Numele lor sunt un semn de calitate și sunt familiare chiar și celor care sunt departe de lumea artei. fiecare din Pictori celebri A fost un fenomen special al vremii sale. Cineva are rolul de pionier, altul atrage prin misterul său, acesta surprinde cu un realism atât de diferit.
Pictori celebri
Artiștii sunt oameni care pot vorbi public cu societatea în limbajul imaginilor și al formelor vizuale. Cu toate acestea, popularitatea și relevanța sa nu par să depindă deloc doar de talent. Care au fost cei mai faimoși pictori din istorie?
Albrecht Dürer
Pictorul german Albrecht Dürer (Albrecht Dürer) a fost unul dintre primii care a abordat perspectiva centrală și a ales o structură de imagine foarte schematică și reprezentări simbolice pentru picturile sale, cum ar fi Festivalul Rozariului. Autoportretul său este celebru în lume. Buclele strălucitoare și iluzia de țesătură a hainei ei uimesc și astăzi milioane de oameni.
Pe lângă pictură, a realizat numeroase desene și acuarele ale naturii, precum Tânărul iepure. Cu toate acestea, el își datorează descoperirea ca artist gravurilor sale în lemn și gravurilor pe cupru, care au fost distribuite ca ilustrații de carte în toată Europa.
Paul Gauguin
Paul Gauguin s-a născut la Paris în 1848. Este unul dintre cei mai exotici pictori francezi celebri. Înainte de a emigra în Polinezia Franceză, unde a rămas până la moarte, a fost unul dintre marii pictori ai școlii Pont-Aven. Stilul său este inspirat de impresionism și tipărituri japoneze, iar picturile sale mari sunt acum expuse în muzee importante, cum ar fi Musée d'Orsay. Faimosul pictor a murit în Insulele Marquesas în 1903.
Michelangelo buonarrotti
Michelangelo, sau de fapt Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, s-a născut la Caprese în 1475 și a murit la Roma în 1564. Este considerat parte a Înaltei Renașteri italiene, deși a modelat această epocă. Artistul este cunoscut în special pentru lucrările sale religioase, în special, desigur, pentru pictura sa de pe tavanul Capelei Sixtine. Ulterior, tehnica și stilul lui sunt reluate, dând astfel naștere la începutul manierismului.
În epoca Renașterii, în loc de condamnare veșnică, frumusețea creației a ieșit în prim-plan. Miguel Ángel Buonarroti, cunoscut în timpul vieții, i s-a dedicat și el. El a combinat cunoștințele anatomice cu dragostea de perfecțiune.
Papa însuși a comandat o pictură gigantică de tavan cu creația lumii pentru Capela Sixtină din Roma. Probabil cel mai faimos motiv din lume este Crearea lui Adam, în care Adam este adus la viață prin atingerea degetelor lui Dumnezeu.
Michelangelo a reușit să facă același lucru și ca sculptor, fiind capabil să dea viață blocurilor de marmură tare. La fel ca tânărul cu aspect curajos David, care îi oferă uriașului Goliat fruntea lui creț. Ca rival al lui Leonardo da Vinci, Michelangelo a fost considerat și un om renascentist pentru abilitățile sale în sculptură, pictură și poezie. Influența și contribuția sa la dezvoltarea artei occidentale sunt de neegalat până în prezent.
Edward Manet
Cunoscutul său tablou „Mic dejun pe iarbă” este cunoscut astăzi în întreaga lume. Tatăl lui Edouard Manet dorea de fapt ca acesta să studieze dreptul, dar Manet a refuzat și a început să studieze pictura cu Thomas Couture. El stabilește standardul în mișcarea impresionistă, mai ales prin motivele pe care alege să le picteze: portrete, peisaje, naturi moarte sau viața pariziană.
Deși s-a înconjurat de intelectuali (cum ar fi Émile Zola sau Charles Baudelaire), contemporanii l-au criticat îndelung. Drumul său creator, așa cum se potrivește drumului unui artist adevărat, nu a fost cel mai simplu: picturile sale au stârnit controverse și scandaluri, în anii 1860 fiind expus în așa-numita Sala Proscrisului. A fost o expoziție alternativă pentru artiștii care nu au fost acceptați la Salonul oficial de la Paris.
Aceasta a fost soarta operei sale Olympia, care a șocat publicul. Ei au scris că protagonista pânzei se uită la privitor cu atâta sfidare și își ține mâna stângă de parcă ar avea o geantă în această mână, iar femeii însăși nu îi pasă profund ce cred ei despre ea. Imaginea a fost considerată prea plată și că intriga sa era vulgară. Cine ar fi crezut că după o sută cincizeci de ani această pânză va deveni una dintre cele mai recunoscute din lume.
Michelangelo Merisi da Caravaggio
Artistul baroco italian Caravaggio este, fără îndoială, unul dintre cei mai cunoscuți pictori ai tuturor timpurilor. Capodoperele sale, precum vocația Sfântului Matei, se caracterizează prin contraste puternice lumină/întuneric și deseori tematizează scene religioase sau alegorice, în același timp destul de brutale: de la biciuirea lui Hristos până la Judith, care a tăiat cu hotărâre capul lui Holoferne. .
A găsit mulți succesori, precum pictorița la fel de talentată, dar mai puțin cunoscută, Artemisia Lomi Gentileschi. A rupt tradiția artiștilor Renașterii care s-au ghidat după idealul frumos. Modelele lui nu erau domnișoare de onoare, ci protestatari și bețivi cu picioarele murdare. Acest nou stil a fost provocator și a primit multă recunoaștere.
Numeroși artiști sunt inspirați de el (cum am menționat, și Rembrandt), așa că din el iese un stil propriu care îi poartă numele: caravagismul. Picturile sale, uneori foarte realiste, i-au modelat contemporanii și generațiile viitoare.
Paul Cezanne
Paul Cézanne (1839-1906) este cunoscut de mulți ca părintele picturii moderne, deși și-a început de fapt cariera ca bancher. În cele din urmă, la Paris, talentul său de pictor iese în prim-plan și își caută locul în lumea artistică. Paul Cézanne este cel mai bine cunoscut pentru picturile sale de peisaj din Aix-en-Provence, unde și-a petrecut copilăria.
Originar din Aix-en-Provence, Paul Cézanne se remarcă drept unul dintre cei mai mari artiști moderni. Arta sa face legătura între stilurile mai tradiționale ale secolului al XIV-lea și stilurile mai avangardiste ale secolului al XX-lea. Făcând parte din mișcarea postimpresionistă, și-a dezvoltat propriul stil și a influențat, pe lângă mulți artiști contemporani, dezvoltarea mișcărilor ulterioare.
Abordarea sa asupra reprezentării picturale se bazează pe o metodă constructivă care constă în combinarea planurilor obiectelor pentru a crea un set de mare plenitudine. Ideea lui va fi preluată mai târziu de Picasso și Braque. Cézanne însuși a fost inspirat de pictorii impresioniști francezi, aplicând pentru a vedea obiectele ca un set de forme. El adera atât la percepția vizuală a operei sale, cât și la subiectul abordat.
Pictând de mai multe ori același subiect (mere, portocale, munți) artistul reușește să-și perfecționeze tehnica. Studiați efectele luminii și ale perspectivei, observând cum se evidențiază diferite fațete ale obiectelor. Acestea sunt reproduse prin planuri de culoare care dezvăluie componentele geometrice ale obiectelor.
Prin disocierea formei prin jocul abstracției, pictorul încearcă să surprindă schimbarea pe care o experimentează obiectele în raport cu configurația lor în spațiu. Ideile revoluționare ale lui Cézanne în modul de tratare a subiectului și intermediarul care este artistul îi vor influența pe expresioniști, cubiști și chiar pe futuriști.
Diego Velázquez
Las Meninas este una dintre cele mai faimoase imagini din istoria artei și capodopera lui Velázquez. Diego Velázquez a pictat-o pe fiica lui Filip al IV-lea împreună cu fecioarele ei și s-a imortalizat pe marginea tabloului ca pictor de curte pentru familia regală spaniolă. L-a prezentat pe Papa și chiar a dat ceva demnitate piticilor de curte.
Chiar și în piesa sa The Surrender of Breda, el a demonstrat abilități diplomatice. În loc de victoria trupelor spaniole asupra Olandei, arată o predare amiabilă a cheilor orașului. În compozițiile sale se mai poate întâmpla ca spatele unui cal să fie extins către privitor, de parcă ar fi martor ocular al scenei.
Acest lucru poate fi văzut în mod deosebit de frumos în instantaneul unei roate care se învârte din tabloul său The Fable of Arachne, mai cunoscut sub numele de The Spinners.
Auguste Renoir
Auguste Renoir (1841-1919), al cărui nume complet era Pierre-Auguste Renoir, este un pictor care a fost admirat pentru lucrările sale încă de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Inițial, poate fi atribuită mișcării impresioniste, dar s-a îndepărtat de ea și pictează imagini din ce în ce mai realiste.
Nuduri, portrete, peisaje sau chiar naturi moarte: Renoir este un pictor desăvârșit și versatil, care nu-și permite nicio pauză. Chiar și în ultimii ani ai vieții, când suferea de reumatism sever și nu mai putea mișca multe părți ale corpului, a continuat să picteze ținându-și pensulele de încheieturi.
Artistul francez este bine cunoscut pentru reprezentările sale despre senzualitatea feminină și cultul său al frumuseții. Una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale este Dansul la Moulin de la Galette (1876), care, în mod tipic impresionist, surprinde esența unei petreceri în aer liber într-o noapte de duminică pariziană, unde locuitorii orașului puteau bea, dansa, discuta și a se distra.
Lucrările sale ulterioare favorizează temele tradiționale, portretele sau compozițiile figurative. În ciuda acestor schimbări, Renoir rămâne fidel reprezentării nudului. Abordarea ei foarte senzuală a feminității este inspirată de Rubens. Sfârșitul carierei sale va fi marcat de o producție destul de prolifică de nuduri feminine. Schimbarea temei răspunde unei schimbări de stil.
Jan Vermeer
În secolul al XVII-lea, așa-numita Epocă de Aur, comerțul cu artă a înflorit în nordul Țărilor de Jos. Pictori precum Rembrandt, Van Delft și Jan Vermeer (Johannes Vermeer) au devenit portretiști populari. Acesta din urmă și-a uimit telespectatorii cu fata lui cu cercelul de perle. În 2003, a fost lansat chiar și un film bazat pe portretul său misterios.
Imagini precum domnii și doamnele care beau vin sau mult discutata alegorie a picturii pot fi văzute astăzi ca mărturii istorice despre îmbrăcăminte și lumea oamenilor. Nu este vorba doar despre culori deschise și strălucitoare, ci mai presus de toate despre atenția pentru detalii și concentrare în viața de zi cu zi. Evenimentele istorice au trebuit să împărtășească imaginea cu oameni normali, meșteri, servitoare, chiar și bețivi.
Jan Vermeer a fost un alt pictor olandez specializat în înfățișarea interioarelor caselor cu venituri mici și a vieții clasei de mijloc. Deși nu a fost recunoscut în timpul vieții, opera sa a fost redescoperită în 1860. Mai târziu, unele dintre picturile sale au fost atribuite în mod greșit altor artiști, dar adevăratul autor a fost identificat în scurt timp datorită lucrării minuțioase a cercetătorilor și istoricilor de artă.
Până în prezent, treizeci și patru de lucrări cunoscute, aparținând pensulei lui Vermeer. Cel mai faimos dintre picturile sale este „Fata cu cercel de perle” (1665). Pictura atrage privirea alertă și anxioasă a unei fete îmbrăcate în haine ciudate, precum și un cercel mare strălucitor, care este de obicei considerat o perlă.
Henri Matisse
Henri Matisse s-a născut în sudul Franței în 1869. De fapt, ar fi trebuit să preia ferma părintească, dar Matisse a decis să studieze dreptul la Paris. În 1889 a lucrat pentru o perioadă scurtă de timp ca asistent juridic și, în același timp, a urmat cursuri de desen dimineața devreme la École Quentin de la Cour.
În 1890 a început cu adevărat să picteze și a vrut să se pregătească pentru examenul de admitere la École des Beaux-Arts, dar nu l-a promovat. Matisse și-a petrecut vara anului 1905 cu André Derain și împreună au dezvoltat un nou stil care va intra în istoria artei sub numele de fauvism.
Frida Kahlo
Femeile care au lucrat ca artiste sunt în mare parte figuri marginale din manualele mai vechi. Una care și-a făcut loc în domeniul masculin este Frida Kahlo. Mexicana este cunoscută pentru autoportretele sale vii și colorate.
Imaginile sale vorbesc pasional și emoțional despre durere și voință. Și-a procesat experiențele traumatizante în picturile ei, accidentul ei grav de autobuz (El pilar roto), avorturile spontane și durerea de inimă (Las dos Fridas) împreună cu soțul ei Diego Rivera.
Feministe le celebrează pentru că își portretizează experiențele feminine. În țara sa de origine, el este o icoană care a adus cultura locală în Europa. Acolo a găsit o mare admirație în rândul grupului suprarealist din jurul lui André Breton. Unele dintre cele mai faimoase lucrări ale sale sunt Autoportret cu un colier de spini și o pasăre colibri (1940). Ele sunt cele mai notabile ca exemplu de utilizare liberă a simbolismului. Gulerul cu țepi și pasărea colibri fără viață ar fi simbolizat agonia ei interioară.
Edvard Munch
Edvard Munch s-a născut în Loten, Hedmark, Norvegia în 1863 și a murit la Oslo în 1944. Este unul dintre faimoșii pictori moderni și este considerat un pionier al direcției expresioniste a picturii în epoca artei moderne. Este cunoscut pentru temele și nuanțele sale psihologice, care au fost puternic influențate de simbolismul secolului al XIX-lea. Opera sa a influențat foarte mult expresionismul german la începutul secolului al XX-lea.
Artistul Edvard Munch este cunoscut în afara lumii artei în primul rând pentru pictura sa „The Scream”. Cu toate acestea, este de fapt o serie de imagini diferite care descriu același motiv. The Scream (1893-1910) are patru versiuni separate în două versiuni diferite: ulei și pastel.
Tabloul este remarcabil de dureros și dur, dar totuși de bun gust la culoare și este înfățișat într-o față foarte simplă, cu emoție pietrificată pe un fundal portocaliu strălucitor.Țipătul a fost pictat după ce Munch a mers acasă într-o noapte și s-a întors: apusul roșu l-a surprins.
Calea de întoarcere a lui Munch trecea prin abator și spitalul pentru bolnavi mintal, unde stătea sora artistului. Contemporanii scriau că gemetele pacienților și strigătele animalelor moarte erau insuportabile. Se crede că țipătul a devenit un fel de profeție pentru arta secolului al XX-lea, impregnată cu motive de singurătate, disperare și coșmar existențial.
Imaginea sau motivul „The Scream” de Edvard Munch a fost preluată de multe ori, de exemplu, probabil și pentru masca cunoscutei serii de filme „Scream”. În consecință, există și diverse articole de merchandising care sunt probabil mai cunoscute astăzi decât artistul însuși.
Claude Monet
Renoir, Degas, Cezanne, Manet, Pissarro si mai ales Monet sunt printre pictorii celebri din lume. Stilul artistic impresionist al lui Monet dă numele noii mișcări artistice de la începutul secolului al XIX-lea, așa-numitul „Impresionism”. Peisajele naturale, culoarea și impresiile de lumină au fost mereu în prim-plan în lucrările sale. Acest lucru a avut, de asemenea, un efect asupra stilului de pictură impulsiv și a aplicării vopselei la atingere.
Claude Monet, adesea menționat ca unul dintre fondatorii impresionismului, a fost un pictor francez și unul dintre cei mai străluciți și talentați pionieri ai mișcării impresioniste franceze. De fapt, chiar termenul de „impresionism” a fost adoptat după ce a prezentat o lucrare numită Impresie, soare răsare.
Monet este considerat cel mai proeminent reprezentant al impresionismului. S-a dedicat acestui stil de-a lungul vieții, unde personajele principale sunt lumina și culoarea, liniile dispar, iar umbrele pot fi albastre. Catedrala sa din Rouen arată cum se schimbă un obiect dacă îl privești prin razele soarelui. Catedrala tremură, trăiește în raze.
Monet a experimentat mult cu loviturile pentru a transmite nu atât natura, cât și impresia ei și tocmai în aceasta a văzut adevărul.Cea mai faimoasă lucrare a sa este Les nymphéas (Nuferii) o serie de două sute cincizeci de picturi. care reprezintă o grădină în casa artistului francez din Giverny, Franța. Această serie a fost direcția principală a lucrării artistului în ultimii treizeci de ani ai vieții sale.
Poți vedea într-adevăr multe imagini, cum ar fi celebrii nuferi, micul dejun la țară sau priveliștea Catedralei din Rouen de la distanță, atunci când punctele individuale de culoare din ochiul tău rezultă într-o imagine. S-a născut la Paris în 1840 și a murit la Giverny în 1926.
René Magritte
René Magritte a fost un pictor suprarealist belgian remarcat pentru că folosea obiecte de uz casnic pentru a-și transmite percepția sa ornamentată asupra lumii de zi cu zi. De asemenea, era cunoscut pentru crearea unor lucrări care îl pun pe spectator pe gânduri, încurajându-l să rupă de noțiuni preconcepute despre realitate.
Una dintre lucrările sale celebre care aderă la acest principiu este Trădarea imaginilor (928-1929), care este o pipă de fumare cu inscripția „Ceci n'est pas une pipe” (Aceasta nu este o pipă). Și nu este cu adevărat o țeavă pur și simplu pentru că este doar o imagine a acesteia. Această tehnică și stil de a schimba ceea ce știm că este realitate a fost comună tuturor lucrărilor și ideilor sale.
Edgar Degas
Edgar Degas (1834 – 1917) a studiat inițial dreptul la dorința tatălui său, dar mai târziu a revenit la marea sa dragoste: pictura. Nu a învățat să picteze la un curs de pictură la o școală de artă, ci copiend marile lucrări ale Luvru.
Ca regulă generală, este considerată ca parte a mișcării de artă impresionistă, dar această clasificare rămâne controversată. Nu urmează toate caracteristicile acestui curent, dar își permite niște libertăți avangardiste. Pictorul este cunoscut în special pentru portretele și scenele de dans.
Pablo Picasso
„Nu toată lumea poate picta ca Picasso” este o expresie binecunoscută. Pictorul, care s-a născut în Spania, a mers la Paris de tânăr și a dezvoltat o pasiune pentru fauvism prin relația sa cu Matisse. Aceasta a însemnat o retragere a formelor și culorilor pure și puternice. Prima sa lucrare de acest fel, Les Demoiselles d'Avignon este astăzi celebră în lume. La început, nici măcar prietenii lui nu au putut înțelege sensul mai profund al acesteia.
Artistul spaniol a dus o viață creativă, devenind ulterior unul dintre cei mai influenți pictori celebri ai secolului al XX-lea. Nu a pictat doar tablouri, ci a fost și sculptor, poet, dramaturg. Și toate acestea pe lângă o mulțime de alte activități.
Acest renumit domn al femeilor a devenit celebru nu numai pentru schimbarea frecventă a muzelor, ci și pentru schimbarea frecventă a direcțiilor artistice. La începutul secolului al XX-lea, a realizat multe lucrări în „stil african”, când în loc de chipuri a pictat măști ale triburilor exotice, apoi a existat cubismul, dar și abstractionismul și suprarealismul.
Punctul culminant al operei sale poate fi numit Guernica, dedicat orașului distrus de război, simbol al suferinței și al barbariei. Picasso a fost cel care a venit cu ideea de a combina chipul complet și profilul în portrete, împărțind obiectele în figuri simple, aducându-le împreună în forme uimitoare.
A schimbat întregul peisaj al artei plastice, îmbogățindu-l cu idei revoluționare.Asemenea lui Cézanne, a început să folosească culoarea ca formă (cubismul), inclusiv în reprezentările sale senzaționale ale Războiului civil spaniol de la Guernica.
În 1970, lucrarea a fost folosită pentru un protest împotriva războiului din Vietnam și, la fel ca porumbelul păcii al lui Picasso, pe care l-a proiectat pentru Congresul Mondial pentru Pace de la Paris în 1949, a lăsat o amprentă a eternității. Cunoscutul pictor a fost celebru în întreaga lume în timpul vieții sale, însă nu a obținut recunoașterea postumă pe care o merita.
Anders Zörn
Anders Zorn este un pictor și gravor suedez născut în Mora. A studiat la Academia Regală Suedeză de Arte din Stockholm, Suedia, între 1875 și 1880. În 1880, Anders Zorn a dezvăluit un portret al unui băiat îndurerat în timpul unei expoziții, care i-a lansat cariera și a dus la multe comisii. A continuat să se bucure de succes internațional și a devenit unul dintre cei mai apreciați portretiști ai timpului său.
La începutul secolului al XX-lea, succesul lui Anders Zorn a rivalizat cu cel al celor mai faimoși artiști ai timpului său, inclusiv cu John Singer Sargent. Printre modelele sale se numără trei președinți americani: Grover Cleveland, William Taft (portret încă la Casa Albă astăzi) și în cele din urmă Theodore Roosevelt în formă tipărită. Anders Zorn este, de asemenea, faimos pentru picturile sale nud în aer liber și reprezentările vii ale apei.
Unele dintre cele mai importante lucrări ale sale pot fi văzute în Muzeul Național (Muzeul Național de Arte Frumoase) din Stockholm. Printre acestea se numără Danza de San Juan (1897), un spectacol de dansatori în lumina serii a unei sărbători rurale de Ziua Sfântului Ioan. De aceea se numără printre celebrii pictori americani.
Rembrandt van Rijn
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 – 1669) este un artist olandez din perioada barocului. Opera sa din secolul al XVII-lea a căzut în timpul Epocii de Aur în Țările de Jos. El a modelat lumea artei în special prin seria sa de autoportrete. S-a inspirat în special din pictura deschisă și întunecată a lui Caravaggio, care conferă picturii sale contraste deosebite. Datorită versatilității sale, este considerat cel mai mare artist vizual din istoria artei.
Versatilitatea sa i-a permis să picteze totul, de la peisaje și portrete până la evenimente istorice și scene biblice. Una dintre cele mai populare lucrări ale sale, The Night Watch (1642), se află acum la Muzeul de Stat din Amsterdam. Pictura are calități deosebite care o scot în evidență: dimensiunea sa, jocul de mișcare care ne este comun într-un portret militar și folosirea luminii și a umbrei, în care celebrul pictor a fost deosebit de abil.
Rembrandt a portretizat lumea așa cum era, fără ornamente sau lac, dar a făcut-o foarte mental. În pânzele lui Rembrandt există un amurg din care ies figuri luminate de o lumină aurie. Frumos în naturalețe, așa cum se vede în personajele din tabloul său „Mireasa evreiască”.
Soarta celui mai mare pictor olandez este ca o trambulină: de la obscuritate la creștere la bogăție și popularitate, doar pentru a cădea și a muri în sărăcie. Contemporanii săi nu l-au înțeles; Rembrandt a reprezentat trăiri și experiențe umane, ceea ce nu era deloc la modă, cu toate acestea el este astăzi unul dintre pictorii celebri din lume.
Leonardo da Vinci
Când se numește Leonardo Da Vinci, te gândești direct la Mona Lisa. Astăzi este probabil cel mai faimos portret din lume. Doamna cu zâmbetul misterios, identificată drept Lisa del Giocondo (soția lui Giocondo), provoacă discuții repetate și inspiră imaginația realizatorilor de film.
Cu studiile sale anatomice și desenele de tehnologie a armelor, el a reușit chiar să-l inspire pe cel mai puternic om al timpului său, ducele Ludovico Sforza de Milano, și să-l cucerească ca patron. Tablouri precum Fecioara Stâncilor sau Doamna cu Ermină arată preferința lui pentru privirea prudentă asupra femeilor și manipularea sa abil a culorilor.
Numai la Cina cea de Taină ar fi trebuit să picteze pe tencuială udă. Culorile picturilor murale ar fi fost mai palide după uscare, dar mai stabile. Acestea fiind spuse, este o mărturie minunată a utilizării sale magistrate a perspectivei centrale.
Leonardo da Vinci a fost un pictor, sculptor, matematician și inventator care s-a angajat și în cercetări în arhitectură, știință, muzică, inginerie, astronomie, geologie și multe alte domenii. De aceea a primit numele de „Omul Renașterii”, deoarece poseda cunoștințe în aproape toate domeniile disponibile la acea vreme.
Datorită picturilor sale, pictura mondială a atins un nou nivel de calitate. S-a îndreptat către realism, înțelegând legile perspectivei și înțelegând structura anatomică a unei persoane. El a reprezentat proporții ideale în desenul „Omul de Vitruvian”. Astăzi este considerată atât o capodopera artistică, cât și o lucrare științifică. El este de departe printre pictorii celebri ai Renașterii.
sandro botticelli
Sandro Di Mariano Filipepi, sau pur și simplu numit Botticelli, a fost un pictor italian care s-a născut în 1445 și a murit în 1510. Botticelli a fost inițial o tigaie de aur, dar mai târziu a învățat să picteze în atelierele diverșilor artiști italieni.
În 1481 a fost însărcinat de Papa Sixtus al IV-lea să decoreze Capela Sixtină. Împreună cu Cosimo Rosselli, Domenico Ghirlandaio și Perugino, Botticelli a modelat ulterior istoria picturii italiene. Lucrările sale sunt încă admirate de mii de vizitatori în fiecare zi.
Joaquin Sorolla y Bastida
Joaquín Sorolla y Bastida este un pictor spaniol, născut la Valencia, care se remarcă prin pictura de portrete, precum și peisaje din țara natală, în special coasta, a cărei lumină și prezență umană joacă un rol privilegiat. O călătorie la Paris în 1894 l-a adus în contact cu pictura impresionistă și a adus o revoluție în stilul său.
În stilul cel mai tipic Sorolla, designul tehnic este apoi impresionist, și este marcat de prezența figurii umane, a copiilor, a femeilor în rochii, pe un fundal de plajă sau de peisaj, unde reflexii, umbre, transparențe, intensitatea lumina şi culoarea imaginii joacă un rol fundamental în punerea în valoare a subiecţilor. Joaquín Sorolla este un artist foarte activ, care a pictat și multe portrete ale personalităților spaniole.
Stilul sau placut si usor ii permite sa primeasca cereri nelimitate, astfel se bucura de o pozitie sociala confortabila. Faima sa a trecut granițele spaniole și s-a răspândit în toată Europa și Statele Unite, unde a expus în mai multe rânduri.
Până la începutul secolului, Sorolla a fost recunoscut drept unul dintre cei mai mari pictori celebri în viață din lumea occidentală, primind numeroase medalii de aur la câteva expoziții internaționale majore. O mare parte din lucrarea sa este expusă la Muzeul Sorolla din Madrid, unde îi este dedicată o expoziție.
Andy Warhol
Andy Warhol a fost un artist vizual american care este cel mai bine cunoscut pentru stilul său numit Pop Art. În lucrările sale, el a explorat relația dintre industria filmului plin de farmec, publicitate, cultura populară și expresia artistică. Warhol se află în fruntea celebrilor pictori din cultura de masă.
Cea mai faimoasă lucrare a sa este Campbell's Soup Cans (1962), care constă din 32 de piese, fiecare având 51 de centimetri înălțime și 41 de centimetri lățime. Fiecare dintre elemente poate fi considerat o imagine separată. Piesele individualizate au fost realizate folosind serigrafie semi-automată, ceea ce a contribuit în mare măsură la dezvoltarea artei pop și la convergența culturii populare cu arta vizuală așa cum o cunoaștem astăzi.
Andy Warhol a creat zeci de lucrări și a fost unul dintre principalii comercianți culturali ai anilor 50. Cu toate acestea, în conștiința de masă, aproape sigur va rămâne autorul unor pânze cu obiecte identice reproduse: într-un caz, un astfel de obiect era o conserva de supă de roșii, iar în celălalt, simbolul sexual al anilor XNUMX și al anilor XNUMX. simbol al erei sexiste a Hollywood-ului, Marilyn Monroe.
Vincent Van Gogh
Vincent Van Gogh este unul dintre cei mai renumiți pictori celebri, ceea ce este uimitor, deoarece stilul său expresiv și emoționant de pictură a găsit puțin entuziasm în timpul său. Pensiile brute ale postimpresionistului și aplicarea vopselei impasto, precum și alegerea sa mereu colorată, dar încă prudentă, sunt din nou foarte apreciate astăzi și sunt comercializate la cele mai scumpe case de licitații din lume.
Alegerea sa de motive a fost nespectaculoasă, mobilier, flori, peisaje și o multitudine de autoportrete. Cu toate acestea, datorită marketingului iubitorilor de artă americani îi place seria sa de floarea soarelui galben, viziunea lui despre Cafe Terrace at Night, The Starry Night și dormitorul său, acestea se găsesc pe afișe, cărți poștale și postere. chiar și brelocuri. .
Fie că este vorba despre portretul său expresiv sau chiar despre misterul urechii tăiate și al morții care ar fi rezultat dintr-o tentativă de sinucidere mult discutată, numele său se află în fruntea listei pictorilor celebri din toate timpurile.
La început, picturile lui Van Gogh erau sumbre. În ei, el și-a exprimat o simpatie nemărginită pentru cei săraci. Iar prima sa capodopera a fost doar o astfel de lucrare: „Mâncătorii de cartofi”. În ea vedem oameni obosiți de munca grea și monotonă. Atât de obosiți, încât ei înșiși au devenit ca cartofii. Van Gogh nu a fost realist și a exagerat trăsăturile oamenilor pentru a transmite esența.
Dar spectatorii îl iubesc pe Van Gogh pentru culorile sale deschise și strălucitoare. Picturile sale au devenit colorate după ce i-a cunoscut pe impresioniști, de atunci, a pictat multe buchete, câmpuri de vară și copaci înfloriți.
Nimeni înainte de Van Gogh nu și-a exprimat emoțiile și sentimentele cu ajutorul culorii, dar după el - mulți. La urma urmei, el este principalul inspirator al tuturor expresioniştilor. Este chiar surprinzător cum un profesor, aflat într-o depresie profundă, care îl va duce de-a lungul anilor la sinucidere, a pictat o lucrare la fel de veselă precum „Floarea soarelui”.
Noaptea înstelată (1889) este una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale, pictată în timpul șederii sale într-un spital de psihiatrie din Franța. Înfățișează o vedere pe fereastră a unui oraș fictiv, peste care răsare un soare galben strălucitor.
Aceasta este una dintre cele mai recunoscute picturi nu numai în lumea artei, ci și în întreaga lume. Dar adevărata faimă a venit artistului după moartea sa, la sfârșitul anilor 1890. Acum opera sa este considerată una dintre cele mai scumpe din lume și se numără printre cei mai cunoscuți pictori celebri.
Jheronimus van Aken – Hieronymus Bosch
Unul dintre cei mai importanți artiști ai Renașterii din Europa de Nord este Jheronimus van Aken, cunoscut în spaniolă sub numele de El Bosco. Forma picturii sale este cu siguranță recunoscută, chiar dacă din întregul corp de picturi au rămas doar o duzină. A fost un adevărat artist renascentist, polivalent și plin de simboluri și aluzii.
Picturile sale spuneau mult mai mult contemporanilor lui Bosch decât oamenilor secolului XNUMX, deoarece a folosit din abundență motive populare biblice și medievale.Nu trebuie să fii critic de artă pentru a înțelege că acesta este un tablou Bosch.
De exemplu, în cea mai faimoasă lucrare a lui Bosch, tripticul „Grădina desfătărilor pământești” conține multe detalii: descrie cele șapte păcate de moarte, reproduse de mai multe ori, povestește în detaliu despre chinurile infernale care îi așteaptă pe păcătoși ( în partea dreaptă ). Aici maestrul și-a propus să înspăimânte atât țăranul, cât și cultul contemporan cu viziuni apăsătoare care așteptau după moarte.
În stânga fereastra arată căderea lui Adam și a Evei. Jumătate om, jumătate mutant, păsări și pești uriași, plante fără precedent și mulțimi de păcătoși goi. Toate acestea sunt amestecate și împletite în compoziții cu mai multe figuri. Capriciosul figurilor, un număr mare de mici detalii și imaginația specifică artistului nu lasă nicio îndoială cu privire la cine este autorul pânzei. Fără îndoială unul dintre pictorii celebri ai tuturor timpurilor.
Nu există alt artist care să folosească atât de multe detalii pentru a-și exprima ideile. Ce idei? Nu există un consens cu privire la această problemă. I-au dedicat disertații și cărți lui El Bosco, au căutat interpretări ale personajelor sale, dar nu au ajuns la o concluzie.
Dar Bosch a evoluat de-a lungul carierei sale. Și până la sfârșitul vieții sale, lucrările la scară largă, cu mai multe figuri au fost înlocuite cu o abordare foarte apropiată a personajelor. Deci abia se potrivesc în cadru. Aceasta este ceea ce se observă în Hristos cu Crucea pe spate. Indiferent dacă Bosch își examinează personajele de departe sau de aproape, mesajul său este același. El arată vicii umane și, arătându-le, încearcă să ne ajute să ne salvăm sufletele.
paul rubens
Pictorul flamand Pieter Paul Rubens (1577-1640) este unul dintre cei mai mari pictori ai timpului său. Întrucât atât de mulți pictori doreau să lucreze pentru el, Rubens avea unul dintre cele mai mari studiouri de pictură ale timpului său. A pictat numeroase portrete și picturi religioase precum „Coborârea de pe cruce” și a inspirat alți pictori din întreaga lume. Este considerat maestrul picturii barocului flamand și se numără pe bună dreptate printre pictorii celebri ai Țărilor de Jos.
Rafael Sanzio
Cel mai faimos reprezentant al epocii Renașterii uimește prin compoziții armonioase și lirism. A picta oameni atrăgători nu este la fel de dificil ca așezarea lor corectă pe pânză. Aici Raphael a fost un virtuoz. Poate că niciun alt profesor din lume nu și-a influențat colegii la fel de mult ca Rafael.
Stilul tău de pictură va fi exploatat fără încetare. Personajele lui rătăcesc de la un secol la altul și își vor pierde actualitatea abia la începutul secolului XX. În epoca modernismului și avangardei, amintindu-ne de Raphael Sanzio, ne gândim mai întâi la frumoasele sale Madone.
În scurta sa viață (38 de ani), a realizat douăzeci de tablouri cu imaginea sa, acest lucru nu a fost obișnuit. Cea mai cunoscută este Madona Sixtină (Madonna di San Sisto). Nu vedem o fecioară iconografică uscată, ci o mamă duioasă, plină de demnitate și puritate spirituală. Îngerii răutăcioși sunt un portret atât de fidel al spontaneității copilărești, plin de farmec.
Cea mai scumpă lucrare a lui Raphael Sanzio a fost surprinzător de schițată „Capul unui tânăr apostol”. S-a vândut la Sotheby's cu patruzeci și opt de milioane de dolari. Pictorul italian, apreciat de contemporani pentru moliciunea și naturalețea sa, este astăzi neprețuit și este unul dintre cei mai apreciați pictori celebri.
Francisco Goya
Francisco de Goya (1746-1828) este un mare artist spaniol al perioadei rococo și, în același timp, unul dintre pionierii în domeniul picturii contemporane din Europa. Se știe că Goya a pictat Spania așa cum era pe vremea lui, ca un adevărat martor contemporan. Temele lui preferate sunt reprezentările critice ale războiului și nedreptății, precum și imaginile vieții de zi cu zi din Spania.
Goya și-a început cariera cu fervoare tinerească și idealism. A devenit chiar pictor la curtea spaniolă. Dar curând s-a săturat de acea viață, văzând lăcomia, prostia, bigotismul lumii. Uită-te doar la grupul său Portretul familiei regale, unde Goya nici măcar nu a încercat să atenueze expresiile goale și aroganța respingătoare ale familiei regale.
Goya a creat multe pânze care reflectă poziția sa civilă și umană. Și lumea îl cunoaște mai ales ca un artist îndrăzneț, un iubitor de adevăr. Dovada este pur și simplu incredibila lucrare „Saturn devorându-și fiul”. Aceasta este o interpretare cu sânge rece și extrem de sinceră a complotului mitologic. Așa ar fi trebuit să arate nebunul Kronos, care este îngrozit că fiii săi îl vor doborî.
Giotto di Bondone
Giotto di Bondone, este considerat unul dintre primii maeștri înainte de Renaștere, a fost un talent universal: pictor, arhitect și sculptor. Elev al lui Cimabue și prieten al lui Dante, admirat de Michelangelo, Giotto a contribuit la modernizarea imaginii evlavioase îndepărtându-se de tradiția bizantină. Îmbinând o întoarcere la Antichitate, un simț al naturalismului și dobândit încă din Evul Mediu târziu, arta sa este orientată fundamental către ființa umană.
Se spune că Giotto este autorul faimoaselor fresce din Biserica Superioară din Assisi dedicate vieții Sfântului Francisc, deși nu există niciun document care să dovedească acest lucru. De asemenea, se află la originea uneia dintre cele mai frumoase realizări ale Trecento: Capela Scrovegni din Padova.
Arta lui Giotto simbolizează triumful frescei, o tehnică care a rămas în retragere din mozaic. Se remarcă pictura în stil bizantin extrem de codificată și statică. Giotto inovează reprezentând personajele cu realism, nu neapărat la nivel anatomic, ci la nivel de sentimente. Viziunea lui asupra divinului nu este mistică sau supranaturală precum cea a lui Fra Angelico, ci se îndreaptă spre uman și simplitatea vieții pământești.
Gustave Courbet
Gustave Courbet a fost un pictor francez de realism. În timpul lucrării sale, artistul a încercat să reprezinte lumea vremii sale și a contemporanilor săi și a mers chiar atât de departe încât să rupă tabuuri și să șocheze oamenii.
De exemplu, cu lucrarea sa „Originea lumii”, care prezintă organele genitale feminine și este acum expusă la Musée d'Orsay.S-a desprins rapid de operele romantice și a dat peste cap lumea artei, de atunci aparținând grupul select de pictori celebri.
Salvador Dalí
Salvador Dalí (sau Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech), inconfundabil recunoscut pentru stilul său de pictură psihedelic, s-a născut în 1904 și a murit în 1989. Marele artist spaniol a sedus lumea artei în scurt timp și a devenit figura reprezentativă a curentului suprarealist. . Picturile sale arată cele mai variate vise, fiecare mai confuz decât celălalt. Dalí este, fără îndoială, unul dintre cei mai cunoscuți pictori ai secolului al XX-lea.
Dalí este cel mai bine cunoscut pentru estetica sa absurd de capricios. Arta sa a fost o extensie a lui însuși, dar având în vedere expresivitatea sa spaniolă și dragostea pentru atenție, el a fost la fel de celebrat pentru comportamentul său excentric. Cea mai cunoscută lucrare a sa este Persistența memoriei (1931).
Una dintre interpretările imaginii este modul în care timpul începe să se topească, de îndată ce o persoană adoarme. Când a fost întrebat ce anume l-a inspirat pe Salvador Dalí să picteze acest tablou, el a răspuns că forma ceasului de topire a fost inspirată de brânza Camembert care se topește la soare.
Ivan Aivazovski
Aivazovsky este pe bună dreptate clasat printre pictorii celebri ai lumii. „Al nouălea val” al său este izbitor în amploarea sa. Măreția elementelor, deznădejdea. Puținii supraviețuitori ai furtunii vor putea scăpa? Soarele dimineții cu razele sale calde pare să dea o speranță subtilă.Aivazovsky poate fi numit cel mai important pictor marin al tuturor timpurilor.
Nimeni nu a pictat natura elementului marin într-un mod atât de divers, nimeni nu a descris atâtea bătălii pe mare și epave. În același timp, Aivazovsky a fost și un realizator de documentare, descriind în detaliu echipamentul navei. Și puțin visător, de fapt, intenționat, Al nouălea val este pictat greșit: în larg, un val nu se îndoaie niciodată ca un șorț. Dar pentru un plus de dramatism, Aivazovsky a pictat-o așa.
Henri de Toulouse-Lautrec
Henri de Toulouse-Lautrec, născut în sudul Franței în 1864 și murit în 1901 la vârsta de doar 36 de ani, este un mare artist care a modelat viața la Paris la sfârșitul secolului al XIX-lea. Pictorul și caricaturistul locuiește în celebrul cartier parizian Montmartre, cartierul artistic al capitalei franceze prin excelență. Viața de zi cu zi din Paris este, de asemenea, unul dintre motivele sale cele mai populare, fie că este vorba despre un cabaret parizian sau scene din cartierul roșu din jurul Moulin Rouge.
Marc Chagall
Marc Chagall s-a născut în Belarus în 1887 sub numele Moïche Zakharovich Shagalov, dar a primit cetățenia franceză în 1937. A murit în 1985. Chagall nu se potrivește prea bine cu tendințele secolului XX, dar folosește elemente de suprarealism și primitivism. Astăzi, Marc Chagall face parte din numeroase expoziții despre marii pictori ai secolului XX.
Paul Klee
Renumitul artist Paul Ernst Klee s-a născut în cantonul Berna în 1879 și a murit în 1940 în partea de limbă italiană a Elveției, în Ticino. Tatăl său era german, iar mama sa elvețiană. Pictorul și graficianul a fost nu numai foarte productiv în timpul zilelor sale creative, ci și extrem de divers în arta și pictura sa.
Deci lucrările sale pot fi atribuite unor mișcări artistice complet diferite: expresionism, constructivism, cubism, primitivism și suprarealism. Apropo, Paul Klee a fost prieten cu Wassily Kandinsky și, ca și el, Klee a predat la Bauhaus din Weimar din 1921 și mai târziu la Dessau. După ce naziștii au preluat puterea, a fost concediat și s-a întors la Berna.
Vasili Kandinsky
Printre pictorii celebri trebuie amintit Wassily Kandinsky. S-a născut la Moscova în 1866 și a murit la Neuilly-sur-Seine, Franța în 1944. Împreună cu alți pictori celebri precum Paul Klee și Franz Marc a făcut parte din grupul de artiști „Blauer Reiter” și chiar îl fondase împreună. cu Franz Marc, ca contra-mișcare sau derivat al Neue Künstlervereinigung München, (Asociația Artiștilor din Noul Munchen).
Stilul lui, prin urmare, poate fi atribuit expresionismului. El a fost, de asemenea, unul dintre pionierii artei abstracte, alături de alți pictori celebri. După cum am menționat deja, a lucrat și ca profesor la Bauhaus din Weimar și, de asemenea, la Dessau, unde el și Paul Klee au fost unul dintre rezidenții Caselor Profesorilor Bauhaus. După ce național-socialiștii au închis Bauhaus (1933), Kandinsky a emigrat în Franța împreună cu soția sa.
Eugène Delacroix
Pictorul francez Eugène Delacroix a văzut lumina în 1798 și a murit în 1863. A influențat în special romantismul secolului al XIX-lea. Printre altele, statul francez i-a însărcinat pictorului să realizeze numeroase portrete, dar i s-au încredințat și sarcini arhitecturale și decorative. Pictura sa „Libertatea conduce poporul” este una dintre cele mai cunoscute din istoria Franței și poate fi admirată acum la Luvru din Paris.
Jackson Pollock
Jackson Pollock a fost un pictor american și lider al impresionismului abstract. Se numără printre pictorii renumiti pentru tehnicile sale neobișnuite de pictură prin picurare, în care vopsea este turnată sau picurată pe pânză. Pollock era cunoscut pentru dependența sa de alcool, care a dus la accidentul de mașină care i-a luat viața în 1956.
Una dintre cele mai faimoase picturi ale sale, numărul 5, 1948, este una dintre cele mai scumpe tablouri din lume. Jackson Pollock a dat dovadă de un mare control și o disciplină de fier în felul său haotic. Tabloul este acum mai cunoscut sub numele de „Cuibul de pasăre”, datorită culorilor gri, maro, galben, alb, întortocheate între ele.
Gustav Klimt
A fost un pictor simbolist austriac, cel mai bine cunoscut pentru munca sa despre erotismul deschis, diverse picturi murale, schițe și naturi moarte. Pe lângă faptul că înfățișează corpul feminin, Klimt a pictat și peisaje și scene, parțial influențate de arta japoneză.
Una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale este Sărutul, una dintre marile lucrări ale epocii sale de aur. Această perioadă a lucrării sale a fost remarcată pentru utilizarea spectaculoasă a tonurilor de aur în cele mai izbitoare picturi ale sale, folosind adesea foițe de aur adevărate.
Kazimir Malevici
Interesant este că cel mai faimos artist rus poate fi numit Kazimir Malevich. În ciuda faptului că școala rusă de pictură a dat artei zeci de nume (Repin, Aivazovsky, Vereshchagin și multe altele) în memoria privitorului de masă, a rămas o persoană care a fost mai degrabă un deconstructor al picturii clasice decât un succesor al tradițiilor sale devenind. unul dintre pictorii celebri ai mediumului său.
Kazimir Malevich a fost fondatorul suprematismului, ceea ce înseamnă, într-un fel, părintele întregii arte contemporane. Lucrarea sa Black Square a fost expusă în 1915 și a devenit programatică. Însă Malevich nu se numără printre pictorii celebri nu numai din cauza Pieței Negre: a lucrat ca designer de producție la spectacolele grotești ale lui Meyerhold, a condus un studio de artă din Vitebsk, unde a început să lucreze un alt mare artist, Marc Chagall.
Jean Francois Millet
Opera pictorului francez Jean-François Millet face parte din mișcarea realistă. Desenele și pânzele sale descriu viața de zi cu zi, în mare parte scene rurale din Europa de Nord. Contextul său țărănesc îl predispune să prezinte existența rurală ca un mod de viață universal și să idealizeze umanitatea. Prezintă țărani francezi radiând o nobilime interioară.
Picturile sale, considerate greșit ca o poziție politică în favoarea poporului, reflectă doar experiența sa personală și atașamentul său pentru lumea rurală.Interesul pictorului pentru oamenii de rând îi va fascina pe artiști precum Pissarro, Monet și Van Gogh.
Stilul său, în special paleta sa ușoară, conturul viguros și predilecția pentru pasteluri, au influențat profund impresionismul. Jean-François Millet a trăit într-o sărăcie relativă și a trăit pictând portrete. Fiul și nepotul său sunt designeri de peisaj.
John cântăreț sargent
John Singer Sargent s-a impus ca unul dintre cei mai mari portretiști americani ai timpului său, recunoscut și ca un pictor talentat peisagist și mare acuarelist. Sargent s-a născut la Florența, Italia, din părinți americani și a studiat în Italia și Germania, apoi la Paris, sub influența portretistului Emile Auguste Carolus-Duran, a cărui influență va fi fundamentală. Este aproape de marii artiști ai vremii precum Claude Monet sau Paul Helleu.
La începutul secolului, John Singer Sargent era portretistul conducătorilor și claselor superioare din Europa și Statele Unite ale Americii. Portretele sale, de o verimitate măgulitoare, redau imaginea unei societăți. Cele mai reprezentative portrete ale lui Sargent arată singularitatea și personalitatea subiecților săi. Stilul său este marcat de o uniformitate a excelenței care îi surprinde chiar și pe unii dintre detractorii săi.
În 1907 a anunțat că va înceta să mai facă portrete și apoi s-a concentrat asupra peisajelor și scenelor vieții militare din timpul Primului Război Mondial. De-a lungul carierei, a realizat în jur de nouă sute de pânze și peste două mii de acuarele, precum și nenumărate schițe și desene.
Iată câteva link-uri de interes: