Bilang isang sinaunang kultura, ipinakita ng Japan ang sining nito sa lahat ng mga taon na ito, matuto kasama namin sa pamamagitan ng kawili-wiling artikulong ito, lahat tungkol sa sinaunang Sining Hapon, na binuo sa paglipas ng panahon sa iba't ibang panahon at istilo. Wag mong palampasin!
sining ng Hapon
Kung pinag-uusapan ang sining ng Hapon, pinag-uusapan natin kung ano ang naabisuhan ng sibilisasyong ito sa paglipas ng panahon sa iba't ibang yugto at istilo, na pansamantalang nabuksan sa panlipunan at kultural na pag-unlad ng mga Hapones.
Ang mga pagkakaiba-iba na dinaranas ng sining sa Japan ay bunga ng pag-unlad ng teknolohiya nito, kung saan maaari nating mapagtanto ang paggamit ng hilaw na materyal ng bansa sa mga masining na pagpapahayag nito. Pati na rin ang tinatawag na Kanluraning sining, ang pinakasikat na pagpapahayag nito ay naiimpluwensyahan ng relihiyon at kapangyarihang pampulitika.
Isa sa mga pangunahing katangian ng sining ng Hapon ay ang eclecticism nito, na nagmumula sa iba't ibang mga tao at kultura na dumating sa mga baybayin nito sa paglipas ng panahon: ang mga unang settler na nanirahan sa Japan -na kilala bilang Ainu - ay kabilang sa isang sangay ng North Caucasian at East Asia, malamang. dumating noong nakadikit pa ang Japan sa mainland.
Ang pinagmulan ng mga settler na ito ay hindi tiyak, at isinasaalang-alang ng mga istoryador ang iba't ibang hypotheses, mula sa isang lahi ng Ural-Altaic hanggang sa isang posibleng pinagmulang Indonesian o Mongolian. Sa anumang kaso, ang kanilang kultura ay tila tumutugma sa Upper Paleolithic o Mesolithic.
Kasunod nito, ang iba't ibang grupo ng lahing Malay mula sa Timog-silangang Asya o ang mga Isla ng Pasipiko ay dumating sa mga baybayin ng Hapon, gayundin sa Korea at iba't ibang bahagi ng Tsina, na unti-unting ipinakilala mula sa timog, na inilipat ang mga Ainu. hilaga ng Japan, habang sa ibang pagkakataon, ang iba't ibang grupong etniko mula sa China at Korea ay dumating sa Japan.
Sa halo ng lahi na ito ay dapat idagdag ang impluwensya ng iba pang mga kultura: dahil sa pagkakabukod nito, ang Japan ay nahiwalay sa halos buong kasaysayan nito, ngunit sa mga pagitan ay naiimpluwensyahan ito ng mga sibilisasyon sa mainland, lalo na ang China at Korea, lalo na mula noong V siglo.
Kaya, ang kulturang ninuno ng Hapon na umusbong mula sa sunud-sunod na mga outpost ng imigrasyon ay nagdagdag ng impluwensyang banyaga, na bumubuo ng isang eclectic na sining na bukas sa inobasyon at estilistang pag-unlad.
Kapansin-pansin din na ang karamihan sa sining na ginawa sa Japan ay batay sa relihiyon: sa tipikal na relihiyong Shinto ng rehiyon, na nabuo noong ika-XNUMX siglo, idinagdag ang Budismo noong ika-XNUMX siglo, na bumubuo ng isang pagsasanib ng relihiyon na nananatili hanggang ngayon at iyon. ay nag-iwan din ng repleksyon nito sa sining.
Ang sining ng Hapon ay ang kinahinatnan ng iba't ibang kultura at tradisyon na ito, na binibigyang-kahulugan sa sarili nitong paraan ang mga anyo ng sining na na-import mula sa ibang mga bansa, na nakamit nito ayon sa konsepto ng buhay at sining, nagsasagawa ng mga pagbabago at pinasimple ang mga partikular na katangian nito.
Tulad ng mga detalyadong Chinese Buddhist na templo, na sa Japan ay dumaan sa isang metamorphosis ng kinakailangang talikuran ang ilang mga elemento ng kanilang sining at isama sila sa iba, ito ay nagpapahayag ng pagkakaisa ng sining na ito, kaya't ito ay palaging natural na kumukuha ng isang bagay mula sa ibang kultura ng ibang bansa.
Ang sining ng Hapon sa kultura ng Hapon ay may isang mahusay na pakiramdam ng pagmumuni-muni at ang ugnayan sa pagitan ng tao at kalikasan, na kinakatawan din sa mga bagay na nakapaligid dito, mula sa pinaka-adorno at mariin hanggang sa pinakasimple at pang-araw-araw.
Ito ay makikita sa halagang ibinibigay sa mga di-kasakdalan, ang ephemeral na kalikasan ng mga bagay, ang makataong pakiramdam na itinatag ng mga Hapon sa kanilang kapaligiran. Tulad ng sa seremonya ng tsaa, pinahahalagahan nila ang kalmado at katahimikan ng estadong ito ng pagmumuni-muni na nakamit nila sa isang simpleng ritwal, batay sa mga simpleng sangkap at isang pagkakatugma ng isang walang simetriko at hindi natapos na espasyo.
Para sa kanila, ang kapayapaan at balanse ay nauugnay sa init at ginhawa, mga katangian na siya namang tunay na salamin ng kanilang konsepto ng kagandahan. Kahit sa oras ng pagkain, hindi ang dami ng pagkain o ang presentasyon nito ang mahalaga, kundi ang pandama na pang-unawa sa pagkain at ang aesthetic na kahulugan na ibinibigay nito sa anumang kilos.
Gayundin, ang mga artista at craftsmen ng bansang ito ay may mataas na antas ng koneksyon sa kanilang trabaho, nararamdaman ang mga materyales bilang isang mahalagang bahagi ng kanilang buhay at ng kanilang komunikasyon sa kapaligiran na nakapaligid sa kanila.
Mga pundasyon ng sining ng Hapon
Ang sining ng Hapon, tulad ng iba pang pilosopiya nito -o, sa simpleng paraan, ang paraan ng pagtingin sa buhay- ay napapailalim sa intuwisyon, kakulangan ng rasyonalidad, emosyonal na pagpapahayag at pagiging simple ng mga aksyon at pag-iisip. madalas na ipinapahayag sa simbolikong paraan.
Dalawa sa mga natatanging katangian ng sining ng Hapon ay ang pagiging simple at pagiging natural: ang mga masining na pagpapahayag ay salamin ng kalikasan, kaya hindi sila nangangailangan ng detalyadong produksyon, ang lahat ng ito ay humahantong sa katotohanan na ang nais ng mga artista ay kung ano ang binalangkas, iminungkahing, ay mauunawaan sa ibang pagkakataon ng manonood.
Ang pagiging simple na ito ay nagdulot sa pagpipinta ng isang pagkahilig sa linear na pagguhit, nang walang pananaw, na may kasaganaan ng mga walang laman na espasyo, na gayunpaman ay pinagsama nang maayos sa kabuuan. Sa arkitektura, nagkakaroon ito ng mga linear na disenyo, na may mga asymmetric na eroplano, sa kumbinasyon ng mga dynamic at static na elemento.
Sa turn, ang pagiging simple na ito sa sining ng Hapon ay nauugnay sa isang likas na pagiging simple sa relasyon sa pagitan ng sining at kalikasan, na bahagi ng kanilang idiosyncrasy, na makikita sa kanilang buhay, at nararanasan nila ito na may maselan na sensasyon ng mapanglaw, halos kalungkutan.
Kung paanong ang paglipas ng mga panahon ay nagbibigay sa kanila ng isang pakiramdam ng panandalian, kung saan makikita mo ang ebolusyon na umiiral sa kalikasan dahil sa ephemeral na kalikasan ng buhay. Ang pagiging simple na ito ay makikita higit sa lahat sa arkitektura, na sumasama nang maayos sa kapaligiran nito, tulad ng ipinahiwatig ng paggamit ng mga likas na materyales, nang walang trabaho, na nagpapakita ng magaspang, hindi natapos na hitsura nito. Sa Japan, ang kalikasan, buhay, at sining ay hindi mapaghihiwalay, at ang artistikong tagumpay ay isang simbolo ng buong uniberso.
Ang sining ng Hapon ay naglalayong makamit ang unibersal na pagkakaisa, na lampas sa bagay upang mahanap ang bumubuong prinsipyo ng buhay. Hinahangad ng dekorasyong Hapones na mahanap ang kahulugan ng buhay sa pamamagitan ng sining: Ang kagandahan ng sining ng Hapon ay kasingkahulugan ng pagkakaisa, pagkamalikhain; ito ay isang patula na salpok, isang pandama na landas na humahantong sa pagsasakatuparan ng akda, na walang katapusan sa sarili, ngunit higit pa.
Ang tinatawag nating kagandahan ay isang pilosopiko na kategorya na tumutukoy sa atin sa pag-iral: ito ay namamalagi sa pag-abot ng kahulugan sa kabuuan. Tulad ng ipinahayag ni Suzuki Daisetsu: "ang kagandahan ay wala sa panlabas na anyo, ngunit sa kahulugan kung saan ito ipinahayag."
Ang sining ay hindi nagsisimula sa matinong katangian nito, ngunit sa mga katangiang nagpapahiwatig nito; Ito ay hindi kailangang maging eksakto, ngunit ipakita ang isang regalo na humahantong sa kabuuan. Nilalayon nitong makuha ang mahahalagang sa pamamagitan ng bahaging iyon, na nagmumungkahi ng kabuuan: ang walang laman ay isang pandagdag sa kung ano ang Japanese.
Sa kaisipang Silangan, mayroong pagkakaisa sa pagitan ng bagay at espiritu, na namamayani sa pagmumuni-muni at pakikipag-ugnayan sa kalikasan, sa pamamagitan ng panloob na pagsunod, ng intuwisyon. Ang sining ng Hapon (gei) ay may higit na transendente na kahulugan, mas hindi madaling unawain kaysa sa konsepto ng inilapat na sining sa Kanluran: ito ay anumang pagpapakita ng isip, na nauunawaan bilang mahalagang enerhiya, bilang ang kakanyahan na nagbibigay buhay sa ating katawan na sa katunayan ay bubuo at nagbabago, napagtatanto ang pagkakaisa sa pagitan ng katawan, isip at espiritu.
Ang kahulugan ng sining ng Hapon ay umunlad sa paglipas ng panahon: mula sa mga simula nito kung saan umiral ang mga unang bakas ng sining at kagandahan, ang mga ito ay nagmula noong sinaunang panahon kung kailan ang mga malikhaing prinsipyo ng kultura ng Hapon ay huwad at ang mga ipinahayag sa pinakamahalagang mga gawa ng pambansang panitikan:
Kojiki, Nihonshoki at Man 'yōshū, ang nasa itaas ay mga publikasyon, ang unang dalawa ay tungkol sa mga unang gawa ng kasaysayan ng Japan at ang huli ay tungkol sa mga tula na isinulat noong unang milenyo, sa panahong iyon ay nanaig ang kaisipang Sayashi ("dalisay , siyempre, sariwa"), na tumutukoy sa isang uri ng kagandahan na nailalarawan sa pagiging simple, pagiging bago, isang tiyak na kawalang-muwang na kasama ng paggamit ng liwanag at natural na mga materyales tulad ng Haniwa Figure Land o kahoy sa arkitektura.
