Von seinen Schöpfern und Anhängern als breiter Kunsttrend konzipiert, der die Suche nach neuen Bedeutungen durch zeitgenössische Künstler widerspiegelt, the Postmoderne Kunst ist die Antwort auf diese Suche nach der Krise der klassischen Kultur.
Postmoderne Kunst
Es wird angenommen, dass im XNUMX. Jahrhundert der sogenannte „Tod der Supergrundlagen“ stattfand: Gott, Mensch und Autor. Mit anderen Worten, die religiöse Basis wurde erschüttert, eine Krise humanistischer Ideen entstand, und die Schöpfer gingen von der Schaffung einer neuen zur Überarbeitung der alten über.
Die Postmoderne in der Kunst ist Teil eines globalen Trends, der von der Weltkultur und -philosophie angenommen wurde. Die Postmoderne ist kein einzelner Stil, sondern ein Komplex von Richtungen, die durch eine gemeinsame ideologische Basis vereint sind. Viele von ihnen bekämpfen sich sogar gegenseitig.
Postmoderne ist ein aus dem Französischen abgeleiteter Begriff (postmodernisme). Dieser Name spiegelt die Bedeutung der Richtung wider, die die Kunst der Ära des Modernismus (nicht zu verwechseln mit Modernismus) ersetzte. Im späten XNUMX. und frühen XNUMX. Jahrhundert versetzten modernistische (oder avantgardistische) Bewegungen der klassischen Kunst einen schweren Schlag. Aber allmählich hörten die Schöpfer auf, sich mit modernistischen Ansätzen zufrieden zu geben.
Parallel zu einer Vielzahl neuer technologischer Entwicklungen führt die Postmoderne seit fast fünf Jahrzehnten zu künstlerischen Experimenten mit neuen Medien und neuen Kunstformen, darunter Konzeptkunst, verschiedene Arten von Performances und Kunstinstallationen sowie Computerströmungen wie Dekonstruktivismus und Projektionstechnologie .
Merkmale der Postmoderne
Jean-François Lyotard und andere Theoretiker beschreiben die spirituellen Grundlagen der Moderne als einen unerschütterlichen Glauben an eine stetige Weiterentwicklung einer immer detaillierteren Komprimierbarkeit der Welt und einer allmählichen Annäherung an perfektes Wissen. Die totalitären Systeme des XNUMX. Jahrhunderts haben den absoluten Charakter solcher Modelle nachhaltig diskreditiert.
Hier sind die Gründe für die Notwendigkeit, die Postmoderne als bewussten Bruch mit der Moderne zu definieren. Die Postmoderne lehnt nicht nur den modernen Fortschrittsglauben ab, sondern auch die Existenz einer nachvollziehbaren objektiven Realität. Postmoderne Theorie und Ästhetik gehen davon aus, dass alles Wissen, jede Wahrnehmung und jeder Bereich des Bewusstseins und der Existenz der Relativität unterliegen. Ein Schlüsselbegriff der Postmoderne ist Pluralität.
Der Wunsch der Moderne, immer wieder Neues zu schaffen, und die künstlerischen Mittel, mit denen dies erreicht wird, gelten in der Postmoderne als automatisiert, etabliert und obsolet. Der Grundsatz, dass nichts Neues geschaffen werden kann, macht die Verwendung von Zitaten zu einem wesentlichen Stilmerkmal der postmodernen Kunst.
Die Forderung nach Offenheit des Kunstbegriffs und des einzelnen Kunstwerks eröffnet einerseits nahezu grenzenlose Möglichkeiten: Die Postmoderne eröffnet durch das Überschreiten der Genregrenzen eine Vielzahl neuer Ausdrucksformen.
Eine häufig verwendete Technik der Postmoderne ist die Collage. Dieser Begriff, der im frühen XNUMX. Jahrhundert für Dada-Aufkleber geprägt wurde, ist in der Postmoderne viel weiter gefasst. Dazu gehören zum Beispiel raumgreifende Installationen, Filmtechniken oder musikalische Kompositionsprozesse.
Autoren wie Umberto Eco (Der Name der Rose), Architekten wie Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Wien) und Künstler wie Keith Haring versuchen den Spagat zwischen elitärem Kunstverständnis und Massenkultur; auch dies ist ein wesentlicher Aspekt der postmodernen Ästhetik.
Viele postmoderne Arbeiten, insbesondere in den darstellenden Künsten, wollen nicht als perfektes Ergebnis, sondern als Versuchsanordnung verstanden werden. Die Präsentation wird fragmentarisch (Literatur: Roland Barthes, Fragmente einer Sprache der Liebe) oder ein work in progress (Tanztheater: William Forsythe, Stück von Scott) in verschiedenen Stadien seiner Entwicklung sein.
Kunstkritiker geben unterschiedliche Antworten auf die Frage, was Postmoderne in der Malerei ist, da die postmoderne Kultur ein vielschichtiges Phänomen ist und keine klare ideologische Plattform hat. Die Postmodernisten haben keinen universellen Kanon geschaffen, sie weigerten sich im Prinzip, einen zu schaffen. Vielleicht ist der einzige grundlegende Wert, den die Anhänger dieses Trends erklären, die endlose Meinungsfreiheit.
Die Postmoderne ist keine Bewegung, sondern eine allgemeine Denkweise. Daher gibt es keine einzige Liste von Merkmalen, die „postmoderne Kunst“ definieren. Es gibt jedoch eine Reihe von Merkmalen, die für die postmoderne Kunst charakteristisch sind:
- Unbegrenzte und absolute Freiheit des Künstlers in der Wahl der Methoden des Selbstausdrucks.
- Traditionelle Bilder neu denken, in einen neuen Kontext stellen (daher die weite Verbreitung von Remakes, Interpretationen, künstlerischen Zitaten, Leihgaben, Anspielungen).
- Synkretismus, also die Verschmelzung heterogener Elemente zu einem Ganzen, die sich manchmal sogar widersprechen (z. B. die Verwendung verschiedener Stile des Künstlers in einem Gemälde oder sogar eine Kombination von Malerei mit anderen Kunstarten).
- Dialog, also eine Betrachtung des Themas aus verschiedenen Blickwinkeln, aus der Position verschiedener «Stimmen», die schliesslich eine vielstimmige «Symphonie» ergeben.
- Präsentationsform des Werkes, Einladung des Betrachters, sich dem Werk mit Bedeutungen anzuschließen.
- Schockierende Natur der Kreativität.
- Ironie und Selbstironie des Autors. Künstler sind heute viel skeptischer gegenüber „großen Ideen“ (zB dass jeder Fortschritt gut ist).
- Die Postmoderne ist Ausdruck einer weit verbreiteten Enttäuschung über das Leben und die Macht bestehender Wertesysteme und/oder Technologien, positive Veränderungen herbeizuführen. Dadurch sind Autorität, Erfahrung, Wissen und Motivation in Verruf geraten.
- Moderne Kunst galt nicht nur als elitär, sondern auch als weiß (im Sinne von Hautfarbe), männerdominiert und desinteressiert an Minderheiten. Aus diesem Grund befürwortet die postmoderne Kunst Kunst von Dritte-Welt-Künstlern, Feministinnen und Minderheiten.
Postmoderne, zeitgenössische und spätmoderne Kunst
Postmoderne Kunst und zeitgenössische Kunst werden in der Regel mehr oder weniger synonym verwendet. Aus technischer Sicht bedeutet postmoderne Kunst jedoch "nach der Moderne" und bezieht sich auf einen festen Zeitraum ab etwa 1970, während zeitgenössische Kunst sich hauptsächlich auf die wechselhafte Zeit von etwa fünfzig Jahren unmittelbar vor den XNUMXer Jahren bezieht.
Derzeit fallen diese beiden Perioden zusammen. Aber im Jahr 2050 kann die postmoderne Kunst (z. B. von 1970-2020) von einer anderen Epoche abgelöst worden sein, die zeitgenössische Kunst umfasst dann jedoch den Zeitraum bis zu diesem Jahr.
In der bildenden Kunst bezeichnet der Begriff Spätmoderne Bewegungen oder Strömungen, die einen Aspekt der modernen Kunst ablehnen, ansonsten aber in der Tradition der Moderne bleiben. Stile wie der Abstrakte Expressionismus (1948-65) wurden von einer Reihe radikaler moderner Künstler praktiziert, darunter Jackson Pollock und Willem De Kooning, die sich vielen formalen Konventionen der Ölmalerei widersetzten.
Und doch hätten weder Pollock noch de Kooning etwas wie Rauschenbergs Erased De Kooning Drawing produzieren können, da sie beide fest an die Konzepte von Authentizität und Bedeutung glaubten.
Die Geschichte der postmodernen Kunst
Der erste bedeutende Kunststil nach der Renaissance war die akademische Kunst, die von Professoren an den Akademien gelehrt wurde. In der akademischen Kunst treffen viele Stile und Strömungen aufeinander, etwa Klassizismus und Romantik. Ab 1870 entstand mit dem Aufkommen des Impressionismus die moderne Kunst. Die ersten Züge entstanden um 1970, was heute als postmoderne Kunst zusammengefasst wird.
Moderne Kunst wird meist mit dem Jahrhundert 1870-1970 in Verbindung gebracht, zum Beispiel vom Impressionismus bis zur Pop-Art. Trotz verschiedener globaler Katastrophen (Erster Weltkrieg, Grippe, Wall-Street-Crash und Weltwirtschaftskrise), die viele moralische Gewissheiten der damaligen Zeit untergruben, hielten moderne Künstler im Allgemeinen an den grundlegenden wissenschaftlichen Naturgesetzen fest: Vernunft und Rationalität Gedanke.
Im Allgemeinen glaubten sie, wie die meisten Westler jener Zeit, dass das Leben einen Sinn hatte. Dieser wissenschaftliche Fortschritt sei automatisch positiv, dass der christliche Westen dem Rest der Welt überlegen sei, dass Männer den Frauen überlegen seien. Die Moderne glaubte auch an die Bedeutung, Relevanz und den Fortschritt der Kunst, insbesondere der bildenden Kunst und Architektur.
Sie traten in die Fußstapfen von Leonardo und Michelangelo und glaubten an hohe Kunst, Kunst, die den gebildeten Betrachter erhebt und inspiriert, und nicht an „niedrige Kunst“, die nur die Massen unterhält. Sie verfolgten einen progressiven Ansatz und sahen Kunst als etwas, das sich ständig weiterentwickeln sollte, geführt von einer führenden Gruppe von Avantgarde-Künstlern.
Der Zweite Weltkrieg und der Holocaust stellten alles auf den Kopf. Paris wurde plötzlich von New York als Hauptstadt der Kunstwelt abgelöst. Nach den Gräueltaten des Krieges schien alle figurative Kunst plötzlich irrelevant, also wandten sich moderne Maler der abstrakten Kunst zu, um sich auszudrücken.
Überraschenderweise sorgte die New York School mit den Gemälden von Jackson Pollock und der ruhigeren Farbfeldmalerei von Mark Rothko in den 1950er Jahren für eine vorübergehende Wiederbelebung der Kunst auf beiden Seiten des Atlantiks: Avantgardistischen Malern gelang es, die Grenzen des Abstrakten neu zu definieren Malerei, blieb aber in den Grenzen der Moderne. Sie glaubten daran, authentische, fertige Kunstwerke mit bedeutendem Inhalt zu schaffen.
Aber die Moderne ging unweigerlich zu Ende. Die zunehmenden Enthüllungen der Shoah, der Atombombentests, der Kubakrise und des Vietnamkriegs ließen die Menschen zunehmend desillusioniert vom Leben und von der Kunst zurück.
Jasper Johns und Robert Rauschenberg hatten bereits Mitte der 1950er Jahre die ersten postmodernen Werke des Neo-Dada und der Pop Art geschaffen, bald sollte der Mainstream der Pop Art die postmoderne Kunst selbst einläuten, da sich amerikanische Fernsehsender auf die Tet-Offensive von 1968 und das Chaos konzentrierten Demokratischer Nationalkonvent von 1968.
Aus diesem kunstgeschichtlichen Zeitverlauf lässt sich auch die Einstellung zur Kunst seitens des Künstlers und des Publikums ableiten. Die Künstler und Betrachter der Gegenwart werden nicht von den alten Vorstellungen der Lehr- und Förderinstitutionen bestimmt, was Kunst ist und was Kunst sein kann. Die Möglichkeiten und Anwendungen der Kunst sind vielfältiger geworden, ohne dass man sich in ein bestimmtes Korsett zwängen muss.
Die moderne Architektur war geprägt von dem Wunsch, einen völlig neuen Stil für den modernen Menschen zu schaffen. Die Architekten wollten alle historischen Bezüge entfernen und etwas völlig Neues schaffen. Dies führte zum International Style (ca. 1920-1970), einem minimalistischen Design von Regelmäßigkeit.
Glücklicherweise begannen postmoderne Architekten um 1970 damit, die Architektur des XNUMX. Jahrhunderts wiederzubeleben, indem sie Strukturen mit interessanten Merkmalen aus der Populärkultur und traditionelleren Architekturstilen entwarfen. Strukturen, die die Schwerkraft zu umgehen scheinen, wurden auch durch neue computergesteuerte Möglichkeiten im Rahmen des Dekonstruktivismus ermöglicht.
Die postmoderne Bewegung nahm in den 1960er und 1970er Jahren Gestalt an, aber die Voraussetzungen für ihre Entstehung sind mit einer lange vorher entstandenen Weltanschauungskrise verbunden. Darunter: Spenglers These vom Untergang Europas; Zusammenbruch des öffentlichen Bewusstseins durch den Ersten Weltkrieg; das Auftreten von Ideen über die Widersprüchlichkeit und Mehrdeutigkeit der Weltordnung in der Wissenschaft (von der nichteuklidischen Geometrie bis zur Quantenphysik).
Der Begriff Postmoderne wurde bereits im späten 1950. Jahrhundert und dann zunehmend im frühen 1970. Jahrhundert verwendet, jedoch erst in den 1979er Jahren im Sinne seiner heutigen Bedeutung. In den späten XNUMXer Jahren trugen vor allem zwei Autoren dazu bei, den Begriff als festen Bestandteil zu etablieren: Jean-François Lyotard mit seinem Werk La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, XNUMX) und Charles Jencks mit dem Essay The Rise of Postmodern Architecture.
Mit der Einführung des Begriffs Postmoderne wird die Moderne erstmals als abgeschlossene historische Epoche definiert (wie zuvor die Antike oder das Mittelalter). Vor allem in der Architektur hat sich die Postmoderne als Stilbegriff etabliert.
Postmodernisten kamen zu dem Schluss, dass die moderne Welt nicht im Rahmen klassischer Ansätze zu Philosophie, Wissenschaft und Kultur beschrieben werden kann. Folglich reichen die klassischen Methoden der Kunst nicht aus, um sie zu beschreiben.
Nutzung von Technologie
Die Ära der postmodernen Kunst fiel mit der Einführung mehrerer neuer visueller Technologien (wie Fernsehen, Videos, Internet usw.) zusammen und profitierte stark von ihnen. Das neue Angebot an Video- und Fotoformaten hat die Bedeutung der Zeichenkunst verringert, und die Manipulation neuer Technologien hat es Künstlern ermöglicht, die traditionellen Prozesse des Kunstschaffens zu verkürzen, aber dennoch etwas Neues zu schaffen.
Postmoderne Kunstbewegungen und -stile
Bisher gab es keine großen internationalen Kunstbewegungen in der postmodernen Kunst. Stattdessen erlebte die Ära den Aufstieg einer Reihe schmaler, lokalisierter Strömungen sowie mehrerer völlig neuer Kunstformen wie Video- und Wortmalerei.
Darüber hinaus gab es Dutzende von Kunstfraktionen sowie ein oder zwei antipostmoderne Zentren, deren Mitglieder sich bemüht haben, die Art von Kunst zu produzieren, auf die Michelangelo oder Picasso stolz gewesen wären.
Seit dem Neodadaismus mischen Postmodernisten gerne Dinge auf oder bringen neue Elemente in traditionelle Formen, um neue Kombinationen zu schaffen. Fernando Botero malt primitive Bilder von fettleibigen Figuren, Georg Baselitz malt Figuren auf dem Kopf.
Gerhard Richter kombinierte Kamerakunst und Malerei in seinen fotografischen Gemälden der 1970er Jahre, während Jeff Koons konsumorientierte Bildsprache mit ausgefeilten Bildhauertechniken kombinierte, um seine Edelstahlskulpturen zu schaffen.
Andreas Gursky kombiniert Fotografie mit computergenerierten Bildern, um Werke wie Rhein II zu schaffen, während Jeff Wall digital bearbeitete Fotomontagen in seinen postmodernen Bildkreationen verwendet.
Unter Kunstkritikern besteht kein Konsens darüber, welche Kunststile als postmoderne Kunst klassifiziert werden können: Beispielsweise werden einige Stile gleichzeitig als Avantgarde und Postmoderne klassifiziert. Dennoch kann die folgende Liste von Bewegungen und Stilen der Postmoderne unterschieden werden:
Dadaismus
Dadaisten glaubten, dass die Brutalität des Ersten Weltkriegs, der Europa erschütterte und Millionen von Menschen Schmerz und Leid brachte, das Produkt von Logik und Rationalismus war. Aus diesem Grund förderten sie mit ihrer Kreativität die Zerstörung ästhetischer Kanons, Zynismus, Systematik, Irrationalität.
Die Collage wurde zur wichtigsten kreativen Methode der dadaistischen Künstler. Die Leinwand oder das Papier diente als Hintergrund, vor dem der Künstler aus Stofffetzen, Papierfetzen und anderen Materialien eine Collage erstellte.
Dada existierte nur für eine relativ kurze Zeit: von 1916 bis 1923. Dies liegt daran, dass seine ideologische Plattform ein pazifistisches Pathos war, das sich der Realität des Ersten Weltkriegs widersetzte. In den 1920er Jahren verschmolz Dada mit dem Expressionismus in Deutschland und mit dem Surrealismus in Frankreich.
Pop-Art
Pop-Art (Pop-Art) ist ein Stil, der die Konsumkultur auf das Gebiet der Kunst übertrug und die Menschheit lehrte, Schönheit in dreiunddreißig Suppendosen zu sehen. Pop Art sollte nicht mit Populärkultur verwechselt werden. Die Autoren betrachteten die Massenkultur als Objekt, so wie ein Porträtist ein Modell oder einen Landschaftsmaler betrachtet: im Schoß der Natur.
Das Thema Massenkultur, auf das der Blick des Künstlers fiel, wurde in etwas Originelles verwandelt: ein Kunstobjekt, das durch die Interpretation des Künstlers gebrochen wurde. Aus künstlerischer Sicht appellierte dieser Stil an Materialität, Objektivität, im Gegensatz zu einem anderen populären Trend, dem Abstraktionismus. Die Pop-Art entstand im Kampf gegen die Kreativität der Abstraktionisten und läutete eine Rückkehr zur Darstellung bestimmter Objekte auf der Leinwand ein.
Die Berufung auf Alltägliches an sich ist in der Geschichte der Malerei nicht neu. Stillleben sind schließlich die Sicht eines Künstlers auf die umgebenden Objekte. Tatsächlich gibt es keinen großen Unterschied zwischen Caravaggios Vase und Warhols grünen Coca-Cola-Flaschen. Aber die Pop-Art hatte ihre eigene konzeptionelle Eigenart: Künstler nahmen ikonische Objekte und Bilder aus der Massenkultur, die sie jetzt „Meme“ nennen würden.
Außerdem achteten sie nicht nur auf Gegenstände, sondern auch auf Bilder; ein typisches Beispiel ist Warhols Marilyn Diptych. Es ist unbestreitbar, dass die Pop-Art dazu beigetragen hat, den amerikanischen Traum zu bekräftigen, die Konsumgesellschaft und den entsprechenden Lebensstil zu legitimieren. Gleichzeitig legte sie den Grundstein für eine Kritik der Konsumphilosophie, die später an Stärke gewinnen sollte.
Word Art
Der Begriff Wortkunst beschreibt eine Kategorie postmoderner textbasierter Kunst von verschiedenen zeitgenössischen Künstlern, die seit den 1950er Jahren präsent sind. Eine einfache Definition von textbasierter Kunst könnte lauten: „Kunst, die Wörter oder Phrasen als künstlerische Hauptkomponente enthält“.
