In diesem Artikel geben wir Ihnen Informationen über die renommiertesten surreale Gemälde die einen Meilenstein in der Kunstgeschichte des XNUMX. Jahrhunderts markiert haben, da viele Künstler ein Muster in der surrealistischen Bewegung gesetzt haben, indem sie Werke geschaffen haben, die die Aufmerksamkeit der Betrachter auf sich gezogen haben. Lesen Sie weiter und finden Sie alles heraus!
Surreale Gemälde
Aktuell gibt es surrealistische Gemälde, die aus den Anfängen der Bewegung von Künstlern hervorgegangen sind, die nach dem Höhepunkt des Ersten Weltkriegs und dem Beginn der bekannten Dada-Kulturbewegung ihre Kulturtechnik auf dem europäischen Kontinent entwickelten. Dass ihr Hauptmerkmal darin bestand, sich dem Denken der Vernunft zu widersetzen, das den Positivismus begründet hatte.
Obwohl die surrealistische Bewegung genau am 15. Oktober des Jahres 1924 geboren wurde, wurde sie als eine kulturelle, künstlerische und literarische Bewegung definiert, die die Realität überwinden und sich auf irrationales Denken und das Traumhafte konzentrieren will, durch die verschiedenen Ausdrücke, die das Unterbewusstsein automatisch dachte.
Wenn etwas eine Konnotation hat, die jeder Logik entbehrt und bis zur Absurdität irrational ist, wird es als surrealistisch bezeichnet und bezieht sich auf die bekannte surrealistische Bewegung, die dank des Schriftstellers André Breton in Frankreich geboren wurde von der Psychoanalyse inspiriert. Zu den herausragenden Künstlern der surrealistischen Bewegung gehörten Salvador Dalí, Man Ray, Joan Miró und René Magritte.
Auf diese Weise sind die surrealen Gemälde voll von sehr unerwarteten Elementen und Gegenüberstellungen. Daher werden die Künstler und Schriftsteller, die der surrealistischen Bewegung angehören, die surrealistischen Gemälde als philosophischen Ausdruck beschreiben. Aber gleichzeitig waren die surrealistischen Gemälde sehr revolutionär und wurden mit verschiedenen Bewegungen wie Anarchismus und Kommunismus in Verbindung gebracht.
Wenn der Schriftsteller und Dichter André Breton das bekannte surrealistische Manifest in der Stadt Paris veröffentlicht. Dann wird diese emblematische Stadt zum Hauptquartier der surrealistischen Bewegung und breitet sich über den gesamten europäischen Kontinent aus. Dort wurden die ersten realistischen Gemälde ausgestellt, die die Aufmerksamkeit der Massen und Kunstkritiker auf sich zogen.
Wichtigste realistische Gemälde
Eine der bekanntesten Bewegungen zu sein, die bei mehreren Künstlern präsent war, weil sie ihre realistischen Gemälde auf Fantasie, Vorstellungskraft und Beschwörungen der Traumwelt basieren.
Abgesehen davon, dass viele Künstler ihre Kunstwerke auf Improvisation gründeten, werden wir in diesem Artikel eine Reihe realistischer Gemälde beschreiben, die als einige der besten Werke der surrealistischen Bewegung in die Kunstgeschichte eingegangen sind, darunter folgendes fällt auf:
Die Beständigkeit der Erinnerung, Salvador Dalí
Eines der realistischen Gemälde, das die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit am meisten auf sich gezogen hat, ist das als "Die Beständigkeit der Erinnerung" bekannte Werk des Malers Salvador Dalí aus dem Jahr 1931, das in der Galerie Pierre Colle in Paris, Frankreich, ausgestellt wurde. Im Jahr darauf wurde die Arbeit in den Vereinigten Staaten in New York City in der Julien Levy Gallery gezeigt.
Salvador Dalís Werk befindet sich derzeit im Museum of Modern Art in New York (MoMA), das 1934 in dieses Museum kam. Es ist eines der kleinsten surrealistischen Gemälde, das es gibt, da es 24 cm hoch und 33 cm breit ist. Die Landschaft, die das Werk darstellt, ist sehr einfach und beobachtet ein Meer und eine Felsformation.
Es ist eines der realistischen Gemälde, in denen mehrere Uhren zu schmelzen scheinen und die Relativität der Zeit betonen. Die bekannte Theorie von Albert Einstein, die zuvor der surrealistische Maler Salvador Dalí studiert hatte.
Die Elefanten, Salvador Dali
Es sollte beachtet werden, dass die surrealistischen Gemälde von Salvador Dalí ein Thema hatten, das sich jeden Moment wiederholte, nämlich das Malen von Elefanten. Aus diesem Grund beendete er im Jahr 1944 sein Werk, das als "Die Elefanten" bekannt ist und eines der realistischen Gemälde ist, das eine große Bedeutung hat, da es Stärke, Macht und Dominanz darstellt.
Obwohl der Maler Salvador Dalí ein Statement von diesen Tieren abgibt, indem er fast unsichtbare Insektenbeine der Begierde platziert. Während die von den Tieren getragenen Obelisken Wissen und Stärke darstellen. Sie wurden in einer Skulptur in Rom von dem Italiener Gian Lorenzo Bernini dargestellt.
Das Werk befindet sich derzeit im Salvador-Dalí-Museum und ist in Öl auf einer Leinwand ausgeführt, obwohl es einen surrealistischen Stil hat, wird das Werk als Landschaft identifiziert, die eine phantasmagorische Atmosphäre mit den folgenden Maßen entwickelt: 49 cm hoch und 60 cm breit.
Der große Masturbator, Salvador Dalí
Es ist eines der berühmtesten realistischen Gemälde, die es für das Thema gibt, mit dem es sich befasst, da es sich um ein Werk des in Spanien geborenen Malers Salvador Dalí handelt, das 1929 fertiggestellt wurde. Dieses Werk wurde in Öltechnik auf einer Leinwand aus Stoff ausgeführt hat die folgenden Maße 110 cm hoch und 150 cm breit. Die Arbeit bleibt im Museum Reina Sofía in Madrid in Spanien ausgestellt.
Es ist eines der surrealen Gemälde, dass Sie viele Theorien der Psychoanalyse und des Unbewussten haben. In dieser Arbeit wird der Maler viele Symbole freilegen, die er wiederholt verwendet, um eine komplexe sexuelle Szene auszudrücken, in der Ameisen, ein Hummer und eine sehr ruhige Meereslandschaft hervorstechen. Zu dieser Zeit erlaubte die Arbeit, eine Tätigkeit aufzudecken, die als Tabu galt.
Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen (Vorahnung des Bürgerkriegs), von Salvador Dalí
Ein Werk aus dem Jahr 1936, das derzeit im Philadelphia Museum of Art in den Vereinigten Staaten aufbewahrt wird, das Gemälde hat die folgenden Maße: 100 cm hoch und 99 cm breit. Dieses Werk gehört zu den realistischen Gemälden, die die Schrecken des spanischen Bürgerkriegs demonstrieren.
Es sei darauf hingewiesen, dass es sich um eines der surrealistischen Gemälde handelt, bei dem die zu beobachtende Geschichte sehr aggressiv ist, da sie den Schrecken zeigt, der während des spanischen Bürgerkriegs erlitten wurde. Für diese Arbeit widmete sich der Maler sechs Monate und begann damit, bevor der Bürgerkrieg begann. Deshalb begann Salvador Dalí, eine Art mehrteilige amorphe Person oder ein Monster zu malen, das andere Teile seines Körpers erstickte.
Diese Figur wurde von einem Bein gebildet und von dort aus werden andere Extremitäten geboren, die versuchen, sich gegenseitig in Stücke zu reißen. Im oberen Teil des Gemäldes befindet sich ein lächelnder, aber von der Sonne geblendeter Kopf. Dieser Kopf ist mit Goyas berühmtem Gemälde Saturn verschlingt seine Kinder verwandt, weil es beim Betrachter Angst hervorruft.
Der Verrat des Bildes (Dies ist keine Pfeife), von René Magritte
Es handelt sich um ein Werk des Künstlers René Magritte aus dem Jahr 1929, das als Malerei der Konzeptkunst gilt. Aber es ist eines der surrealen Gemälde, bei denen der Künstler leugnen möchte, was vor den Augen des Betrachters offensichtlich ist. Da er ein Kunstwerk macht und eine Inschrift anbringt, die leugnet, was auf dem Gemälde beobachtet wird.
Es ist eine Arbeit, die gemacht wurde, um das Beobachtete einfach mit Worten zu leugnen und auf diese Weise beginnen, Sprache, Realität und Repräsentation in Frage zu stellen. Denn wenn man feststellt, dass es sich um eine Pfeife handelt, die aber nicht zum Rauchen verwendet wird, ist sie es einfach nicht. Deshalb offenbart der surrealistische Künstler René Magritte den Abgrund, der darin besteht, das Gesehene von der Realität zu trennen. Deshalb wurde über die Arbeit Folgendes gesagt:
„Die berühmte Pfeife. Wie man mir das vorwirft! Und doch, könntest du es ausfüllen? Nein, natürlich ist es eine bloße Darstellung. Wenn ich „Das ist eine Pfeife“ auf die Schachtel geschrieben hätte, hätte ich gelogen!“
Ebenso wird geschlussfolgert, dass sie in gewisser Weise auch eine Täuschung darstellen werden, sofern sie etwas darstellen wollen, da der Künstler in einem seiner Interviews Folgendes ausführte:
„Mein Ziel in der Malerei ist es, Gedanken sichtbar zu machen“
Diese Arbeit ist im renommierten Los Angeles County Museum of Art in den Vereinigten Staaten zu sehen. Der Originaltitel des Werkes lautet „Die Trahison der Bilder“ Die zum Malen der Arbeit verwendete Technik war Öl auf einer Leinwand mit den folgenden Maßen: 63 cm hoch und 93 cm breit.
Die philosophische Lampe, von René Magritte
Ein weiteres Gemälde des surrealistischen Malers René Magritte, das 1936 fertiggestellt wurde, ist eines der surrealistischen Gemälde, bei denen eine sehr enge Beziehung zwischen Vorstellungskraft und Lebensphilosophie besteht, da der Maler behauptet, dass die Person im Gemälde zwischen ihren Lastern und ihren Gedanken eingeschlossen ist.
Das andere wichtige Element im Gemälde "Die philosophische Lampe" ist, dass die Kerze in etwas Schlaffes verwandelt wird. Dieses Werk befindet sich derzeit in einer Privatsammlung, für die der Künstler Folgendes zu diesem Werk angab:
"Die Meditationen des Philosophen und Abgelenkten können uns an eine in sich geschlossene geistige Welt denken lassen, da hier ein Raucher ein Gefangener seiner eigenen Pfeife ist."
Menschensohn, von René Magritte
Das Werk „Son of Man“ ist laut Kunstkritikern eines der bekanntesten surrealistischen Gemälde des Künstlers René Magritte, da er es als Selbstporträt malte. Auf diesem Gemälde sehen Sie eine Person mittleren Alters in einem Mantel mit roter Krawatte und einer eleganten Melone. Die Person steht und im Hintergrund sieht man ein wunderschönes Meer und einen bewölkten Himmel.
Was an der Arbeit jedoch auffällt, ist, dass es sich um ein Selbstporträt des Künstlers handelt. Aber sein Gesicht wird von einem grünen Apfel verdeckt, der nur einen kleinen Teil seiner Augen enthüllt. Es ist auch eines der surrealistischen Gemälde, die zu unzähligen Parodien gemacht wurden, für die es großen Ruhm erlangt hat.
Das Gemälde befindet sich derzeit im Besitz einer Privatsammlung. Der Künstler schuf es 1964 in Leinwandtechnik und die Maße des Gemäldes sind die folgenden: 116 cm hoch und 89 cm breit.
The Observatory Hour – The Lovers, von Man Ray
Als einer der Künstler, die in der Dada-Bewegung begannen und sich dann in die surrealistische Kunst wagten, erlangen seine Werke einen großen Wert, da er seinem Publikum seine unterschiedlichen Sichtweisen auf die Realität zeigen möchte. Deshalb beendete er im Jahr 1934 sein berühmtes Werk „Die Liebenden“, das auch als „Die Stunde der Sternwarte“ bekannt ist.
In den verschiedenen realistischen Gemälden von Man Ray sticht dieses Werk mit all seinen erotischen Elementen hervor. Sie besitzen auch viele Eigenschaften, die in der Freudschen Psychoanalyse beschrieben werden. Deshalb ist diese in Öl auf Leinwand ausgeführte Arbeit in der Landschaft des Observatoriums der Stadt Luxemburg zu sehen, und im Himmel gibt es Lippen, die diesen ewigen Liebhaber darstellen.
Derzeit befindet sich das Werk in einer Privatsammlung, da sein Käufer bei einer Auktion in New Yorker Galerien etwa 750 US-Dollar für das Werk bezahlt hat. Als eines der teuersten surrealistischen Gemälde seit Salvador Dalís vorherigem surrealistischem Gemälde ist es dreimal weniger.
Shakespeare-Gleichung, Twelfth Night, von Man Ray
Im Jahr 1948 schuf der surrealistische Künstler Man Ray ein Gemälde, das von den Stücken von Williams Shakespeare inspiriert war, insbesondere in dem bekannten Werk (Twelfth Night) The Twelfth Night, das auch als The Night of the Kings bekannt ist.
Die Arbeit besteht aus mehreren Objekten, die keine Beziehung zueinander haben. Genau wie die Charaktere im Stück, von denen keine mit der anderen verwandt ist, werden durch das ganze Stück komplexe und dramatische Fäden gezogen. In dem Gemälde stechen vor allem ein Straußenei und eine Art phallisches Objekt hervor, die auf die Werke des surrealistischen Künstlers Man Ray verweisen.
Das Werk ist 86 cm hoch und 75 cm breit und wird dauerhaft im renommierten Hirshhorn Museum and Sculpture Garden der Smithsonian Institution ausgestellt.
Ich und das Dorf, von Marc Chagall
Obwohl es sich um ein Werk des Malers Marc Chagall handelt, kann dieser Künstler in keine künstlerische Richtung eingeordnet werden, aber das vorliegende Werk ist eines der berühmtesten surrealistischen Gemälde, die es aufgrund der Menge sehr kreativer und traumhafter Elemente gibt.
Es ist auch ein Gemälde aus dem Jahr 1911, und es zieht die Aufmerksamkeit der Zuschauer auf sich, weil das Gesicht einer Kuh zu sehen ist, die ein mütterliches Symbol auf einem grünen Feld ist, das die Figur eines anderen Gesichts hat. Darüber hinaus wird die Bemalung mit verschiedenen Symbolen alltäglichen Ursprungs in einer Art Atmosphäre mit vielen Farben ergänzt. Die Arbeit befindet sich derzeit im renommierten New York Museum of Art.
Promis von Max Ernst
Der Künstler Max Ernst ist auch als ein weiterer Künstler bekannt, der keiner einzigen künstlerischen Bewegung zugeordnet werden kann, da er verschiedene Techniken aus verschiedenen Bewegungen verwendete, von denen der Dadaismus und der Surrealismus hervorstechen.
Als die Arbeit bekannt als Ich und das Dorf Eines der surrealen Gemälde, in denen eine Collage erstellt wird, in der Sie sich mit verschiedenen Texturen der verschiedenen vom Künstler verwendeten Materialien identifizieren können. Obwohl viele Kunstkritiker behauptet haben, dass der Künstler mehrere zufällige Assoziationen vorgenommen hat, um dem Gemälde eine surreale Darstellung zu verleihen.
Das Werk hat die folgenden Abmessungen: 125 cm hoch und 107 cm breit, wobei die Hauptfigur des Gemäldes eine Form ist, die wie ein Elefant aussieht, aber viele sexuelle Konnotationen hat. Ebenso erscheint eine Art Turm, der einem Phallussymbol ähnelt.
Katalanische Landschaft (Der Jäger), von Joan Miró
Es ist eines der Werke des surrealistischen Malers Joan Miró, der es 1923 zu malen begann und 1924 beendete. Es wurde in Öltechnik auf einer Stoffleinwand mit folgenden Abmessungen hergestellt: 64 cm hoch und 100 cm breit.
Als eines der wichtigsten surrealistischen Gemälde aufgrund des Stils, mit dem der Maler Joan Miró eines der brillantesten Werke ist, hebt es auch die Elemente hervor, zu denen der katalanische Jäger, ein Dreieck mit Auge, Schnurrbart und Bart, eine Pfeife gehören , eine Barretina und ein Ohr.
Die restlichen Elemente, die in der Arbeit enthalten sind, zeigen uns, dass es sich um eine sehr trockene, aber katalanische Landschaft handelt, die sich auf die Bestattung der Sardine bezieht. Derzeit wird diese Arbeit im renommierten Museum of Modern Art in New York City (MoMA) aufbewahrt.
Die Unsichtbaren, von Yves Tanguy
Ein in Frankreich geborener Künstler Yves Tanguy. Sohn eines pensionierten Marinekapitäns, der in Paris eines der Gemälde des Malers Giorgio de Chirico sah und so fasziniert war, dass er beschloss, sich der Malerei zu widmen, weshalb er begann, sich mit allem zu beschäftigen, was mit Kunstwerken zu tun hat Im Jahr 1927 schuf er mit seiner Farbpalette eines der surrealistischen Gemälde, das die größte Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf sich gezogen hat, mit dem Titel "Mama, Papa ist verletzt!".
Das vorliegende Gemälde in gräulichen Farben mit verschiedenfarbigen Blitzen ist eine außerirdische Landschaft voller abstrakter Figuren und anderer eckiger Figuren, die wie zerbrochene Prismen aussehen werden. Die ganze Arbeit sieht ein bisschen faszinierend aus.
Der etwas einsame Kaktus der Arbeit und die Rauchmasse, all dies ist mit einer Schattenlichtprojektion ausgestattet, die in der leeren Landschaft der Arbeit akzentuiert wird und in der Öffentlichkeit eine Art Rätsel für das schafft, was in der Arbeit passiert ist . . .
Derzeit befindet sich das surrealistische Gemälde in einer Dauerausstellung im Museum of Modern Art in New York (MoMA) in den Vereinigten Staaten und hat folgende Abmessungen: 92 cm hoch und 73 cm breit.
Die Unsichtbaren, von Yves Tanguy
In ähnlicher Weise malt der französische Maler im Jahr 1951 nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs ein weiteres der berühmtesten surrealistischen Gemälde, bekannt als „Die Unsichtbaren“, und dieser Maler ging in die Vereinigten Staaten, um dort zu leben.
Obwohl dieser Maler immer von den Sammlungen anderer Künstler inspiriert wurde, seine eigenen surrealistischen Gemälde zu machen, war dieses Werk von ihm eine Idee des Dichters und Schriftstellers André Breton über eine Idee, dass es unsichtbare Kreaturen gibt.
Der französische Maler begann, abstrakte Gebilde zu malen, die ein organisches Aussehen hatten und sich an verschiedenen scharfen Strukturen festhielten. Der Hintergrund des surrealen Gemäldes zeigt einen nebligen und bedrohlichen Himmel. Laut Kunstkritikern handelt es sich um eine phantasmagorische Arbeit, die vor einem leblosen Hintergrund spielt, der Wesen aus anderen Welten heraufbeschwört, obwohl es keine rationale Erklärung gibt.
Dieses Werk befindet sich derzeit in einer Dauerausstellung im Tate Modern Museum in London, England, es ist in Öl auf einer Stoffleinwand mit folgenden Abmessungen gefertigt: 98 cm hoch und 81 cm breit.
Autobiographie eines Embryos, von Eileen Agar
Ein Künstler britischer Herkunft, der in der Stadt Buenos Aires, Argentinien, geboren wurde. Führen Sie die als "Autobiographie eines Embryos" bekannte Arbeit auf der Grundlage einer Reihe surrealer Techniken aus, mit denen er beginnt, die Leinwand in vier Teile zu teilen, und wendet auch Techniken der griechischen Kunst an.
Ebenso konzentriert es sich in der surrealistischen Malerei auch auf Anspielungen auf die griechische Kunst und die Renaissance.Kurz gesagt, was der renommierte Künstler getan hat, war, viele Kulturen zu evozieren, was dieses Werk zu einem der berühmtesten surrealistischen Gemälde für die Beschwörung des kulturellen Erbes macht wie von verschiedenen Kunstkritikern definiert.
Das Gemälde befindet sich derzeit in der Tate Modern in London in England und hat folgende Maße: 91 cm hoch und 213 cm breit. In dieser Arbeit können Sie auch mehrere Figuren sehen, die den Zellen und Elementen der biologischen Welt ähneln.
Was das Wasser mir brachte, von Frida Kahlo
Es ist eines der Werke der Mexikanerin und Künstlerin Frida Kahlo, in der sie eine Badewanne malt, die weiß mit blauen Schatten ist und das Wasser aufgrund der großen Menge an Elementen, die sie platziert, und dem, was am meisten auffällt, ein wenig trüb wird das Werk sind seine Füße und wie sie sich im Wasser spiegeln.
Auf die gleiche Weise platziert die Künstlerin einen großen Plug in der Mitte ihrer Beine oder etwas höher, während ihre Finger rot bemalt sind, aber der große Zeh Blut ablässt, das einen toten Vogel erreicht. In allen Arbeiten wollen wir alles zeigen, was der mexikanische Künstler erlebt hat.
Derzeit befindet sich dieses Werk in der Stadt Paris und gehört zur Privatsammlung von Daniel Filipacchi. Es sei darauf hingewiesen, dass das Werk 1938 vom Künstler angefertigt wurde und folgende Maße hat: 91 cm hoch und 73 cm breit.
Die zerbrochene Säule, von Frida Kahlo
Es ist ein weiteres der berühmtesten surrealistischen Gemälde, das die Malerin mexikanischer Herkunft im Alter von 37 Jahren geschaffen hat und versucht, alles zu erzählen, was in ihrem Leben nach dem Unfall passiert ist, den sie als Teenager im Jahr 1925 erlitten hat.
Bei diesem Unfall wurde der Malerin Frida Kahlo die Wirbelsäule in drei Teile gebrochen und diese musste mehrere Operationen über sich ergehen lassen, die sie ihr Leben lang unter großen Schmerzen ertragen musste.
In der Arbeit, die ein Selbstporträt von Frida Kahlo ist, erzählt sie alles, was sie erlitten hat und weint sie deshalb, sie stellt eine ionische Säule dar, die in drei Teile geteilt ist und eine unbequeme Naht trägt. Darüber hinaus platziert er eine Reihe von Nägeln, die all die Schmerzen zeigen, die er in jedem Teil seines Körpers erleidet.
Diese Arbeit ist im Dolores Olmedo Museum in Mexiko-Stadt in Mexiko zu sehen. Mit einer Höhe von 30 cm und einer Breite von 39 cm ist es auch eines der kleinsten surrealistischen Gemälde, die es gibt.
Exquisite Leiche
Diese Arbeit ist aus einem Spiel entstanden, das die Künstler der surrealistischen Bewegung spielten, da sich diese Künstler in den 1920er Jahren trafen, um ein sehr seltsames Spiel zu spielen, das sie "Consequences" nannten, bei dem jeder Künstler bereits ein Element zum Kunstwerk beiträgt Nach folgender Regel muss ein Verb und dann ein Adjektiv gesetzt werden, und daraus entstand das bekannte Werk „The Exquisite Corpse“
Jeder Teilnehmer fertigte eine Zeichnung an und versteckte sie und gab sie an den anderen Teilnehmer des Spiels weiter. Am Ende des Spiels wurde das Papier enthüllt, wodurch die von allen Künstlern gemachte Figur erhalten wurde, und dies sollte enthüllen, was im Unterbewusstsein verborgen war.
Augen auf den Tisch, von Remedios Varo
Ein im Jahr 1935 fertiggestelltes Gemälde des Künstlers Remedios Varo, der von der surrealistischen Bewegung beeinflusst war. Diese Arbeit präsentiert sich als Spiel für die Vorstellungskraft, da sie die Augen von einer Brille mit Wimpern trennt und sich all dies auf einem Tisch befindet, der zu schweben scheint.
Auf diese Weise betrachtet der Betrachter ein surreales Gemälde, bei dem die Augen von außerhalb der Linsen zu schauen scheinen, um den Fehler zu korrigieren. Während die Zuschauer es sehen, sind sie eine unwirkliche Brille mit Wimpern. Die Arbeit ist mit der Technik der Gouache auf Papier gemacht.
Bestickung des Erdmantels, von Remedios Varo
Eine Arbeit aus dem Jahr 1961, eine weitere Arbeit des spanischen Mexikaners Remedios Varo, in der der Künstler eine Szene aufführt, die als Towards the Tower and the Flight bekannt ist. Diese Szene wird personifiziert, wenn der Künstler im Kloster Zeit beim Weben verbrachte, während jemand anderes etwas las.
In der Szene wird versucht zu zeigen, dass viele Frauen webten, aber der Faden entsprang einer mysteriösen Quelle. Die vorliegende surrealistische Arbeit wurde in Öl auf Hartfaser ausgeführt. Die Arbeit ist in einer sehr fantasievollen Handlung entstanden, die viel Sensibilität verdient hat.
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