Maaari naming uriin ang Ise Shrine bilang ang pinakamahusay na representasyon ng istilong ito, na gawa sa kahoy na cypress, na nire-renovate tuwing dalawampung taon mula noong ika-XNUMX siglo upang mapanatili ang pagiging tapat at pagiging bago nito. Mula sa paniwala na ito ay lumitaw ang isa sa mga constants ng Japanese art: ang halaga na maiugnay sa ephemeral, ephemeral, ephemeral na kagandahan na umuunlad sa paglipas ng panahon.
Sa Man 'yōshū, ang sayakeshi ay ipinakita sa pagmamahal ng pagiging tapat at pagsubok, gayundin sa paglalarawan kung paanong ang mga sangkap tulad ng langit at dagat, ay nagbigay sa kanya ng isang pakiramdam ng kadakilaan na nangingibabaw sa tao.
Ang Sayakeshi ay nauugnay sa konsepto ng Naru ("pagiging"), kung saan ang oras ay pinahahalagahan bilang isang mahalagang enerhiya na nagtatagpo sa pagiging, sa kulminasyon ng lahat ng mga aksyon at lahat ng buhay.
Inilalagay ang ating sarili sa mga panahon ng Nara at Heian, ang masining na aspeto ng sining ay mabilis na umunlad salamat sa unang pakikipag-ugnayan sa kulturang Tsino, gayundin sa pagdating ng Budismo. Ang pangunahing konsepto ng panahong ito ay konsensiya, isang emosyonal na pakiramdam na nalulula sa manonood at humahantong sa isang malalim na pakiramdam ng empatiya o awa.
Ito ay nauugnay sa iba pang mga termino tulad ng okashi, ang isa na umaakit sa kanyang kagalakan at kaaya-ayang karakter; omoshiroi, pag-aari ng mga bagay na nagliliwanag, na nakakaakit ng pansin sa pamamagitan ng kanilang ningning at kalinawan; ang yūbi, konsepto ng biyaya, ng kagandahan; ang yūga, isang kalidad ng pagpipino sa kagandahan; ang en, ang pang-akit ng alindog; ang hari, ang kagandahan ng kalmado; yasashi, ang kagandahan ng pagpapasya; at ang ushin, ang malalim na kahulugan ng masining.
Ang kuwento ni Murasaki Shikibu tungkol kay Genji, na naglalaman ng bagong aesthetic na konsepto na tinatawag na mono-no-awareness -isang terminong ipinakilala ni Motōri Norinaga-, na naghahatid ng pakiramdam ng mapanglaw, mapagnilay-nilay na kalungkutan na nagmula sa transience ng mga bagay, panandaliang kagandahan na tumatagal ng ilang sandali at nananatili sa alaala.
Ngunit higit sa lahat ito ay isang pakiramdam ng maselan na mapanglaw na maaaring humantong sa malalim na kalungkutan kapag malalim na nararamdaman ang exhale na kagandahan ng lahat ng mga nilalang ng kalikasan.
Ang pilosopiyang ito ng "ideal na pagtugis" ng kagandahan, ng isang meditative state kung saan ang pag-iisip at ang mundo ng mga pandama ay nagtatagpo, ay katangian ng likas na Japanese delicacy para sa kagandahan, at makikita sa Hanami festival, ang pagdiriwang ng cherry tree sa namumulaklak.
Sa Middle Ages ng Hapon, ang mga panahon ng Kamakura, Muromachi at Momoyama, kung saan ang katangian ay ang dominasyong militar sa kabuuan ng pyudal na lipunan ng bansa, lumitaw ang konsepto ng dō ("landas"), na nakabuo ng pag-unlad ng sining para sa panahong iyon. , ay ipinapakita sa seremonyal na pagsasagawa ng mga ritwal sa lipunan, na pinatunayan ng shodō (kaligrapya), chadō (seremonya ng tsaa), kadō o ikebana (ang sining ng pag-aayos ng bulaklak), at kōdō (seremonya ng insenso).
Ang mga kasanayan ay hindi mahalaga ang resulta, ngunit sa halip ang proseso ng ebolusyon, ang ebolusyon sa panahon - muli ang naru -, pati na rin ang talento na ipinakita sa perpektong pagpapatupad ng mga ritwal, na nagsasaad ng kasanayan, pati na rin ang isang espirituwal na pangako sa paghahangad ng pagiging perpekto.
Ang isang variant ng Budismo na tinatawag na Zen, na nagbibigay-diin sa ilang "mga tuntunin ng buhay" batay sa pagmumuni-muni, kung saan ang tao ay nawawalan ng kamalayan sa sarili, ay nagkaroon ng mapagpasyang impluwensya sa mga bagong konseptong ito. Kaya, lahat ng pang-araw-araw na gawain ay lumalampas sa materyal na kakanyahan nito upang magpahiwatig ng isang espirituwal na pagpapakita, na makikita sa paggalaw at ritwal na paglipas ng panahon.
Ang konseptong ito ay makikita rin sa paghahardin, na umaabot sa ganoong antas ng kahalagahan kung saan ang hardin ay isang pangitain ng kosmos, na may malaking walang laman (dagat) na puno ng mga bagay (mga isla), na nakapaloob sa buhangin at mga bato. , at kung saan pinupukaw ng mga halaman ang paglipas ng panahon.
Ang ambivalence ng Zen sa pagitan ng simple at lalim ng isang transendente na buhay ay nagbibigay ng diwa ng "simpleng kagandahan" (wabi) hindi lamang sa sining, kundi pati na rin sa pag-uugali, panlipunang relasyon, at sa mas pang-araw-araw na aspeto ng buhay. . Sinabi ni Master Sesshū na "Ang Zen at sining ay iisa."
Ang Zen na ito ay ipinakita sa pitong pandekorasyon na katotohanan: fukinsei, isang paraan ng pagtanggi sa pag-optimize upang makamit ang balanseng naroroon sa kalikasan; kanso , ilabas mo ang natitira at kung ano ang ilalabas mo ay madidiskubre mo ang pagiging simple ng kalikasan.
Kokō (nag-iisa na dignidad), isang kalidad na nakukuha ng mga tao at mga bagay sa paglipas ng panahon at nagbibigay sa kanila ng higit na kadalisayan ng kanilang kakanyahan; shizen (naturalness), na nauugnay sa katapatan, ang natural ay tunay at hindi nasisira; yūgen (depth), ang tunay na esensya ng mga bagay, na higit pa sa kanilang simpleng materyalidad, sa kanilang mababaw na anyo.
Datsuzoku (detachment), kalayaan sa pagsasagawa ng sining, na ang misyon ay palayain ang isip, hindi kontrolin ito – kaya, ang sining ay nagbibigay ng lahat ng uri ng mga parameter at panuntunan -; seiyaku (panloob na katahimikan), sa isang sitwasyon ng katahimikan, kalmado, kinakailangan para sa anim na nakaraang mga prinsipyo na dumaloy.
Ito ay lalo na ang seremonya ng tsaa, kung saan ang konsepto ng sining at kagandahan ng Hapon ay mahusay na na-synthesize, na lumilikha ng isang tunay na aesthetic na relihiyon: "theism". Ang seremonyang ito ay kumakatawan sa kulto ng kagandahan sa pagsalungat sa kahalayan ng pang-araw-araw na pag-iral. Ang kanyang pilosopiya, parehong etikal at aesthetic, ay nagpapahayag ng integral na konsepto ng tao sa kalikasan.
Ang pagiging simple nito ay nag-uugnay sa maliliit na bagay sa cosmic order: ang buhay ay isang pagpapahayag at ang mga aksyon ay laging sumasalamin sa isang pag-iisip. Ang temporal ay katumbas ng espirituwal, ang maliit ay ang dakila. Ang konseptong ito ay matatagpuan din sa silid ng tsaa (sukiya), isang panandaliang produkto ng pagtatayo ng isang patula na salpok, walang palamuti, kung saan ang di-sakdal ay iginagalang, at laging may iniiwan. hindi natapos, na kukumpleto sa imahinasyon.
Ang kakulangan ng simetrya ay katangian, dahil sa pag-iisip ni Zen na ang pagtugis ng pagiging perpekto ay mas mahalaga kaysa sa sarili nito. Ang kagandahan ay matutuklasan lamang ng mga taong kumukumpleto sa pamamagitan ng kanilang pangangatwiran kung ano ang kulang.
Sa wakas, sa modernong panahon -na nagsimula sa panahon ng Edo-, bagama't ang mga naunang ideya ay nagpapatuloy, ang mga bagong artistikong klase ay ipinakilala, na nauugnay sa paglitaw ng iba pang mga panlipunang kaayusan na lumitaw habang ang Japan ay nagmo-modernize: ang sui ay isang tiyak na espirituwal na delicacy, natagpuan pangunahin sa panitikan ng Osaka.
Ang kaisipang Iki ay isang marangal at direktang biyaya, partikular na naroroon sa kabuki; Ang karumi ay isang konsepto na nagtatanggol sa liwanag bilang isang bagay na primordial, kung saan nakuha ang "lalim" ng mga bagay, partikular na makikita sa tula ng haiku, kung saan ang Shiori ay isang nostalhik na kagandahan.
"Walang nagtatagal, walang kumpleto at walang perpekto." Ito ang magiging tatlong susi kung saan nakabatay ang «Wabi sabi», isang Japanese expression (o isang uri ng aesthetic vision) na tumutukoy sa kagandahan ng hindi perpekto, ang hindi kumpleto at ang pagbabago, bagama't ito ay tumutukoy din sa kagandahan ng mahinhin at mapagkumbaba, ang hindi kinaugalian. Ang pilosopiya ng "wabi sabi" ay upang tamasahin ang kasalukuyan at makahanap ng kapayapaan at pagkakaisa sa kalikasan at maliliit na bagay, at mapayapang tanggapin ang natural na siklo ng paglago at pagbaba.
Ang pinagbabatayan ng lahat ng mga elementong ito ay ang ideya ng sining bilang isang malikhaing proseso at hindi bilang isang materyal na tagumpay. Isinulat ni Okakura Kakuzō na "ang mga artista lamang na naniniwala sa likas na pag-warping ng kanilang kaluluwa ang may kakayahang tunay na kagandahan."
Periodization ng Japanese art
Sa artikulong ito, gagamit kami ng isang segmentasyon sa malalaking panahon sa mga tuntunin ng mga kapansin-pansing pagbabago sa sining at mga kilusang pampulitika. Ang pagpili sa pangkalahatan ay nag-iiba ayon sa pamantayan ng may-akda, at marami sa kanila ay maaari ding hatiin. Gayunpaman, mayroon ding mga pagkakaiba tungkol sa simula at pagtatapos ng ilan sa mga panahong ito. Kukunin natin ang ginawa ng arkeologong si Charles T. Kelly, na ang mga sumusunod:
Japanese art sa plastic arts
Sa panahon ng Mesolithic at Neolithic, nanatili itong nakahiwalay sa kontinente, kaya ang lahat ng produksyon nito ay sarili nito, bagama't hindi gaanong mahalaga. Sila ay mga semi-sedentary na lipunan, na naninirahan sa maliliit na nayon na may mga bahay na hinukay sa lupa, kumukuha ng kanilang mga mapagkukunan ng pagkain pangunahin mula sa kagubatan (usa, baboy-ramo, mani) at dagat (isda, crustacean, marine mammal).
Ang mga lipunang ito ay may isang detalyadong organisasyon ng trabaho at nababahala sa pagsukat ng oras, na pinatunayan ng ilang mga labi ng pabilog na mga kaayusan ng bato sa Oyu at Komakino, na kumilos bilang mga sundial. Malamang na mayroon silang mga standardized na unit ng pagsukat, na pinatunayan ng ilang mga gusali na binuo sa ilang mga modelo.
Sa ilang partikular na lokasyon na naaayon sa panahong ito, nakita ang mga pinakintab na artifact ng bato at buto, keramika at anthropomorphic. Dapat pansinin na ang Jōmon pottery ay ang pinakalumang gawa ng tao na palayok: ang pinakamaagang bakas ng panimulang palayok ay itinayo noong 11.000 BC, sa maliliit, gawang kamay na kagamitan na may makintab na gilid at malalaking interior. , na may functional sense at mahigpit na dekorasyon.
Ang mga labi na ito ay tumutugma sa isang panahon na tinatawag na "prejōmon" (11000-7500 BC), na sinusundan ng "archaic" o "maagang" Jōmon (7500-2500 BC), kung saan ang pinakakaraniwang palayok na Jōmon ay ginawa, ginawa ng kamay at pinalamutian. na may mga hiwa o bakas ng lubid, sa base ng isang uri ng malalim na sisidlan na hugis banga. Ang pangunahing palamuti ay binubuo ng mga kopya na ginawa gamit ang mga lubid ng mga hibla ng gulay, na idiniin sa palayok bago ito sunugin.
Sa ilang mga lugar ang mga paghiwa na ito ay umabot sa isang mataas na antas ng elaborasyon, na may perpektong pinait na mga gilid, na gumuhit ng isang serye ng napakasalimuot na abstract na mga linya. Sa mga pambihirang pagkakataon, natagpuan ang mga labi ng matalinghagang mga eksena, sa pangkalahatan ay anthropomorphic at zoomorphic na mga guhit (palaka, ahas), na nagpapakita ng eksena sa pangangaso na nasa isang plorera na matatagpuan sa Hirakubo, hilaga ng Honshū.
Sa wakas, sa "Late Jōmon" (2500-400 BC), ang mga sasakyang-dagat ay bumalik sa isang mas natural, hindi gaanong detalyadong anyo, na may mga bilog na ilalim na mangkok at sisidlan, makitid na leeg na amphorae, at mga mangkok na may mga hawakan. kadalasang may mga tungkod. o nakataas na base. Ang mga palatandaan ng palayok ng Jōmon ay: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo, at Okinohara sa Honshū Island; Sobata sa isla ng Kyūshū; at Hamanasuno at Tokoro sa isla ng Hokkaidō.
Bukod sa mga plorera, ang iba't ibang mga pigurin sa anyo ng tao o hayop ay ginawa sa ceramic, ginawa sa ilang mga bahagi, kaya kakaunti ang mga labi ng buong piraso ang natagpuan. Ang mga nasa anyong anthropomorphic ay maaaring magkaroon ng mga katangiang panlalaki o pambabae, at natagpuan din ang ilan sa mga androgynous sign.
Ang ilan ay namamaga ang tiyan, kaya maaaring nauugnay sila sa pagsamba sa pagkamayabong. Ito ay nagkakahalaga ng pagpuna sa katumpakan ng mga detalye na ipinapakita ng ilang mga figure, tulad ng maingat na hairstyles, tattoo at pampalamuti dresses.
Tila sa mga lipunang ito ang adornment ng katawan ay napakahalaga, pangunahin sa mga tainga, na may mga ceramic na hikaw ng iba't ibang mga pagawaan, na pinalamutian ng mapula-pula na mga tina. Sa Chiamigaito (Honshū Island) higit sa 1000 sa mga palamuting ito ang natagpuan, na nagmumungkahi ng isang lokal na pagawaan para sa elaborasyon ng mga produktong ito.
Ang iba't ibang mga maskara ay nagmula rin sa panahong ito, na nagpapahiwatig ng indibidwal na gawain sa mga mukha. Sa parehong paraan, ang iba't ibang uri ng berdeng jadeite na kuwintas ay ginawa, at pamilyar sila sa gawaing may kakulangan, bilang ebidensya ng ilang mga fastener na natagpuan sa Torihama. Natagpuan din ang mga labi ng mga espada, buto o sungay ng garing.
Panahon ng Yayoi (500 BC-300 AD)
Ang panahong ito ay nangangahulugan ng tiyak na pagtatatag ng lipunang agraryo, na naging sanhi ng deforestation ng malalaking extension ng teritoryo.
Ang pagbabagong ito ay humantong sa isang ebolusyon ng lipunang Hapones sa teknolohikal, kultural at panlipunang mga larangan, na may higit na panlipunang stratification at espesyalisasyon ng trabaho, at nagdulot ng pagdami ng mga armadong labanan.
Ang kapuluan ng Hapon ay may tuldok na may maliliit na estado na nabuo sa paligid ng mga angkan (uji), kung saan namamayani ang Yamato, na nagbunga ng pamilyang imperyal. Pagkatapos ay lumitaw ang Shintoismo, isang mitolohiyang relihiyon na nagpabagsak sa emperador ni Amaterasu, ang diyosa ng araw.
Itinaguyod ng relihiyong ito ang tunay na pakiramdam ng kadalisayan at pagiging bago ng sining ng Hapon, na may kagustuhan sa mga purong materyales at walang palamuti, na may pakiramdam ng pagsasama sa kalikasan (kami o superconsciousness). Mula sa ika-XNUMX siglo BC. C. nagsimulang ipakilala ang kabihasnang kontinental, dahil sa pakikipag-ugnayan sa Tsina at Korea.
Ang kultura ng Yayoi ay lumitaw sa isla ng Kyūshū noong mga 400-300 BC. C., at lumipat sa Honshū, kung saan unti-unting pinalitan nito ang kulturang Jōmon. Sa panahong ito, ang isang uri ng malaking libing na may silid at isang punso na pinalamutian ng mga terracotta cylinder na may mga pigura ng tao at hayop ay pinalawig.
Ang mga nayon ay napaliligiran ng mga kanal, at lumitaw ang iba't ibang kagamitang pang-agrikultura (kabilang ang hugis gasuklay na bato na ginagamit sa pag-aani), gayundin ang iba't ibang sandata, tulad ng mga busog at palaso na may makintab na dulo ng bato.
Sa Palayok, ang mga sumusunod na bagay ay espesyal na ginawa: Mga Banga, Vase, Plato, Tasa at Bote na may ilang partikularidad. Sila ay may makintab na ibabaw, na may simpleng palamuti, karamihan ay mga hiwa, may tuldok at zigzag na mga streamer, ang pinaka ginagamit na bagay ay isang baso na ang pangalan ay Tsubo.
Binigyang-diin niya ang gawaing may mga metal, pangunahin ang tanso, tulad ng tinatawag na dotaku bells, na nagsisilbing mga bagay na seremonyal, pinalamutian ng mga spiral (ryusui) sa anyo ng tubig na umaagos, o mga hayop sa relief (pangunahin ang mga usa, mga ibon, mga insekto at amphibians), gayundin ang mga eksena ng pangangaso, pangingisda at gawaing pang-agrikultura, lalo na ang mga may kaugnayan sa palay.
Ang usa ay tila may isang espesyal na kahulugan, marahil ay nauugnay sa isang tiyak na diyos: sa maraming lugar, maraming mga usa na talim ng balikat ang natagpuan na may mga hiwa o mga marka na ginawa gamit ang apoy, na sinasabing nauugnay sa isang uri ng ritwal.
Ang iba pang mga pandekorasyon na bagay na matatagpuan sa mga site ng Yayoi ay kinabibilangan ng: mga salamin, espada, iba't ibang kuwintas, at magatama (mga piraso ng jade at agata na hugis cashew, na nagsilbing fertility gems).
Panahon ng Kofun (300-552)
Ang panahong ito ay minarkahan ang pagsasama-sama ng Central Imperial State, na kinokontrol ang mahahalagang mapagkukunan, tulad ng bakal at ginto. Ang arkitektura ay mas mahusay na binuo sa sementeryo, na may tipikal na silid at daanan na mga libingan na tinatawag na kofun ("lumang libingan"), kung saan nakataas ang malalaking bunton ng lupa.
Ang mga libing ng mga emperador na sina Ōjin (346-395) at Nintoku (395-427) ay kapansin-pansin, kung saan natagpuan ang isang malaking pagkakaiba-iba ng mga bagay, kung saan mayroong; alahas, mga figure na gawa sa iba't ibang mga materyales lalo na mga terracotta figure.
Ang mga statuette na ito ay humigit-kumulang animnapung sentimetro ang taas, halos walang ekspresyon, ilang biyak lamang sa mga mata at bibig, bagama't ang mga ito ay isang napaka-kaugnay na halimbawa ng sining sa panahong ito.
Ayon sa kanilang pananamit at kagamitan, iba't ibang mga kalakalan ang namumukod-tangi sa mga karakter na ito, tulad ng mga magsasaka, militiamen, monghe, kababaihang probinsyal, minstrel, atbp.
Sa pagtatapos ng panahong ito, lumitaw din ang mga pigura ng mga hayop, kabilang ang mga usa, aso, kabayo, bulugan, pusa, manok, tupa at isda, na nagsasaad ng kahalagahan ng pag-areglo ng militar noong panahong iyon, na ang mga tampok na istilo ay nauugnay sa kultura ng Silla. .mula sa Korea, pati na rin ang isang uri ng palayok na tinatawag na Sueki, na madilim at napakapino, na may mga kumikiliti na accessories.
Ang pagkakaiba-iba ng lipunan ay humantong sa paghihiwalay ng mga naghaharing uri sa mga eksklusibong kapitbahayan ng mga lungsod, tulad ng Yoshinogari, upang tuluyang mahiwalay sa mga nakahiwalay na kapitbahayan gaya ng Mitsudera o ang mga complex ng palasyo ng Kansai, Ikaruga at Asuka-Itabuki.
Para sa arkitektura ng relihiyon, ang mga sinaunang templo ng Shinto (jinja) ay gawa sa kahoy, sa nakataas na base at nakalabas na mga dingding o mga sliding partition, na may mga base na sumusuporta sa sloping roof.
Ang isa sa mga katangiang bahagi nito ay ang torii, isang arko ng pasukan na nagmamarka ng pasukan sa isang sagradong lugar. Tandaan ang Ise Shrine, na muling itinayo tuwing dalawampung taon mula noong ika-XNUMX siglo.
Ang pangunahing gusali (Shoden) ay may nakataas na palapag at isang gabel na bubong, na may siyam na base, na mapupuntahan ng panlabas na hagdanan. Ito ay nasa istilong shinmei zukuri, na sumasalamin sa huling istilo ng Shinto, bago dumating ang Budismo sa Japan.
Ang isa pang mythical na templo na hindi tiyak ang pinagmulan ay ang Izumo Taisha, malapit sa Matsue, isang maalamat na templo na itinatag ni Amaterasu. Ito ay nasa istilong taisha zukuri, ito ay itinuturing na pinakamatanda sa mga dambana, ang pangunahing atraksyon ay ang elevation ng gusali sa mga pilaster, na may hagdanan bilang pangunahing daanan, at simpleng kahoy na natapos nang walang pagpipinta.
Ayon sa mga manuskrito na natagpuan, ang orihinal na santuwaryo ay may taas na 50 metro, ngunit dahil sa isang apoy ay itinayo itong muli na may taas na 25 metro. Ang mga gusali ay Honden ("inner sanctuary") at Hayden ("outer sanctuary"). Kinpusen-ji, ang pangunahing templo ng shugendō, isang ascetic na relihiyon na pinagsasama ang Shinto, Budismo, at animistang paniniwala, ay kabilang din sa panahong ito.
Sa panahong ito, makikita natin ang mga unang sample ng pagpipinta, tulad ng sa Ōtsuka Royal Funeral at ang hugis dolmen na libingan ng Kyūshū (ika-XNUMX-XNUMX na siglo), na pinalamutian ng mga eksena ng nakulong na biktima, labanan, kabayo, ibon at barko, o may mga spiral. at mga concentric na bilog.