Textbasierte Bilder, die Wörter und Sätze enthalten, wurden in einer Vielzahl von Medien veröffentlicht, darunter Malerei und Skulptur, Lithographie und Siebdruck sowie angewandte Kunst (T-Shirts, Tassen). Es taucht auch in den neuesten Formen der zeitgenössischen Kunst wie dem Projektionsmapping auf.
Arte konzeptionell
Der Konzeptualismus (von lat. conceptus: Gedanke, Vorstellung) ist eine postmoderne Strömung in der Kunst, die die Vorherrschaft der Idee eines Werkes über die Form seines künstlerischen Ausdrucks proklamiert. Anhänger des Konzeptualismus sind davon überzeugt, dass ihre Gemälde, Skulpturen, Installationen und Performances beim Betrachter keine Emotionen hervorrufen sollten, sondern den Wunsch, das Gesehene intellektuell zu überdenken.
Konzeptualismus ist keine kommerzielle Kunst, darin können die Objekte für Kreativität beliebige Haushaltsgegenstände, natürliche Materialien und sogar Teile der menschlichen Umwelt sein. Der Konzeptkünstler strebt kein fertiges Werk an, sondern versucht dem Betrachter seine Ideen zu vermitteln, sich auf eine Art Gedankenspiel einzulassen.
Konzeptkunstwerke haben charakteristische Merkmale. Diese Werke lassen sich an folgenden Merkmalen identifizieren: beeinflussen nicht die emotionale, sondern die intellektuelle Wahrnehmung des Betrachters; häufige Verwendung von erläuterndem Text zur Arbeit; die bewusste Ablehnung der Bedeutung der Form durch den Künstler zugunsten der Bedeutung der Bedeutung (Idee) des Werks; Erstellen Sie Kunstobjekte aus jedem Objekt, das dem Autor zur Verfügung steht.
Performancekunst und Happenings
Happenings ist eine avantgardistische Kunstform, eine Art des kreativen Ausdrucks, eng verwandt mit der Performance-Kunst, die ihre Grundlage in den Theorien der Konzeptkunst des 1896. Jahrhunderts hat, die weitgehend von den Demonstrationen von Dada-Vertretern abgeleitet sind Zara (1963-XNUMX). In der Praxis ist es nicht einfach, zwischen Performance Art und Happenings zu unterscheiden.
Beides sind sorgfältig geplante Unterhaltungsformen (wenn auch mit spontanen Elementen), bei denen der Künstler ein künstlerisches Theaterereignis aufführt (oder leitet). Etwas leichter zu sehen als mit Worten zu beschreiben.
In jedem Fall ist ein Happenings eine spontane Performance-Kunst, die irgendwo zwischen Drama und bildender Kunst angesiedelt ist und normalerweise eine starke Reaktion des Publikums einlädt und auslöst.
Aufgrund seines Dada-Stils der Vergänglichkeit war es ursprünglich als radikale Alternative zu traditionellen Handwerksprinzipien und als "permanentes Kunstobjekt" konzipiert. Eine vollständige Erklärung dieser neuen postmodernen Kunstform kann in Michael Kirbys Buch „Happenings“ (1965) nachgelesen werden.
Diese Art von Kunstereignis wurde um 1960 besonders mit der New Yorker Kunstszene in Verbindung gebracht und ist immer noch in den besten Galerien für zeitgenössische Kunst auf der ganzen Welt vertreten.
Abstrakte Kunst
Abstraktionismus ist ein Stil der Malerei und Kunst im Allgemeinen, der die realistische Wiedergabe der umgebenden Welt ablehnt. Seine Anhänger stellen einfache und komplexe Formen dar, spielen mit Farben, verwenden Linien, Flächen und andere Objekte und kombinieren sie, um beim Betrachter bestimmte Emotionen zu erzeugen. Dadurch unterscheidet sich sein Ansatz von dem der Meister, die dem Klassizismus und vielen anderen Stilen anhängen.
Auf den ersten Blick mag ein Gemälde eines Abstraktionisten wie ein chaotisches Durcheinander von Linien, Formen und Flecken erscheinen. Bei näherer Betrachtung wird deutlich, dass der Künstler eine Gesamtkomposition geschaffen hat, die bestimmte Gedanken oder Stimmungen beim Betrachter hervorrufen soll.
Der Abstraktionismus war in seiner Entwicklung in mehrere Richtungen geschichtet, von denen jede ihre eigenen Vertreter hatte. Es gab Stilarten wie:
- Geometrisch. In den in diesem Stil ausgeführten Werken von Künstlern herrschen klare Formen und Linien vor, viele von ihnen erzeugen die Illusion von Tiefe.
- Meister, die sich an diese Richtung halten, arbeiten aktiv mit Farben und ihren Kombinationen; Durch sie vermitteln sie die Emotionen, die sie beim Publikum erzeugen wollen.
- Das Wesen dieser Malrichtung liegt in der völligen Abwesenheit von Bezügen zu realen Objekten und der extrem eingeschränkten Verwendung von Farben, Formen und Linien.
- Künstler, die in diese Richtung arbeiten, streben danach, Dynamik und Bewegung in ihre Werke zu bringen, wodurch sie Emotionen und Empfindungen vermitteln. Gleichzeitig treten Schatten, Linien und Formen in den Hintergrund.
Zusammenbau
Assemblage ist eine dekorative und angewandte Kunsttechnik, bei der der Künstler ein Reliefbild erstellt, indem er dreidimensionale Teile oder Objekte auf eine flache Basis klebt. In der Assemblage-Technik ist auch die Verwendung von Farben zur bildlichen Ergänzung einer künstlerischen Komposition erlaubt.
Assemblage ist im Gegensatz zu der verwandten Collage eine Technik zum Anbringen dreidimensionaler statt zweidimensionaler (flacher) Elemente an der Vorderseite des Bildes. Dank der Verwendung volumetrischer Details ist das Bild so realistisch und visuell effektiv wie möglich.
Professionelle Künstler verwenden oft Haushaltsabfälle und Müll, um ihre eigenen originellen Kunstwerke zu schaffen. Eine Vielzahl verstreuter Alltagsgegenstände wird in den Händen des Meisters zu einer künstlerischen Komposition voller ästhetischem Tiefgang.
Heute ziehen Werke, die in der Assemblage-Technik entstanden sind, ausnahmslos die Aufmerksamkeit von Kennern zeitgenössischer Kunst auf sich. Sie sorgen oft für heftige Kontroversen unter Kritikern, lassen aber niemanden gleichgültig und leisten daher einen großen Beitrag zur Entwicklung der Weltkultur.
Fluxus
Fluxus war eine lose organisierte Gruppe von Künstlern, die den Globus umspannte, aber eine besonders starke Präsenz in New York City hatte. George Maciunas gilt historisch als Hauptbegründer und Organisator der Bewegung, der Fluxus als eine Fusion aus Spike Jones, Vaudeville, Cage und Duchamp beschrieb.
Wie die Futuristen und Dadaisten vor ihnen missbilligten die Fluxus-Künstler die Autorität von Kunstmuseen, den Wert von Kunst zu bestimmen. Sie schlugen auch vor, dass es nicht notwendig sei, eine spezielle Ausbildung zu haben, um ein Kunstwerk zu sehen und zu verstehen.
Fluxus wollte nicht nur, dass Kunst für die Massen zugänglich ist, sie wollten, dass jeder ständig Kunst schafft. Es ist oft schwierig, Fluxus zu definieren, da viele seiner eigenen Künstler behauptet haben, dass der bloße Akt der Definition der Bewegung bereits zu einschränkend und reduzierend sei.
Im Gegensatz zu früheren Kunstbewegungen versuchte Fluxus, die Weltgeschichte zu verändern, nicht nur die Kunstgeschichte. Das hartnäckige Ziel der meisten Künstler war es, jegliche Grenze zwischen Kunst und Gesellschaft aufzuheben.
Ein zentraler Grundsatz von Fluxus war es, die elitäre Welt der „hohen Kunst" zu verwerfen und lächerlich zu machen und jeden möglichen Weg zu finden, Kunst zu den Massen zu bringen, im Einklang mit dem gesellschaftlichen Klima der 1960er Jahre. Fluxus-Künstler nutzten den Humor, um ihre Absicht auszudrücken und Neben Dada war Fluxus eine der wenigen Kunstbewegungen, die eine Gratwanderung vollziehen konnten.
Fluxus-Künstler meinten es trotz ihrer spielerischen Art ernst mit ihrem Wunsch, die Machtverhältnisse in der Kunstwelt zu verändern. Seine Respektlosigkeit gegenüber hoher Kunst wirkte sich auf die wahrgenommene Autorität des Museums als Autorität darüber aus, wer und was als Künstler zu betrachten ist.
Fluxus beschäftigte den Betrachter und verließ sich auf das Element des Zufalls, um das Endergebnis des Kunstwerks zu formen. Die Nutzung des Zufalls wurde auch von Dada, Marcel Duchamp und anderen Performance-Künstlern der Zeit genutzt. Fluxus-Künstler waren stark von den Ideen von John Cage beeinflusst, der glaubte, dass man an ein Stück herangehen sollte, ohne eine Vorstellung vom Endergebnis zu haben. Was zählte, war der Entstehungsprozess, nicht das Endprodukt.
Videokunst
Video ist eines der vielseitigsten verfügbaren Medien. Ein Videofilm kann das Kunstwerk selbst und/oder eine Aufzeichnung dessen sein, wie das Kunstwerk gemacht wurde; es kann auch ein Element in einer Installation und/oder Teil eines Arrangements aus mehreren Videos sein. Video macht Kunst dynamischer und lebendiger. Seit den späten 1980er Jahren verlassen sich sowohl Video als auch Animation auf die Verwendung von Computersoftware, um Bilder zu manipulieren.
Fotorealismus
Der Fotorealismus ist ein Genre der Malerei, das Ende der 1960er Jahre als Reaktion auf die wachsende Popularität der Abstraktion entstand. Seitdem sorgen fotorealistische Gemälde mit ihrer enormen Detailtreue für optische Täuschungen, die nur aus der Nähe als gemalte Abbilder des fotografischen Originals feststellbar sind.
Anstatt zu beobachten und darzustellen, was in der Realität passiert, wurde der Fotorealismus von der Fotografie inspiriert. Von einer Kamera erfasste visuelle Informationen werden verwendet, um illusionistische Gemälde, Zeichnungen und andere Kunstwerke zu erstellen. Künstler projizieren oft Fotos auf Leinwand, damit die Bilder präzise und detailliert wiedergegeben werden können.
Arte Povera
Arte Povera (vom italienischen Ausdruck für „arme Kunst“ oder „verarmte Kunst“) war eine der wichtigsten und prominentesten Avantgarde-Kunstbewegungen, die Ende der XNUMXer Jahre in Südeuropa auftauchte.
Dazu gehörte die Arbeit eines Dutzend italienischer Künstler, deren kreatives Hauptmerkmal die Verwendung von Alltagsmaterialien war, die an ein vorindustrielles Zeitalter erinnern. Besonders beliebt waren Schmutz, Steine und Kleidung: „Abfall“ oder billige Materialien, die sie für ihre Kunst verwendeten. Dieser Kunstansatz attackierte vorherrschende Vorstellungen von Wert und Korrektheit und kritisierte subtil die damalige Industrialisierung und Technisierung Südeuropas.
Seine Arbeit markierte eine Reaktion auf die abstrakte Malerei der Moderne, die die europäische Kunst im vorangegangenen Jahrzehnt beherrscht hatte, von der er sich abgrenzte, indem er sich mehr auf bildhauerische Arbeiten als auf Malerei konzentrierte.
Einige der bedeutendsten Arbeiten der Gruppe entstanden durch den Kontrast zwischen Rohstoffen und gleichzeitigen Verweisen auf die aufkommende Konsumkultur. In der Überzeugung, dass die Moderne drohte, das kollektive Erbe auszulöschen, versuchte Arte Povera, das Neue dem Alten gegenüberzustellen.
Die mit Arte Povera verbundenen Künstler lehnten nicht nur den technologischen Wettbewerb ab, sondern auch das, was sie als wissenschaftlichen Realismus empfanden. Im Gegensatz zu einer methodischen Herangehensweise an räumliche Beziehungen beschworen sie einen Mythos herauf, dessen Geheimnisse nicht leicht zu erklären waren.
Die Künstler präsentierten absurde und spielerische Gegenüberstellungen, oft von Neuem und Altem oder Hochverarbeitetem und Vorindustriellem. Dabei verdeutlichen sie einige Auswirkungen der immer weiter in die Zukunft vordringenden Modernisierung, die zur Zerstörung von Orten und Erinnerungen beiträgt.
Das Interesse der Arte Povera an schlechten Materialien lässt sich mit mehreren anderen Kunstbewegungen der 1950er und 1960er Jahre in Verbindung bringen, zum Beispiel teilten sie einige Techniken mit Bewegungen wie Fluxus und Nouveau Réalisme in ihrer Kombination aus leicht zugänglichen Materialien mit einem rebellischen Hinterschnitt Funktion.
Postminimalismus
In der postminimalistischen Kunst, einem Begriff, der erstmals vom Kunstkritiker Robert Pincus Witten verwendet wurde, verlagert sich der Fokus von der Reinheit der Idee auf ihre Kommunikation. Als Beispiel sind die Werke der deutsch-amerikanischen Künstlerin Eva Hesse zu sehen.
feministische Kunst
Eine künstlerische Bewegung, die sich mit spezifisch weiblichen Themen wie Geburt, Gewalt gegen Frauen, Arbeitsbedingungen von Frauen und vielem mehr auseinandersetzt. Zu den teilnehmenden Künstlern gehören Louise Bourgeois und die in Japan geborene Performance-Künstlerin Yoko Ono.
