Influența greacă este prezentă în toată arta sa, dar propria sa amprentă îi impune stiluri foarte caracteristice pictura romana: scene de viață, scene mitologice, peisaje, naturi moarte sau chiar decorațiuni trompe l'oeil. Decorul arhitectural era foarte popular la romani.
pictura romana
Așa cum arta greacă a fost introdusă de civilizațiile pre-elenice din Creta și Micene, arta romană și-a găsit un teren de reproducere în civilizația etruscă și greacă. În jurul anilor 1000/800 provin din regiunea de est a Mediteranei, probabil din Lidia, în Asia Mică, triburile etrusce din Italia. Din fericire, acestea completează astfel populația autohtonă; în inima Italiei aduc o bucată de moștenire culturală din Orient.
Pe măsură ce etruscii au cucerit aproape toată peninsula italiană, ei contribuie foarte mult la construirea civilizației romane: caracterul lor practic și priceperea tehnică lasă o amprentă adâncă asupra artei romane. De asemenea, grecii au exercitat o influență considerabilă asupra artei și civilizației romane.
În perioada marii colonizări, 800-550, s-au răspândit până la țărmurile Mediteranei. Se stabilesc și în Sicilia? și sudul Italiei, care de aceea se numesc Grecia Mare. Acești greci aduc civilizația greacă în toate aspectele ei pe pământul italic și influențează arta romană mai mult decât oricine altcineva.
Odată cu ascensiunea culturii romane, epoca antică a intrat în stadiul final. Arta la Roma a jucat un rol complet diferit de cel din Grecia, în care era indisolubil legată de viață.
Pictorii, sculptorii, arhitecții, filozofii și poeții greci au făcut ei înșiși istoria. În Roma antică, această sarcină era îndeplinită de conducătorii orașelor, generali, oratori. Numele lor sunt înscrise în analele istoriei, dar numele pictorilor și sculptorilor romani nu au ajuns până la noi, deși erau la fel de talentați ca și grecii.
Sfârșitul culturii etrusce a fost începutul artei romane. Probabil că înainte de acea vreme existau artiști și sculptori în Roma antică, dar nu s-au păstrat informații despre aceștia. A afectat și faptul că aproape până la sfârșitul existenței Republicii, Roma a purtat războaie constant cucerind vecinii săi, iar războiul, după cum știți, nu contribuie la dezvoltarea artei.
Țara a fost zguduită și de lupte interioare: plebeii au luptat împotriva aristocraților, apărându-și drepturile; Orașele (municipiile) italiene au cerut egalitate cu cetățenii Romei. Războaiele au durat secole, fără să se oprească nici măcar un an. Poate din aceste motive, arta romană ca atare nu a existat decât în secolele IV-III î.Hr. Arhitectura a fost prima care s-a declarat: mai întâi sub formă de poduri și structuri defensive, iar mai târziu - temple.
Se spune adesea că romanii nu sunt adevărați artiști. Se poate avea această impresie când comparăm realizările artistice ale romanilor cu, să zicem, cele ale grecilor sau egiptenilor. În primele secole ale istoriei romane, găsim puține care să indice aspirații estetice sau artistice; cu siguranță romanii nu au creat artă originală.
Dacă Roma, însă, ocupă un loc proeminent în istoria artei de-a lungul secolelor, este pentru că romanii, după ce au cucerit stăpânirea militară asupra lumii, au recunoscut și valorile spirituale și formele de artă ale altor popoare, în special ale grecilor. , avea o mare capacitate de asimilare și știe să prelucreze în mod personal.
Caracteristicile generale ale picturii romane antice
Pictura romană a ajuns până la noi aproape exclusiv sub formă de picturi murale. În acest sens, majoritatea operelor de artă se află încă în locul pentru care au fost create și unde sunt păstrate în condiții adesea dificile. Dovezi importante ale picturii romane sunt decorațiunile mormintelor și caselor private, ale templelor și sanctuarelor din întregul imperiu.
Influența greacă a predominat inițial și în pictura romană. Un sit specific roman a fost găsit din secolul al III-lea î.Hr. C. în aşa-numitele picturi triumfale. Pentru a onora generalii învingători, picturile au fost purtate ca reportaje populare în procesiunea triumfală și apoi expuse în public. Din păcate, aceste picturi nu au supraviețuit și sunt atestate doar în literatura antică.