Ang mga ito ay mga painting sa dingding, na gawa sa hematite red, carbon black, yellow ocher, white kaolin, at chlorite green. Isa sa mga katangiang disenyo ng panahong ito ay ang tinatawag na chokomon, na binubuo ng mga tuwid na linya at arko na iginuhit sa mga dayagonal o mga krus, at makikita sa mga dingding ng mga libingan, sarcophagi, mga estatwa ng Haniwa at mga tansong salamin.
Panahon ng Asuka (552-710)
Ang Yamato ay naglihi ng isang sentralisadong kaharian sa modelong Tsino, na nakapaloob sa mga batas ng Shōtoku-Taishi (604) at Taika ng 646. Ang pagpapakilala ng Budismo ay nagbunga ng isang mahusay na masining at aesthetic na epekto sa Japan, na may malaking impluwensya ng sining ng Tsino.
Pagkatapos ay dumating ang paghahari ni Prinsipe Shōtoku (573-621), na pumabor sa Budismo at kultura sa pangkalahatan, at naging mabunga para sa sining. Ang arkitektura ay kinakatawan sa mga templo at monasteryo, ito ay halos nawala, sa pag-aakalang ang pagpapalit ng mga simpleng linya ng Shinto na may karilagan na nagmumula sa mainland.
Bilang ang pinakatanyag na gusali sa panahong ito, dapat nating pangalanan ang templo ng Hōryū-ji (607), na kinatawan ng istilong Kudara (Paekche sa Korea). Ginawa ito sa bakuran ng templo ng Wakakusadera, na itinayo ni Shōtoku at sinunog ng kanyang mga kalaban noong 670.
Itinayo gamit ang axial planimetry, binubuo ito ng isang set ng mga gusali kung saan matatagpuan ang pagoda (Tō), ang Yumedono ("bulwagan ng mga pangarap") at ang Kondō ("golden hall"). Ito ay nasa istilong Tsino, gamit sa unang pagkakataon ang bubong na ceramic tile.
Isa sa mga tampok ng pambihirang halimbawang ito ay ang Itsukushima Shrine (593), na ginawa sa tubig, sa Seto, kung saan ang Gojūnotō, ang Tahōtō at iba't ibang honden ay nabanggit. Dahil sa kagandahan nito ay pinangalanang World Heritage Site noong 1996 ng UN.
Ang iskultura na may temang Budista ay gawa sa kahoy o tanso: ang unang mga pigura ng Buddha ay na-import mula sa mainland, ngunit nang maglaon ay isang malaking bilang ng mga artistang Tsino at Koreano ang nanirahan sa Japan.
Ang imahe ng Kannon, ang Japanese na pangalan ng Bodhisattva Avalokiteśvara (tinatawag na Guan Yin sa Chinese), ay dumami sa ilalim ng pangalan ng Bodhisattva Kannon, ang gawa ng Korean Tori; ang Kannon na matatagpuan sa Yumedono temple ng Hōryū-ji; at Kannon ng Kudara (ika-623 na siglo), ng isang hindi kilalang artista. Ang isa pang mahalagang gawain ay ang Triad ng Sâkyamuni (XNUMX), sa tanso, ni Tori Busshi na inilagay sa templo ng Hōryū-ji.
Sa pangkalahatan, ang mga ito ay mga gawa ng malubha, angular at archaic na istilo, na inspirasyon ng Korean Koguryŏ style, tulad ng nakikita sa gawa ni Shiba Tori, na minarkahan ang "opisyal na istilo" ng panahon ng Asuka: ang Great Asuka Buddha (Hoko temple - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Ang isa pang pintor na sumunod sa istilong ito ay si Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, may-akda ng The Four Celestial Guardians (shitenno) ng Golden Hall of Hōryū-ji (645), na sa kabila ng napakatandang istilo ay nagpapakita ng mas bilugan na volumetric evolution, na may higit pa mga ekspresyong mukha.
Ang pagpipinta na naiimpluwensyahan ng mga Chinese na motif, gawa sa tinta o mineral na tina na ginagamit sa seda o papel, sa mga parchment scroll o nakasabit sa dingding. Ito ay nagsasaad ng isang mahusay na pakiramdam ng pagguhit, na may mga gawa na may mahusay na pagka-orihinal, tulad ng Tamamushi reliquary (Hōryū-ji), sa camphor at cypress wood, na may mga bronze filigree band, na kumakatawan sa iba't ibang mga eksena sa langis sa lacquered wood, sa isang pamamaraan na tinatawag na mitsuda -i mula sa Persia at may kaugnayan sa pagpipinta ng Tsino ng dinastiyang Wei.
Sa base ng reliquary ay isang jataka (account ng mga nakaraang buhay ng Buddha), na nagpapakita ng prinsipe Mahasattva na inilaan ang kanyang sariling laman sa isang gutom na tigre. Sa mga panahong ito, nagsimulang sumikat ang kaligrapya, na binigyan ng parehong antas ng artistikong bilang mga larawang matalinghaga.
Napansin din ang mga silk tapestries, tulad ng Mandala Tenkoku na ginawa kay Shōtoku (622). Ang mga keramika, na maaaring maging glazed o hindi, ay may maliit na lokal na produksyon, bilang ang pinakamahalagang pag-import ng China.
Panahon ng Nara (710-794)
Sa panahong ito, ang kabisera ay itinatag sa Nara (710), ang unang nakapirming kabisera ng mikado. Sa oras na ito, ang sining ng Budista ay nasa taas nito, na nagpatuloy sa impluwensyang Tsino nang may matinding intensidad: nakita ng mga Hapones sa sining ng Tsino ang pagkakaisa at pagiging perpekto katulad ng panlasa ng Europa para sa klasikal na sining ng Greco-Romano.
Ang ilang mga halimbawa ng arkitektura mula sa panahon ay mga monumental na gusali, tulad ng East Yakushi-ji Pagoda, ang Tōshōdai-ji, Tōdai-ji, at Kōfuku-ji na mga templo, at ang Shōso-in Imperial Storehouse sa Nara, na nag-iingat ng maraming bagay. mula sa sining mula sa panahon ni Emperor Shōmu (724-749), na may mga gawa mula sa China, Persia, at Central Asia. Ang lungsod ng Nara ay itinayo ayon sa isang grid layout, na itinulad sa Chang'an, ang kabisera ng Tang dynasty.
Ang imperyal na palasyo ay binigyan ng parehong kahalagahan tulad ng pangunahing monasteryo, Tōdai-ji (745-752), na itinayo ayon sa simetriko na plano sa isang malaking enclosure na may kambal na pagodas, at nagtatampok sa Daibutsuden, ang "dakilang bulwagan ng Buddha". «. na may malaking 15 metrong bronze statue ni Buddha Vairocana (Dainichi sa Japanese), na donasyon ni Emperor Shōmu noong 743. Muling itinayo noong 1700, ang Daibutsuden ay ang pinakamalaking kahoy na gusali sa mundo.
Ang isa pang mahalagang templo ay ang Hokkedō, na ipinagmamalaki ang isa pang kahanga-hangang estatwa, Kannon Fukukenjaku, isang walong-armadong lacquered bodhisattva na may taas na apat na metro. mataas at Tang na impluwensya, na kapansin-pansin sa katahimikan at katahimikan ng mga tampok ng mukha.
Sa kabaligtaran, ang East Yakushi-ji Pagoda ay isang pagtatangka ng mga arkitekto ng Hapon na makahanap ng kanilang sariling istilo, na lumalayo sa impluwensyang Tsino. Ito ay namumukod-tangi para sa kanyang verticality, na may mga alternating cover na may iba't ibang laki, na nagbibigay dito ng hitsura ng isang calligraphic sign.
Sa istraktura nito, ang mga eaves at balkonahe ay namumukod-tangi, na nabuo sa pamamagitan ng magkakaugnay na mga kahoy na bar, sa puti at kayumanggi. Sa loob nito makikita ang imahe ng Yakushi Nyorai ("Medicine Buddha"). Ito ay nakalista bilang isang World Heritage Site sa ilalim ng pangalang Historical Monuments of Ancient Nara.
Ang Tōshōdai-ji (759) ay may parehong antas ng pambansang asimilasyon, na nagpapakita ng malinaw na kaibahan sa pagitan ng Kondō ("golden hall"), kasama ang pagiging solid, simetriko, at verticalidad na naiimpluwensyahan ng Tsino, at ang Kodō ("lecture hall") . ”), ng higit na pagiging simple at pahalang na tumutukoy sa katutubong tradisyon.
Ang isa pang exhibitor ay ang Kiyomizu-dera (778), na ang pangunahing gusali ay namumukod-tangi sa malaking rehas nito, na sinusuportahan ng daan-daang mga haligi, na nakatayo sa burol at nag-aalok ng mga kahanga-hangang tanawin ng lungsod ng Kyoto. Ang templong ito ay isa sa mga kandidato para sa listahan ng New Seven Wonders of the World, bagaman hindi ito pinili.
Sa bahagi nito, ang Rinnō-ji ay sikat sa Sanbutsudō, kung saan mayroong tatlong estatwa ng Amida, Senjūkannon at Batōkannon. Bilang isang Shinto shrine, ang Fushimi Inari-taisha (711) ay namumukod-tangi, na nakatuon sa espiritu ng Inari, partikular na pinangalanan para sa libu-libong pulang toriis na nagmamarka sa daan sa kahabaan ng burol kung saan nakatayo ang shrine.
Ang representasyon ng Buddha ay nakamit ang mahusay na pag-unlad sa iskultura, na may mga estatwa ng napakagandang kagandahan: Sho Kannon, Buddha ng Tachibana, Bodhisattva Gakko ng Tōdai-ji. Sa panahon ng Hakuhō (645-710), ang pagsupil sa angkan ng Soga at pagsasama-sama ng imperyal ay humantong sa pagwawakas ng impluwensyang Koreano at ang pagpapalit nito ng mga Intsik (Dinastiya ng Tang), na nagbunga ng isang serye ng mga gawa ng higit na kadakilaan at pagiging totoo, na may mas bilog at mas magagandang anyo.
Ang pagbabagong ito ay kapansin-pansin sa isang bahagi ng Yakushi-ji na ginintuan na bronze statues, na nabuo ng nakaupong Buddha (Yakushi) na sinamahan ng bodhisattvas Nikko ("Sunlight") at Gakko ("Moonlight"), na nagpapakita ng higit na dynamism sa kanyang contrapposto na posisyon, at higit na pagpapahayag ng mukha.
Sa Hōryū-ji, nagpatuloy ang istilong Tori ng Koreanong pinagmulan, tulad ng sa Kannon Yumegatari at sa Amida Triad ng Lady Tachibana locket. Sa Tōshōdai-ji Temple mayroong isang serye ng mga malalaking estatwa, na gawa sa hollow dried lacquer, na nagha-highlight sa gitnang Buddha Rushana (759), na may taas na 3,4 metro. Mayroon ding mga representasyon ng mga espiritung tagapag-alaga (Meikira Taisho), mga hari (Komokuten), atbp. Ang mga ito ay gawa sa kahoy, tanso, hilaw na luad o tuyong may kakulangan, ng mahusay na pagiging totoo.
Ang pagpipinta ay kinakatawan ng isang Hōryū-ji na dekorasyon sa dingding (huling bahagi ng ika-XNUMX siglo), tulad ng mga fresco ng Kondō, na may pagkakatulad sa mga nasa Ajanta sa India. Lumitaw din ang iba't ibang tipolohiya, tulad ng kakemono ("nakabitin na pagpipinta") at emakimono ("roller painting"), mga kuwentong ipininta sa isang rolyo ng papel o seda, na may mga tekstong nagpapaliwanag sa iba't ibang eksena, na tinatawag na sutras.
