Was ist die Malerei der Romantik und Typen

Die Betonung liegt auf Gefühl und Emotion innerhalb der Malerei der Romantik. Es gibt viel Raum für die Intuition und Vorstellungskraft des Künstlers. Dabei entstanden mitunter außergewöhnliche Kunstwerke mit einer poetischen, sentimental anmutenden Atmosphäre.

ROMANTIK MALEREI

Romantik Malerei

Am Ende des XNUMX. und XNUMX. Jahrhunderts erlebte die europäische und auch die amerikanische Kultur eine völlig andere Geburt als die aufklärerische Denk- und Philosophiezeit – die Phase der Romantik. Von Deutschland aus allmählich in die Kultur und Kunst Englands, Frankreichs, Russlands und anderer europäischer Länder eindringend, bereicherte die Romantik die Kunstwelt mit neuen Farben, Geschichten und der Kühnheit des Akts.

Allgemeine Merkmale der Romantik

Die Romantik begann als literarische Bewegung in Deutschland, England und Frankreich. Ende des XNUMX. Jahrhunderts (dem Jahrhundert der Vernunft) wurde man des rationalistischen Denkens der Aufklärung und des akademischen Klassizismus überdrüssig, in dem man ständig versuchte, die alten Klassiker nachzuahmen.

In der Romantik war der Künstler kein Nachahmer der klassischen Kunst mehr, sondern wurde selbst zum Schöpfer. Er arbeitete aus einem persönlichen Gefühl heraus. Kunst wurde zum "persönlichen Ausdruck individueller Emotionen". In diesem Lebensgefühl des XNUMX. Jahrhunderts war die Erfahrung des Einzelnen der Ausgangspunkt. Aus einem negativen Blick auf die eigene Zeit mit Industrie, Rationalismus und Materialismus wurde die Vergangenheit ideell gesehen.

Dieses Gefühl galt als dem gesunden Menschenverstand überlegen, denn der Romantiker lebte unzufrieden mit der Gesellschaft: Er floh aus dem Hier und Jetzt in andere Kulturen, in die Vergangenheit, in Märchen oder in die Natur. Mit Wehmut wünschte man sich zurück ins Mittelalter, zu der Vorstellung, dass das Leben damals noch rein und authentisch war.

In der bildenden Kunst lag der Höhepunkt der Romantik zwischen 1820 und 1850. In vielen europäischen Ländern lebte das Interesse an den Mythen, Sagen, Märchen und Legenden des eigenen Landes und an der Literatur, die die glorreiche Vergangenheit verherrlicht, wieder auf. In England schrieb Sir Walter Scott mehr als dreißig historische Romane, darunter Ivanhoe. In Frankreich schrieb Victor Hugo Notre Dame de Paris, eine mittelalterliche Geschichte, in der Quasimodo, der Bucklige, die Hauptrolle spielt.

Da waren die Übersetzungen von Tausendundeiner Nacht, einer Reihe orientalischer Geschichten. Die Komponisten ließen sich von Volksliedern, Balladen und Legenden der Vergangenheit inspirieren. Franz Schubert hat nicht weniger als sechshundert romantische Lieder komponiert. Ludwig van Beethoven wählte die Natur als Ausgangspunkt für seine Pastorale. In der Romantik wurde Harmonie in der Natur gesehen, Naturgesetze waren ein Vorbild. Der deutsche Schriftsteller Goethe entwickelte eine auf Wahrnehmung basierende Methode zum Studium der Natur.

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Großen Einfluss hatte Goethe auch durch seine Farbenlehre, die komplementäre Kontraste, insbesondere Blau und warmes Gelb, zum Ausgangspunkt nahm. Das Melodram überwog in den romantischen Balletten und im Theater. Je theatralischer eine Aufführung mit übertriebenen Kostümen und fantastischen Kulissen war, desto mehr wurde sie geschätzt.

Viele Künstler flohen mit ihren Themen in die Vergangenheit oder Zukunft, in die Exotik, in die Fantasie, in die „wilde“, unberührte Natur oder hegten eine romantische Sehnsucht nach einer unmöglichen Liebe. Als Sehnsucht nach dem Tod, als Befreiung vom Leiden rennen romantische Künstler manchmal buchstäblich vor der Realität davon.

Alle diese Themen wurden vom Künstler subjektiv angegangen, in der Annahme, dass das individuelle Gefühl oder die Idee universelle Gefühle und Ideen hervorruft. Der Künstler galt als Hohepriester des Höheren oder Übernatürlichen, als Kenner des Erhabenen. Nur der Künstler war in der Lage, mit seiner Vorstellungskraft persönliche Gefühle in Kunst zu verwandeln, eine intensive Erfahrung des inneren Lebens.

Schon die Vorläufer der Romantik (Johann Heinrich Füssli und Francisco de Goya sowie die Schriftsteller der literarischen Bewegung Sturm und Drang) bezeichneten Gefühle als Quelle ästhetischer Erfahrung, obwohl sie Schrecken und Schrecken sowie Bewunderung und Staunen nicht ausschlossen. , und damit Mitbegründer der „Schwarzen Romantik“.

Als neue ästhetische Kategorien wurden die individuelle Vorstellungskraft, das Erhabene und die Schönheit der Natur diskutiert. In der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts steht der Realismus der Romantik gegenüber.

Geschichte

Wenn wir von Romantik sprechen, sprechen wir von einer historischen Periode von 1815 bis 1848, in der die gesamte Gesellschaft von einem Wind erfasst wird, der bereits seit dem Ende des XNUMX. Jahrhunderts weht und im folgenden Jahrhundert weiter wehen wird die neue gesellschaftliche Werte unterstreicht.

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Sicherlich im Geiste des 1709. Jahrhunderts enthielt es bereits die kennzeichnenden Elemente der Romantik, aber nach dem, was wir aus den Schriften der Zeit erfahren, wurden sie als negative Werte angesehen, so sehr, dass sie als Symptom von psychischen Störungen identifiziert wurden, die darauf zurückzuführen sind „Das Übel des Jahrhunderts“ hat der französische Arzt und Philosoph La Mettrie (51-XNUMX) in „De la folie“ schnell beschrieben.

Zu den großen Wegbereitern der Romantik gehört Francisco de Goya, der unter Überwindung der weit verbreiteten neoklassizistischen Ideen den figurativen Geschmack des XNUMX. Jahrhunderts akzentuierte, um eine neue, für die Romantik typische Ausdrucksfreiheit zu gewinnen, von der er die dunkleren fantastischen Motive mutig vorwegnahm.

Die Romantik als soziales Phänomen wurde ursprünglich in Deutschland theoretisiert, hatte aber weitreichendere Auswirkungen in Frankreich, wo die Normen des sozialen Verhaltens so stark waren, dass romantische Künstler allein lebten, unterdrückt von einem tiefen Gefühl des Unbehagens und der Schuld.

In der Malerei bezieht sich die Romantik auf kulturelle und philosophische Strömungen, die im XNUMX., XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert in Amerika und den europäischen Staaten relevant waren. Das Genre entstand in Deutschland, manifestierte sich zunächst in der Literatur, ging dann in die Malerei über und verbreitete sich nach England, beeinflusste Frankreich, Spanien und mehrere andere Länder in Europa und Amerika.

Die Ära der Romantik fällt in die historische Periode zwischen der Französischen Revolution von 1789 und den europäischen bürgerlich-demokratischen Revolutionen von 1848, einem Wendepunkt im Leben der europäischen Völker.

Das rasche Wachstum des Kapitalismus untergrub die Grundlagen des Feudalsystems, und überall begannen die jahrhundertealten sozialen Beziehungen zusammenzubrechen. Revolutionen und Reaktionen erschütterten Europa, die Landkarte wurde neu gezeichnet. Unter diesen widersprüchlichen Bedingungen fand die geistige Erneuerung der Gesellschaft statt.

Die Romantik entwickelte sich ursprünglich (1790er Jahre) in Philosophie und Poesie in Deutschland und breitete sich später (1820er Jahre) nach England, Frankreich und anderen Ländern aus. Die Romantik legt der Wahrnehmung des Lebens den Konflikt zwischen Ideal und Wirklichkeit, gehobenen Gefühlen und Alltag zugrunde.

Das Genre der Romantikmalerei bildete sich allmählich heraus, zunächst erschien ein romantisches Heldenideal. Gegen Ende des XNUMX. Jahrhunderts begann sich der Trend zu manifestieren. Hauptziele und Dogmen: Betonung der Spontaneität, Vertrauen in die Besten der Menschen und Suche nach Gerechtigkeit. Der Stil der Romantik ist geprägt von der Vorherrschaft mythologischer Themen, der Idealisierung vergangener Zeiten, der Ablehnung der Dogmen der Vergangenheit und der rationalen Vision und lyrischen Bildern.

Jeder Künstler sah das Genre der Romantik in der Malerei auf seine eigene Weise, daher unterscheiden sich Thema, Stil und Details erheblich. Die Besonderheiten der Richtung trugen zur Eröffnung mehrerer Schulen bei, darunter: die Norwich School of Landscape Painters, die Barbizon School usw. Ebenso hatte der Stil einen gewissen Wert in der Manifestation von Symbolik und Ästhetik, und dank des Beitrags der einflussreichsten Künstler wurde die präraffaelitische Bewegung geformt.

Die Romantik in der bildenden Kunst basierte weitgehend auf den Ideen von Philosophen und Schriftstellern. In der Malerei, wie in anderen Kunstformen, zog es die Romantiker zu allem Ungewöhnlichen, Unbekannten, seien es ferne Länder mit ihren exotischen Bräuchen und Trachten (Delacroix), die Welt mystischer Visionen (Blake, Frederick, Präraffaeliten), Magie , Träume (Runge) oder Unterbewusstsein der dunklen Tiefe (Goya, Füssli).

Das künstlerische Erbe der Vergangenheit wurde für viele Künstler zur Inspirationsquelle: der Alte Orient, das Mittelalter und die Proto-Renaissance (Nazaräer, Präraffaeliten). Im Gegensatz zum Klassizismus, der die klare Kraft der Vernunft besingte, sangen die Romantiker leidenschaftliche und stürmische Gefühle, die den ganzen Menschen erfassten.

Die ersten, die auf die neuen Trends reagierten, waren das Porträt und die Landschaft, die zu den beliebtesten Genres der romantischen Malerei wurden.

Die Blüte der Porträtgattung war verbunden mit dem Interesse der Romantiker an der brillanten menschlichen Individualität, Schönheit und dem Reichtum ihrer geistigen Welt. Das Leben des menschlichen Geistes überwiegt in einem romantischen Porträt das Interesse an körperlicher Schönheit, an der sinnlichen Plastizität des Bildes. Ein romantisches Porträt (Delacroix, Gericault, Runge, Goya) offenbart immer die Einzigartigkeit jedes Menschen, vermittelt Dynamik, intensives Pochen des Innenlebens, rebellische Leidenschaft.

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Auch die Romantiker interessieren sich für die Tragödie einer gebrochenen Seele: Die Helden der Werke sind oft psychisch Kranke. Die Romantiker denken, dass die Landschaft die Verkörperung der Seele des Universums ist; die natur erscheint wie die menschliche seele dynamisch, sich ständig verändernd.

Die für den Klassizismus charakteristischen geordneten und geadelten Landschaften wurden durch Bilder einer spontanen, widerspenstigen, mächtigen, sich ständig verändernden Natur ersetzt, die der Verwirrung der Gefühle romantischer Helden entspricht.

Eigenschaften und Trends

Während eines guten Teils des XNUMX. Jahrhunderts dominierte die neoklassizistische Strömung die Malerei, hauptsächlich inspiriert von dem Diktat der Ordnung, Ausgewogenheit, Rationalität und Klarheit. Für die Maler der Zeit kommt dem dargestellten Sujet eine grundlegende Bedeutung zu, die meist nach Relevanzkriterien und immer weniger Nebengattungen katalogisiert wird.

Mitten in der Romantik erleben wir jedoch die Verzerrung all dessen, was die neoklassischen künstlerischen Diktate beeinflusst hat, zugunsten völlig neuer Strömungen. Tatsächlich wird die Malerei zu einem fruchtbaren Boden für das Irrationale, für Gefühle, für Leidenschaft, für Energie, das Absolute und Mysteriöse.

Insbesondere hört der Maler auf, eine vorgegebene soziale Rolle zu spielen, die an bestimmte künstlerische Protokolle gebunden ist, und wird zu einem einfachen und gewöhnlichen Bourgeois wie viele, die Kreativität und Vorstellungskraft zu ihrer eigenen künstlerischen Figur machen wollen.

Das heißt, der Maler beginnt, auf den Individualismus hinzuweisen, auf den spontanen und freien Ausdruck seines eigenen kreativen Genies. Aus dieser Perspektive ist daher jede Regel und Konvention in der Schaffensphase absolut verboten, um der Subjektivität des Malers freien Lauf zu lassen.

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In der Romantik änderten sich jedoch nicht nur die Bildregeln, sondern auch der künstlerische Zweck. Wenn im vollen Neoklassizismus tatsächlich jedes Werk das Sprachrohr eines didaktischen Zwecks, eines erzieherischen Zwecks ist, ist das Kunstwerk in der Romantik (wie wir zuvor betont haben) ein bloßer Ausdruck der Innerlichkeit des Malers, die nicht mehr zeigt zur Nachahmung der umgebenden Natur, sondern zur Darstellung des Konflikts mit der Gesellschaft, des Ichs gegen die Natur außerhalb seiner selbst.

Aus dieser Sicht spielt das Bildthema keine vorrangige Rolle mehr, denn das, was die künstlerische Botschaft wirklich transportiert, wird zur gewählten Darstellungsweise. In England zum Beispiel war die romantische Malerei hauptsächlich Landschaft, aber es fehlte an veredelnden Details.

Die Landschaft wird so dargestellt, wie sie erscheint, ohne Schnörkel oder Konventionen wie in Constables Gemälden oder voller Dramatik, mit starker evokativer Kraft wie in Turners Werken, in denen auch Elemente der Moderne enthalten sind, wie der Zug, die Maschine, schnell aber eingefügt in verschwommene, dynamische, angespannte Kontexte.

In Deutschland hingegen wendet sich die Malerei eher philosophischen und religiösen Zielen zu, wie beispielsweise in den Gemälden von Caspar David Friedrich, in denen sich das romantische Thema durch die Fokussierung auf die Qual des Menschen, die Einsamkeit, durchsetzt Melancholie ausgedrückt dank der Verwendung einer nackten und symbolischen Natur.

In Frankreich gewinnt die Malerei der Romantik an Kraft, sie ist aufgeladen mit Gewalt, Kampf, dramatischer Spannung, alles Elemente, die Géricault in dem Gemälde „Das Floß der Medusa“ entwickelt, in dem ein Schiffbruch in einem der dramatischsten Momente inszeniert wird.

Der Geist der romantischen Malerei

Der romantische Geist lehnt akademische Disziplin zugunsten einer regenerativen Rückkehr zu etwas Älterem und Freierem, Persönlicherem und Exotischem ab. Die Entdeckung von Herculaneum und Pompeji im XNUMX. Jahrhundert hatte bei Künstlern ein Gefühl der Nostalgie für die Vergangenheit geweckt, das sie dazu veranlasste, neue und alte Ausdrucksformen neu zu entdecken und sich wieder anzueignen.

Das mediterrane Plastikideal, verkörpert durch den griechischen oder römischen Helden, wurde allmählich durch eine Vorliebe für die nordischen, germanischen, englischen, skandinavischen und schottischen Zivilisationen ersetzt. Die Malerei ist die figurative Kunst schlechthin der Romantik und nimmt je nach Entstehungsgebiet ganz unterschiedliche Facetten an.

nationalistische Gefühle

Die aus der Aufklärung hervorgegangene Französische Revolution war der Hintergrund der Romantik. Aus dem Ideal der Aufklärung geboren, boten „Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit“ auch eine Grundlage für heroische und chauvinistische Gefühle. Die Romantik löste nationalistische Gefühle aus, in denen Land, Sprache und Geschichte sowie traditionelle Normen und Werte verherrlicht wurden.

Im Prozess der Nationen- und Staatsbildung im XNUMX. Jahrhundert entstand der Nationalismus auch als politische Ideologie. Der Inhalt der Kunstwerke verglich diese nationalistischen Gefühle mit der historischen oder fiktiven mythologischen Vergangenheit. Auch in Museen fanden die künstlerischen Höhepunkte jener nationalen Vergangenheit viel Beachtung.

Obwohl Maler der Romantik oft in die Vergangenheit reisen, porträtierte Eugène Delacroix im selben Jahr die Revolution von 1830. Angeführt werden die Revolutionäre von Marianne, dem Nationalsymbol Frankreichs.

Als Allegorie der Freiheit hat er die französische Flagge und ein Gewehr in der Hand. Delacroix hat das Gemälde nicht mit einer Firnisschicht versehen, sodass die staubigen Texturen und Staubdämpfe auf der Leinwand matt sind. Das Fehlen einer glänzenden Schicht macht die Leistung realistischer.

Trotz des Kampfes der Künstler, den Inhalt ihrer Arbeit selbst zu bestimmen, blieb auch die Nachfrage nach Arbeiten im klassischen Stil bestehen. Trotz der Französischen Revolution konnten akademische Maler ihren Lebensunterhalt damit verdienen, mythologische und religiöse Bilder zu malen. Während der Französischen Revolution litten die Kirchen, aber fast alle französischen Regime hielten danach Verbindungen zur Kirche aufrecht.

Sie wollten auch nicht die religiösen Gefühle der Mehrheit der Bevölkerung verletzen. Traditionelle und konservative Maler wie Delaroche, Lourens Alma Tadema und Bouguereau reagierten auf die Nachfrage nach religiösen und mythologischen Gemälden in der akademischen Tradition.

Exotische Orte

Das neunzehnte Jahrhundert war das Jahrhundert der Expansion. Was zunächst fern schien, rückte dank der Eisenbahn und der Dampfschiffe näher. Weltausstellungen zeigten Kunst und Industrie „fremder“ Kontinente. Der Kolonialismus brachte die exotischen und "primitiven" Welten nach Europa. Orientalismus und Exotismus in der Kunst entstanden aus Kolonialismus und Weltausstellungen.

Akademische Gemälde von Lawrence Alma-Tadema wie "Der Tod des Erstgeborenen" waren fasziniert von den exotischen Motiven der Darstellung. Alma-Tadema arbeitete im traditionellen klassischen Stil, aber ihre Auftritte nährten die romantische und exotische Vorstellungskraft. Künstler fertigten auf ihren Reisen viele Studien und Skizzen an, die früher als unbedeutende Vorstudien galten.

In der Malerei der Romantik wurde die Skizze zu einem spontanen Ausdruck der Kunst, in der die persönliche Kalligraphie des Künstlers sichtbar wurde.

Der Kriegergeist, der mit den imperialen Ambitionen Napoleons wuchs, setzte sich im Bewusstsein vieler Künstler durch. Die Bewegung der Armeen führte zum Austausch zwischen verschiedenen Zivilisationen, vertiefte das gegenseitige Wissen, die charakteristischen Stile jedes Landes wurden geschätzt.

Die napoleonischen Feldzüge im Nahen Osten weckten das Interesse an der arabischen und jüdischen Zivilisation, und Maler wie Gross und Auguste begannen, orientalische Gegenstände, Schmuck und Teppiche zu sammeln, die dank Ingres, Delacroix und Chassériau in die Bildsprache übergingen

Romantische Malerei in verschiedenen Ländern

Die Tiefe ihrer eigenen Erfahrungen und persönlichen Gedanken vermitteln die Maler durch ihr künstlerisches Bild, das sich aus Farbe, Komposition und Akzenten zusammensetzt. Verschiedene europäische Länder hatten ihre eigenen Besonderheiten in der Interpretation der romantischen Malerei. All dies hängt sowohl mit der philosophischen Strömung als auch mit der gesellschaftspolitischen Situation zusammen, auf die die Kunst die einzige lebendige Antwort war. Malen war keine Ausnahme.

Die figurative Malerei der Romantik erhält je nach Territorium, in dem sie sich entwickelt, ganz unterschiedliche Facetten. Zu den großen Vorläufern der romantischen Bewegung gehörte Francisco Goya in Spanien. In Frankreich und England tauchte das Interesse an der jüngeren nationalen Vergangenheit wieder auf, was bis zur Schaffung des „Troubadour-Stils“ eine Veränderung des Designs von Dekorationen und Accessoires begünstigte.

Dieser Geschmack entstand bereits 1770 und wurde in Frankreich durch die vom Grafen d'Angiviller in Auftrag gegebene Reihe von Statuen zum Gedenken an berühmte Franzosen bevorzugt. Miltons Gedichte und die Wiederentdeckung von Shakespeares Stücken spielten die gleiche Rolle bei der Stimulierung einer Rückkehr zu vergangenem Ruhm.

Deutsche Romantik in der Malerei

Auf dem Territorium Deutschlands manifestierte sich der Stil früher, Künstler bemühten sich, die Vergangenheit - das Mittelalter - zu idealisieren. Die Werke waren oft kontemplativ und passiv und hielten an der Romantik fest, die sich auf Landschaften und Porträts spezialisierte. Otto Runge betonte unter anderem, dass seine Leinwände die Spannung des inneren Lebens vereinen und gleichzeitig die Ruhe in äußeren Manifestationen bewahren.

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Runge zeichnete Tierszenen mit lebhaften Farben, während oft jenseitige Kreaturen anwesend waren. Er studierte aktiv Informationen zur Farbwiedergabe, schrieb Abhandlungen zu diesem Thema, teilte das Spektrum in Teile und konnte große Erfolge bei der Übertragung von Farben und Licht erzielen. In seinen fantastischen Leinwänden gelang es ihm, ein Gefühl von Raum und Luft zu erreichen.

Die Malerei der vollen Romantik des XNUMX. und XNUMX. Jahrhunderts spiegelte sich im Werk von Caspar David Friedrich wider, der sich auf Arbeiten im Landschaftsstil spezialisierte. Als Hauptthema seines Schaffens wählte er die Bergwelt Süddeutschlands. Das Talent des Künstlers ermöglichte es ihm, den Charme der Gegend zu vermitteln, kombiniert mit der melancholischen Transparenz der Meeresküste. Er malte oft Landschaften bei mäßigem Mondlicht.

Das mythologische Thema lag vielen Künstlern nahe, insbesondere ist das Vorherrschen der Romantik in Carstens' Malerei zu bemerken.

Er schuf Zeichnungen, die verschiedene Bücher begleiten, malte königliche Residenzen. Bereits während seiner Arbeit in Rom schrieb er aktiv in die Richtung und verband sie oft mit Neoklassizismus. Dem Künstler gelang es, verborgene Gefühle, Dramatik zu reflektieren. In vielerlei Hinsicht trug die Richtung lokaler Künstler in der deutschen Romantikmalerei zur weiteren Verbreitung des Stils bei, der mehr die innere Wahrnehmung als das wahre Wesen der Dinge widerspiegelt.

Ein Zweig ist die Gattung der Romantik in der Malerei namens Biedermeier, die sich in Kammerwerken, meist Alltagsszenen, widerspiegelt. Der Stil war typisch für die deutsche und österreichische Romantikmalerei, in den Zeichnungen wurden idyllische Szenen bevorzugt. Der Stil wurde von Ludwig Richter, GF Kersting, Ferdinand Waldmüller und anderen Künstlern vertreten.

Englische Romantik in der Malerei

In England wurden drei künstlerische Strömungen unterschieden: die traumhafte visionäre Strömung, die Strömung des Erhabenen und die malerische Strömung. Die größten Vertreter von jedem von ihnen waren jeweils William Blake, William Turner und John Constable. Der visionäre Dichter William Blake schöpfte seine Bildwerke aus den Bildern seiner Dichtkunst, die eng mit dem Christentum verbunden ist.

John Constable war der Erste, der mit seinen Farben das fröhliche und freie Gefühl der Natur erneuerte, das im vorigen Jahrhundert von Jean Honorè Fragonard eingeführt, aber in der neoklassizistischen Ära aufgegeben und sublimiert wurde. Das Gespür für Geschichte und die Lust am Illustrieren des Malerischen ist in England zu spüren, ein Beispiel ist das Werk Blizzard, in dem William Turner Hannibal mit seinen Soldaten beim Überqueren der Alpen darstellt.

Während Thomas Gainsborough Zeit hatte, die geheimnisvolle Magie der Farben mit ihren fast schematischen, fließenden, unbestimmten Berührungen in Bezug auf Akademismus und die Verwendung einer persönlichen flüssigen und brillanten Mischung zu entdecken.

Auf dem Territorium Englands hat sich der Stil auch perfekt etabliert, die Malerei der englischen Romantik macht sich am deutlichsten in den Werken von Johann Heinrich Füssli bemerkbar. Er bevorzugte Grafik und Malerei und behielt die Romantik in ihren Grundlagen. Es gelang ihm, die Idealisierung des Bildes in klassischer Form mit fantastischen Handlungen zu verbinden.

Der Künstler zeigte menschliche Ängste, darunter auch die Angst vor bösen Geistern, die Menschen angeblich im Schlaf erwürgen. Obwohl der Künstler in der Schweiz geboren wurde, verbrachte er die meiste Zeit seines Lebens in England.

Dank seiner Vision der Romantik in England erhielt das Gemälde einen mystischen Charakter. Phantastische Visionen und Albträume, die für Millionen von Menschen charakteristisch sind, schauen uns von den Leinwänden an. Lange blieb das Thema unausgesprochen und dank Füssli konnten sie öffentlich diskutieren. Er verband Märchen, Folklore und Halluzinationen.

Auch die Essenz der Romantik in der europäischen Malerei wurde von William Turner enthüllt, er wurde berühmt für die Übertragung von Licht in die Luft und die Reflexion von Schatten. Ein Feature ist eine Phantasmagorie, es zeigte Orkane, Stürme, Katastrophen. Allmählich verschwanden dunkle Farbtöne aus den Werken des Künstlers, und der Hauptplatz in ihnen wurde Licht und Luft zugewiesen. Es spiegelte Bewegung, Nuancen und besondere Beleuchtung wider.

Ein bekannter Vertreter der Malerei der europäischen Romantik war William Blake, einige seiner Werke waren vom intensiven Studium der Bibel beeinflusst, doch die Kunst zog den Künstler von Kindesbeinen an an. Er arbeitete in Tempera und Aquarellen und behauptete, dass Visionen zu ihm kommen. Als er unglaubliche Dinge sah, spiegelte er seine Essenz in seinen Werken wider und glaubte, dass alle Künstler auf diese Weise arbeiten.

Erfolgreich wurde William Blake erst in den letzten zehn Jahren seines Lebens, als er Gleichgesinnte fand und begann, seine Werke gewinnbringend zu verkaufen. Die Kunst wird von weiblichen Bildern, Gottheiten, verschiedenen Tieren und nicht standardmäßigen Themen dominiert.

John Constable hatte einen Relief-Malstil, er formte die Textur mit dicken Strichen und vermied oft Details. Er malte Porträts für seinen Lebensunterhalt und betrachtete die Landschaftsmalerei als seine Berufung, lernte die Schönheit der Natur und die Gesetze der Farbe, bevor er die Richtung unter den Impressionisten populär machte.

Der Künstler malte lieber englische Schönheiten und formte viele Skizzen, um noch mehr Komposition zu bekommen. Oft hatten die Skizzen einen besonderen Ausdruck und eine besondere Energie, die sich aber letztendlich nicht in der fertigen Arbeit niederschlugen.

Sehr oft wurde die Szenerie mit einer mystischen Tendenz gemalt. Obwohl die Essenz der Arbeit im Stil der Romantik übertragen wird, versuchte er, atmosphärische Effekte zu zeigen, darunter konnte er die hohe Luftfeuchtigkeit, die Bewegung der Umgebung zeichnen. Unter anderem wurden dafür unterbrochene Linien verwendet, Berührungen mit einem Pinsel mit heller Farbe, um den Effekt von Helligkeit zu erzielen.

Constable zeigte die Wut der Elemente, oft dargestellt durch Regenbögen, wunderschöne Gebäude, einschließlich Kathedralen. Er verstand es, Details so hinzuzufügen, dass besondere Nuancen erzielt, Leichtigkeit geformt und die Aufmerksamkeit auf die Leinwände gelenkt wurde.

Französische Romantik in der Malerei

In Frankreich entwickelte sich die Romantik in der Malerei nach anderen Prinzipien. Stürmisches gesellschaftliches Leben sowie revolutionäre Umwälzungen manifestieren sich in der Malerei durch die Gravitation der Maler, halluzinatorische und historische Sujets darzustellen, auch mit nervöser Erregung und Pathos, die durch schillernde Farbkontraste, etwas Chaos, Ausdruck von Bewegungen erreicht wurden. , sowie spontane Kompositionen.

Erste Anzeichen eines Stilwandels sind im Frankreich der 1810er Jahre zu erkennen: Während der Regierungszeit Napoleons prägte Jacques-Louis David mit Staatsporträts und Historienbildern die akademische Malerei.

Die nun beginnende Historienmalerei zeigt idealisierte, meist kleinformatige Kompositionen aus dem Mittelalter und der Renaissance, die als Troubadourstil bezeichnet werden. Der Inhalt ist meist intim und anekdotisch, es gibt aber auch sehr dramatische Szenen.

Rekonstruiert werden die Lebenswege verehrter Künstler wie Raffael oder Leonardo da Vinci, aber auch die von Herrschern oder Kunstfiguren. Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Ingres, Richard Parkes Bonington und Paul Delaroche sind die wichtigsten romantischen Maler Frankreichs.

Der bedeutende französische Autor Victor Hugo widmete sich dem Zeichnen während des Schreibens, buchstäblich „zwischen zwei Versen“. Seine düsteren Landschaften in Sepia (dunkelbraune Tinte) und schwarzer Tinte spiegeln die Atmosphäre seiner Romane wider, ohne sich motivisch darauf zu beziehen. Das Romantische findet sich vor allem in den Themen wieder: gotische Burgen, verfallende Ruinen, wilde Natur, tosendes Meer mit Schiffen usw. Schon André Bretón schätzte Hugos Arbeit mit dem Unerwarteten, seine Suche nach dem Geheimnisvollen.

William Bouguereau wählte zunächst mythologische Themen und Genrestücke, später vor allem religiöse Themen. Er hatte einen virtuosen Stil, der es schaffte, die Sinnlichkeit von Haut und Texturen wunderbar zu reproduzieren. Obwohl sein Stil mit den Formen und klaren Linien und Farben des Neoklassizismus sehr akademisch ist, entsprechen viele Darstellungen dem Gefühl der romantischen Malerei.

Sein Werk veranschaulicht auch die Realitätsflucht, den Eskapismus des XNUMX. Jahrhunderts. Die Mystik, Kontemplation und Dramatik in seinem Werk mit Darstellungen von Heiligen und mythologischen Figuren sprach viele Menschen an, einschließlich der Damen und Herren, die von den Präraffaeliten als Reaktion auf die raschen Veränderungen in der Gesellschaft dargestellt wurden. Auch Maler wie Dante Gabriel Rossetti wollten keine Bildrevolution einläuten.

Romantik bedeutet für die Franzosen auch den Sinn des modernen Lebens und das Bemühen, das Heute zu verstehen und zu veranschaulichen. Der Klassizismus wird damit aufgegeben, Eugene Delacroix ist der Anführer der französischen romantischen Malerei: Sein berühmtes Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“ gilt als der erste Teil politischer Natur in der Geschichte der modernen Kunst.

der Troubadour-Stil

Der Stil kann als Aspekt der Romantik angesehen werden, einer malerischen Version von Walter Scotts Gedichten und Romanen, und wurde als "Stil innerhalb des Stils" beschrieben. Besonders in Frankreich beliebt, stellen die Maler dieser Strömung Szenen dar, die vom Mittelalter und der Renaissance inspiriert sind, mit farbenfrohen Kleidern, Liebesaffären und ritterlichen Heldentaten.

Gemälde im Troubadour-Stil sind im Allgemeinen klein und legen Wert auf Details. Viele bedeutende Künstler haben sich diesem Stil gestellt, zum Beispiel Jean-Auguste-Dominique Ingres in Der Tod von Leonardo da Vinci (1818, Petit Palais, Paris).

Romantische Maler

Die Romantik kam in der Malerei voll zum Ausdruck. Einige der international gesehen typischen Bildikonen des „romantischen Zeitalters“ 1790-1850 waren: der deutsche Maler Caspar David Friedrich, der Engländer John Constable und der französische Maler Eugène Delacroix. Ihre Unterschiede zwischen ihnen zeigen, wie vielfältig die Romantikbewegung wirklich war.

Eugène Delacroix 1798–1863

Delacroix hinterließ ein umfangreiches Oeuvre, er fertigte Hunderte von Gemälden, Aquarellen, Wandmalereien, Zeichnungen, Lithografien und Stichen an. Dabei wählte er oft Darstellungen mit emotionalem oder dramatischem Inhalt, die historische, mythologische und literarische Ereignisse darstellen. Es gelang ihm, seine Auftritte mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten zu dramatisieren. Im Gegensatz zu den akademischen Malern des Neoklassizismus konzentrierte sich Delacroix nicht auf "kühle" Formen und Linien, sondern auf Farbe und Atmosphäre.

Obwohl Delacroix' Kompositionen bis ins Detail durchdacht sind, war ihm die Farbwirkung wichtig, er diskutierte sie mit Constable und Turner. Auf seinen Reisen unter anderem nach Marokko fertigte er zahlreiche Skizzen und Aquarelle an.

Delacroix wählte auch exotische Themen, hauptsächlich inspiriert von seinen Reisen nach Nordafrika. 1824 erregte er mit seinem vier Meter hohen Gemälde Das Massaker von Chios Aufsehen. Der Untertitel lautete: Schauplatz eines Massenmordes in Chios; Griechische Familien warten auf Tod oder Sklaverei.

Darin porträtierte er ein schreckliches Massaker, das sich zwei Jahre zuvor auf der Insel Chios ereignet hatte. Darüber hinaus wurden fünfzigtausend Griechen von den osmanischen Türken getötet und ebenso viele als Sklaven genommen. Delacroix, der Géricaults Floß der Medusa gut kannte, weil er dafür Modell gestanden hatte, konstruierte die Komposition ähnlich mit in Dreiecken gestapelten Figuren. Aufgrund dieses Gemäldes galt Delacroix schnell als der bedeutendste Maler der Romantik.

1827 stellte Delacroix das historische Stück The Death of Sardanapalus aus, die Geschichte eines alten assyrischen Monarchen. Nach der Belagerung seines Palastes soll dieser Sultan seinen Harem und seine Pferde getötet und ihre Habseligkeiten verbrannt haben, bevor er Selbstmord beging. Das Gemälde zeigt die dramatischen Hinrichtungen derjenigen, die kein Gift trinken wollten, mit einem tiefen komplementären Kontrast zwischen dem warmen Rot und den dunklen Schatten, aus denen bereits Rauch aufsteigt.

Théodore Gericault 1791–1824

Auch bei Géricault verschwand die für die Neoklassik so charakteristische strenge Linie und Form. Er beschäftigte sich mit Lebensfragen durch historische Themen, betrachtete aber auch die alltägliche Realität. Géricaults berühmtestes Gemälde „Das Floß der Medusa“ basiert auf einer wahren Begebenheit.

Géricault hat dabei den dramatischsten Moment hervorgehoben: In dem Moment, in dem das Floß zu sinken droht und fast alle Menschen an Bord der Medusa gestorben sind, entdecken einige ein Schiff am Horizont. Das ist das Schiff, das diese Überlebenden gerettet hat.

Francisco Goya 1746–1828

Als Hofmaler malte Goya Porträts der spanischen Königsfamilie. Goya hatte in seiner Jugend viel Armut durchgemacht, und für den aufmerksamen Beobachter kann man diesen Porträts entnehmen, dass er immer noch Misstrauen gegenüber der Aristokratie hegte. Die Angst vor Krieg, Unterdrückung und Gewalt zeigte er auch in Radierungen und Gemälden mit grausamen Darstellungen.

Das spanische Volk rebellierte nach 1808 gegen Napoleons französische Truppen, die während der Besetzung schreckliche Gräueltaten verübten. Gewalttätiges Chaos folgte in Spanien. Diese schrecklichen Ereignisse bestimmten Goyas Werk bis 1815. Das bekannteste Werk aus dieser Zeit ist der 3. Mai 1808, der die Hinrichtung von Zivilisten zeigt.

Auch Goya hat die Verzweiflung in der Serie der schwarzen Gemälde treffend dargestellt. In seinen letzten Lebensjahren spielte die Fantasie eine große Rolle, seine düsteren Fantasiebilder repräsentieren die verdorbene Seite des Menschen. Goya nimmt einen besonderen Platz ein, als Höfling und Porträtist musste er sich ein wenig an die Elite anpassen, aber er hinterließ auch seine Abneigung gegen das Verhalten der Menschen. Goyas Werk knüpfte daher an den Spätbarock an, kündigte aber auch die Malerei der Romantik an.

Dante Gabriel Rossetti 1828-1882

1848 gründeten mehrere englische Künstler die Pre-Raphaelite Brotherhood. Einer der Künstler dieser Gruppe war Dante Gabriel Rossetti. Sie wollten zurück zur Natur und sich von der akademischen Kunst distanzieren. Die frühe italienische Malerei vor Raffael (Vorraffael) war die Inspiration für seine Malerei. Denken Sie an Maler wie Botticelli, Tizian und Giorgione.

Das Ziel der Präraffaeliten war es, eine bessere Welt zu schaffen, indem sie die fortschreitende Mechanisierung, die das viktorianische England verschlang, stoppen. Religiöse und soziale Elemente spielten in seiner Arbeit eine wichtige Rolle.

Caspar David Friedrich 1774-1840

Caspar David Friedrich war in der Malerei der wichtigste Interpret des deutschen romantischen Geistes. In seinen Werken drückt der Maler Einsamkeit, Melancholie, die Angst des Menschen angesichts einer geheimnisvollen und symbolischen Natur aus, die das Geheimnis des Todes nicht preisgibt. Die Natur wird von Friedrich in ihrer ganzen Unendlichkeit dargestellt, als wollte er das Gefühl der Ohnmacht des Menschen, eines endlichen Wesens, angesichts der Natur, einer unendlichen Manifestation, ausdrücken.

Das Adjektiv, das oft zur Erklärung der deutschen Romantik verwendet wird, steckt im Begriff Sehnsucht, der mit „Wunsch der Begierde“ oder „Böse der Begierde“ übersetzt werden kann, ein Gefühl ständiger Unruhe und ergreifender Spannung, ein Gefühl, das das Subjekt befällt und es antreibt über die Grenzen der irdischen Realität hinausgehen, bedrückend und erstickend, um sich in oder in eine Dimension zu flüchten, die über die Raumzeit hinausgeht.

Francesco Hayes 1791-1882

Größter Vertreter der romantischen Malerei in Italien war der Venezianer Francesco Hayez, ein bekannter Porträtist und Hauptinterpret der Historienmalerei in Italien. Das historische Thema war für Hayez das Mittel, um die Fakten und Bestrebungen des Risorgimento zu vermitteln.

Im Gegensatz zu Delacroix, der aktuelle politische Ereignisse in seiner Heimat darstellte, schöpfte Hayez seine Themen aus Episoden der vergangenen (insbesondere mittelalterlichen) italienischen Geschichte, denen er den Wert heutiger Metaphern beimaß. Sein Werk Il bacio gilt als Manifest der italienischen romantischen Kunst.

Joseph MallordWilliam Turner 1775-1851

Der Engländer Joseph Mallord William Turner ist einer der originellsten Künstler der Neuzeit. Turner begann mit dem Färben von Stichen und studierte ab 1789 an der Royal Academy in London. Zunächst interessierte er sich für Landschaftsmalerei.

Auf seinen Reisen in England und Wales fertigte er Zeichnungen und Aquarelle von alten Burgen, Kathedralen und Küstenlandschaften an. Seine ersten Ölbilder schuf er 1796. In den folgenden Jahren schuf er Landschaften und Seestücke, die er oft mit mythologischen Figuren und dramatischen Motiven ins Unwirkliche steigerte.

Turners Landschaftsbilder sind ein Vorspiel zum Impressionismus, Expressionismus und Informel. Er gilt als Entdecker der atmosphärischen Landschaft, und so schuf er als erster die Richtung in der Landschaftsmalerei, die nicht die Objekte selbst darstellen will, sondern deren Eindruck unter bestimmten Lichtverhältnissen. So gesehen ist er der eigentliche Vorläufer der Impressionisten und etwa zwei Generationen vor den Franzosen.

Turners Gemälde bringen völlig neue Modi und Klangfarben in die Malerei des 1844. Jahrhunderts. Er malte seine Landschaften, Tageszeiten, Wetterlagen, Wolkenformationen mit aufgelösten und verwischten Umrissen, mit scharfen Details dazwischen. Sein Gemälde „Regen, Dampf, Geschwindigkeit“ von XNUMX ist eine der frühesten Darstellungen einer Eisenbahn: Die eiserne Dampfmaschine taucht aus einer dunstigen Farbwolke auf; die Hässlichkeit und Pracht der von der Industrie veränderten Welt sind anziehend.

Sinnbildliche Gemälde der Romantik

Für die Romantik ist die Malerei zweifellos eine der besten Möglichkeiten, die Seele dieser intensiven und kontrastreichen historischen Periode zu verstehen. Die Hauptmotive der Künstler dieser Zeit waren Sehnsucht, Liebe und Einsamkeit, sowie das Erschreckende, Unterbewusste, Phantastische und Abenteuerliche, dem wir Menschen nicht widerstehen können. Romantische Kunstwerke sind vom Geist des Individualismus geprägt und vermitteln oft eine melancholische, ja traurige Stimmung.

Der Kuss von Francesco Hayez  

(Pinacoteca di Brera - Mailand) Man kann nicht über die schönsten romantischen Gemälde sprechen, ohne von dem italienischen Meisterwerk von Francesco Hayez auszugehen, einem italienischen Maler mit starker Präsenz in Mailand, der in der Lage ist, politische Geschichten mit Szenen von intensiver Schönheit zu verbinden. Es ist kein Zufall, dass dieses Gemälde zum Manifest der Romantik in Italien geworden ist und der Maler selbst es in drei verschiedenen Versionen vorgeschlagen hat.

Wenn wir auf den ersten Blick die beiden Liebenden in einem leidenschaftlichen Kuss beobachten, der in der Lage ist, die jugendliche Begeisterung zu erzählen, sind die zugrunde liegenden Bedeutungen in Wirklichkeit viel tiefer: nationale Einheit, Patriotismus, politisches und militärisches Engagement, alles allegorisch in diesem erstaunlichen Gemälde dargestellt.

Das Floß der Medusa von Théodore Géricault  

(Louvre - Paris) Das große Floß der Medusa von Théodore Géricault war ursprünglich ein Grund für Skandale und königlichen Aufruhr. Das Gemälde erzählt von einem tragischen Ereignis, das wirklich stattgefunden hat: dem Schiffbruch von 1816, der Hunderten von Soldaten das Leben kostete. Dieses Ereignis schockierte eine ganze Nation, als einhundertfünfzig Menschen das Floß bestiegen, aber nur fünfzehn es schafften zu überleben und gerettet zu werden.

Der damals sehr junge Maler erzählte die Tragödie mit für die damalige Zeit überraschendem Realismus und studierte die Leichen direkt live, einschließlich des Leichenschauhauses. Aus der Zeit des Neoklassizismus, der die Kunst in Frankreich noch immer so sehr prägt, stürzte er sich in eine intensive Romantik. So wurde das Werk erst im Laufe der Jahre vollständig verstanden, wie es oft bei großen Künstlern der Fall ist, aber als es herauskam, war die vorherrschende Emotion die der Ablehnung.

Der Wanderer über dem Wolkenmeer von Caspar David Friedrich

(Hamburg Kunsthalle -Hamburg) Dies ist das Gemälde, das einige der Hauptwerte der romantischen Malerei verkörpert. Die Darstellung verewigt einen Reisenden hinter und vor einer stürmischen See.

Was dieses wundervolle Gemälde erzählt, ist keine Geschichte, wie es in den anderen bisher gesehenen Gemälden der Fall ist, sondern ein emotionaler Zustand: das Konzept der Unendlichkeit, das Wandern und die Unvollkommenheit der Seele und ihrer Gefühle. Der Wanderer über dem Wolkenmeer ist das Wahrzeichen der deutschen Romantik, ganz anders als die französische und italienische.

Die Daredevil wird zur Verschrottung von William Turner zu ihrem letzten Liegeplatz geschleppt 

(National Gallery -London) Durch seine Gemälde ist William Turner in der Lage, emotionale Zustände, Gefühle und romantische Konzepte wie das Erhabene zu erzählen. Dieses Meisterwerk erzählt die letzte Reise des englischen Schiffes Temeraire, das einst in der Schlacht siegreich war: Geschleppt, um zerstört zu werden, wird es mit gehisster weißer Flagge und dem Sonnenuntergang im Hintergrund dargestellt, eine Darstellung, die gemischte Gefühle und politische Bedeutungen verbinden kann.

Hay Wain von John Constable 

(National Gallery -London) John Constable ist einer der bedeutendsten Maler der englischen Romantik und widmete sich ebenso wie Turner ganz der Darstellung der bukolischen Landschaften von Dedham Vale, in der Nähe seines Geburtsortes. Sein großes Meisterwerk ist Der Heuwagen, eine große Leinwand, die damals einen Skandal auslöste: Die verwendete Technik wirkte aufgrund der kleinen Pinselstriche, die die Landschaft ausmachen, tatsächlich fast impressionistisch.

Eine Neuheit, die in London respektlos und bewusst provozierend wirkte, in Frankreich jedoch sehr beliebt war, sogar bei Géricault. Die Natur war sicherlich der Protagonist dieses Künstlers, aber von einer Natur, die ganz anders war als die von Friedrich vertretene.

Die Freiheit führt das Volk von Eugene Delacroix 

(Louvre-Paris) Es repräsentiert die Freiheit, die zum vereinten Volk führt, gegen den Unterdrücker, ein großartiges Konzept des Patriotismus. Hier zählt keine soziale Klasse, Delacroix repräsentiert verschiedene Typen von Menschen, wie man an der Kleidung erkennen kann, und galt auch deshalb seit jeher als Ikone der politischen Kunst. Eines der frühesten Beispiele des Genres und sicherlich eines der beliebtesten Gemälde der Geschichte.

Die Kinder von Hülsenbeck von Philipp Otto Runge

(Kunsthalle -Hamburg) Dieser Künstler gehört der deutschen Romantik an und zeichnet sich durch die Darstellungen von Kindern aus, was ihm den Beinamen Märchenmaler einbrachte. Wegen seiner allegorischen Bedeutung gehört es zur Romantik, wie in dem zu seinen schönsten ausgewählten Gemälde: Die Kinder von Hülsenbeck.

Das Gemälde, das im Vordergrund das Porträt der Kinder eines Freundes neben den Sonnenblumen darstellt und eine perfekte chromatische Komposition darstellt, drückt die allegorische Bedeutung von Kindheit, Unschuld und verlorenem Alter aus, die die Romantik mit Melancholie betrachtet.

Dido baut Karthago von William Turner

Zu den Vorrechten der künstlerischen Romantik gehörte es, in die Vergangenheit zu blicken, sich oft nach fernen Zeiten zu sehnen und eine tiefe Nostalgie zu empfinden. In Dido baut Carthage repräsentiert Turner dieses Konzept gut.

Als Bewunderer früherer Künstler, Nicolas Poussin und Charles Lorraine, verwendet der englische Maler wie sie alte Elemente, beginnend mit dem Thema des Werks selbst, das aus Virgils Aeneis stammt. Aber um den Betrachter zu fesseln, gibt es den naturalistischen Aspekt und die Empfindungen, die diese Natur vermittelt. Eine ruhige und majestätische Natur, die dominiert.

Der Schiffbruch der Hoffnung von Caspar David Friedrich 

Das Thema des Schiffbruchs kehrt in Friedrich erneut zurück, diesmal jedoch in einem Meer aus Eis. Was die Malerei des deutschen Künstlers am meisten charakterisiert, ist das Hervorrufen starker Gefühle durch Bilder von Landschaften und Natur, die symbolisch andere Bedeutungen haben.

Das Schiffswrack repräsentiert in der Tat die ständige Pilgerreise des Menschen und erinnert an seine extreme Zerbrechlichkeit, menschliche Zerbrechlichkeit. Der Mensch ist, obwohl er ständig auf der Suche ist, den Ereignissen ausgeliefert und kann nichts dagegen tun.

Kathedrale von Chartres von Jean Baptiste Camille Corot 

Camille Corot ist in erster Linie Landschaftsmaler und wegen seiner Aufmerksamkeit für die Natur und die Beziehung, die er zum Menschen pflegt, einer der romantischen Künstler, wie auf diesem wunderschönen Gemälde zu sehen ist: Kathedrale von Chartres. Das Gemälde stellt die Präsenz des Menschen in einem natürlichen Kontext aus Bäumen, Wolken und Wiesen dar. Die menschliche Präsenz wird von den Figuren im Vordergrund in einer Bildschöpfung wahrgenommen, die versucht, allen verschiedenen dargestellten Elementen die gleiche Bedeutung beizumessen.

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