Dekonstruktivismus
Der Dekonstruktivismus ist eine der visuell beeindruckendsten Kunstformen, die je erdacht wurden. Sein skurriler, aber äußerst kreativer Stil der Architektur des 80. Jahrhunderts entstand in den späten XNUMXer Jahren, hauptsächlich in Los Angeles, aber auch in Europa.
Als Teil der postmodernen Kunst, die durch die Verwendung von Designsoftware der Luft- und Raumfahrtindustrie ermöglicht wird, kontrastiert die dekonstruktivistische Architektur mit der geordneten Rationalität der Geometrie und bevorzugt einen fremden Designansatz, der typischerweise das Äußere einer Struktur verzerrt und gleichzeitig die elementaren Werte der Moderne untergräbt .
Einige Historiker glauben, dass die dekonstruktivistische Philosophie auch der postmodernen Kunst entgegensteht, obwohl die praktischen Konsequenzen davon unklar sind. Schließlich muss ein dekonstruktivistischer Architekt den modernen und postmodernen Gesetzen der Wissenschaft folgen, ob er will oder nicht.
Der bekannteste Vertreter dekonstruktivistischer Architektur ist der kanadisch-amerikanische Pritzker-Preisträger Frank O. Gehry. Andere bekannte Dekonstruktivisten sind Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi und Peter Eisenman. Außergewöhnliche dekonstruktivistische Bauten sind: Tanzendes Haus (Prag), Guggenheim Museum (Bilbao) und das Vitra Design Museum in Weil am Rhein.
Dekonstruktivistische Architektur zeichnet sich durch Oberflächenmanipulation, Fragmentierung und nichtlineare Formen aus, die architektonische Konventionen von Struktur und Oberfläche verzerren und außer Kraft setzen. Dabei werden scheinbar widersprüchliche Elemente bewusst kontrastiert, um traditionelle Vorstellungen von Harmonie und Kontinuität herauszufordern.
Zynischer Realismus
Zeitgenössische chinesische Kunstbewegung, die nach der Niederlage auf dem Platz des Himmlischen Friedens (1989) entstand. Zynische Realisten verwendeten einen figurativen Malstil mit einer spöttischen Erzählung. Die wiederkehrenden Motive sind Figuren, kahlköpfige Männer und fotografische Porträts. Der Stil verspottete Chinas politischen und sozialen Status, und da dies ein neuer Morgen für chinesische Künstler war, wurde er von westlichen Kunstsammlern gut aufgenommen.
Postmoderne Literatur und Kino
Zu den Merkmalen der postmodernen Literatur gehören ein durchdachter Umgang mit dem Vorhandenen in Form von Zitaten und Anspielungen sowie das Spiel mit literarischen Gattungen. Charakteristisch ist auch der Aufbau zahlreicher Handlungsebenen und oft gebrochener Beziehungen.
Der wohl bekannteste Roman der Postmoderne ist Der Name der Rose von Umberto Eco, der mit einem sehr komplexen literarischen Aufbau in Krimi-Manier den Brückenschlag zwischen sogenannter Hochkultur und Massenkultur schaffte. Historische, literarische und kunsthistorische Zitate und Referenzen machen das Buch zu einem Lehrroman oder gar zu einem Literaturwettbewerb. Aber auch diejenigen, die sich dafür nicht interessieren, können Ecos Werk als spannenden Thriller genießen.
In ähnlicher Weise kombinierte Peter Greenaway in seinem Film The Cartoonist's Contract von 1982 das Genre des historischen Films mit dem Thriller, aber im Gegensatz zu Echo löst er das Rätsel nicht. Obwohl die Handlung zahlreiche klassische Hinweise liefert, führen sie alle nirgendwohin.
bildende Kunst
Die Verwendung des Begriffs Postmoderne wird von vielen Theoretikern und Künstlern, insbesondere im Bereich der bildenden Kunst, angesichts des breiten Spektrums an Ausdrucksformen abgelehnt. Die Ablehnung des modernistischen Innovationsglaubens ist auch eine der Grundlagen der postmodernen Ästhetik in der bildenden Kunst. Die Postmoderne ist mit historischen Kategorien der Kunst verbunden, die von der Moderne abgelehnt wurden, wie etwa narrative und mythologische Strukturen.
Das beginnt bereits bei Andy Warhols Darstellungen von Ikonen des 1950. Jahrhunderts, von Elvis bis Jackie Onassis. Auch die Pop-Art markierte in den XNUMXer Jahren den Bruch mit der Moderne, indem sie sich von der Abstraktion verabschiedete. In den XNUMXer Jahren betonte die bildende Kunst ebenso wie die damalige Architektur die Bedeutung sinnlicher, emotionaler und traditioneller Aspekte gegenüber Theorie und Konzept.
In den XNUMXer Jahren brach das Kollektiv Neue Wilden mit seiner expressiven und repräsentativen Malerei die Dominanz der minimalistischen und konzeptionell umtriebigen Avantgarde. Ähnliche Trends gab es in den Vereinigten Staaten und Italien.
Nachdem sich der Wirbelsturm um die Neuen Wilden gelegt hatte, setzten sich Strömungen durch, die sich auf die Reflexion des Mediums Malerei und sinnliche Experimente mit bildnerischen Medien konzentrierten (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), die gegenständliche Malerei die Vorherrschaft des Minimalismus und der konzeptuellen Arbeitsavant- Garde. Ähnliche Trends gab es in den Vereinigten Staaten und Italien.
Charakteristisch für die Zeit sind zwei Künstler, deren Werk die Ästhetik von Subkultur und Massenkultur aufnimmt: Keith Haring und Jeff Koons. Haring gelang es, Elemente aus Graffiti-Kunst, Comics, Computerzeichensprache, Kinderzeichnung und früher Historienmalerei zu einer hochpoetischen Zeichensprache zu kombinieren, die in vielen Kulturen verständlich ist. Jeff Koons machte sich Anfang der 1990er Jahre mit der provokativen Banalität seiner Sujets einen Namen.
Das verwendete Material ist meist hochwertig, erinnert aber mit seiner Oberflächengestaltung an die Welt des Schnickschnacks und Kitschs, wie etwa die teilvergoldete, lebensgroße Porzellanfigur von Michael Jackson mit seinem Schimpansen Bubbles.
Die Forderung der postmodernen Ästhetik nach Pluralismus, Subjektivität, einer Abkehr von der Abstraktion, der Einbeziehung von Massenmedien, der Verwischung der Geschlechtergrenzen und der Akzeptanz des Zitats als künstlerisches Medium hat Farbe und Bewegung in die Landschaft gebracht.
Die spätere Anerkennung von Fotografie und Film als Kunstmedium kann durchaus als nachhaltiges Ergebnis postmoderner Strömungen angesehen werden. Temporäres Highlight: Im Sommer 2002 zeigt das Museum Ludwig in Köln im Rahmen einer großen Ausstellung alle fünf Filme aus Matthew Barneys kürzlich vollendetem "Cremaster Cycle".
Architektur
Mitte der 1970er Jahre führte Charles Jencks den Begriff Postmoderne in den Architekturdiskurs ein. Auf diese Weise erreichte der postmoderne Diskurs erstmals eine breite Öffentlichkeit. Die Stilprinzipien der postmodernen Architektur hatten sich zu diesem Zeitpunkt bereits klar herauskristallisiert.
Gefordert war eine demokratische und kommunikative Architektursprache, deren Ästhetik sich nicht nur auf Funktion, sondern auch auf signifikante Inhalte stützen sollte. Auch die Einbeziehung fiktiver Elemente wurde gefordert, wie zum Beispiel die Gotik, die in der Kathedrale ein Bild des himmlischen Jerusalems sah.
Gleichzeitig verstärkte sich der Trend, historische Gebäude zu erhalten und umzugestalten. Prominentestes Beispiel war der Gare d'Orsay in Paris, der 1986 als Musée d'Orsay eröffnet wurde. Solche historischen Bauten prägten die Sprache der postmodernen Architektur, die von Anfang an stark von Zitaten bestimmt war.
Um einen neuen Historismus zu vermeiden, lautete die Devise, dass der Eklektizismus, der sich beispielsweise in der Verwendung von Säulen, Fenstern und Gittern ausdrückte, ironisch gebrochen werden sollte. Das Spektrum der postmodernen Architektur entwickelte sich besonders im Museumsbau der XNUMXer und XNUMXer Jahre.
Neben Hans Holleins Museum Abteiberg (Mönchengladbach) gilt die Staatsgalerie von James Stirling (Stuttgart) als gelungenes und charakteristisches Produkt der Postmoderne. In Stirlings Design verschmelzen zahlreiche Anspielungen auf historische Architektur von Ägypten bis zur klassischen Moderne mit popkulturellen Farben und regionaltypischen Materialien wie Sandstein und Travertin zu einer einheitlichen, zeitgenössischen Form.
In letzter Zeit rückt beim Museumsbau der Erlebnischarakter immer stärker in den Vordergrund als der pädagogische Anspruch.
Anstatt über meditative Kunst nachzudenken, ist Inszenierung gefragt, und die Architektur selbst wird mit atemberaubenden Ausblicken und theatralischen Effekten inszeniert. Die ersten öffentlichen Besichtigungen finden zunehmend statt, bevor die Gemälde aufgehängt werden, um die Architektur erlebbar zu machen.
Postmoderner Fokus auf Populärkultur
Kunstkritiker verwenden oft den Begriff "Hochkultur", wenn sie versuchen, die Kunst der Malerei und Skulptur (und anderer bildender Künste) von der Populärkultur von Zeitschriften, Fernsehen und anderen Massenprodukten zu unterscheiden. Die Moderne und ihre einflussreichen Anhänger wie Greenberg (1909-94) betrachteten diese Kulturformen als minderwertig. Demgegenüber sehen Postmodernisten, die einen demokratischeren Kunstbegriff bevorzugen, „Hochkultur“ als elitärer.
Pop Art, die erste postmoderne Bewegung, verwandelte gewöhnliche Konsumgüter in Kunst. Pop-Künstler und andere gingen sogar noch weiter in ihren Versuchen, die Kunst zu demokratisieren, indem sie ihre „Kunst“ auf Tassen, Papiertüten und T-Shirts druckten: eine Methode, die übrigens exemplarisch für postmodernes Verlangen, Originalität und Authentizität steht.
Postmoderne Künstler haben die Vorstellung aufgegeben, dass ein Kunstwerk nur eine inhärente Bedeutung hat. Stattdessen glauben sie, dass der Betrachter eine ebenso wichtige Bedeutungsquelle ist. Cindy Shermans surreale Fotografie beispielsweise unterstreicht die Vorstellung, dass ein Kunstwerk auf vielfältige Weise interpretiert werden kann.
Tatsächlich erlauben einige Künstler, wie die Performance-Künstlerin Marina Abramovic, den Zuschauern sogar, an ihrer Kunst teilzuhaben, oder benötigen sogar den Input des Publikums, um ihre Arbeit fertigzustellen.
Konzentrieren Sie sich auf die Sendung
In Ermangelung eines wahren Sinns im Leben, insbesondere wenn wir Tag und Nacht Radio- und Fernsehwerbung ausgesetzt sind, haben postmoderne Künstler es vorgezogen, sich in Stil und Spektakel zu beschränken und häufig Werbeinstrumente und -techniken einzusetzen, um eine größere Wirkung zu erzielen. Dieser Ansatz wird im kommerziellen Druckverfahren veranschaulicht, bei dem posterähnliche Bilder von Popkünstlern wie Roy Lichtenstein und James Rosenquist verwendet werden.
Der Fokus auf die Oberfläche ist ein gemeinsames Merkmal der postmodernen Kunst und tritt manchmal mit theatralischen, brillanten, höchst wirkungsvollen Bildern in den Vordergrund. Seit 1980 hat der Einsatz von Computern und anderen Technologien die Multimediakunst (z. B. Animation) revolutioniert und spezifische Möglichkeiten in Bereichen wie der Architektur geschaffen.
Wie wichtig es ist, die Aufmerksamkeit des Publikums in der Postmoderne auf sich zu ziehen, zeigt die Schocktaktik einer Gruppe von Studenten des Goldsmiths College, bekannt als Young British Artists, Ende der XNUMXer und XNUMXer Jahre in London. Die YBAs, die für drei Shows berühmt wurden, wurden für ihren schlechten Geschmack kritisiert, doch einige von ihnen wurden Gewinner des Turner-Preises, während andere beträchtliche Bekanntheit und Vermögen erlangten.
Erfüllen Sie die Bedürfnisse der Verbraucher
Das gestiegene Konsumverhalten und die unmittelbare Genusskultur in den letzten Jahrzehnten des XNUMX. Jahrhunderts haben auch die bildende Kunst stark beeinflusst. Die Verbraucher wollen jetzt Innovationen. Sie wollen auch Erholung und Spaß. Viele postmoderne Künstler, Kuratoren und andere Fachleute ergriffen die Gelegenheit, Kunst in ein Spaßprodukt zu verwandeln.
Die Einführung neuer Kunstformen wie Performances, Events und Installationen sowie neuer Themen, darunter tote Haie, riesige Eisskulpturen, viele nackte Körper, Gebäude, die sich zu bewegen scheinen, eine Sammlung von XNUMX Terrakottafiguren, bemalte Körper, gespenstische Projektionen auf öffentliche Gebäude (und vieles mehr) - haben den Zuschauern eine Vielzahl neuer, manchmal schockierender Erfahrungen beschert.
Ob diese neuen Kunstformen tatsächlich „Kunst“ sind, bleibt eine viel diskutierte Frage. Postmoderne Konzeptualisten behaupten, dass dies der Fall ist, während Traditionalisten sich weigern, es als solches zu betrachten.
Prinzipien der postmodernen Kunst
Für Spezialisten besteht die postmoderne Kunst aus drei Grundprinzipien, die sie allgemein regeln, ohne sie vollständig einzuschränken:
unmittelbare Bedeutung
Keine verblichenen Ölgemälde mehr, die haarsträubende Ereignisse aus der griechischen Mythologie darstellen, um dem kultivierten Betrachter ein wissendes Lächeln zu entlocken. Seit ihren Anfängen in der Pop-Art-Bewegung waren postmoderne Malerei und Skulptur mutig, brillant und sofort erkennbar.
Themen und Bilder wurden hauptsächlich von hochkarätigen Konsumgütern, Zeitschriften, Werbespots, Fernsehen, Filmen, Zeichentrickfilmen und Comics übernommen. Zum ersten Mal verstand jeder die ausgestellte Kunst. Obwohl sich die Postmoderne aus der Pop-Art entwickelt hat, bleibt ein Hauptziel der Bedeutung sofort erkennbar.
Kunst kann aus allem gemacht werden
Aufbauend auf den Traditionen von Marcel Duchamp, dessen Urinal mit dem Titel Fountain (1917) das erste berühmte Beispiel eines gewöhnlichen Objekts war, das in ein Kunstwerk umgewandelt wurde (ein weiteres Beispiel: The Story of the Ready-made), haben Kunstkünstler der Postmoderne es geschaffen ihr Geschäft, Kunst aus den ungewöhnlichsten Materialien und Trümmern zu schaffen. Die Idee dahinter ist, Kunst zu demokratisieren und zugänglicher zu machen.
Die Idee ist wichtiger als das Kunstwerk selbst
Bis in die 1960er Jahre glaubten Künstler allgemein, dass es ohne ein fertiges Produkt nichts gäbe. Großes Augenmerk wurde auf die Qualität des fertigen Kunstwerks und die dafür erforderliche Handwerkskunst gelegt. Heute liegen die Dinge anders.
Postmodernisten neigen dazu, mehr an das Konzept hinter dem Endprodukt zu glauben als an das Produkt selbst, weshalb ein Großteil der „postmodernen Kunst“ als „Konzeptkunst“ oder „Konzeptualismus“ bezeichnet wird. Andere Formen des Konzeptualismus umfassen Installationen, darstellende Künste, Happenings, Projektionskunst und einige andere.
Bemerkenswerte postmoderne Künstler
Da wir Zeitgenossen der postmodernen Kunst sind, ist es schwierig, die ikonischen Namen der Zeit zu unterscheiden. Erst nach einiger Zeit lässt sich sagen, welche Künstler die Geschichte der Malerei ausdrucksstark geprägt haben und wessen Ruhm nur der Mode zu verdanken ist. Da sich die Postmoderne jedoch seit mehr als einem halben Jahrhundert entwickelt, können wir einige der Namen nennen, die bereits in die Geschichte eingeschrieben sind. Dazu gehören zum Beispiel:
- Dadaist, Surrealist und Begründer des Konzeptualismus Marcel Duchamp
- Pop-Art-Leader Andy Warhol
- Der Pionier der Montage César Baldaccini
- Der renommierte Konzeptualist Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (* 28. Juli 1887 – † 2. Oktober 1968) war ein Meister der Avantgarde-Kunst, bekannt für seine extravaganten Kunstwerke. Marcel Duchamps Werk widersetzte sich etablierten Traditionen und wurde in der Skandalchronik auf beiden Seiten des Ozeans immer wieder diskutiert.
Zu Beginn seiner Karriere malte er Bilder im postimpressionistischen Stil, eine Hommage an den Kubismus und Fauvismus, aber dann gab er die Malerei auf und interessierte sich für die Schaffung von Installationen, bei denen er Techniken mischte und Materialien verschiedener Texturen verwendete. Die revolutionären Ideen des Künstlers hatten großen Einfluss auf die Entwicklung der Konzeptkunst im XNUMX. Jahrhundert.
Andy Warhol
Andy Warhol (geboren am 6. August 1928 – gestorben am 22. Februar 1987) war ein gefragter amerikanischer Künstler und Galerist des XNUMX. Jahrhunderts. Er leistete einen großen Beitrag zur Entwicklung der kommerziellen Pop-Art. Andy Warhol gilt zu Recht als Anführer eines solchen Trends wie uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (geboren am 22. Oktober 1925 – gestorben am 12. Mai 2008), laut der Zeitung The New York Times der Titan der amerikanischen Kunst des XNUMX. Jahrhunderts, war ein herausragender Künstler und Schöpfer, Vertreter des abstrakten Impressionismus, Konzeptualismus, Ready-Made und Gründer der Pop-Art.
Die Gemälde von Robert Rauschenberg sind Collagen und Installationen, Obelisken, Haushaltsgegenstände und andere schwer einzuordnende Gegenstände. Das Werk des Meisters ist wie seine Biografie schockierend, überraschend, widerlich und charmant, lässt aber niemanden gleichgültig. Als feuriger Bisexueller, frustrierter Apotheker, Gegner alles Klassischen und Gewöhnlichen forderte er sich und die Welt um sich herum ständig heraus.
Abhilfemaßnahmen Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (* 16. Dezember 1908 – † 8. Oktober 1963) ist ein spanischer und mexikanischer Künstler des XNUMX. Jahrhunderts, ein ursprünglicher Vertreter des Surrealismus. Remedios Varos Werk geht über den Rahmen der klassischen Malerei hinaus: Träume, philosophische Reflexionen, Magie, Mechanik, Geschichte und Okkultes sind in den Werken des Surrealisten miteinander verflochten.
Gleichzeitig sind die Bilder von Remedios Varo betont lyrisch und feminin, erfüllt von mittelalterlicher Atmosphäre und verweisen den Betrachter auf die Ursprünge des Universums. Die Gemälde von Remedios Varo sind bevölkert von extravaganten Märchenfiguren, mechanischen Konstruktionen und der Natur. Im Gegensatz zum klassischen Surrealismus wird in jedem Werk des Künstlers eine Handlung klar nachgezeichnet, die den Betrachter zu bestimmten Schlussfolgerungen führt.
Francis Bacon
Francis Bacon (geboren am 28. Oktober 1909 – gestorben am 28. April 1992) ist ein Meister des britischen Expressionismus, einer der zweideutigsten und brutalsten Künstler des XNUMX. Jahrhunderts. Die Arbeit von Francis Bacon gilt als beeindruckend: Die erschreckendsten Schöpfungen der menschlichen Fantasie werden in seinen Gemälden zum Leben erweckt.
Francis Bacon erhielt keine akademische Ausbildung. Gleichzeitig ist es unglaublich gefragt und beliebt. Die Gemälde des Meisters sind der ultimative Traum sowohl für private Galerien als auch für die berühmtesten Museen der Welt, die nicht abgeneigt sind, seine Werke in die Sammlung aufzunehmen. Einige der Meisterwerke des Künstlers sind mehrere zehn Millionen Dollar wert und in den Listen der teuersten Kunstwerke enthalten.