Sa Nara Shōso-in, mayroong isang bilang ng mga sekular na may temang painting, na may iba't ibang uri at tema: mga halaman, hayop, tanawin, at mga metal na bagay. Sa kalagitnaan ng panahon, nauso ang paaralan ng pagpipinta ng Tang Dynasty, gaya ng makikita sa mga mural ng nitso ng Takamatsuzuka, na may petsang humigit-kumulang 700.
Sa pamamagitan ng atas ng Taiho-ryo ng 701, ang propesyon ng pintor ay kinokontrol sa mga korporasyong craft. kinokontrol ng Department of Painters (takumi-no-tuskasa), sa ilalim ng Ministry of the Interior. Ang mga asosasyong ito ay namamahala sa pagdekorasyon ng mga palasyo at templo, at ang kanilang istraktura ay tumagal hanggang sa panahon ng Meiji. Kapansin-pansing umunlad ang palayok sa pamamagitan ng iba't ibang pamamaraan na na-import mula sa China, tulad ng paggamit ng maliliwanag na kulay na inilapat sa luad.
Panahon ng Heian (794-1185)
Sa panahong ito naganap ang pamahalaan ng angkan ng Fujiwara, na nagtatag ng isang sentralisadong pamahalaan na inspirasyon ng pamahalaang Tsino, kasama ang kabisera nito sa Heian (ngayon ay Kyoto). Ang mga dakilang pyudal na panginoon (daimyō) ay bumangon at lumitaw ang pigura ng samurai.
Sa mga oras na ito, lumitaw ang graphology na tinatawag na Hiragana, na inangkop ang Chinese calligraphy sa polysyllabic na wika na ginagamit sa Japan, gamit ang Chinese character para sa phonetic values ng mga pantig. Ang pagkasira ng relasyon sa Tsina ay nagbunga ng mas malinaw na sining ng Hapon, na umusbong kasabay ng sining ng relihiyon ang isang sekular na sining na magiging tapat na salamin ng nasyonalismo ng korte ng imperyal.
Ang iconograpya ng Budista ay sumailalim sa isang bagong pag-unlad sa pag-angkat ng dalawang bagong sekta mula sa mainland, ang Tendai at Shingon, batay sa Tibetan Tantric Buddhism, na nagsama ng mga elemento ng Shinto at gumawa ng isang relihiyosong syncretism na katangian ng panahong ito.
Ang arkitektura ay sumailalim sa isang pagbabago sa plano ng mga monasteryo, na itinayo sa ilang mga lugar, na nilayon para sa pagmumuni-muni. Ang pinakamahalagang templo ay Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816), at ang Murō-ji pagoda-shrine. Ang Enryaku-ji, na matatagpuan sa paligid ng Mount Hiei, ay isa sa Makasaysayang Monumento ng Sinaunang Kyoto, na idineklara bilang World Heritage Site noong 1994.
Ito ay itinatag noong 788 ni Saichō, na nagpakilala ng Tendai Buddhist Sect sa Japan. Ang Enryaku-ji ay may mga 3.000 templo, at naging isang mahusay na sentro ng kapangyarihan sa panahon nito, kung saan karamihan sa mga gusali nito ay winasak ni Oda Nobunaga noong 1571.
Sa bahaging nakaligtas, ang Saitō ("kanlurang bulwagan") ay namumukod-tangi ngayon at ang Tōdō (" silangang bulwagan"), kung saan matatagpuan ang Konpon chūdō, ang pinakakinakatawan na konstruksyon ng Enryaku ji, kung saan pinananatili ang isang estatwa ni Buddha nililok ni Saichō mismo, ang Yakushi Nyorai.
Ang iskultura ay nagdusa ng bahagyang pagbaba kumpara sa mga nakaraang panahon. Muli, ang mga representasyon ng Buddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai mula sa Jingo-ji temple sa Kyoto; Amida Nyorai mula sa Byōdō-in monastery), pati na rin ang ilang mga diyosa ng Shinto (Kichijoten, diyosa ng kaligayahan, katumbas ng Lakshmī India) .
Ang labis na katigasan ng relihiyong Budista ay naglilimita sa spontaneity ng artist, na nililimitahan ang kanyang sarili sa mga matibay na artistikong canon na sumisira sa kanyang malikhaing kalayaan. Sa panahon ng 859 at 877, ang estilo ng Jogan ay ginawa, na nakikilala sa pamamagitan ng mga larawan ng halos nakakatakot na gravity, na may tiyak na introspective at misteryosong hangin, tulad ng Shaka Nyorai ng Murō-ji.
Sa panahon ng Fujiwara, ang paaralang itinatag ni Jōchō sa Byōdō-in ay sumikat, na may mas eleganteng at payat na istilo kaysa sa eskultura ni Jogan, na nagpapahayag ng perpektong hugis ng katawan at mahusay na pakiramdam ng paggalaw.
Ang workshop ni Jōchō ay nagpakilala ng yosegi at warihagi techniques, na binubuo ng paghahati ng figure sa dalawang bloke na pagkatapos ay pinagsama upang sculpt ang mga ito, kaya iniiwasan ang kasunod na pag-crack, isa sa mga pangunahing problema sa malalaking figure. Ang mga diskarteng ito ay nagbibigay-daan din sa serial mounting at binuo nang may mahusay na tagumpay sa Kei school noong panahon ng Kamakura.
Ang pagpipinta ng Yamato-e ay umuunlad lalo na sa mga sulat-kamay na scroll na tinatawag na emaki, na pinagsasama ang mga larawang eksena sa eleganteng kaligrapya ng Katakana. Isinalaysay ng mga scroll na ito ang mga makasaysayang o literary passage, gaya ng The Tale of Genji, isang nobela ni Murasaki Shikibu mula sa huling bahagi ng ika-XNUMX siglo.
Bagama't ang teksto ay gawa ng mga kilalang eskriba, ang mga larawan ay karaniwang ginagawa ng mga courtesan ng hukuman, tulad ng Ki no Tsubone at Nagato no Tsubone, na ipinapalagay ang isang sample ng feminine aesthetics na magkakaroon ng malaking kaugnayan sa Japanese Art ngayon.
Sa oras na ito, nagsimula ang isang pag-uuri ng mga pagpipinta ayon sa kasarian, na minarkahan ang isang nakikitang pagkakaiba sa pagitan ng publiko, kung saan ang panlalaki ay nasa ilalim ng impluwensyang Tsino, at ang pambabae at mas aesthetic ay artistikong Japanese.
Sa onna-e, bilang karagdagan sa Kasaysayan ng Genji, ang Heike Nogyo (Lotus Sutra) ay namumukod-tangi, na inatasan ng angkan ng Taira para sa Itsukushima shrine, kung saan sila ay nakapaloob sa iba't ibang mga scroll sa kaligtasan ng mga kaluluwang ipinahayag ng Budismo.
Sa kabilang banda, ito Ang otoko-e ay higit na nagsasalaysay at masigla kaysa sa ona-e, mas puno ng pagkilos, na may higit na realismo at paggalaw, tulad ng sa Shigisan Engi scrolls, tungkol sa mga himala ng monghe na si Myoren; ang Ban Danigon E-kotoba, tungkol sa isang digmaan sa pagitan ng magkaribal na angkan noong ika-XNUMX na siglo; at ang Chōjugiga, mga eksena ng mga hayop na may karikaturadong tanda at isang satirical na tono, na pinupuna ang aristokrasya.
Panahon ng Kamakura (1185-1392)
Matapos ang ilang mga pagtatalo sa pagitan ng mga pyudal na angkan, ipinataw ang Minamoto, na nagtatag ng shogunate, isang anyo ng pamahalaan na may korteng militar. Sa oras na ito, ang sekta ng Zen ay ipinakilala sa Japan, na lubos na makakaimpluwensya sa makasagisag na sining. Ang arkitektura ay mas simple, mas functional, hindi gaanong maluho at gayak.
Ang panuntunan ng Zen ay nagdulot ng tinatawag na istilong Kara-yo: Ang mga lugar ng pagsamba ng Zen ay sumunod sa pamamaraan ng axial planimetry ng mga Tsino, bagaman ang pangunahing gusali ay hindi ang templo, ngunit ang silid ng pagbabasa, at ang lugar ng karangalan ay hindi inookupahan ng isang rebulto. Buddha, ngunit sa pamamagitan ng isang maliit na trono kung saan itinuro ng abbot ang kanyang mga alagad.
Ang limang dakilang templo complex ng Sanjusangen-dō, sa Kyoto (1266), pati na rin ang mga monasteryo na Kennin-ji (1202) at Tōfuku-ji (1243) sa Kyoto, at Kenchō-ji (1253) at Engaku-ji (1282). ) sa Kamakura.
Ang Kōtoku-in (1252) ay sikat sa malaki at mabigat na bronze na estatwa ni Amida Buddha, na ginagawa itong pangalawang pinakamalaking Buddha sa Japan pagkatapos ng Tōdai-ji.
Noong 1234, itinayo ang Chion-in Temple, upuan ng Jōdo shū Buddhism, na nakikilala sa pamamagitan ng napakalaking pangunahing tarangkahan nito (Sanmon), ang pinakamalaking istraktura ng uri nito sa Japan.
Ang isa sa mga huling kinatawan ng panahong ito ay ang Hongan-ji (1321), na binubuo ng dalawang pangunahing templo: ang Nishi Hongan-ji, na kinabibilangan ng Goei-dō at Amida-dō, kasama ang isang tea pavilion at dalawang yugto ng ang Noh theater, isa sa mga sinasabing siya ang pinakamatandang nabubuhay pa; at Higashi Hongan-ji, tahanan ng sikat na Shosei-en.
Ang iskultura ay nakakuha ng isang mahusay na realismo, na natagpuan ang artist ng higit na kalayaan sa paglikha, bilang ebidensya ng mga larawan ng mga maharlika at sundalo, tulad ng kay Uesugi Shigusa (ng isang hindi kilalang pintor), isang ika-labing apat na siglong militar na tao.
Ang mga gawa ni Zen ay nakatuon sa representasyon ng kanilang mga panginoon, sa isang uri ng estatwa na tinatawag na shinzo, gaya ng kay master Muji Ichien (1312, ng isang hindi kilalang may-akda), sa polychrome wood, na kumakatawan sa Zen master na nakaupo sa isang trono, sa isang ang saloobin ng pagmumuni-muni ay nakakarelaks.
Ang Kei School of Nara, tagapagmana ng Jōchō School of the Heian period, ay partikular na mahalaga para sa kalidad ng mga gawa nito, kung saan ang iskultor na si Unkei, ang may-akda ng mga estatwa ng mga monghe na sina Muchaku at Sesshin (Kōfuku-ji ng Nara), din bilang mga larawan ng Kongo Rikishi (mga espiritung tagapag-alaga), tulad ng dalawang malalaking estatwa na matatagpuan sa pasukan ng 8 metrong taas na templo ng Tōdai-ji (1199).
Ang istilo ni Unkei, na naiimpluwensyahan ng eskultura ng Song dynasty na Tsino, ay lubos na makatotohanan habang kinukuha ang pinakadetalyadong pag-aaral sa physiognomic na may emosyonal na pagpapahayag at panloob na espirituwalidad ng itinatanghal na indibidwal.
Ang mga maitim na kristal ay naka-embed sa mga mata, upang magbigay ng higit na pagpapahayag. Ang gawa ni Unkei ay minarkahan ang simula ng Japanese portraiture. Ang kanyang anak na si Tankei, may-akda ng Kannon Senju para sa Sanjusangen-dō, ay nagpatuloy sa kanyang gawain.
Ang pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtaas ng pagiging totoo at sikolohikal na pagsisiyasat. Landscaping (Nachi Waterfall) at portrait Monk Myoe in Contemplation, ni Enichi-bo Jonin; set ng mga portrait mula sa Jingo-ji Temple sa Kyoto, ni Fujiwara Takanobu; Ang larawan ni Goshin ni Emperor Hanazono, ay pangunahing binuo.
Nagpatuloy ang yamato-e mode at ang mga imahe ay ipinaliwanag sa mga scroll, marami sa kanila ay ilang metro ang haba. Ang mga manuskrito na ito ay naglalarawan ng mga detalye ng pang-araw-araw na buhay, mga tanawin sa kalunsuran o kanayunan, o naglalarawan ng mga makasaysayang kaganapan, tulad ng 1159 Kyoto War sa pagitan ng magkatunggaling sangay ng Imperial Family.
Ang mga ito ay ipinakita sa tuluy-tuloy na mga eksena, kasunod ng pagkakasunod-sunod ng pagsasalaysay, na may mataas na panorama, sa isang tuwid na linya. Namumukod-tangi ang mga nakalarawang scroll ng mga pangyayari noong Heiji era (Heiji monogatari) at ang Kegon Engi scrolls ni Enichi-bo Jonin.
Ang pagpipinta na nauugnay sa organisasyong Zen ay mas direktang naiimpluwensyahan ng Tsino, na may diskarteng higit pa sa mga simpleng linya ng tinta ng Tsino na sumusunod sa diktum ng Zen na "napakaraming kulay ang nakakabulag sa mata."
Panahon ng Muromachi (1392-1573)
Ang shogunate ay nasa kamay ng Ashikaga, na ang pakikipaglaban ay pinapaboran ang lumalagong kapangyarihan ng daimyō, na naghahati sa lupain. Ang arkitektura ay mas elegante at talagang Japanese, na nagtatampok ng mga marangal na mansyon, monasteryo tulad ng Zuihoji, at mga templo tulad ng Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji o ang Golden Pavilion (1397), at Ginkaku-ji. o Silver Pavilion (1489), sa Kyoto.
Ang Kinkaku-ji ay itinayo bilang rest village para kay Shogun Ashikaga Yoshimitsu, bilang bahagi ng kanyang domain na tinatawag na Kitayama. Ginawang templo ng kanyang anak ang gusali para sa sekta ng Rinzai. Ito ay isang tatlong palapag na gusali, ang unang dalawa ay natatakpan ng purong gintong dahon. Ang pavilion ay gumaganap bilang isang sheriden, na nagpoprotekta sa mga labi ng Buddha.
Naglalaman din ito ng iba't ibang estatwa ng Buddha at Bodhisattva, at isang gintong fenghuang ang nakatayo sa bubong. Mayroon din itong magandang katabing hardin, na may pond na tinatawag na Kyōko-chi, na may maraming isla at mga bato na kumakatawan sa kuwento ng paglikha ng Budista.
Sa bahagi nito, ang Ginkaku-ji ay itinayo ng shogun na si Ashikaga Yoshimasa, na naghangad na gayahin ang Kinkaku-ji na itinayo ng kanyang ninuno na si Yoshimitsu, ngunit sa kasamaang-palad ay hindi niya masakop ang gusali ng pilak gaya ng binalak.
Ang katangian din ng arkitektura ng panahong ito ay ang hitsura ng tokonoma, isang silid na nakalaan para sa pagmumuni-muni ng isang pagpipinta o isang pag-aayos ng bulaklak, alinsunod sa Zen aesthetic. Gayundin, ang tatami, isang uri ng banig na gawa sa dayami ng palay, ay ipinakilala, na nagpaganda sa loob ng bahay ng Hapon.
Sa oras na ito, ang sining ng paghahardin ay nabuo sa partikular, na naglalagay ng masining at aesthetic na pundasyon ng hardin ng Hapon. Dalawang pangunahing mode ang lumitaw: tsukiyama, sa paligid ng isang burol at isang lawa; at hiraniwa, isang patag na hardin ng raked sand, na may mga bato, puno at balon.
Ang pinakakaraniwang mga halaman ay binubuo ng kawayan at iba't ibang uri ng mga bulaklak at puno, alinman sa evergreen, tulad ng Japanese black pine, o deciduous, tulad ng Japanese maple, ang mga elemento tulad ng ferns at foams ay pinahahalagahan din.
Ang bonsai ay isa pang tipikal na elemento ng paghahardin at panloob na disenyo. Kadalasang kasama sa mga hardin ang lawa o lawa, iba't ibang uri ng pavilion (karaniwan ay para sa seremonya ng tsaa), at mga parol na bato. Ang isa sa mga tipikal na katangian ng hardin ng Hapon, tulad ng sa natitirang bahagi ng sining nito, ay ang hindi perpekto, hindi natapos at walang simetriko na hitsura.
Mayroong iba't ibang uri ng mga hardin: "paglalakad", na makikitang naglalakad sa isang landas o sa paligid ng isang lawa; ng "sala", na makikita mula sa isang nakapirming lugar, sa pangkalahatan ay isang pavilion o isang machiya-type na kubo.
Te (rōji), sa paligid ng isang landas patungo sa silid ng tsaa, na may mga bakdosin na tile o mga bato na nagmamarka sa landas; at “contemplation” (karesansui, “mountain and water landscape”), na siyang pinakakaraniwang Zen garden, na makikita mula sa isang platform na matatagpuan sa mga monasteryo ng Zen.
Ang isang magandang halimbawa ay ang tinatawag na walang tubig na tanawin ng Ryōan-ji garden sa Kyoto ng pintor at makata na si Sōami (1480), na kumakatawan sa isang dagat, gawa sa raked sand, puno ng mga isla, na mga bato. , na bumubuo ng isang kabuuan na pinagsasama ang katotohanan at ilusyon at nag-aanyaya ng kalmado at pagmuni-muni.
Ang muling pagkabuhay ng pagpipinta ay nabanggit, na naka-frame sa Zen aesthetic, na nakatanggap ng impluwensyang Tsino ng mga dinastiya ng Yuan at Ming, na sumasalamin pangunahin sa pandekorasyon na sining.
Ang pamamaraan ng gouache ay ipinakilala, isang perpektong transkripsyon ng doktrina ng Zen, na naglalayong ipakita sa mga landscape kung ano ang ibig sabihin ng mga ito, sa halip na kung ano ang kinakatawan ng mga ito.
Ang pigura ng bunjinso ay lumitaw, ang "intelektuwal na monghe" na lumikha ng kanyang sariling mga gawa, mga iskolar at tagasunod ng mga pamamaraan ng Tsino sa monochrome na tinta, sa maikli at nagkakalat na mga brushstroke, na sumasalamin sa kanyang mga gawa ng mga natural na elemento tulad ng mga pine, reed, orchid, bamboos. , mga bato, puno, ibon at mga pigura ng tao na nahuhulog sa kalikasan, sa isang saloobin ng pagmumuni-muni.
Sa Japan, tinawag na sumi-e ang Chinese ink technique na ito. Batay sa pitong aesthetic na prinsipyo ng Zen, hinangad ng sumi-e na ipakita ang pinakamatinding panloob na emosyon sa pamamagitan ng pagiging simple at kagandahan, sa simple at katamtamang mga linya na lumalampas sa kanilang panlabas na anyo upang magpahiwatig ng isang estado ng pakikipag-isa sa kalikasan.
Ang Sumi-e ay isang paraan (dō) upang mahanap ang panloob na espirituwalidad, ito ay ginamit ng mga monghe. Ang mga partikularidad ng tinta, banayad at nagkakalat, ay nagpapahintulot sa artist na makuha ang kakanyahan ng mga bagay, sa isang simple at natural na impresyon, ngunit sa parehong oras ay malalim at transendente.
Ito ay isang likas na sining ng mabilis na pagpapatupad, imposibleng i-retouch, isang katotohanan na pinagsasama ito sa buhay, kung saan imposibleng bumalik sa kung ano ang nagawa. Ang bawat pagguhit ay nagdadala ng mahalagang enerhiya (ki), dahil ito ay isang gawa ng paglikha, kung saan ang isip ay inilalagay sa pagkilos at ang proseso ay higit na mahalaga kaysa sa resulta.
Ang pinakamahalagang kinatawan ng sumi-e ay sina: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei at, higit sa lahat, Sesshū Tōyō, may-akda ng mga portrait at landscape, ang unang pintor na nagpinta habang nabubuhay. Si Sesshū ay isang Gaso, isang monghe-pintor, na naglakbay sa China sa pagitan ng 1467 at 1469, kung saan nag-aral siya ng sining at natural na tanawin.
Ang kanyang mga landscape ay binubuo ng mga linear na istruktura, na iluminado ng isang biglaang liwanag na sumasalamin sa konsepto ng Zen ng transendente na sandali. Ito ay mga landscape na may presensya ng mga anecdotal na elemento, tulad ng mga templo sa di kalayuan o maliliit na pigura ng tao, na naka-frame sa mga malalayong lugar tulad ng mga bangin.
Lumitaw din ang isang bagong genre ng poetic painting, shinjuku, kung saan inilalarawan ng isang landscape ang isang natural na inspirasyong tula. Dapat ding banggitin ang Kanō School, na itinatag ni Kanō Masanobu, na naglalapat ng gouache technique sa mga tradisyonal na paksa, na naglalarawan ng mga sagrado, pambansa at landscape na mga tema.
Ang paghuhugas ay inilapat din sa mga pininturahan na mga screen at mga panel ng fusuma sliding door, mga tanda ng Japanese interior design. Sa keramika, ang paaralan ng Seto ay namumukod-tangi, ang pinakasikat na tipolohiya ay ang tenmoku. Ang mga bagay na may kakulangan at metal ay kapansin-pansing mga halimbawa mula sa panahong ito.
Panahon ng Azuchi–Momoyama (1573–1603)
Sa oras na ito, ang Japan ay muling pinag-isa nina Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, at Tokugawa Ieyasu, na nag-alis ng daimyō at napunta sa kapangyarihan.
Ang kanyang utos ay kasabay ng pagdating ng mga mangangalakal na Portuges at mga misyonerong Jesuit, na nagpakilala ng Kristiyanismo sa bansa, bagama't umabot lamang sa isang minorya.
Ang artistikong produksyon sa panahong ito ay lumayo sa Buddhist aesthetic, na binibigyang-diin ang tradisyonal na mga halaga ng Hapon, na may isang paputok na istilo. Ang pagsalakay sa Korea noong 1592 ay naging sanhi ng sapilitang paglipat ng maraming Korean artist sa Japan, na nanirahan sa mga sentro ng paggawa ng palayok na nakahiwalay sa iba.
Gayundin, sa panahong ito, ang mga unang impluwensya sa Kanluran ay natanggap, na sinasalamin sa istilong Namban, na binuo sa miniaturist sculpture, na may sekular na tema, pandekorasyon na mga bagay na porselana at natitiklop na mga screen na pinalamutian ng estilo ng Yamato-e, sa maliliwanag na kulay at gintong dahon, sa mga eksenang nagsasalaysay ng pagdating ng mga Europeo sa baybayin ng Hapon.
Ang mga diskarte sa pananaw, pati na rin ang iba pang mga variant ng European painting gaya ng paggamit ng oil painting, ay walang foothold sa art form sa Japan.
Sa arkitektura, ang pagtatayo ng mga dakilang kastilyo (shiro) ay namumukod-tangi, na pinalakas ng pagpapakilala sa Japan ng mga baril ng Kanluraning pinagmulan. Ang mga kastilyong Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō, at Fushimi-Momoyama ay magandang halimbawa.