Obiceiul pictării pereților interiori ai caselor a intrat în orașele romane în secolul al II-lea î.Hr. din orașele grecești din sudul Italiei, dar pictorii decoratori romani, bazându-se pe tehnicile grecești, și-au dezvoltat creativ sistemul bogat de decorare a pereților.
În pictura murală romană din secolul al II-lea î.Hr. se obișnuiește să se facă distincția între patru stiluri decorative, care sunt uneori numite „Pompeian” (deoarece astfel de picturi murale au fost descoperite pentru prima dată în tehnica frescei în timpul săpăturilor de la Pompei).
O mare contribuție la studiul picturilor murale din Roma Antică a avut-o omul de știință german August May, care a fost responsabil cu identificarea celor patru stiluri de pictură pompeiană.
Împărțirea în stiluri de pictură este destul de arbitrară și nu se suprapune cu legile generale ale evoluției picturii romane în ansamblu.
Pictura murală romană poate fi văzută din diferite poziții: În primul rând, ca o singură compoziție picturală care decorează aceasta sau alte premise de o anumită dimensiune și scop. În al doilea rând, ca un ecou al compozițiilor grecești și elenistice.
În al treilea rând, ca căutare a unuia sau acela standard cultural, un standard al gusturilor artistice romane din diferite epoci. În al patrulea rând, ca reprezentant al diferitelor curente artistice ale picturii romane în sine, abilitățile tehnice ale creatorilor săi.
Tehnici și stiluri de pictură romană
Interioarele clădirilor romane au fost adesea decorate generos, cu culori și modele îndrăznețe. Picturile murale, frescele și utilizarea stucului pentru a crea efecte de relief au fost realizate în secolul I î.Hr
Este folosit în clădiri publice, case private, temple, morminte și chiar instalații militare din întreaga lume romană.
Design-urile au variat de la detalii complicate, realiste până la redări foarte impresioniste, care acoperă adesea întreaga secțiune disponibilă a peretelui, inclusiv tavanul.
Pregătirea tencuielii a fost atât de importantă încât Pliniu și Vitruvius explică, în lucrările lor, tehnica folosită de pictori pentru a frescă pereții: în primul rând trebuia făcută tencuială de bună calitate care să poată fi formată și din șapte straturi succesive de compoziție diferită.
Prima era mai aspra, apoi celelalte trei erau facute cu mortar si nisip iar ultimele trei cu mortar si praf de marmura; În general, se făceau straturi de tencuială la o grosime de aproximativ opt centimetri, primul fiind așezat direct pe perete pentru a adera bine și era cel mai gros (trei până la cinci cm) din nisip și var.
Pictorii romani au preferat culorile naturale de pământ, de asemenea roșu, galben și ocru mai închis. Pigmenții albastru și negru au fost, de asemenea, folosiți pe scară largă pentru modele mai simple, dar dovezile de la un atelier de vopsitorie din Pompei arată că a existat o gamă largă de tonuri.
În secolele III și II î.Hr. imaginile nu erau pictate direct pe perete. În tencuiala pictată au fost imitate plăci dreptunghiulare de marmură, în picioare și culcate, de diferite tipuri de culori, care erau folosite pentru acoperirea pereților la mare altitudine. În partea de sus acest decor era închis cu un cadru de ipsos, aceste rame conținând probabil panouri libere. Câteva exemple ale acestui sistem de decorare s-au păstrat în Campania, inclusiv Casa Sallust din Pompei.
Aceasta a urmat moda care s-a răspândit în întreaga lume elenistică. Abia la începutul secolului I î.Hr. a apărut o adevărată artă romană. Plăcile nu au mai fost redate în stuc de plastic, ci au fost vopsite și forma sugerată de dungi de lumină și umbră.
Mai târziu, partea centrală a zidului a fost pictată ca și cum s-ar fi retras ușor și au fost înfățișate la intervale regulate coloane care păreau să stea pe un podium și susțineau aparent acoperișul. Partea superioară a peretelui sugera o vedere a unei alte încăperi sau a unei curți. Construcțiile arhitecturale au fost dispuse simetric și în jurul unei deschideri pictate, cu o ușă sau poartă în centru, ca în vila lui Publius Fannius Sinistor de la Boscoreale, 50-40 î.Hr.
Subiectele au fost portrete, scene din mitologie, arhitectură trompe l'oeil, floră, faună şi chiar grădini, peisaje şi peisaje urbane întregi pentru a crea panorame spectaculoase care transportă privitorul din spaţiile înguste în lumea nelimitată a imaginaţiei pe care pictorul. deturnat.
Cele mai mari exemple de pictură romană provin din frescele din zona Vezuviului (Pompeii și Herculaneum), din tăblițele egiptene din Fayum și din modele romane, unele derivate din epoca paleo-creștină (picturi din catacombe). Avem dovezi ale picturii romane în trei tehnici:
- Pictura murală: realizată în frescă, pe var proaspăt, și deci mai rezistentă; culorile au fost amestecate cu ou sau ceară pentru a le ajuta să prindă;
- Pictura pe lemn sau panou: datorita naturii suportului, exemplele primite sunt rare. O excepție faimoasă vine de la pietrele funerare din Fayum (Egipt), păstrate din fericire datorită situației deosebite de mediu și climat;
- Pictura abstracta, aplicata pe obiecte, in scop decorativ. Se caracterizează de obicei prin accidente vasculare cerebrale sumare și rapide.
În general, picturile anterioare și cele ale caselor mai bogate prezintă mai multe straturi decât picturile ulterioare și cele ale clădirilor rezidențiale mai puțin înstărite. Începând de sus, pe perete s-au aplicat straturi de tencuială și apoi vopsele și, în final, s-au terminat în partea de jos.
În ciuda diferențelor mari de detalii, pereții sunt construiți după aceeași schemă. Există întotdeauna o zonă de bază, o zonă de mijloc și o zonă superioară. Zona de bază este de obicei destul de simplă, poate fi monocromă, dar poate avea și imitație de marmură sau picturi simple cu plante. Modelele geometrice sunt, de asemenea, foarte populare.
În zona de mijloc, însă, se desfășoară centrul de greutate al picturii. În funcție de stil, vei găsi arhitectură elaborată sau câmpuri simple, centrul peretelui fiind de obicei deosebit de greu și decorat cu un tablou.
Picturile de câmp, care au fost deosebit de răspândite în al treilea stil (ornamental), constau într-o alternanță de câmpuri largi, monocrome și înguste, care sunt adesea bogat decorate cu plante, arhitectură ireală sau alte modele.
Pictura era deja practicată de etrusci (picturi funerare), dar cele mai vechi dovezi ale activității picturale din Roma datează din prima jumătate a secolului al V-lea î.Hr.: în special, figura celebrului Fabius Pictor (sfârșitul secolului al IV-lea î.Hr.). este amintit, decorator al Templului lui Salus.
Se ridică ipoteza că în această fază cea mai veche, pictura romană prezenta deja înclinația particulară pentru caracterul festiv al secolelor următoare, exprimată printr-o narațiune fluidă și clară, ca în basoreliefurile sculpturale contemporane. Foarte faimoasă este așa-numita pictură pompeiană, numită după picturile găsite la Pompei, Herculaneum și alte țări atinse de erupția Vezuviului (79 d.Hr.). Este împărțit în patru stiluri diferite:
primul stil
Secolele III-II î.Hr., numite și „incrustații”. A corespuns vieții romanilor din secolul al II-lea î.Hr. Acest stil este o imitație a zidăriei din marmură colorată. Pe pereții încăperilor interioare, toate detaliile arhitecturale au fost realizate în piese tridimensionale: pilaștri, cornișe, cornișe, console individuale de zidărie, iar apoi totul a fost pictat, imitând pietrele de finisare în culoare și model.
Tencuiala, pe care a fost aplicată vopseaua, a fost pregătită din mai multe straturi, unde fiecare strat ulterior a fost mai subțire.
Stilul „încrustație” a fost o imitație a interioarelor palatelor și caselor bogate din orașele elenistice, unde sălile erau căptușite cu pietre multicolore (marmură). Primul stil decorativ s-a demodat în anii 80 î.Hr. Un exemplu de stil „încrustație” este Casa Faunului din Pompei. Culorile folosite, roșu închis, galben, negru și alb, se remarcă prin puritatea tonului.
Frescele din Casa Grifonilor din Roma (100 î.Hr.) pot servi ca o etapă de tranziție între primul și al doilea stil decorativ.
