Innovation ist der maximale Ausdruck dessen, was die Moderne war. An sich brachte diese Bewegung einen der größten Beiträge zur Kunst des XNUMX. Jahrhunderts mit sich. Und deshalb haben wir uns entschlossen, Sie über die Hauptmerkmale dieser Bewegung in der Kunst, insbesondere in der Kunst, zu informieren modernistische Malerei und vieles mehr.
Moderne und modernistische Malerei
Moderne Kunst ist ein Begriff, der verwendet wird, um eine Periode der Kunstgeschichte zu beschreiben, die ungefähr von den 1860er bis in die 1970er Jahre reicht.Der Begriff bezeichnet den Stil und die Philosophie der Kunst, die in dieser Zeit entstanden sind. Ihre Wurzeln liegen in der Arbeit von Künstlern des späten XNUMX. Jahrhunderts wie Van Gogh, Cezanne und Gauguin, deren Ausbildung und frühe Karriere auf einem traditionellen Malstil beruhten.
Im späten XNUMX. Jahrhundert begannen jedoch viele Künstler, sich von der realistischen Erzählung in Bezug auf Thema und Stil zu entfernen und sich einem abstrakteren Malstil zuzuwenden, der ihre neuen ästhetischen Ideen ansprach. Dies wurde später als modernistische Malerei bekannt. Daher wird der Begriff „modernistisch oder modern“ mit Kunst in Verbindung gebracht, was diesen künstlerischen Ausdruck von der traditionellen Malerei distanziert.
Moderne Künstler spielten mit unerforschten Sichtweisen auf ihre Motive und neuen Wegen, traditionelle Malmaterialien zu verwenden. Diese stellten die Idee in Frage, dass Kunst die Welt realistisch darstellen sollte, und experimentierten mit dem ausdrucksstarken Einsatz von Farbe, neuen Techniken und nicht-traditionellen Materialien, die heute als Markenzeichen der modernistischen Kunst und Malerei gelten.
Der Beginn des XNUMX. Jahrhunderts brachte noch mehr Experimente. Die Fauve-Künstler (Fauvismus), Sie begannen, ausdrucksstarke „wilde“ Landschaften zu malen, und kubistische Künstler begannen, Motive in feste Formen zu zerlegen und sie fast abstrakt zu machen.
Diese Kunstbewegungen und diejenigen, die ihnen bis ins XNUMX. Jahrhundert folgten, basierten auf neuen Denkweisen, Betrachtungen und Erforschungen von Kunst, wodurch die eigentliche Definition dessen, was moderne Kunst ist, definiert wurde. Wo moderne Kunst ein Begriff ist, der verwendet wird, um eine künstlerische Bewegung und eine Periode der Kunstgeschichte zu beschreiben, ist Modernismus der Name der zeitgleich entstandenen philosophischen Bewegung.
Die industrielle Revolution, das schnelle Wachstum städtischer Gebiete und neue Transportmittel trugen zur Entwicklung der Philosophie der Moderne bei, die traditionelle Denkformen, Kunst, Religion und soziales Verhalten ablehnte. Moderne und moderne Kunst sind miteinander verbunden und koexistieren: Die Theorien der Moderne speisen das Denken von Künstlern, und moderne Kunst fördert die Philosophie in der tatsächlichen Praxis.
Merkmale der Moderne in der Kunst
Obwohl es kein einzelnes Merkmal gibt, das "moderne Kunst" definiert, zeichnete sie sich durch eine Reihe wichtiger Merkmale aus, wie zum Beispiel die folgenden:
Neue Arten von Kunst
Moderne Künstler waren die ersten, die die Kunst der Collage, verschiedene Formen der Assemblage, eine Vielzahl von kinetischer Kunst (einschließlich Mobiles), verschiedene Genres der Fotografie, Animation (Zeichnung plus Fotografie), Land Art oder Böschungen und Performancekunst entwickelten.
Verwendung neuer Materialien
Moderne Maler pflanzten Gegenstände wie Zeitungsausschnitte und andere Gegenstände auf ihre Leinwände. Bildhauer verwendeten Fundstücke wie Marcel Duchamps „Readymades“, aus denen sie Schrottkunstwerke schufen. Die Assemblagen wurden mit den gängigsten Alltagsgegenständen wie Autos, Uhren, Koffern, Holzkisten und anderen Gegenständen hergestellt.
ausdrucksstarke Verwendung von Farbe
Die Strömungen der modernen Kunst wie der Fauvismus, die Farbfeldmalerei und der Expressionismus waren die ersten, die die Farbe in ganz signifikanter Weise zur Explosion brachten.