Ang Himeji Castle, isa sa mga pangunahing konstruksyon noong panahong iyon, ay pinagsasama ang napakalaking fortification na may kagandahan ng isang vertical-looking structure, sa limang palapag ng kahoy at plaster, na may malumanay na curving na mga hugis ng bubong na katulad ng mga tradisyonal na Japanese temples.
Ang mga rustic tea ceremony na nayon, na binubuo ng maliliit na villa o palasyo at malalaking hardin, ay dumami rin, at ang mga teatro na gawa sa kahoy para sa mga pagtatanghal ng kabuki ay itinayo sa ilang lungsod.
Sa larangan ng pagpipinta, kinukuha ng paaralan ng Kanō ang karamihan ng mga opisyal na komisyon, na nagpaliwanag sa mural na pagpipinta ng mga pangunahing kastilyo ng Hapon, mayroong mga mahahalagang pigura na nagngangalang Kanō Eitoku at Kanō Sanraku.
Para sa mga kastilyo, na hindi gaanong naiilawan sa pamamagitan ng kanilang makitid na defensive openings, isang uri ng mga partisyon na may ginintuang background ay nilikha na sumasalamin sa liwanag at nagkalat ito sa buong silid, na may malalaking mural na pinalamutian ng mga heroic na eksena, tulad ng mga hayop. gaya ng mga tigre at dragon, o mga landscape na may mga hardin, lawa at tulay, o sa apat na panahon, isang medyo karaniwang tema sa panahong iyon.
Kapansin-pansin din ang pag-imprenta ng screen, sa pangkalahatan ay may mga suot na tinta, na sumusunod sa istilong sumi-e, gaya ng makikita sa mga gawa ng Hasegawa Tōhaku (pine forest) at Kaihō Yūshō (pine at plum tree sa liwanag ng buwan). Ang pigura ni Tawaraya Sōtatsu, may-akda ng mga gawa ng mahusay na dinamismo, sa mga scroll ng mga manuskrito, screen at mga tagahanga, ay na-highlight din.
Gumawa siya ng isang liriko at pandekorasyon na istilo na inspirasyon ng waka script ng panahon ng Heian, na tinatawag na rinpa, na gumagawa ng mga gawa ng mahusay na visual na kagandahan at emosyonal na intensity, tulad ng The Story of Genji, The Path of Ivy, ang mga diyos ng kulog at hangin. , atbp.
Ang paggawa ng mga ceramics ay umabot sa isang sandali ng mahusay na boom, pagbuo ng mga produkto para sa seremonya ng tsaa, na inspirasyon ng Korean ceramics, na ang rusticity at hindi natapos na hitsura ay perpektong sumasalamin sa Zen aesthetic na tumatagos sa tea rite.
Lumitaw ang mga bagong disenyo, tulad ng mga nezumi plate at kogan water jug, kadalasang may puting katawan na pinaliguan sa isang layer ng feldspar at pinalamutian ng mga simpleng disenyo na gawa sa bakal. Ito ay isang makapal na ceramic na may makintab na hitsura, na may hindi natapos na paggamot, na nagbigay ng pakiramdam ng di-kasakdalan at kahinaan.
Si Seto ay nanatiling pangunahing prodyuser, habang sa bayan ng Mino ay ipinanganak ang dalawang mahahalagang paaralan: Shino at Oribe. Ang Karatsu school at dalawang orihinal na uri ng palayok ay nabanggit din:
Iga, na may isang magaspang na texture at isang makapal na layer ng glaze, na may malalim na mga bitak; at Bizen, walang glazed na mapula-pula-kayumanggi earthenware, malambot pa rin, inalis mula sa gulong upang makagawa ng maliliit na natural na mga bitak at mga hiwa na nagbigay dito ng isang malutong na hitsura, na naaayon pa rin sa Zen aesthetic ng di-kasakdalan.
Isa sa mga pinakamahusay na artista sa panahong ito ay si Honami Kōetsu, na mahusay sa pagpipinta, tula, paghahalaman, lacquerware, atbp. Sinanay sa artistikong tradisyon ng panahon ng Heian at sa Shorenin school of calligraphy, itinatag niya ang isang artisan colony sa Takagamine, malapit sa Kyoto, sa lupaing donasyon ni Tokugawa Ieyasu.
Ang pamayanan ay pinananatili ng mga manggagawa mula sa Nichiren Buddhist School at nakagawa ng maraming de-kalidad na mga gawa. Dalubhasa sila sa lacquerware, pangunahin ang mga accessory sa opisina, pinalamutian ng ginto at mother-of-pearl inlay, pati na rin ang iba't ibang kagamitan at tableware para sa seremonya ng tsaa, na nagbibigay-diin sa full-bodied fujisan bowl. mamula-mula na natatakpan ng itim na panty at, sa itaas, isang malabo na nagyeyelong puti na nagbibigay ng epekto ng snowfall.
Panahon ng Edo (1603-1868)
Ang artistikong panahon na ito ay tumutugma sa makasaysayang panahon ng Tokugawa, kung kailan ang Japan ay sarado sa lahat ng panlabas na kontak. Ang kabisera ay itinatag sa Edo, sa hinaharap na Tokyo. Ang mga Kristiyano ay inuusig at ang mga mangangalakal na Europeo ay pinaalis.
Sa kabila ng sistema ng vassalage, dumami ang kalakalan at sining, na nagbunga ng isang burgis na uri na lumago sa kapangyarihan at impluwensya, at inilaan ang kanilang sarili sa pagtataguyod ng sining, lalo na ang mga print, ceramics, lacquerware, at mga paninda. mga tela.
Ang pinakakinatawan na mga gawa ay ang Katsura Palace sa Kyoto at ang Tōshō-gū Mausoleum sa Nikkō (1636), na bahagi ng "Nikkō Shrines and Temples", na parehong idineklara na World Heritage Sites ng UNESCO noong 1999.
Isang bagay na genre ang unyon ng Shinto-Buddhists, ay ang mausoleum ng shogun na si Tokugawa Ieyasu. Ang templo ay isang mahigpit na simetriko na istraktura na may mga makukulay na relief na sumasakop sa buong nakikitang ibabaw. Namumukod-tangi ang mga makukulay na konstruksyon nito at labis na kargado, na iba sa mga istilo ng mga templo noong panahong iyon.
Ang mga interior ay pinalamutian ng mga detalyadong ukit na may kakulangan sa maliliwanag na kulay at mahusay na pininturahan na mga panel. Ang Katsura Palace (1615-1662) ay itinayo sa isang Zen-inspired na asymmetrical na plano, kung saan ang paggamit ng mga tuwid na linya sa exterior façade ay kaibahan sa sinuousness ng nakapalibot na hardin.
Dahil sa katayuan nito bilang upuan kung saan magpapahinga ang pamilya ng imperyal, ang villa ay binubuo ng isang pangunahing gusali, ilang annexes, mga tea room at isang 70000 metrong parke. Ang pangunahing palasyo, na may isang palapag lamang, ay nahahati sa apat na annexes na nagpupulong sa mga sulok.
Ang buong gusali ay may ilang partikular na katangian na itinayo sa mga haligi at sa itaas ng mga ito ay isang serye ng mga silid na may mga dingding at pintuan, ang ilan ay may mga pintura ni Kanō Tan'yū.
Ang katangian din ng panahong ito ay ang mga tea house (chashitsu), sa pangkalahatan ay maliliit na gusaling gawa sa kahoy na may mga bubong na pawid, napapaligiran ng mga hardin sa isang maliwanag na estado ng pag-abandona, na may mga lichen, lumot at mga nahulog na dahon, na sumusunod sa konsepto ng Zen. ng transendente na di-kasakdalan.
Simula ng artistikong at intelektwal na pag-unlad
Sa panahong ito, unti-unting pinag-aralan ng Japan ang mga diskarte sa Kanluran at mga pagsulong sa siyensya (tinatawag na rangaku) sa pamamagitan ng impormasyon at mga aklat na natanggap mula sa mga mangangalakal na Dutch sa Dejima.
Ang pinaka-pinag-aralan na mga larangan ay kinabibilangan ng heograpiya, medisina, natural na agham, astronomiya, sining, wika, mga konseptong pisikal tulad ng pag-aaral ng elektrikal at mekanikal na mga phenomena. Nagkaroon din ng isang mahusay na pag-unlad ng matematika, sa isang ganap na independiyenteng kalakaran mula sa Kanluraning mundo. Ang malakas na agos na ito ay tinawag na wasan.
Ang pamumulaklak ng Neo-Confucianism ay ang pinakamalaking intelektwal na pag-unlad ng panahon. Ang pag-aaral ng Confucianism ay naging aktibo sa mahabang panahon ng mga kleriko ng Budista, ngunit sa panahong ito ang sistema ng paniniwalang ito ay nakakuha ng malaking pansin sa konsepto ng tao at lipunan.
Ang etikal na humanismo, rasyonalismo at ang makasaysayang pananaw ng Confucianism ay nakita bilang isang modelong panlipunan. Noong kalagitnaan ng ika-XNUMX siglo, ang Confucianism ay naging dominanteng legal na pilosopiya at direktang nag-ambag sa pag-unlad ng pambansang sistema ng pag-aaral, ang kokugaku.
Ang kanyang pangunahing birtud para sa shogunal na rehimen ay ang diin sa hierarchical na relasyon, pagsusumite. sa tuktok. at pagsunod, na umaabot sa buong lipunan at nagpapadali sa pangangalaga ng pyudal na sistema.
Ang sining ng tela ay nakakuha ng malaking kahalagahan, pangunahin sa sutla, na umabot sa mga antas ng pinakamataas na kalidad, kaya naman ang mga damit na sutla (kimono) sa maliliwanag na kulay at katangi-tanging mga disenyo ay madalas na nakabitin sa mga silid. nagkahiwalay, na parang mga screen.
Iba't ibang pamamaraan ang ginamit, tulad ng pagtitina, pagbuburda, brocade, embossing, appliqué, at pagpinta ng kamay. Ang seda ay magagamit lamang sa mga matataas na uri, habang ang mga tao ay nagbibihis ng koton, na ginawa gamit ang Indonesian na ikat technique, umiikot sa mga seksyon at tinina ng indigo na kahalili ng puti.
Ang isa pang pamamaraan na may mababang kalidad ay ang paghabi ng mga sinulid na cotton na may iba't ibang kulay, na may mga lutong bahay na tina na inilapat sa istilong batik gamit ang rice paste at niluto at pinagsama-samang rice bran.
Dapat pansinin na kung paanong ang sining ng Hapon ay naimpluwensyahan ng sining ng Kanluranin noong ika-XNUMX na siglo, naimpluwensyahan din ito ng exoticism at pagiging natural ng sining ng Hapon. Ito ay kung paano isinilang ang tinatawag na Japonismo sa Kanluran, pangunahin nang umunlad noong ikalawang kalahati ng ika-XNUMX na siglo, lalo na sa France at Great Britain.
Ito ay ipinahayag sa tinatawag na Japoneries, mga bagay na inspirasyon ng mga Japanese print, porselana, lacquer, fan at mga bagay na kawayan, na naging sunod sa moda kapwa sa dekorasyon sa bahay at sa maraming personal na kasuotan na sumasalamin sa pantasya at dekorasyon ng kulturang Hapones. .
Sa pagpipinta, ang istilo ng paaralang ukiyo-e ay masigasig na tinanggap, at ang mga gawa ni Utamaro, Hiroshige, at Hokusai ay lubos na pinahahalagahan. Ginaya ng mga Western artist ang pinasimpleng spatial construction, simpleng contour, calligraphic style, at naturalistic sensibility ng Japanese painting.
