Der griechische Einfluss ist in all seiner Kunst präsent, aber seine eigene Prägung zwingt ihm sehr charakteristische Stile auf römische Malerei: Lebensszenen, mythologische Szenen, Landschaften, Stillleben oder sogar Trompe-l'oeil-Dekorationen. Architekturschmuck war bei den Römern sehr beliebt.
römische Malerei
So wie die griechische Kunst von den vorhellenischen Zivilisationen von Kreta und Mykene eingeführt wurde, fand auch die römische Kunst einen Nährboden in der etruskischen und griechischen Zivilisation. Um die Jahre 1000/800 kommen aus dem östlichen Mittelmeerraum, vermutlich aus Lydien, in Kleinasien, die Etruskerstämme nach Italien. Glücklicherweise ergänzen sie damit die einheimische Bevölkerung; ins Herz Italiens bringen sie ein Stück orientalisches Kulturerbe.
Da die Etrusker fast die gesamte italienische Halbinsel eroberten, trugen sie viel zum Aufbau der römischen Zivilisation bei: Ihre Praktikabilität und ihr technisches Können hinterließen tiefe Spuren in der römischen Kunst. Die Griechen übten auch erheblichen Einfluss auf die römische Kunst und Zivilisation aus.
Während der Zeit der großen Kolonialisierung, 800-550, strömten sie an die Küsten des Mittelmeers. Siedeln sie sich auch auf Sizilien an? und Süditalien, die daher als Großgriechenland bezeichnet werden. Diese Griechen bringen die griechische Zivilisation in all ihren Aspekten auf italischen Boden und beeinflussen die römische Kunst mehr als jeder andere.
Mit dem Aufstieg der römischen Kultur trat die antike Ära in ihre Endphase ein. Die Kunst spielte in Rom eine ganz andere Rolle als in Griechenland, wo sie untrennbar mit dem Leben verbunden war.
Griechische Maler, Bildhauer, Architekten, Philosophen und Dichter haben selbst Geschichte geschrieben. Im alten Rom wurde diese Aufgabe von den Herrschern der Städte, Generälen und Rednern wahrgenommen. Ihre Namen sind in die Annalen der Geschichte eingeschrieben, aber die Namen römischer Maler und Bildhauer sind uns nicht überliefert, obwohl sie genauso begabt waren wie die Griechen.
Das Ende der etruskischen Kultur war der Beginn der römischen Kunst. Wahrscheinlich gab es vor dieser Zeit im alten Rom Künstler und Bildhauer, aber es sind keine Informationen über sie erhalten. Es wirkte sich auch auf die Tatsache aus, dass Rom fast bis zum Ende der Existenz der Republik ständig Kriege führte, um seine Nachbarn zu erobern, und Krieg trägt, wie Sie wissen, nicht zur Entwicklung der Kunst bei.
Das Land wurde auch von Machtkämpfen erschüttert: Die Bürger kämpften gegen die Aristokraten und verteidigten ihre Rechte; Die italienischen Städte (Gemeinden) forderten die Gleichstellung mit den Bürgern Roms. Die Kriege dauerten Jahrhunderte, ohne ein einziges Jahr anzuhalten. Vielleicht aus diesen Gründen existierte die römische Kunst als solche erst im IV-III Jahrhundert v.Chr.. Die Architektur war die erste, die sich erklärte: zuerst in Form von Brücken und Verteidigungsbauten und später - Tempeln.
Man sagt oft, die Römer seien keine wahren Künstler. Diesen Eindruck gewinnt man, wenn man die künstlerischen Leistungen der Römer etwa mit denen der Griechen oder Ägypter vergleicht. In den frühen Jahrhunderten der römischen Geschichte finden wir wenig, was auf ästhetische oder künstlerische Bestrebungen hindeutet; Die Römer haben sicherlich keine originelle Kunst geschaffen.
Wenn Rom jedoch im Laufe der Jahrhunderte einen herausragenden Platz in der Kunstgeschichte einnimmt, dann deshalb, weil die Römer nach der Eroberung der Militärherrschaft über die Welt auch die spirituellen Werte und Kunstformen anderer Völker anerkannten, insbesondere der Griechen , hatte eine große Aufnahmefähigkeit und wusste, wie man auf persönliche Weise verarbeitet.
Allgemeine Merkmale der antiken römischen Malerei
Die römische Malerei ist uns fast ausschließlich in Form von Wandmalereien überliefert. Insofern befinden sich die meisten Kunstwerke noch immer an dem Ort, für den sie geschaffen wurden und wo sie unter oft schwierigen Bedingungen aufbewahrt werden. Wichtige Zeugnisse der römischen Malerei sind die Dekorationen von Gräbern und Privathäusern, von Tempeln und Heiligtümern im ganzen Reich.
Auch in der römischen Malerei überwog zunächst der griechische Einfluss. Eine spezifisch römische Stätte wurde aus dem XNUMX. Jahrhundert v. Chr. Gefunden. C. in den sogenannten Triumphbildern. Um die siegreichen Feldherren zu ehren, wurden Gemälde als volkstümliche Berichte in den Triumphzug getragen und anschließend öffentlich ausgestellt. Leider sind diese Gemälde nicht erhalten und nur in der antiken Literatur belegt.
Der Brauch, die Innenwände von Häusern zu bemalen, gelangte im XNUMX. Jahrhundert v. Chr. aus den griechischen Städten Süditaliens in die römischen Städte, aber die römischen Dekorationsmaler, die sich auf griechische Techniken stützten, entwickelten ihr reiches System der Wanddekoration kreativ weiter. .
In der römischen Wandmalerei des XNUMX. Jahrhunderts v. Chr. ist es üblich, zwischen vier Dekorationsstilen zu unterscheiden, die manchmal als „pompeianisch“ bezeichnet werden (weil solche Wandmalereien erstmals in der Freskentechnik bei Ausgrabungen in Pompeji entdeckt wurden).
Einen großen Beitrag zum Studium der Wandmalereien im antiken Rom leistete der deutsche Wissenschaftler August May, der für die Identifizierung der vier Stile der pompejanischen Malerei verantwortlich war.
Die Einteilung in Malstile ist recht willkürlich und überschneidet sich nicht mit den allgemeinen Entwicklungsgesetzen der römischen Malerei insgesamt.
Die römische Wandmalerei kann aus verschiedenen Positionen betrachtet werden: Erstens als einzelne Bildkomposition, die diese oder andere Räumlichkeiten bestimmter Größe und Bestimmung schmückt. Zweitens als Echo griechischer und hellenistischer Kompositionen.
Drittens als Suche nach diesem oder jenem kulturellen Standard, einem Standard des römischen Kunstgeschmacks aus verschiedenen Epochen. Viertens, als Vertreter der unterschiedlichen künstlerischen Strömungen der römischen Malerei selbst, die handwerklichen Fähigkeiten ihrer Schöpfer.
Techniken und Stile der römischen Malerei
Die Innenräume römischer Gebäude waren oft verschwenderisch mit kräftigen Farben und Mustern dekoriert. Wandmalereien, Fresken und die Verwendung von Stuck zur Schaffung von Reliefeffekten wurden im XNUMX. Jahrhundert v. Chr. Angefertigt
Es wird in öffentlichen Gebäuden, Privathäusern, Tempeln, Gräbern und sogar militärischen Einrichtungen in der gesamten römischen Welt verwendet.
Die Designs reichten von komplizierten, realistischen Details bis hin zu höchst impressionistischen Renderings, die oft den gesamten verfügbaren Wandabschnitt einschließlich der Decke abdeckten.
Die Vorbereitung des Putzes war so wichtig, dass Plinius und Vitruv in ihren Werken die Technik erklären, mit der die Maler die Wände mit Fresken bemalten: Zunächst musste ein hochwertiger Putz hergestellt werden, der auch aus sieben aufeinanderfolgenden Schichten bestehen konnte andere Zusammensetzung.
Die erste war grober, dann die anderen drei aus Mörtel und Sand und die letzten drei aus Mörtel und Marmorstaub; Im Allgemeinen wurden Putzschichten mit einer Dicke von etwa acht Zentimetern hergestellt, wobei die erste direkt auf die Wand aufgetragen wurde, damit sie gut haftete, und die dickste (drei bis fünf cm) aus Sand und Kalk bestand.
Römische Wandmaler bevorzugten natürliche Erdfarben, auch dunklere Rot-, Gelb- und Ockertöne. Blaue und schwarze Pigmente wurden auch häufig für einfachere Designs verwendet, aber Beweise aus einer Lackiererei in Pompeji zeigen, dass es eine große Auswahl an Tönen gab.
Im XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert v. Chr. wurden Bilder nicht direkt auf die Wand gemalt. In bemaltem Gips wurden rechteckige Marmorplatten, stehend und liegend, in verschiedenen Farben nachgeahmt, die zur Verkleidung der Wände in großer Höhe verwendet wurden. Oben wurde diese Dekoration mit einem Gipsrahmen geschlossen, diese Rahmen enthielten wahrscheinlich lose Platten. In Kampanien sind mehrere Beispiele dieses Dekorationssystems erhalten geblieben, darunter das Haus Sallust in Pompeji.
Dies folgte der Mode, die sich in der hellenistischen Welt verbreitete. Erst zu Beginn des XNUMX. Jahrhunderts v. Chr. entstand eine echte römische Kunst. Die Teller waren nicht mehr in plastischem Stuck ausgeführt, sondern bemalt und durch Licht- und Schattenstreifen in ihrer Form angedeutet.
Später wurde der zentrale Teil der Mauer so bemalt, als würde er sich leicht zurückziehen, und in regelmäßigen Abständen wurden Säulen dargestellt, die auf einem Podest zu stehen schienen und anscheinend das Dach stützten. Der obere Rand der Mauer deutete auf einen Blick in einen anderen Raum oder einen Innenhof hin. Architektonische Konstruktionen wurden auch symmetrisch um eine bemalte Öffnung angeordnet, mit einer Tür oder einem Tor in der Mitte, wie in der Villa von Publius Fannius Sinistor in Boscoreale, 50-40 v
Die Themen waren Porträts, Szenen aus der Mythologie, Trompe-l'oeil-Architektur, Flora, Fauna und sogar Gärten, Landschaften und ganze Stadtansichten, um spektakuläre Panoramen zu schaffen, die den Betrachter aus den engen Räumen in die grenzenlose Welt der Fantasie des Malers entführen entführt.
Die größten Beispiele römischer Malerei stammen von den Fresken im Bereich des Vesuvs (Pompeji und Herculaneum), von den ägyptischen Tafeln des Fayum und von römischen Vorbildern, einige stammen aus der frühchristlichen Zeit (Gemälde aus den Katakomben). Wir haben Hinweise auf römische Malerei in drei Techniken:
- Wandmalerei: im Fresko ausgeführt, auf frischem Kalk und daher haltbarer; die Farben wurden mit Ei oder Wachs gemischt, um ihnen die Griffigkeit zu erleichtern;
- Malerei auf Holz oder Platte: Aufgrund der Art des Trägers sind die erhaltenen Beispiele selten. Eine berühmte Ausnahme bilden die Grabsteine von Fayum (Ägypten), die dank der besonderen Umwelt- und Klimasituation glücklicherweise erhalten geblieben sind;
- Abstrakte Malerei, auf Gegenstände aufgetragen, für Dekorationszwecke. Es ist normalerweise durch summarische und schnelle Schlaganfälle gekennzeichnet.
Im Allgemeinen zeigen frühere Gemälde und die von wohlhabenderen Häusern mehr Schichten als spätere Gemälde und die von weniger wohlhabenden Wohngebäuden. Oben beginnend wurden Putzschichten und dann Farben auf die Wand aufgetragen und schließlich unten fertig gestellt.
Trotz der großen Unterschiede im Detail sind die Mauern nach dem gleichen Schema aufgebaut. Es gibt immer eine Basiszone, eine Mittelzone und eine Oberzone. Die Sockelzone ist meist recht schlicht, sie kann einfarbig sein, aber auch Marmorimitationen oder einfache Pflanzenmalereien haben. Auch geometrische Muster sind sehr beliebt.
In der mittleren Zone entfaltet sich jedoch der Schwerpunkt der Malerei. Je nach Stil findet man kunstvolle Architektur oder schlichte Felder, wobei die Wandmitte meist besonders schwer und mit einem Gemälde verziert ist.
Die besonders im dritten (ornamentalen) Stil weit verbreitete Feldmalerei besteht aus einem Wechsel von weiten, monochromen und schmalen Feldern, die oft reich mit Pflanzen, unwirklichen Architekturen oder anderen Mustern verziert sind.
Malerei wurde bereits von den Etruskern praktiziert (Grabmalerei), aber die ältesten Zeugnisse malerischer Tätigkeit in Rom stammen aus der ersten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts v. Chr.: Insbesondere die Figur des berühmten Fabius Pictor (Ende XNUMX. Jahrhundert v. Chr.) It erinnert, Dekorateur des Tempels von Salus.
Es wird die Hypothese aufgestellt, dass die römische Malerei bereits in dieser ältesten Phase die besondere Neigung zum festlichen Charakter der folgenden Jahrhunderte aufwies, ausgedrückt durch eine fließende und klare Erzählung, wie in zeitgenössischen skulpturalen Basreliefs. Sehr berühmt ist die sogenannte pompejanische Malerei, benannt nach Gemälden, die in Pompeji, Herculaneum und anderen vom Ausbruch des Vesuvs (79 n. Chr.) betroffenen Ländern gefunden wurden. Es ist in vier verschiedene Stile unterteilt:
der erste Stil
XNUMX.-XNUMX. Jahrhundert v. Chr., auch "Inlays" genannt. Es entsprach dem Leben der Römer im XNUMX. Jahrhundert v. Chr. Dieser Stil ist eine Nachahmung von farbigem Marmormauerwerk. An den Wänden der Innenräume wurden alle architektonischen Details in dreidimensionalen Stücken ausgeführt: Pilaster, Gesimse, Gesimse, einzelne Mauerwerkskonsolen, und dann wurde alles bemalt, wobei die Farbe und das Muster der Abschlusssteine nachgeahmt wurden.
Der Putz, auf den die Farbe aufgetragen wurde, wurde aus mehreren Schichten hergestellt, wobei jede nachfolgende Schicht dünner war.
Der "Inlay"-Stil war eine Nachahmung der Innenräume von Palästen und wohlhabenden Häusern in hellenistischen Städten, wo die Hallen mit mehrfarbigen Steinen (Marmor) ausgekleidet waren. Der erste dekorative Stil kam in den 80er Jahren v. Chr. aus der Mode. Ein Beispiel für den „Intarsien“-Stil ist das Haus des Fauns in Pompeji. Die verwendeten Farben Dunkelrot, Gelb, Schwarz und Weiß zeichnen sich durch ihre Tonreinheit aus.
Die Fresken im Haus der Greifen in Rom (100 v. Chr.) Können als Übergangsstadium zwischen dem ersten und dem zweiten Dekorationsstil dienen.
Die Kombination von blauen, lila, hellbraunen Farben, eine subtile Abstufung von königlicher und berühmter Malerei, flaches und volumetrisches Bild zwischen der Tafelwanddekoration und den Säulen, die sozusagen aus der Wand herausragen, ermöglicht es, die Malerei der zu betonen House of Griffins als Übergangsweg von einer kleinlichen Imitation von Mauerwerk zur aktiven räumlichen Lösung der Wand.
der zweite Stil
XNUMX.-XNUMX. Jh. v. Chr. Als „architektonische Perspektive“ bezeichnet, ist sie im Gegensatz zum früheren Flachstil eher räumlicher Natur. Die Wände zeigten Säulen, Gesimse, Pilaster und Kapitelle mit einer totalen Illusion der Realität, sogar mit Täuschung. Der mittlere Teil der Wand war mit Bildern von Pergolen und Säulengängen bedeckt, die perspektivisch mit Hell-Dunkel dargestellt wurden. Mit Hilfe der dekorativen Malerei wurde ein Scheinraum geschaffen, die realen Wände schienen auseinander zu rücken, der Raum wirkte größer.
Manchmal wurden einzelne menschliche Figuren oder ganze mehrfigurige Szenen oder Landschaften zwischen die Säulen und Pilaster gestellt. Manchmal befanden sich in der Mitte der Wand große Bilder mit großen Figuren. Die Handlungen der Gemälde waren meist mythologisch, seltener alltäglich. Oft waren die Gemälde des zweiten Stils Kopien der Werke der antiken griechischen Maler des XNUMX. Jahrhunderts v
Ein Beispiel für die Malerei im zweiten Dekorationsstil ist die malerische Dekoration der Villa der Mysterien in Pompeji. In einem kleinen Raum mit hohem marmorartigem Sockel sind vor dem Hintergrund einer leuchtend roten Wand mit grünen Pilastern neunundzwanzig lebensgroße Figuren gruppiert.
Der größte Teil der Komposition ist den Mysterien zu Ehren des Gottes Dionysos gewidmet. Auch Dionysos selbst ist hier dargestellt, auf die Knie von Ariadne (Ehefrau) gestützt. Hier werden Älteste, junge Satyrn, Mänaden und Frauen gezeigt.
Sehr interessant ist die Szene, in der ein alter starker Mann, der an einer Wand des Raumes abgebildet ist, seinen Blick auf die junge Mänade richtet, die an der anderen Wand abgebildet ist. Gleichzeitig verspottet Silen einen jungen Satyr mit einer Theatermaske in den Händen.
Interessant ist auch eine andere Gemäldeszene, die eine beeindruckende Göttin zeigt, die ein kniendes Mädchen mit einer langen Peitsche auf ihren nackten Rücken peitscht und versucht, ein vollwertiger Teilnehmer an den Mysterien zu werden. Die Pose des Mädchens, ihr Gesichtsausdruck, die trüben Augen, die wirren schwarzen Haarsträhnen vermitteln körperliches Leid und seelische Qual. Zu dieser Gruppe gehört auch die schöne Figur einer jungen freien Tänzerin, die die erforderlichen Prüfungen bereits bestanden hat.
Die Komposition des Freskos basiert nicht so sehr auf der Proportion von Volumen im Raum, sondern auf der Gegenüberstellung von Silhouetten auf einer Ebene, obwohl die dargestellten Figuren voluminös und dynamisch sind. Das gesamte Fresko wird durch Gesten und Haltungen der an verschiedenen Wänden abgebildeten Figuren zu einem Ganzen verbunden. Alle Charaktere werden durch weiches Licht beleuchtet, das von der Decke strömt.
Die nackten Körper sind prachtvoll bemalt, die Farbgebung der Kleider ist überaus schön. Obwohl der Hintergrund leuchtend rot ist, verschwindet kein Detail vor diesem kontrastierenden Hintergrund. Die Teilnehmer an den Mysterien werden dargestellt, um die Illusion ihrer Anwesenheit im Raum zu erzeugen.
Eine Besonderheit des zweiten Stils sind Landschaftsbilder: Berge, Meer, Ebenen, belebt durch verschiedene grotesk dargestellte Menschenfiguren, die schematisch ausgeführt sind. Der Raum hier ist nicht geschlossen, sondern frei. In den meisten Fällen enthält die Landschaft Bilder von Architektur.
Zur Zeit der Römischen Republik war ein bildhaftes Staffeleiporträt weit verbreitet. In Pompeji gibt es ein Porträt einer jungen Frau mit Schreibtafeln sowie ein Bild des Pompejaners Terentius mit seiner Frau. Beide Porträts sind in mäßiger malerischer Manier gemalt. Sie zeichnen sich durch eine gute Übertragung von Gesichtsplastiken aus. tiefe Porträts.
der dritte Stil
Der dritte pompejanische Stil (spätes XNUMX. Jh. v. Chr. – frühes XNUMX. Jh. n. Chr.) entsprach dem ornamentalen Stil: Statt malerischer Verzierungen, mit dem Ziel, die königlichen Mauern zu trennen und zu ersetzen, gibt es Malereien, die die Mauer schmücken, ohne ihre Fläche zu durchbrechen.
Die Gemälde hingegen betonen die Ebene der Wand und schmücken sie mit zarten Ornamenten, unter denen sehr anmutige Säulen vorherrschen, eher wie Metallkronleuchter. Nicht umsonst wird der dritte Dekorationsstil auch „Kronleuchter“ genannt.
Neben dieser leichten architektonischen Dekoration wurden in der Mitte der Wand kleine Gemälde mit mythologischem Inhalt platziert. Stilleben, kleine Landschaften und Alltagsszenen werden gekonnt in die ornamentale Dekoration eingebracht.
Sehr charakteristisch sind Girlanden aus Blättern und Blumen, die auf weißem Hintergrund gemalt sind. Bemalter Blumenschmuck, Ornamente, Miniaturszenen und Stillleben erfordern eine genaue Betrachtung. Das Gemälde des dritten Stils betont den Komfort und die Intimität des Raums.
Die Palette der Künstler des dritten Stils ist interessant und vielfältig: eine schwarze oder dunkelviolette Basis, auf der früher kleine Büsche, Blumen oder Vögel abgebildet waren. Im oberen Teil wurden abwechselnd blaue, rote, gelbe, grüne oder schwarze Tafeln präsentiert, auf denen kleine Malereien, runde Medaillons oder lose verstreute Einzelfiguren platziert wurden.
Römische Künstler arbeiteten die griechische Lösung mythologischer Szenen im Einklang mit dem vorherrschenden Stil aus. Ernste Mimik, ruhige Körperhaltung und Mäßigung der Gestik, statuenhafte Figuren.
Größeres Augenmerk wurde auf eine klare Outline gelegt, die die Falten des Kleidungsstücks deutlich abgrenzt. Ein Beispiel für den dritten Stil ist Ciceros Villa in Pompeji. Idyllische Hirtenlandschaften haben sich in Pompeji und Rom erhalten. Meist kleinformatige Gemälde, etwas skizzenhaft, manchmal ein- oder zweifarbig gemalt.
der vierte Stil
Der vierte dekorative Stil entwickelte sich in der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts.Der vierte Stil ist anspruchsvoll und überschwänglich und kombiniert die vielversprechenden architektonischen Konstruktionen des zweiten Stils mit ornamentalen Dekorationen des dritten Stils.
Der ornamentale Teil der Gemälde nimmt den Charakter fantastischer architektonischer Kompositionen an, und die Gemälde in den zentralen Teilen der Wände haben einen räumlichen und dynamischen Charakter.
Die Farbpalette ist in der Regel vielfältig. Die Handlungen der Gemälde sind meist mythologisch. Die Vielzahl von unregelmäßig beleuchteten Figuren, die in schneller Bewegung dargestellt werden, verstärken den Eindruck von Weite. Das Gemälde im vierten Stil durchbricht erneut die Ebene der Wand und erweitert die Grenzen des Raums.
Die Meister des vierten Stils, die Wandmalereien schaffen, zeigen an den Wänden ein fantastisches prächtiges Portal des Palastes oder erzählende Gemälde, die sich mit "Fenstern" abwechseln, durch die Teile anderer architektonischer Strukturen sichtbar sind.
Manchmal bemalten die Künstler im oberen Teil der Wand Galerien und Balkone mit menschlichen Figuren, als würden sie die im Raum Anwesenden betrachten. Für die Malerei in diesem Stil war auch die Auswahl der Farben charakteristisch. Gerade in dieser Zeit repräsentieren sie Kompositionen mit dynamischen oder scharfen Aktionen
In Pompeji haben sich Wandmalereien und ein rein römischer Geist erhalten. So hing beispielsweise in der Calle de la Abundancia, am Eingang der Werkstatt des Färbers Verecundo, an der Außenwand ein mit Präzision und Akribie gefertigtes Gemälde, das alle Arbeitsgänge des Färbers und seiner Gehilfen darstellt. Ein Beispiel für den vierten Stil ist das Gemälde von Neros Palast in Rom (das Goldene Haus), dessen malerische Dekoration vom römischen Künstler Fabullus geleitet wurde.
Es war der prächtigste Stil, der die fantastische und illusionistische Architektur des zweiten Stils, falsche Marmortafeln und dekorative Elemente des dritten Stils (Haus der Vettii in Pompeji, Haus der Dioskuren) kombinierte. In dieser Zeit gibt es majestätische Architekturbeispiele mit theatralischer und szenografischer Wirkung, die jedoch Elemente aus früheren Stilen überarbeiten und kombinieren.
Viele pompejanische Villen wurden in diesem Stil aus dem Wiederaufbau nach dem Erdbeben von 62 n. Chr. Ausgeschmückt. Ein Beispiel dafür ist das Haus der Vettii, das mit Szenen des täglichen Lebens (z. B. Kampf zwischen Hähnen) und vor allem mit Szenen mit a dekoriert ist mythologisches Thema.
Die Originalität der römischen Wandmalerei des II.-III. Jahrhunderts
Nach dem Verschwinden von Pompeji, Herculaneum und Stabiae im Jahr 79 n. Chr. Es ist sehr schwierig, den Entwicklungsweg der antiken römischen Malerei zu verfolgen, da es nur wenige Denkmäler gibt, die auf die Jahrhunderte II-IV zurückgehen. Wir können definitiv sagen, dass sich die Wandmalerei im XNUMX. Jahrhundert durchgesetzt hat. Im Gegensatz zum vierten Dekorationsstil, bei dem die Illusion eines großen Raumes geschaffen wurde, wird nun die Ebene der Wand betont. Die Wand wird durch individuelle Architekturen linear interpretiert.
Neben der Malerei wurden bei der Dekoration des Raumes verschiedene Marmorsorten verwendet sowie Mosaike sowohl auf dem Boden als auch an den Wänden angebracht. Ein Beispiel ist das Gemälde der Villa des Kaisers Hadrian in Tivoli bei Rom. Ende des XNUMX. Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts wurden dekorative Maltechniken weiter vereinfacht.
Die Ebene der Wand, Decke, Gewölbefläche des Grabes war durch dunkle Streifen in Rechtecke, Trapeze oder Sechsecke unterteilt, in deren Innerem (wie in einem Rahmen) ein männlicher oder weiblicher Kopf oder ein Motiv gemalt war Pflanzen, Vögel und Tiere.
Im XNUMX. Jahrhundert entwickelte sich eine Malweise, die sich durch Striche auszeichnet, die nur die Hauptvolumen betonen und der plastischen Form folgen. Dichte dunkle Linien, gut definierte Augen, Augenbrauen, Nase. Das Haar wurde normalerweise in großen Mengen behandelt. Die Figuren sind schematisch. Dieser Stil wurde besonders beliebt bei der Bemalung christlicher Katakomben und römischer Gräber.
Am Ende des XNUMX. Jahrhunderts sind Mosaike besonders beliebt. Mosaikfiguren zeichnen sich durch die Starrheit der Posen, die Strichzeichnung der Kleidungsfalten, die Lage des Farbschemas und die allgemeine Formebene aus. Den Gesichtern der dargestellten Figuren fehlen individuelle Züge.
Es war üblich, dass der Adel die Wände seiner Villen und Privathäuser schmücken ließ, weshalb die meisten uns überlieferten bildlichen Zeugnisse aus diesem Zusammenhang stammen. Sehr wichtig für die römische Malerei war der griechische Einfluss, abgeleitet aus der Kenntnis griechischer Skulpturen und Malereien, vor allem aber aus der Verbreitung griechischer Maler in Rom. Aus der hellenistischen Sphäre erbte die römische Malerei nicht nur dekorative Themen, sondern auch Natürlichkeit und repräsentativen Realismus.
Grabporträts von Fayum
Neben der Römer- und Glockenmalerei gibt es die berühmten Fayum-Porträts (XNUMX. Jahrhundert v. Chr. – XNUMX. Jahrhundert n. Chr.), Eine Reihe ägyptischer Tafeln, die den Porträts ähneln, die während der Beerdigung auf den Verstorbenen gelegt wurden. Die Motive wurden lebendig dargestellt, mit einem starken Realismus der Gesichter, frontal und oft auf neutralem Hintergrund dargestellt. Charakteristisch für diese Tafeln ist eine außergewöhnliche malerische Lebendigkeit.
Diese Gruppe von Gemälden, ein beispielhaftes Beispiel für die Integration verschiedener Kulturen, ist aufgrund ihres Fundortes als Fayum-Porträts bekannt. Es gibt ungefähr sechshundert Grabporträts, die zwischen dem XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert in Enkaustik- oder Temperatechnik auf Holzbrettern hergestellt und dank des trockenen Klimas des Ortes in ausgezeichnetem Zustand erhalten wurden. Die hier lebende Bevölkerung war griechischen und ägyptischen Ursprungs, aber in ihrer Nutzung bereits stark romanisiert und an ihre eigenen Traditionen angepasst.
Diese Art der Malerei auf dem Tisch ist ein echtes Gemälde des Verstorbenen und Teil der lokalen Bestattungsriten: Die Kosten könnten auch sehr hoch sein, da das Porträt mit Blattgold verziert werden könnte, um Juwelen und Kostbarkeiten nachzuahmen, die dazwischen platziert wurden die Verbände der Mumie für einige Tage während der Ausstellung des Leichnams zu Hause vor der Beerdigung.
Ägyptischer Ritus, griechischer Brauch, aber römischer Stil: Diese Gemeinschaft wurde von der römischen Kunst beeinflusst und kopierte ihre Themen und Trends; Alle Porträts haben einen neutralen Hintergrund, sind jedoch in der Wiedergabe von Gesichtszügen und Details von Kleidung und Frisuren sehr plausibel.
In dieser Produktion finden sich wiederkehrende Charaktere wieder, die auch in Rom weit verbreitet waren: Die großen Augen, der starre Blick und die volumetrische Vereinfachung (Aufhebung der Konturflächen und des Körpers) finden sich auch in einigen römischen Porträts der strengen Zeit und kurz danach.
Als erstes Beispiel biblischer Malerei sind die Gemälde von Dura Europos (Syrien) aus der ersten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts einzustufen. Die Erfindung der neuen christlichen Ikonographie zeigt sich hier stark beeinflusst von der hellenistisch-jüdischen ikonographischen Tradition: Die ersten christlichen Illustrationen extrahieren tatsächlich Elemente und Ikonographie aus dem jüdischen und heidnischen Repertoire und verleihen ihnen eine neue religiöse Bedeutung.
Angesichts der engen ikonographischen und stilistischen Verwandtschaft wird angenommen, dass die Künstler gleichzeitig für heidnische und christliche Auftraggeber arbeiteten. Der Realismus, der die römische Malerei immer geprägt hatte, ging in der Spätantike langsam verloren, als mit der Verbreitung der Provinzkunst Formen vereinfacht und oft symbolisiert wurden.
Es ist das Aufkommen der frühchristlichen Malerei, bekannt vor allem durch die Katakombenmalereien, die biblische Szenen, Dekorationen, Figuren aus noch heidnischem Kontext und ein reiches Repertoire an Symbolen, die auf christliche Figuren und Inhalte anspielen (z. Der gute Schäfer). Die berühmtesten Beispiele stammen aus den Katakomben von Priscilla, Callisto und SS. Pietro und Marcellino (Rom).
Das römische Mosaik
Zusätzlich zum Alexander-Mosaik wurden in Pompeji kleinere Szenen gefunden, meist quadratisch, die aus mehrfarbigen Steinen bestehen und als Zentrum einfacher gemachter Böden eingearbeitet wurden. Die sogenannten Emblemata stammen aus dem XNUMX. Jahrhundert v. Chr. Ähnliche hellenistische Mosaike wurden auf Delos gefunden. Die Bilder, die oft Bacchus auf einem Panther oder Stillleben zum Thema haben, ähneln Gemälden.
Anders bei den schwarz-weißen Fußböden, die im XNUMX. Jahrhundert v. Chr. in Italien auftauchten, in Marmor ausgeführt waren und geometrische Motive, stilisierte Pflanzen und Blumen sowie vereinfachte Darstellungen von Menschen und Tieren zum Thema hatten und ihrer Architektur voll und ganz entsprachen Funktion. Dieses für Italien typische Schwarz-Weiß-Mosaik hat sich erst im XNUMX. Jahrhundert n. Chr. richtig entwickelt, vor allem in Ostia, wo große Kompositionen von Meerestieren angefertigt wurden.
Im Nordwesten des Reiches schlossen sie sich zunächst der schwarz-weißen Tradition Italiens an, doch ab Mitte des XNUMX. Jahrhunderts n. Chr. setzte man immer mehr auf Farbe. Beliebt war dort die Aufteilung in quadratische und achteckige Flächen, auf denen verschiedene Bilder angeordnet waren.
Die Mosaikkunst blühte in Nordafrika auf, wo große mythologische Szenen und Szenen aus dem Alltag in vielen Farben auf Böden dargestellt wurden (Villa Piazza Armerina in Sizilien). Polychrome Mosaike sind auch in Antiochia erhalten. Im XNUMX. Jahrhundert n. Chr. wurden Wandmosaiken vor allem dort eingesetzt, wo eine Bemalung weniger geeignet war (z. B. an Brunnenbauten). Wand- und Gewölbemosaiken aus dem XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert sind fast vollständig verloren gegangen.
Das Wandmosaik ist erst in christlichen Kirchen (XNUMX. Jahrhundert) vollständig entwickelt. Neben dem Mosaik wurde auch eine Technik namens Opus Sectile verwendet, bei der Figuren und Motive aus großen Stücken zusammengesetzt wurden, die aus verschiedenen Marmorarten geschnitten wurden. Diese Technik wurde nicht nur für Fußböden, sondern auch für Wände verwendet.
Kuriositäten
- Laut Plinius wurden die Farben in „blumige“ (Minium, Armenium, Cinnabaris, Chrysocolla, Indicum und Purposum) unterteilt, die vom Kunden direkt gekauft werden mussten, und „strenge“, die stattdessen vom Künstler in den Endpreis einbezogen wurden der Arbeit und umfassten im Allgemeinen gelben und roten Ocker, Erden und ägyptisches Blau
- Es wurde entdeckt, dass in der kaiserlichen Villa von Pompeji die Gemälde in den Korridoren, die alle zum dritten Stil gehören, einige Jahre vor dem Ausbruch und nur fünfzig Jahre nach ihrem Bau restauriert worden waren, was den großen Wert zeigt, der bereits in der Antike beigemessen wurde.
- Die in der römischen Malerei dargestellte Natur ist immer und nur die der Gärten: In der Mentalität der Zeit verband sich spontane Natur mit barbarischen Bräuchen und Zivilisationslosigkeit, toleriert wurden nur Darstellungen wilder Tiere in mythologischen Jagdszenen.
- Im fünfzehnten Jahrhundert wurde in Rom zufällig eine "Höhle" mit vollständig bemalten Wänden entdeckt: Es war die Domus Aurea des Kaisers Nero. Der Hofmaler Fabullus oder Amulius von 64 bis 68 n. Chr. arbeitet in der Domus Aurea und bemalt die meisten Räume im vierten pompejanischen Stil.
Farben
Die Farben wurden mit Pigmenten pflanzlichen oder mineralischen Ursprungs hergestellt und Vitruvio in De Architectura spricht von insgesamt sechzehn Farben, darunter zwei organische, fünf natürliche und neun künstliche. Die ersten sind schwarz, erhalten durch Kalzinieren des Harzes mit im Ofen verbrannten Harzstücken oder Trester und dann mit Mehl gebunden, und lila, abgeleitet von Murex, das eher in der Härtungstechnik verwendet wurde.
Die Farben mineralischen Ursprungs (weiße, gelbe, rote, grüne und dunkle Töne) wurden durch Dekantieren oder Kalzinieren erhalten. Das Dekantieren ist eine Trenntechnik, die darin besteht, zwei Substanzen aus einem Fest-Flüssig-Gemisch durch die Schwerkraft zu trennen (in der Praxis setzt sich der Feststoff am Boden eines Behälters ab, bis sich die gesamte Flüssigkeit darüber geklärt hat).
Die Kalzinierung ist ein Hochtemperatur-Erhitzungsprozess, der so lange fortgesetzt wird, bis alle flüchtigen Substanzen aus einer chemischen Verbindung entfernt sind, und der seit der Antike zur Herstellung von Farbpigmenten, einschließlich Coelin, verwendet wird. Die neun künstlichen wurden aus der Zusammensetzung mit verschiedenen Substanzen erhalten, und unter diesen waren Zinnober (Zinnoberrot) und Coelin (ägyptisches Blau) am häufigsten verwendet.
Zinnober quecksilberhaltigen Ursprungs war schwierig aufzutragen und zu pflegen (es verdunkelte sich bei Lichteinwirkung) und war sehr teuer und sehr begehrt. Es wurde aus den Minen bei Ephesus in Kleinasien und aus Sisapo in Spanien importiert. Cerulean wurde aus zerkleinertem Nitrofleur-Sand hergestellt, der mit nassen Eisenspänen gemischt wurde, die getrocknet und dann zu Pellets gebrannt wurden.
Diese Farbe wurde von einem Bankier, Vestorius, nach Rom importiert, der sie unter dem Namen Vesterianum verkaufte und etwa elf Denare kostete. Das Gesetz sah vor, dass der Kunde die „blumigen“ Farben (die teuersten) lieferte, während die „strengen“ (billigsten) Farben in den Vertrag aufgenommen wurden. Die Werkstatt bestand vielleicht aus einem Meister mit seinen Gehilfen.
Diese hochgeschätzten Handwerker wurden Teil des Instrumentums des Ladens, und als der Laden an andere Eigentümer verkauft wurde, wechselten auch sie zusammen mit den Arbeitsgeräten (Wasserwaage, Lot, Winkel usw.) und Werkzeugen den Besitzer. Seine Arbeit begann im Morgengrauen und endete in der Abenddämmerung, und obwohl seine Werke besucht und bewundert wurden, wurden sie nicht berücksichtigt.
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