Neue Techniken
Chromolithografie wurde vom Plakatkünstler Jules Cheret entwickelt, automatisches Zeichnen wurde von surrealistischen Künstlern definiert, ebenso wie Frottage und Decalcomania. Die Gestenmaler verstanden Action Painting. In der Zwischenzeit führten Popkünstler "Benday Dots" und Siebdruck in die bildende Kunst ein. Andere Bewegungen und Schulen der modernen Kunst, die ebenfalls neue Techniken in der Ausführung und Ausarbeitung der Malerei einführten.
Modernistische Kunstbewegungen
Die Anfänge der modernistischen Malerei lassen sich nicht einschränken, aber es besteht allgemeine Einigkeit darüber, dass sie im Frankreich des XNUMX. Jahrhunderts begann. Die Gemälde von Gustave Courbet, Edouard Manet und den Impressionisten repräsentieren eine sich vertiefende Ablehnung des vorherrschenden akademischen Erbes und eine Suche nach einer naturalistischeren Darstellung des visuellen Universums.
Die Nachfolger können als moderner in ihrer Ablehnung traditioneller Praktiken und Themen und in ihrem Ausdruck einer abstrakteren persönlichen Vision angesehen werden. Ab den 1890er Jahren entstanden eine Reihe unterschiedlicher Bewegungen und Stile, die den Kern der zeitgenössischen Kunst ausmachen und einen der Höhepunkte der westlichen visuellen Kultur darstellen. Zu diesen modernen Bewegungen gehören:
- Neoimpressionismus
- Symbolik
- Fauvismus
- Kubismus
- Futurismus
- Expressionismus
- Suprematismus
- Konstruktivismus
- metaphysische Malerei
- De Stijl
- Dada
- Surrealismus
- Sozialer Realismus
- Abstrakter Expressionismus
- Pop-Art
- Op-Art
- Minimalismus
- Neo-Expressionismus
Ungeachtet der enormen Vielfalt dieser Bewegungen sind viele von ihnen charakteristisch zeitgenössisch in ihrer Untersuchung der Möglichkeiten, die dem Bildmedium selbst innewohnen, um eine religiöse Antwort auf die unterschiedlichen Lebensbedingungen im XNUMX. Jahrhundert und darüber hinaus auszudrücken.
Zu diesen Bedingungen gehören der beschleunigte technologische Wandel, das Wachstum wissenschaftlicher Erkenntnisse und Erkenntnisse, die offensichtliche Irrelevanz einiger Standardquellen von Überzeugungen und Werten und das wachsende Bewusstsein für nicht-westliche Kulturen.
Chronologie und Evolution
Die Entwicklung der modernen Kunst in all ihren Darstellungen (modernistische Malerei und mehr) wurde in der Welt durch verschiedene Formen und Ursachen dargestellt und entwickelt, die im Folgenden chronologisch aufgeführt werden:
1870-1900
Obwohl das letzte Drittel des XNUMX. Jahrhunderts etwas von der neuen impressionistischen Malweise dominiert wurde, gab es tatsächlich mehrere wegweisende Strömungen der modernen Kunst und modernistischen Malerei mit jeweils eigenen Ansätzen. Diese enthielten:
- Impressionismus (Genauigkeit bei der Aufnahme der Auswirkungen des Sonnenlichts).
- Realismus (Inhalt – Thema).
- Akademische Kunst (echte Bilder des klassischen Stils).
- Romantik (Geisteszustand).
- Symbolismus (rätselhafte Ikonographie).
- Lithografische Plakatkunst (fette Motive und Farben).
Das letzte Jahrzehnt dieser Zeit sah eine Reihe von Revolten gegen die Akademien und ihre Salons in Form der Sezessionsbewegung, während die späten 1890er Jahre den Niedergang der naturbasierten Kunst wie des Impressionismus erlebten, der bald zu einem Aufstieg weiterer führen würde ernsthafte, auf Botschaften basierende Kunst.
1900-14
Fast in allem war dies die beeindruckendste Zeit der modernen Kunst, als alles noch potentiell lebensfähig war und als das "Gadget" noch nur als Verbündeter des Menschen visualisiert wurde. Pariser Künstler produzierten eine Reihe neuer Stile, darunter: Fauvismus, Kubismus und Orphismus. Während deutsche Künstler ihre eigene modernistische expressionistische Malschule gründeten.