Kontemporaryong panahon (mula noong 1868)
Sa panahon ng Meiji (1868-1912) nagsimula ang isang malalim na kultural, panlipunan at teknolohikal na renaissance sa Japan, na mas nagbukas sa labas ng mundo at nagsimulang isama ang mga bagong pagsulong na ginawa sa Kanluran. Inalis ng Charter ng 1868 ang mga pyudal na pribilehiyo at pagkakaiba ng uri, na hindi humantong sa pagpapabuti ng mahihirap na proletaryong uri.
Nagsimula ang isang panahon ng malakas na imperyalistang ekspansyon, na humantong sa Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Pagkatapos ng digmaan, ang Japan ay sumailalim sa isang proseso ng demokratisasyon at pag-unlad ng ekonomiya na ginawa itong isa sa mga nangungunang kapangyarihang pang-ekonomiya sa mundo at isang nangungunang sentro ng industriyal na produksyon at makabagong teknolohiya. Ang panahon ng Meiji ay sinundan ng mga panahon ng Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989), at Heisei (1989-).
Mula noong 1930, ang progresibong militarisasyon at pagpapalawak sa Tsina at Timog Asya, na may bunga ng pagtaas ng mga mapagkukunang inilalaan sa badyet ng militar, ay humantong sa pagbaba sa artistikong pagtangkilik. Gayunpaman, sa pag-unlad ng ekonomiya pagkatapos ng digmaan at ang bagong kaunlaran na nakamit sa industriyalisasyon ng bansa, muling isinilang ang sining, na ganap na nahuhulog sa mga pandaigdigang paggalaw ng sining dahil sa proseso ng globalisasyon ng kultura.
Gayundin, hinihikayat ng kaunlaran ng ekonomiya ang pagkolekta, paglikha ng maraming museo at mga sentro ng eksibisyon na tumulong sa pagpapalaganap at pagpapanatili ng sining ng Hapon at internasyonal. Sa larangan ng relihiyon, ang pagkakatatag sa panahon ng Meiji ng Shintoismo bilang ang tanging opisyal na relihiyon (Shinbutsu bunri) ay humantong sa pag-abandona at pagkawasak ng mga templong Budista at mga gawa ng sining, na hindi na mababawi nang walang interbensyon ni Ernest Fenollosa, propesor ng pilosopiya. mula sa Tokyo Imperial University.
Kasama ang magnate at patron na si William Bigelow, nagligtas siya ng malaking bilang ng mga gawa na nagpalaki sa koleksyon ng sining ng Budismo sa Museum of Fine Arts sa Boston at sa Freer Gallery of Art sa Washington DC, dalawa sa pinakamahusay na koleksyon ng sining ng Asya sa mundo..
Ang arkitektura ay may dobleng direksyon: ang tradisyonal (Yasukuni shrine, Heian Jingu at Meiji temples, sa Tokyo) at ang European-influenced one, na nagsasama ng mga bagong teknolohiya (Yamato Bunkakan Museum, ni Iso Hachi Yoshida, sa Nara).
Ang Westernization ay humantong sa pagtatayo ng mga bagong gusali tulad ng mga bangko, pabrika, istasyon ng tren, at mga pampublikong gusali, na itinayo gamit ang mga materyales at teknik sa Kanluran, na sa simula ay ginagaya ang arkitektura ng Ingles na Victorian. Ang ilang mga dayuhang arkitekto ay nagtrabaho na rin sa Japan, tulad ni Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).
Ang arkitektura at urbanismo ay nakatanggap ng malaking tulong pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, dahil sa pangangailangang muling itayo ang bansa. Pagkatapos ay lumitaw ang isang bagong henerasyon ng mga arkitekto.
Pinangunahan ni Kenzō Tange, may-akda ng mga gawa tulad ng Hiroshima Peace Memorial Museum, St. Mary's Cathedral sa Tokyo, ang Olympic Stadium para sa 1964 Tokyo Olympics, atbp.
Ginawa ng mga mag-aaral at tagasunod ng Tange ang konsepto ng arkitektura na nauunawaan bilang "metabolismo", na nakikita ang mga gusali bilang mga organikong anyo na dapat iakma sa mga functional na pangangailangan.
Ang kilusang itinatag noong 1959, naisip nilang gumawa ng isang sentro ng populasyon, na ang saligan ay lumikha ng isang serye ng mga gusali na nagbago ayon sa mga panlabas na pagbabago, na parang isang organismo.
Kasama sa mga miyembro nito sina Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe, at Kiyonori Kikutake. Ang isa pang kinatawan ay si Maekawa Kunio na, kasama si Tange, ay nagpakilala ng mga lumang ideyang aesthetic ng Hapon sa mga matibay na kontemporaryong gusali.
Gumamit muli ng mga tradisyonal na pamamaraan at materyales tulad ng tatami mat at paggamit ng mga haligi, isang tradisyonal na elemento ng pagtatayo sa mga templo ng Hapon, o ang pagsasama ng mga hardin at eskultura sa kanyang mga likha. Hindi ko nakakalimutang gamitin ang vacuum technique, ito ay pinag-aralan ni Fumihiko Maki sa spatial na relasyon sa pagitan ng gusali at ng kapaligiran nito.
Mula noong 1980s, ang postmodern na sining ay nagkaroon ng isang malakas na foothold sa Japan, mula noong sinaunang panahon ang pagsasanib sa pagitan ng sikat na elemento at ang pagiging sopistikado ng mga form ay katangian.
Ang istilong ito ay pangunahing kinakatawan ni Arata Isozaki, may-akda ng Kitakyushu Museum of Art at ng Kyoto Concert Hall. Nag-aral si Isozaki kay Tange at sa kanyang trabaho ay nag-synthesize siya ng mga kanluraning konsepto na may spatial, functional at decorative na mga ideyang tipikal ng Japan.
Sa kanyang bahagi, si Tadao Andō ay nakabuo ng isang mas simpleng istilo, na may malaking pag-aalala para sa kontribusyon ng liwanag at mga bukas na espasyo sa hangin sa labas (Chapel on the water, Tomanu, Hokkaidō; Church of the Light, Ibaraki, Osaka; Museum of the Mga bata, Himeji).
Ang Shigeru Ban ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng mga hindi kinaugalian na materyales, tulad ng papel o plastik: pagkatapos ng lindol sa Kobe noong 1995, na nag-iwan sa maraming tao na walang tirahan, nag-ambag si Ban sa pamamagitan ng pagdidisenyo ng Delo na naging kilala bilang Paper House at ang Paper Church, sa wakas, Toyō Ginalugad ni Itō ang pisikal na imahe ng lungsod sa digital age.
Sa sculpture mayroon ding tradition-avant-garde duality, na nagha-highlight sa mga pangalan nina Yoshi Kimuchi at Romorini Toyofuku, bilang karagdagan sa abstract na Masakazu Horiuchi at Yasuo Mizui, ang huling residente sa France. Pinagsama-sama nina Isamu Noguchi at Nagare Masayuki ang mayamang sculptural na tradisyon ng kanilang bansa sa mga gawa na nag-aaral ng kaibahan sa pagitan ng pagkamagaspang at ng pulido ng materyal.
Ang pagpipinta ay sumunod din sa dalawang uso: ang tradisyonal (nihonga) at ang kanluran (yōga), sa kabila ng pagkakaroon ng pareho, ang pigura ni Tomioka Tessai ay nanatili sa simula ng ika-20 siglo. Habang ang estilo ng nihonga ay pinalakas sa dulo mula sa Ika-19 na siglo ng kritiko ng sining na si Okakura Kakuzō at ang tagapagturo na si Ernest Fenollosa.
Ang pagtingin sa tradisyunal na sining para sa archetypal na anyo ng pagpapahayag ng Japanese sensibility, bagama't ang istilong ito ay nakatanggap din ng ilang impluwensyang Kanluranin, lalo na mula sa Pre-Raphaelite at Romanticism. Pangunahing kinakatawan siya nina Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison, at Kobayashi Kokei.
Ang istilong European na pagpipinta ay pinalaki sa unang pagkakataon ng mga pamamaraan at temang ginagamit sa Europa sa pagtatapos ng ika-XNUMX na siglo, pangunahin na nauugnay sa akademiko, tulad ng sa kaso ni Kuroda Seiki, na nag-aral ng ilang taon sa Paris, ngunit pagkatapos ay nagpatuloy. ang iba't ibang agos na naganap sa Kanluraning sining:
Kinuha ng grupong Hakuba Kai ang impluwensyang Impresyonista; abstract painting ay may Takeo Yamaguchi at Masanari Munay bilang pangunahing tauhan; Kasama sa mga matalinghagang artista sina Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen, at Higashiyama Kaii. Ang ilang mga artista ay nanirahan sa labas ng kanilang bansa, tulad ng Genichiro Inokuma sa United States at Tsuguharu Foujita sa France.
Sa Taishō, ang istilo ng yōga na may higit na impluwensya sa nihonga, bagama't ang pagtaas ng paggamit ng liwanag at pananaw ng Europa ay nakabawas sa mga pagkakaiba sa pagitan ng dalawang agos.
Kung paanong higit na pinagtibay ng nihonga ang mga inobasyon ng Post-Impresyonismo, ang yōga ay nagpakita ng pagkahilig sa eclecticism, na umuusbong mula sa iba't ibang uri ng divergent na paggalaw ng sining.
Para sa yugtong ito, nilikha ang Japanese Academy of Fine Arts (Nihon Bijutsu In). Ang pagpipinta sa panahon ng Shōwa ay minarkahan ng gawa nina Yasuri Sotaro at Umehara Ryuzaburo, na nagpakilala ng mga konsepto ng purong sining at abstract na pagpipinta sa tradisyon ng Nihonga.
Noong 1931, itinatag ang Independent Art Association (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) upang itaguyod ang avant-garde art.
Noon pa man noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, malinaw na binibigyang-diin ng mga legal na regulasyon ng pamahalaan ang mga tema ng makabayan. Pagkatapos ng digmaan, muling lumitaw ang mga artista sa malalaking lungsod, partikular sa Tokyo.
Lumilikha ng urban at cosmopolitan na sining, na tapat na sumunod sa mga makabagong istilo na ginawa sa buong mundo, lalo na sa Paris at New York. Pagkatapos ng abstract na mga istilo ng dekada ikaanimnapung taon, bumalik ang dekada setenta sa realismo na pinapaboran ng pop-art, na tinutukoy ng gawa ni Shinohara Ushio.
Kapansin-pansin na may isang bagay na kawili-wiling nangyari sa pagtatapos ng 1970s, ito ay ang pagbabalik sa tradisyonal na sining ng Hapon, kung saan nakita nila ang higit na pagpapahayag at emosyonal na lakas.
Ang tradisyon ng printmaking ay nagpatuloy hanggang sa ika-XNUMX siglo sa isang istilo ng "creative prints" (sosaku hanga) na iginuhit at nililok ng mga artist na mas mabuti sa istilong nihonga, tulad ng Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi, at Munakata Shiko.
Kabilang sa mga pinakabagong uso, ang Gutai Group ay may magandang reputasyon sa loob ng tinatawag na action art, na tinutumbasan ang karanasan ng World War II sa pamamagitan ng mga aksyon na sinisingil ng kabalintunaan, na may malaking pakiramdam ng tensyon at nakatagong pagiging agresibo.
Ang grupo ng Gutai ay binubuo ng: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, at Katsuō Shiraga. Naka-link sa postmodernong sining, ilang mga artista, na kasangkot sa kamakailang kababalaghan ng globalisasyon, na minarkahan ng multikulturalismo ng mga masining na pagpapahayag.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Kabilang sa iba pang mga kilalang kontemporaryong Japanese artist ang: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71, at Takashi Murakami.
Kung nakita mong kawili-wili ang artikulong ito, inaanyayahan ka naming tangkilikin ang iba pang ito: