diverse versioni.
Se a prima vista osserviamo i due innamorati impegnati in un bacio appassionato, capace di narrare l'ardore giovanile, in realtà i significati di fondo sono molto più profondi: unione nazionale, patriottismo, impegno politico e militare, tutti rappresentati allegoricamente in questo stupefacente dipinto.
La zattera della Medusa di Théodore Géricault
(Louvre -Parigi) Di grandi dimensioni, La zattera della Medusa di Théodore Géricault fu in origine motivo di scandalo e commozione reale. Il dipinto racconta un tragico evento realmente accaduto: il naufragio del 1816 che costò la vita a centinaia di soldati. Quell'evento sconvolse un'intera nazione quando centocinquanta persone salirono a bordo della zattera, ma solo quindici riuscirono a sopravvivere e ad essere salvate.
Il pittore, allora giovanissimo, raccontò la tragedia con un realismo per l'epoca sorprendente, studiandone direttamente dal vivo i corpi, compreso l'obitorio. Dai tempi del neoclassicismo, che ancora tanto caratterizza l'arte in Francia, si tuffò in un intenso romanticismo. Quindi, l'opera è stata compresa appieno solo negli anni, come spesso accade con i grandi artisti, ma, quando è uscita, l'emozione prevalente è stata il rifiuto.
Il viandante sopra il mare di nuvole di Caspar David Friedrich
(Hamburg Kunsthalle -Hamburg) Questo è il dipinto che incarna alcuni dei principali valori della pittura del romanticismo. La rappresentazione immortala un viaggiatore dietro e davanti a un mare in tempesta.
Quello che racconta questo meraviglioso dipinto non è una storia, come accade negli altri dipinti visti finora, ma uno stato emotivo: il concetto di infinito, il vagabondaggio e l'imperfezione dell'anima e dei suoi sentimenti. Il camminatore sopra il mare di nuvole è l'emblema del romanticismo tedesco, molto diverso da quello francese e italiano.
La Daredevil viene rimorchiata al suo ultimo ormeggio per la demolizione di William Turner
(National Gallery -Londra) Attraverso i suoi dipinti, William Turner è in grado di raccontare stati emotivi, sentimenti e concetti romantici come il sublime. Questo capolavoro racconta l'ultimo viaggio della nave inglese Temeraire, un tempo vittoriosa in battaglia: rimorchiata per essere distrutta, è raffigurata con la bandiera bianca alzata e alle spalle il tramonto, una rappresentazione capace di coniugare sentimenti contrastanti e significati politici.
Hay Wain di John Constable
(National Gallery -Londra) John Constable è un altro dei pittori più significativi del romanticismo inglese e, come Turner, si dedicò completamente anche alla rappresentazione dei paesaggi bucolici di Dedham Vale, vicino a dove nacque. Il suo grande capolavoro è Il carro di fieno, una grande tela, che all'epoca fece scandalo: la tecnica utilizzata, infatti, sembrava quasi impressionista per via delle piccole pennellate che compongono il paesaggio.
Una novità che a Londra sembrava irriverente e volutamente provocatoria, ma che era molto amata in Francia, anche da Géricault. La natura è stata sicuramente la protagonista di questo artista, ma di natura molto diversa da quella rappresentata da Friedrich.
La libertà che guida il popolo di Eugene Delacroix
(Louvre -Parigi) Rappresenta la libertà che porta al popolo unito, contro l'oppressore, un grande concetto di patriottismo. Qui la classe sociale non conta, Delacroix rappresenta diversi tipi di persone come si può vedere nell'abbigliamento ed è anche per questo che è sempre stato considerato un'icona dell'arte politica. Uno dei primi esempi del genere e sicuramente uno dei dipinti più amati della storia.
I figli di Huelsenbeck di Philipp Otto Runge
(Kunsthalle -Amburgo) Questo artista appartiene al romanticismo tedesco e si distingue per le rappresentazioni di bambini, che gli valse il soprannome di pittore di fiabe. Fa parte del romanticismo per i suoi significati allegorici, come nel dipinto scelto tra i suoi più belli: I bambini di Hülsenbeck.
Il dipinto, che rappresenta in primo piano il ritratto dei figli di un amico accanto ai girasoli e presenta una perfetta composizione cromatica, esprime il significato allegorico dell'infanzia, dell'innocenza e dell'età perduta, che il romanticismo guarda con malinconia.
Didone costruisce Cartagine di William Turner
Una delle prerogative del romanticismo artistico era guardare al passato, spesso anelando a tempi lontani e provando una profonda nostalgia. In Dido costruisce Carthage, Turner rappresenta bene questo concetto.
Estimatore dei primi artisti Nicolas Poussin e Charles Lorraine, come loro il pittore inglese utilizza elementi antichi, a cominciare dal tema dell'opera stessa, tratto dall'Eneide di Virgilio. Ma a catturare lo spettatore c'è l'aspetto naturalistico e le sensazioni che questa natura trasmette. Una natura serena e maestosa che domina.
Il naufragio della speranza di Caspar David Friedrich
Il tema del naufragio ritorna ancora in Friedrich, ma questa volta in un mare di ghiaccio. Ciò che maggiormente caratterizza la pittura dell'artista tedesco è l'evocazione di forti sentimenti attraverso immagini di paesaggi e natura che simbolicamente hanno altri significati.
Il naufragio, infatti, rappresenta il continuo pellegrinaggio dell'uomo ed evoca la sua estrema fragilità, la fragilità umana. L'uomo, pur essendo alla continua ricerca, è in balia degli eventi e non può far nulla contro di essi.
Cattedrale di Chartres di Jean Baptiste Camille Corot
Paesaggista prima di tutto, Camille Corot è uno degli artisti romantici per la sua attenzione alla natura e il rapporto che coltiva con l'uomo, come si può vedere in questo bellissimo dipinto: la Cattedrale di Chartres. Il dipinto rappresenta la presenza dell'uomo in un contesto naturale fatto di alberi, nuvole e prati. La presenza umana è avvertita dalle figure in primo piano in una creazione pittorica che cerca di dare uguale importanza a tutti i diversi elementi rappresentati.
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