Alle diese fortschrittlichen Bewegungen lehnten traditionalistische Einstellungen zur Kunst ab und versuchten, ihre eigene besondere Agenda der Moderne zu verteidigen. So wollte der Kubismus die formalen Attribute der Malerei in den Vordergrund stellen, während der Futurismus lieber die Möglichkeiten der Maschine betonte und der Expressionismus die individuelle Wahrnehmung verteidigte.
1914-24
Das Gemetzel und die Zerstörung des Ersten Weltkriegs veränderten die Dinge vollständig. 1916 wurde die Dada-Bewegung ins Leben gerufen, erfüllt von einem nihilistischen Drang, das Wertesystem zu untergraben, das Verdun und die Somme hervorgebracht hatte. Gegenständliche Kunst erschien plötzlich obszön. Kein Bild konnte mit Fotografien der Kriegstoten konkurrieren. Künstler hatten sich bereits zunehmend der gegenstandslosen Kunst als Ausdrucksmittel zugewandt. Zu den Bewegungen der abstrakten Kunst der damaligen Zeit gehörten:
- Kubismus (1908-40)
- Vortizismus (1914-15)
- Suprematismus (1913-18)
- Konstruktivismus (1914-32)
- Stijl (1917-31)
- Neoplastizismus (1918-26)
- Elementarismus (1924-31)
- Bauhaus (1919-33)
- Die spätere St. Ives School
Auch die wenigen figurativen Bewegungen waren eindeutig avantgardistisch, wie die metaphysische Malerei (1914-20) zeigt.
1924-40
Die Friedensjahre zwischen den Kriegen blieben von politischen und wirtschaftlichen Schwierigkeiten geprägt. Abstrakte modernistische Malerei und Skulptur blieben prominent, da Kunst, die sich von der Realität unterscheidet, weitgehend aus der Mode kam.
Selbst der realistische Flügel der surrealistischen Bewegung, die größte Bewegung dieser Zeit, konnte nicht mehr als einen Fantasy-Reality-Stil vertragen. In der Zwischenzeit tauchte auf dem Kontinent eine unheimlichere Realität in Form von Nazi-Kunst und sowjetischem Agit-Prop auf. Lediglich Art déco, ein eher eleganter, auf Architektur und angewandte Kunst ausgerichteter Designstil, drückte Zuversicht in die Zukunft aus.
1940-60
Die Kunstwelt wurde durch die Katastrophe des Zweiten Weltkriegs verändert. Zunächst verlagerte sich sein Schwerpunkt von Paris nach New York, wo er seitdem geblieben ist. Fast alle zukünftigen Weltrekordpreise würden in den Verkaufsräumen von Christie's und Sotheby's in New York erzielt. Inzwischen hatte das unsägliche Phänomen Auschwitz den Wert aller realistischen Kunst mit Ausnahme der Holocaust-Kunst der Betroffenen untergraben.
Als Folge davon wurde die nächste große internationale Bewegung, der abstrakte Expressionismus, von amerikanischen Künstlern der New York School geschaffen. Tatsächlich wird in den nächsten 20 Jahren die Abstraktion dominieren, wenn neue Bewegungen entstehen. Diese enthielten:
- Informelle Kunst.
- Aktionsmalerei.
- Gestik.
- Rauchen.
- Farbfeldmalerei.
- lyrische Abstraktion.
- Farbe mit harten Kanten
- COBRA, eine Gruppe, die sich durch ihre Kinderikonografie und ihre ausdrucksstarken Linien auszeichnet.
Während der 1950er Jahre keimten andere, kühnere Arten von Stilen auf, wie zum Beispiel: kinetische Kunst, Nouveau Realism und Neo-Dada, die alle ein fortschreitendes Unbehagen gegenüber der engstirnigen Kunstindustrie zum Ausdruck brachten.
1960
Die Explosion der populären Musik und des Fernsehens spiegelte sich in der Pop-Art-Bewegung wider, deren bildliche Darstellungen von Hollywood-Berühmtheiten und die Ikonographie der Popkultur den Erfolg des Massenkonsums in den Vereinigten Staaten feierten. Es hatte auch ein frisches, modernes Gefühl, das dazu beitrug, einen Teil der Düsternis der frühen 60er Jahre zu zerstreuen, die mit der Kubakrise von 1962 verbunden war, die in Europa den Erfolg der Fluxus-Bewegung angeheizt hatte, angeführt von:
- George Maciunas
- Joseph Beuys
- Nam June Paik
- Wolf Vostell
Die bodenständige Pop-Art war auch ein willkommener Kontrapunkt zum gelehrteren abstrakten Expressionismus, der bereits zu verblassen begann. Aber in den 1960er Jahren entstand auch eine andere hochkarätige Bewegung namens Minimalismus, eine Form modernistischer Malerei und Skulptur, die im Gegensatz zur emotional aufgeladenen Sprache des abstrakten Expressionismus von allen externen Referenzen oder Gesten befreit war.
Moderne in der Grafik
Ende des XNUMX. Jahrhunderts waren die Künstler der traditionellen und konservativen Kunstformen überdrüssig. In Wien nannte sich eine Künstlergruppe um Gustav Klimt Wiener Secession und grenzte sich von den damaligen Kunstinstitutionen der österreichischen Hauptstadt ab.
Die Gruppe erkundete Neuland in Form, Komposition und Ausdruck und löste ähnliche Experimente in anderen nahe gelegenen Ländern wie Frankreich und Deutschland aus. Reiche modernistische Farbstriche und Realismus werden in flache Farben und stilistische Typografie übersetzt, Ausdrücke, die den Weg für die grafische Kunst ebnen würden.
Zu Beginn des Ersten Weltkriegs wurde Grafikdesign bereits für kommerzielle, unternehmerische und ästhetische Zwecke eingesetzt. Seine neue Rolle würde politisch sein und während des Krieges auf Plakaten und in der Propaganda verwendet werden.
Fortschritte im Massenfarbdruck ermöglichten die effiziente Produktion von Nachrichten, um Spenden zu sammeln, die Einstellung zu fördern und die Moral zu stärken. Die Turbulenzen und Herausforderungen beider Weltkriege inspirierten schließlich die erste Welle des wahren Modernismus im Grafikdesign.
In Europa und Amerika ließen sich Grafikdesigner von breiteren Kunstbewegungen wie Kubismus, Futurismus, De Stijl und Surrealismus inspirieren. Auch in Deutschland beeinflusste die Bauhaus-Bewegung maßgeblich das Grafikdesign. Mit seinen kräftigen Linien, Primärfarben und störenden Weißräumen war es im 2-D-Format ebenso auffällig wie in der Architektur oder Skulptur.
Letztendlich wurde modernistisches Design durch abstrakten Ausdruck, fette Schrift und primäre Farben und Formen definiert. Diese Designer gingen objektiv an die Arbeit heran und betonten das Rationale gegenüber dem Expressiven (und betonten den klassischen modernistischen Glauben, dass die Form der Funktion folgt).
Als die Nazis in den 1930er Jahren an die Macht kamen, wurden modernistische Experimente in allen Praktiken angeprangert, und viele Künstler, Architekten und Designer wanderten in die Vereinigten Staaten aus. Obwohl das Wachstum des modernistischen Designs unterbrochen wurde, bleibt es eine der einflussreichsten Bewegungen in der Geschichte des Grafikdesigns.
Jugendstilschmuck, Glaswaren, Keramik, Möbel und Schmiedeeisen
Die modernistischen Juweliere der Vereinigten Staaten, die ihr Handwerk von den 1930er bis in die 1960er Jahre praktizierten, lehnten die Stile, die vorher entstanden waren, ziemlich nachdrücklich ab. Viktorianischer Schmuck wurde als zu dekorativ abgetan, Jugendstilstücke als zu anspruchsvoll und Art-déco-Ästhetik als zu starr angesehen. Diese Juweliere hatten das Gefühl, mehr mit den modernen Malern, Bildhauern und anderen Künstlern der Zeit gemeinsam zu haben.
Sein ehrgeiziges Ziel war es, einzigartige Kunstwerke zu schaffen, die Menschen nutzen können. Einer der frühen Verfechter und Praktizierenden dieser Form war Sam Kramer, der wie viele seiner Zeitgenossen im New Yorker Greenwich Village lebte, arbeitete und seine Kreationen verkaufte. Kramer arbeitete hauptsächlich mit Silber, war aber auch geschickt in der Herstellung von Kupferringen, Ohrringen und Anstecknadeln und fand Artefakte wie Elchzähne, Knöpfe, Fossilien und antike Münzen.
Gelegentlich verwendete Kramer Halbedelsteine wie Granate oder Opale in seinen surrealen, geometrischen oder biomorphen Stücken. Ein weiterer inoffizieller Anführer der modernistischen Schmuckbewegung war Kramers Nachbar Art Smith. Ihr Schmuck reichte von einfachen silbernen Halsringen bis hin zu biomorphen Stücken, die auf afrikanischen Motiven basieren.
Während Smith kleine Stücke wie Manschettenknöpfe und Ohrringe herstellte, waren viele seiner besten Arbeiten groß genug, um den Körper zu umhüllen, als ob die menschliche Form nur die Kulisse für seine Kreationen wäre.
Seine Vintage-Kupferarmbänder, insbesondere die „Jazz“-Handschellen mit auf der Außenseite aufgebrachten Musiknoten, sind sehr sammelwürdig. Bumerangs, gerade Linien, die Kurven schneiden, und Formen des Atomzeitalters sind typisch für Ed Wieners Arbeit.
Manchmal war ein Paar silberner Ohrringe, die wie verbogene Sanduhren aussahen, mit einer einzelnen Perle geschmückt. In anderen Fällen wurde ein Katzenaugenachat in die Mitte eines Stücks gelegt, als ob es seinen leblosen Objekten das Aussehen eines menschlichen Gesichts verleihen wollte.
Ein weiterer Bewohner von Greenwich Village, dessen modernistischer Vintage-Schmuck hoch angesehen ist, war Paul Lobel, der entzückende Silbernadeln und -armbänder sowie Glas, Möbel und Silberwaren entwarf. Außerhalb von New York gab es Betty Cooke, die in Baltimore im Bauhaus-Modus arbeitete.
Ihr Schmuck bestand aus geometrischen Formen und zeichnete sich durch ein starkes Ordnungsgefühl aus, das sie absichtlich durch die scharfe Platzierung von Perlen, kleinen Holzblöcken oder sogar unfertigen Steinen wie Quarz störte.
Eine weitere Bauhaus-Akolythin war Margaret De Patta, deren Werk den tiefgreifenden Einfluss des Bauhaus-Meisters László Moholy-Nagy widerspiegelt, bei dem sie studierte. Währenddessen ließ sich Peter Macchiarini in San Francisco von afrikanischen Masken und dem Kubismus inspirieren. Messing, Kupfer und Silber waren übliche Materialien, zusammen mit Opalen, Achaten und Holz.
In Skandinavien fand in den 1940er und 1950er Jahren eine parallele Bewegung statt. Henning Koppel und Nanna Ditzel waren zwei bemerkenswerte Designer für Georg Jensen, dessen silberne Tropfen- und Amöbenhalsketten die Perfektion der dänischen Goldschmiedekunst mit einem Interesse an natürlichen, sogar primitiven Formen verbanden.
Später, im Finnland der XNUMXer Jahre, verband Bjorn Weckstrom massives Silber und Teile aus poliertem Acryl, um Ringe, Armbänder und Anhänger zu schaffen, die sowohl spacig als auch organisch waren. Andere Bereiche, die von modernistischen Künstlern erforscht wurden, waren die Herstellung von Keramik, Möbeln, Glaswaren und Metallurgie. Unter den herausragendsten Künstlern können die folgenden genannt werden:
- Louis Comfort Tiffany (Designer)
- Émile Gallé (Keramiker und Glasmacher)
- Antonin Daum (Glaser)
- Lluís Masriera (Juwelier)
- Carlo Bugatti (Möbeldesigner)
- Louis Majorelle (Möbeldesigner)
- Gustave Serrurier-Bovy (Möbeldesigner)
- Jacques Grüber (Dekorateur und Maler)
- Jules Brunfaut (Architekt und Dekorateur)
- Auguste Delaherche (Keramiker)
- Georges de Feure (Maler und Dekorateur)
modernistische Malerei
Die moderne Kunstgeschichte war ein großer Zuschauer des Zusammenbruchs traditioneller Beschränkungen, sowohl in Bezug auf die Form (das Erscheinungsbild der Kunst) als auch auf den Inhalt (das Thema). Dies geschah in allen Sparten der Kunst, wobei die Malerei im Vordergrund stand. Tatsächlich hatten Maler seit dem Ende der Antike die ästhetische Innovation in Europa angeführt.
Die herausragendste Neuerung in der Form war das Aufkommen zunehmend verzerrter Malstile, die in der Geburt der abstrakten Kunst gipfelten. Inhaltlich zeigt die Malerei der Moderne gewöhnliche Alltagsszenen im Gegensatz zu traditionellen "hohen" Sujets (biblisch, mythologisch, historisch).
Die Geburt der modernistischen Malerei wird oft auf den Realismus zurückgeführt, eine französische Bewegung, die Szenen des Alltags auf physisch realistische Weise darstellte. Obwohl realistische Szenen des täglichen Lebens auf die Low Country-Malerei der Renaissance zurückgeführt werden können, verfolgte die Bewegung des modernen Realismus einen neuen Ansatz, indem sie sich auf harte Realitäten konzentrierte, darunter: Armut, Obdachlosigkeit und Arbeitsbedingungen
Diese Bewegung wurde von Gustave Courbet angeführt, dessen bemerkenswerteste Werke „Die Steinbrecher“ und „Entierro de Ornans“ sind. Obwohl die Verzerrung, nicht der Realismus, zum vorherrschenden Trend in der modernistischen Malerei wurde, blüht die realistische Kunst bis heute weiter auf. Ein Großteil dieser Kunst ist, wie die ursprüngliche französische Bewegung, sozialbewusst.
Die nächste große Phase der modernistischen Malerei war der Impressionismus, ein schneller, skizzenhafter Stil, der den Gesamteindruck einer Szene einfängt (im Gegensatz zu präzisen Details). Insbesondere der Impressionismus versucht, die momentanen Lichteffekte einzufangen, hauptsächlich durch benachbarte Pinselstriche mit hellen, kontrastierenden Farben (die die Brillanz beider Farben verstärken und so einen leuchtenden Effekt erzeugen).
Die Impressionisten waren die erste Gruppe von Künstlern, die hauptsächlich vor Ort malten, anstatt vor Ort zu zeichnen und im Atelier zu malen. Die Wurzeln des Impressionismus liegen in den Werken von Édouard Manet, der in einem ziemlich realistischen Stil malte. Manet sorgte jedoch für Kontroversen, indem er sich nur lose an die Perspektive hielt, Hintergründe vereinfacht schematisch wiedergab und die Oberflächen von Objekten in Bereiche mit Volltonfarbe glättete (anstatt Objekte mit glatter Schattierung zu modellieren).
Diese Tendenzen wurden erstmals deutlich in Manets berühmtestem Frühwerk „Luncheon on the Grass“. Sie werden in seinen späteren Werken deutlicher, darunter: "Eine Bar im Folies-Bergére", das oft als sein Meisterwerk angesehen wird. Die Erweiterung von Manets Stil führte zum Impressionismus, da scharfe Details und realistische Modellierung zugunsten schneller Pinselstriche und Farbtupfer aufgegeben wurden.
Der prominenteste Impressionist war Claude Monet, der hauptsächlich an Landschaften und Seestücken arbeitete. Zu seinen frühen Werken gehören viele Küstengemälde rund um seine Heimatstadt Le Havre, darunter „Impression, Sun Rising“. Als dieses Werk als „bloßer Eindruck“ kritisiert wurde, war der Name des Stils gesichert.
Manchmal kehrte Monet mehrmals zu unterschiedlichen Zeiten oder Jahreszeiten zu einem Motiv zurück, um eine ganze Reihe von Lichtverhältnissen einzufangen. Dieser Ansatz gipfelte in der berühmten Water Lily Series, die viele Behandlungen des Seerosenteiches vor dem Haus zeigt, in das sich Monet zurückgezogen hat.
Der Impressionismus umfasst viele der bekanntesten Namen in der Malerei. Zusammen mit Monet wurde die impressionistische Landschaftsmalerei von Sisley und Pissarro geleitet. Die bekanntesten Figurenmaler des impressionistischen Stils waren:
- Renoir
- Morisot
- Von Benzin.
Den Impressionisten, die die Realität leicht verwischten und vereinfachten, folgte eine Gruppe von Künstlern, die die Verzerrung viel weiter gingen: die Postimpressionisten, die entdeckten, dass auffallende neue emotionale Effekte möglich waren, wenn die Formen und Farben der Realität spektakulärer transformiert wurden.
Einige Post-Impressionisten verfolgten die geometrische Verzerrung (bei der die Welt in geometrische Formen komprimiert wird, wodurch ein Gefühl von Starrheit und Kontrolle entsteht), während andere die flüssige Verzerrung erforschten (bei der die Welt auf fließende und organische Weise verzerrt wird). Beide Arten von Verzerrungen (insbesondere flüssig) zeigen oft dramatisch unrealistische Farben.
Der Hauptpionier der geometrischen Verzerrung war Paul Cézanne, der die physischen Merkmale einer Szene nahtlos in geometrische Formen vereinfachte. So entstanden Landschaften (sein bevorzugtes Sujet) mit einem etwas starren, blockartigen Erscheinungsbild.
Der wichtigste Pionier der Fluid Distortion war Vincent van Gogh. (Andere wichtige Persönlichkeiten sind Gauguin, Munch und Toulouse-Lautrec.) Van Goghs Stil ist fließend und farbenfroh, mit besonderem Schwerpunkt auf Gelb. Die Sternennacht ist vielleicht sein berühmtestes Werk.
Während Georges Seurat eine sehr charakteristische Form des Postimpressionismus entwickelte: den Pointillismus, bei dem Szenen in vielen Punkten einer einzigen Farbe wiedergegeben werden. Das berühmteste pointillistische Werk ist „Sunday Afternoon“, das die Insel La Grande Jatte widerspiegelt.
modernistische Skulptur
Moderne Skulptur wird historisch als Skulptur definiert, beginnend mit dem Werk von Auguste Rodin und endend mit dem Aufkommen von Pop Art und Minimalismus in den 1960er Jahren. und Methoden, die von Schlüsselkünstlern verwendet werden.
Während es heute als Klischee gilt, die modernistische Bewegung in der Skulptur mit dem Werk von Rodin zu beginnen, sieht man in seinem Werk Tendenzen, die für die moderne Skulptur charakteristisch werden, wie ein neues Interesse am Fragment, insbesondere am Körper.
Außerdem eine Oberflächenbehandlung und ausdrucksstarke Oberflächendetails, ein Augenmerk auf Bewegung, eine symbolische Verschmelzung des inneren Ausdrucks einer Figur und ihrer äußeren Repräsentation oder das, was Constantin Brancusi „Essenz“ nannte. Und eine stärkere Berücksichtigung von Abstraktion, Fragmentierung und Nicht-Repräsentation in skulpturalen Objekten, also eine bewusste Abkehr von Realismus und akademischem Idealismus.
Bildhauer legten in dieser Zeit auch Wert auf Design, Form und Volumen gegenüber der Darstellung eines bestimmten Themas. Die Verwendung von Materialien, die traditionell nicht in den endgültigen skulpturalen Konzepten verwendet werden, wurde deutlicher, wie die Verwendung von: Kleidung, Textilien und anderen gemischten Medien. Wie in der „Little Fourteen-Year-Old Ballerina“ von Edgar Degas zwischen 1878 und 1881 zu sehen ist, befindet sie sich derzeit in der National Gallery, Washington.
Die Verschmelzung menschlicher und mechanischer Elemente wird in der Zeit des Maschinenzeitalters beobachtet, wie in den Werken von Umberto Boccioni und Jacques Lipschitz, zusätzlich zu den Verzerrungen und Zerbrechlichkeiten, die in Werken der Zwischenkriegszeit auftreten, wie in den Werken von Medardo Rosso und Alberto Giacometti.
Der Einfluss der Kunst außerhalb der westlichen, also europäischen, Tradition wurde um die Jahrhundertwende sehr einflussreich für die Bildhauer und zeigt sich in den Skulpturen von Paul Gauguin und Pablo Picasso. Künstler wie Naum Gabo und Antoine Pevsner begannen, Materialien zu verwenden, die in der unmittelbaren Vergangenheit nicht für Kunstskulpturen verwendet wurden, und neu erfundene Materialien wie Kunststoffe.
Materialien, die in der Vergangenheit verwendet wurden, gewannen in der Neuzeit an Bedeutung, wie z. B.: Aluminium bei Isamu Noguchi, Elektrizität für Lichter in Skulpturen und für motorisierte Bewegungen von Camille Claudel, Eisen von Julio González, Blei von Aristide Maillol, Stahl und geschweißte Metalle von David Smith und Julio González, Holz von Constantin Brancusi und Fundstücke von Louise Nevelson.
Obwohl es Beispiele für bewegliche Skulpturen gibt, die von früheren Bildhauern wie Antonio Canova und Lorenzo Bartolini hergestellt wurden. Was wir heute als kinetische Skulptur bezeichnen würden, gewannen in der ersten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts sowohl die Andeutung von Bewegung in der Skulptur als auch die sich tatsächlich bewegenden Skulpturen an Bedeutung. Alexander Calder und László Moholy-Nagy setzten in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts einen stärkeren Einsatz von Bewegungstechnologie in ihren Werken um.
Die Spannung und Reaktion zwischen dem positiven Bild und dem negativen Raum, der ein Kunstwerk umgibt, spielte ebenfalls eine bedeutende Rolle, was sich insbesondere in den frühen Arbeiten und "Raumzeichnungen" von Giacometti, Picasso und David Smith sowie in Skulptur von Jean Arp, Henry Moore und Barbara Hepworth.
Die oben genannten Künstler, zusammen mit vielen anderen, darunter: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens und Aristide Maillol, machten einen bedeutenden Bruch mit der befreiten Skulptur der jüngsten Vergangenheit es von ihrem Vertrauen in die Anatomie und ihrer Knechtschaft zur Architektur, und sie brachten das Medium weiter als jede Generation seit den Bildhauern der frühen Renaissance.
Moderne Architektur
Die moderne Architektur entstand aus der Ablehnung von Revivals, Klassizismus, Eklektizismus und allen Anpassungen früherer Stile an die Bautypen der Industriegesellschaft im späten XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert. Darüber hinaus entstand es aus Versuchen, architektonische Formen und Stile zu schaffen, die die neu verfügbaren Bautechnologien aus Eisen und Stahl, Stahlbeton und Glas nutzen und widerspiegeln konnten.
Bis zur Verbreitung der Postmoderne beinhaltete die moderne Struktur auch die Ablehnung der angewandten Ornamentik und Dekoration, die für vormoderne westliche Gebäude charakteristisch ist. Die Stoßrichtung der modernen Architektur war eine konsequente Konzentration auf Gebäude, deren rhythmische Anordnung von Menschen und Formen ein geometrisches Muster in Licht und Farbe bildet.
Diese Entwicklung war eng mit den neuen Bauformen verbunden, die eine Industriegesellschaft erforderte, wie beispielsweise Bürogebäude, in denen die Unternehmensverwaltung oder die Regierungsverwaltung untergebracht sind. Zu den wichtigsten Trends und Bewegungen der modernistischen Architektur gehören:
- Die Chicago-Schule
- Funktionalismus
- Art Deco
- Jugendstil
- De Stijl, das Bauhaus
- Der internationale Stil
- Der neue Brutalismus
- Postmodernismus
moderne Künstler
Die Geschichte der modernen Kunst ist die Geschichte der größten Künstler und ihrer Errungenschaften. Moderne Künstler haben sich bemüht, ihre Sicht auf die Welt um sie herum mit visuellen Mitteln auszudrücken. Während einige ihre Arbeit mit früheren Bewegungen oder Ideen verbunden haben, war es das übergeordnete Ziel jedes Künstlers in der Moderne, seine Praxis zu einer Position reiner Originalität zu führen.
Bestimmte Künstler etablierten sich als unabhängige Denker und wagten sich über das hinaus, was damals akzeptable Formen der "hohen Kunst" ausmachte, unterstützt von traditionellen staatlichen Akademien und Förderern der bildenden Kunst der Oberschicht. Diese Innovatoren beschrieben ein Thema, das viele als unzüchtig, kontrovers oder sogar geradezu hässlich betrachteten.
Der erste moderne Künstler, der in diesem Sinne im Wesentlichen allein stand, war Gustave Courbet, der Mitte des 1849. Jahrhunderts versuchte, seinen eigenen unverwechselbaren Stil zu entwickeln. Dies wurde weitgehend durch sein Gemälde Burial at Ornans von 1850-XNUMX erreicht, das die französische Kunstwelt schockierte, indem es die Beerdigung eines einfachen Mannes aus einem Bauerndorf darstellte.
Die Akademie sträubte sich gegen die Darstellung von schmutzigen Landarbeitern um ein offenes Grab, da nur klassische Mythen oder historische Szenen das geeignete Thema für ein so großes Gemälde waren. Courbet wurde zunächst wegen seiner Arbeit geächtet, aber er erwies sich schließlich als sehr einflussreich für nachfolgende Generationen moderner Künstler. Dieses allgemeine Muster der Ablehnung und anschließenden Beeinflussung wurde von Hunderten von Künstlern in der Neuzeit wiederholt.
Nachfolgend finden Sie eine Liste einiger der bekanntesten Künstler der modernistischen künstlerischen Ausdrucksform:
- Eugène Atget
- Hippolyte blancard
- Paul Cézanne
- Salvador Dalí
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Vincent van Gogh
- Hector Guimard
- Wassily Kandinsky
- Raoul Francois Larche
- Jacques-Henri Lartigue
- Fernand Léger
- Henri Matisse
- Joan Miró
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- franz klein
- Paul Klee
- František Kupka
- Paul Strand
- Charles Scheiler
- Heinrich von Toulouse
- Lautrec
- douard Vuillard
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