Combinația de culori albastru, liliac, maro deschis, o gradație subtilă a picturii regale și ilustre, imagine plană și volumetrică, între decorarea peretelui panoului și coloanele, parcă proeminente din perete, permite evidențierea picturii House of Griffins ca o modalitate de tranziție de la o imitație meschină a zidăriei la modul spațial activ de rezolvare a zidului.
al doilea stil
Secolele II-I î.Hr. Denumită „perspectivă arhitecturală”, este, spre deosebire de stilul plat anterior, de natură mai spațială. Pereții prezentau coloane, cornișe, pilaștri și capiteluri cu o iluzie totală a realității, inclusiv înșelătorie. Partea de mijloc a zidului a fost acoperită cu imagini de pergole, portice, prezentate în perspectivă, folosind clarobscurul. Cu ajutorul picturii decorative s-a creat un spațiu iluzoriu, pereții adevărați păreau să se depărteze, camera părea mai mare.
Uneori, între coloane și pilaștri erau plasate figuri umane individuale, sau scene sau peisaje întregi cu mai multe figuri. Uneori, în centrul peretelui erau tablouri mari cu figuri mari. Intrigile picturilor au fost în mare parte mitologice, mai rar de zi cu zi. Adesea, picturile celui de-al doilea stil erau copii ale lucrărilor pictorilor greci antici din secolul al IV-lea î.Hr.
Un exemplu de pictură în al doilea stil decorativ este decorarea pitorească a Vilei Misterelor din Pompei. Într-o cameră mică cu un soclu înalt asemănător marmurului, pe fundalul unui perete roșu aprins cu pilaștri verzi, douăzeci și nouă de figuri sunt grupate în mărime naturală.
Cea mai mare parte a compoziției este dedicată misterelor în onoarea zeului Dionysos. Aici este înfățișat și Dionysos însuși, sprijinit pe genunchii Ariadnei (soția). Bătrâni, tineri satiri, menade și femei sunt afișate aici.
Foarte interesantă este scena în care un bătrân voinic, înfățișat pe un perete al camerei, își îndreaptă privirea către tânăra menada, care este înfățișată pe celălalt perete. În același timp, Silenus batjocorește un tânăr satir cu o mască de teatru în mâini.
O altă scenă de pictură este, de asemenea, interesantă, care arată o zeiță formidabilă biciuind o fată în genunchi cu un bici lung pe spatele ei, încercând să devină un participant deplin la mistere. Poza fetei, expresia feței ei, ochii plictisiți, șuvițele încâlcite de păr negru transmit suferință fizică și angoasă psihică. Acest grup include și figura frumoasă a unui tânăr dansator vacant care a trecut deja probele cerute.
Compoziția frescei se bazează nu atât pe proporția volumelor în spațiu, cât pe juxtapunerea siluetelor pe un plan, deși figurile reprezentate sunt voluminoase și dinamice. Întreaga frescă este conectată într-un singur întreg prin gesturi și posturi ale personajelor înfățișate pe diverși pereți. Toate personajele sunt iluminate de o lumină moale care curge din tavan.
Corpurile goale sunt pictate magnific, schema de culori a hainelor este extrem de frumoasa. Chiar dacă fundalul este roșu aprins, niciun detaliu nu dispare pe acest fundal contrastant. Participanții la mistere sunt reprezentați pentru a crea iluzia prezenței lor în cameră.
O trăsătură particulară a celui de-al doilea stil sunt imaginile peisajului: munți, mare, câmpii, însuflețite de diverse figuri grotesc de oameni, executate schematic. Spațiul de aici nu este închis, ci liber. În cele mai multe cazuri, peisajul include imagini de arhitectură.
Pe vremea Republicii Romane, un portret pictural de șevalet era foarte comun. În Pompei există un portret al unei tinere cu tăblițe de scris, precum și o imagine a pompeianului Terentius cu soția sa. Ambele portrete sunt pictate într-un mod pictural moderat. Se disting printr-un bun transfer al materialelor plastice faciale. portrete profunde.
al treilea stil
Stilului ornamental i-a corespuns cel de-al treilea stil pompeian (sfârșitul secolului I î.Hr. – începutul secolului I d.Hr.) În locul decorațiunilor pitorești, cu scopul de a separa și înlocui zidurile regale, există picturi care decorează peretele fără a-i rupe planul.
Tablourile, dimpotrivă, subliniază planul peretelui, decorându-l cu ornamente delicate, printre care predomină coloane foarte grațioase, mai degrabă ca niște candelabre metalice. Nu întâmplător al treilea stil decorativ este numit și „candelabru”.
Pe lângă acest decor arhitectural ușor, în centrul zidului au fost amplasate mici tablouri cu conținut mitologic. Natura statică, mici peisaje și scene cotidiene sunt introduse în decorul ornamental cu multă pricepere.
Ghirlandele de frunze și flori pictate pe un fundal alb sunt foarte caracteristice. Bijuteriile cu flori pictate, ornamentele, scenele în miniatură și naturile moarte necesită o vizionare atentă. Pictura celui de-al treilea stil subliniază confortul și intimitatea camerei.
Paleta artiștilor celui de-al treilea stil este interesantă și variată: o bază neagră sau violet închis, pe care obișnuiau să fie înfățișate mici tufe, flori sau păsări. În partea superioară au fost prezentate panouri alternate de albastru, roșu, galben, verde sau negru, pe care au fost așezate picturi mici, medalioane rotunde sau figuri individuale împrăștiate.
Artiștii romani au elaborat soluția grecească a scenelor mitologice în conformitate cu stilul predominant. Expresii faciale serioase, postură calmă și moderare a gesturilor, figuri statuare.
O atenție mai mare a fost acordată unui contur clar care delimitează clar faldurile hainei. Un exemplu al celui de-al treilea stil este Vila lui Cicero din Pompei. Peisaje pastorale idilice au supraviețuit în Pompei și Roma. De obicei tablouri de dimensiuni mici, oarecum schitale, uneori pictate cu una sau două culori.
al patrulea stil
Al patrulea stil decorativ s-a dezvoltat în a doua jumătate a secolului I. Al patrulea stil este sofisticat și exuberant, combinând construcțiile arhitecturale promițătoare ale celui de-al doilea stil cu decorațiunile ornamentale ale celui de-al treilea stil.
Partea ornamentală a picturilor capătă caracterul unor compoziții arhitecturale fantastice, iar picturile situate în părțile centrale ale pereților au un caracter spațial și dinamic.
Gama de culori este de obicei variată. Intrigile picturilor sunt în mare parte mitologice. Multitudinea de figuri iluminate neregulat, înfățișate în mișcare rapidă, sporesc impresia de spațiu. Al patrulea stil pictura rupe din nou planul peretelui, extinde limitele camerei.
Maeștrii celui de-al patrulea stil, creând picturi murale, înfățișează pe pereți un portal magnific magnific al palatului, sau picturi narative, alternând cu „ferestre” prin care sunt vizibile părți ale altor structuri arhitecturale.
Uneori, pe partea superioară a peretelui, artiștii pictau galerii și balcoane cu figuri umane, parcă s-ar uita la cei prezenți în cameră. Pentru pictura în acest stil, selecția de vopsele a fost, de asemenea, caracteristică. Mai ales în acest moment reprezintă compoziții cu acțiuni dinamice sau ascuțite
La Pompei s-au păstrat picturi murale și un spirit pur roman. De exemplu, pe Calle de la Abundancia, la intrarea în atelierul vopsitorului Verecundo, pe peretele exterior era un tablou realizat cu precizie și scrupulozitate, care înfățișează toate procesele vopsitorului și ale asistenților săi. Un exemplu al celui de-al patrulea stil este pictura palatului lui Nero din Roma (Casa de Aur), a cărei decorare pitorească a fost regizată de artistul roman Fabullus.
A fost cel mai somptuos stil, îmbinând arhitectura fantastică și iluzionistă a celui de-al doilea stil, panouri false de marmură și elemente ornamentale ale celui de-al treilea stil (Casa Vettii din Pompei, Casa Dioscuri). În această perioadă există exemple maiestuoase de arhitectură cu efect teatral și scenografic care, totuși, refac și combină elemente extrase din stiluri anterioare.
Multe vile pompeiene au fost decorate în acest stil de la reconstrucția după cutremurul din anul 62 d.Hr. Un exemplu de ele este Casa Vettii, împodobită cu scene din viața cotidiană (de ex. luptă între cocoși) și, mai presus de toate, scene cu un subiect mitologic.
Originalitatea picturii murale romane din secolele II-III
După dispariția Pompeii, Herculaneum și Stabiae în anul 79 d.Hr. Este foarte greu de urmărit calea dezvoltării picturii romane antice, întrucât monumentele datând din secolele II-IV sunt foarte puține. Putem spune cu siguranță că pictura murală în secolul al II-lea a devenit mai răspândită. Spre deosebire de al patrulea stil decorativ, unde s-a creat iluzia unui spațiu mare, planul peretelui este acum subliniat. Peretele este interpretat liniar de arhitecturi individuale.
Pe langa pictura la decorarea camerei, s-au folosit diverse tipuri de marmura precum si mozaicuri amplasate atat pe podea, cat si pe pereti. Un exemplu este pictura vilei împăratului Hadrian de la Tivoli, lângă Roma. La sfârșitul secolului al II-lea și prima jumătate a secolului al III-lea, tehnicile de pictură decorativă au fost simplificate și mai mult.
Planul peretelui, tavanului, suprafeței de boltă a mormântului a fost împărțit prin dungi întunecate în dreptunghiuri, trapeze sau hexagoane, în interiorul cărora (ca într-un cadru) a fost pictat un cap masculin sau feminin sau un motiv. plante, păsări și animale.
În secolul al III-lea s-a dezvoltat un mod de pictură, care se caracterizează prin traze care subliniază doar volumele principale și urmăresc forma plastică. Riduri dense întunecate, ochi bine definiti, sprâncene, nas. Părul era de obicei tratat în vrac. Cifrele sunt schematice. Acest stil a devenit deosebit de popular atunci când pictați catacombe creștine și morminte romane.
La sfârșitul secolului al III-lea mozaicurile sunt deosebit de populare. Figurile mozaice se disting prin rigiditatea ipostazei, desenul liniei faldurilor de îmbrăcăminte, locația schemei de culori și planul general al formei. Fețele personajelor reprezentate sunt lipsite de trăsături individuale.
Era obișnuit ca nobilimii să aibă pereții vilelor și caselor private decorați și de aceea majoritatea dovezilor picturale care au ajuns până la noi derivă din acest context. Foarte importantă pentru pictura romană a fost influența greacă, derivată din cunoașterea sculpturilor și picturii grecești, dar mai ales din răspândirea pictorilor greci la Roma. Din sfera elenistică, pictura romană a moștenit nu numai teme decorative, ci și naturalețe și realism reprezentativ.
Portrete funerare Fayum
Alături de pictura romană și cu clopot, se numără celebrele Portrete Fayum (secolul I î.Hr. – secolul III d.Hr.) care sunt o serie de tăblițe egiptene asemănătoare portretelor care au fost așezate defunctului în timpul înmormântării. Subiecții au fost înfățișați vii, cu un puternic realism al fețelor, reprezentate frontal și adesea pe un fundal neutru. Caracteristic acestor tablete este o vivacitate picturală excepțională.
Un caz exemplar de integrare între diferite culturi, acest grup de picturi este cunoscut sub numele de Portrete Fayum datorită locului în care au fost găsite. Există aproximativ șase sute de portrete funerare, realizate pe scânduri de lemn cu tehnica encaustică sau tempera între secolele I și III, și păstrate în stare excelentă datorită climei uscate a locului. Populația care locuia aici era de origine greacă și egipteană, dar era deja puternic romanizată în utilizările sale, adaptându-le la propriile tradiții.
Acest tip de pictură pe masă este un adevărat tablou al defunctului și face parte din riturile funerare locale: costul putea fi și foarte mare întrucât portretul putea fi decorat cu frunze de aur pentru a imita bijuterii și obiecte prețioase, era așezat între bandajele mumiei pentru câteva zile în timpul expunerii cadavrului acasă înainte de înmormântare.
Rit egiptean, obicei grecesc, dar stil roman: această comunitate a fost afectată de arta romană și i-a copiat temele și tendințele; toate portretele au un fundal neutru, dar sunt foarte plauzibile în redarea trăsăturilor faciale și a detaliilor de îmbrăcăminte și coafuri.
În această producție se regăsesc personaje recurente care au fost răspândite și la Roma: ochii mari, privirea fixă și simplificarea volumetrică (anularea planurilor de contur și a corpului) se regăsesc și în unele portrete romane din perioada Severă și la scurt timp după.
Ca prim exemplu de pictură biblică pot fi clasificate picturile lui Dura Europos (Siria), datând din prima jumătate a secolului al III-lea. Invenția noii iconografii creștine se arată aici ca fiind puternic influențată de tradiția iconografică elenistico-evreiască: primele ilustrații creștine extrag, de fapt, elemente și iconografie din repertoriul evreiesc și păgân, înzestrându-le cu un nou sens religios.
Având în vedere afinitățile iconografice și stilistice apropiate, se crede că artiștii lucrau simultan pentru clienți păgâni și creștini. Realismul care caracterizase întotdeauna pictura romană s-a pierdut încet în antichitatea târzie când, odată cu răspândirea artei provinciale, formele au început să fie simplificate și adesea simbolizate.
Este apariția picturii creștine timpurii, cunoscută mai ales prin picturile catacombelor care combină scene biblice, decorațiuni, figuri dintr-un context încă păgân și un repertoriu bogat de simboluri care fac aluzie la figuri și conținut creștin (de exemplu, peștele , Ciobanul cel bun). Cele mai cunoscute exemple provin din catacombele Priscila, Callisto și SS. Pietro și Marcellino (Roma).
Mozaicul roman
Pe lângă mozaicul lui Alexandru, scene mai mici, în mare parte pătrate, compuse din pietre multicolore, au fost găsite la Pompei și au fost încorporate ca centru al podelelor mai simplu realizate. Așa-numita emblemata datează din secolul I î.Hr. Mozaicuri elenistice similare au fost găsite pe Delos. Imaginile, care îl au adesea pe Bacchus pe o panteră sau naturi moarte, seamănă cu picturile.
Este diferit cu podelele alb-negru, care au apărut în Italia în secolul I î.Hr. Au fost executate în marmură și aveau motive geometrice, plante și flori stilizate și reprezentări simplificate ale oamenilor și animalelor ca temă și se potrivesc pe deplin arhitecturalului lor. funcţie. Acest mozaic alb-negru, tipic Italiei, s-a dezvoltat cu adevărat abia în secolul al II-lea d.Hr., în special în Ostia, unde s-au realizat compoziții mari de creaturi marine.
În nord-vestul imperiului s-au alăturat inițial tradiției alb-negru a Italiei, dar de la mijlocul secolului al II-lea d.Hr. oamenii au început să folosească din ce în ce mai multă culoare. Împărțirea în suprafețe pătrate și octogonale, pe care erau aranjate diferite imagini, era populară acolo.
Arta mozaică a înflorit în Africa de Nord, unde mari scene mitologice și scene din viața de zi cu zi au fost înfățișate în multe culori pe etaje (vila Piazza Armerina din Sicilia). În Antiohia se păstrează și mozaicuri policrome. În secolul I d.Hr., mozaicurile de perete erau folosite în principal acolo unde pictura era mai puțin potrivită (de exemplu, pe clădirile de puțuri). Mozaicurile de perete și bolți din secolele II și III s-au pierdut aproape complet.
Mozaicul de perete s-a dezvoltat pe deplin doar în bisericile creștine (sec. IV). Pe lângă mozaic, s-a folosit și o tehnică numită opus sectile, în care figurile și motivele erau alcătuite din piese mari tăiate din diferite tipuri de marmură. Această tehnică a fost folosită nu numai pentru podele, ci și pentru pereți.
Curiozități
- Potrivit lui Pliniu, culorile erau împărțite în „înflorate” (minium, armenium, cinnabaris, chrysocolla, indicum și purposum) care trebuiau achiziționate direct de client și „austere”, care în schimb erau incluse de artist în prețul final. a lucrării și includea în general ocru galben și roșu, pământ și albastru egiptean
- S-a descoperit că în Vila Imperială din Pompei picturile de pe coridoare, toate aparținând celui de-al treilea stil, fuseseră restaurate cu câțiva ani înainte de erupție și la numai cincizeci de ani de la construirea acesteia, ceea ce demonstrează marea valoare deja atribuită în antichitate.
- Natura reprezentată în pictura romană este întotdeauna și numai cea a grădinilor: în mentalitatea vremii natura spontană era combinată cu obiceiurile barbare și cu absența civilizației, singurele reprezentări tolerate sunt cele ale animalelor sălbatice în scenele de vânătoare mitologice.
- În secolul al XV-lea, la Roma, a fost descoperită accidental o „peșteră” cu pereți complet pictați: era Domus Aurea a împăratului Nero. Pictorul de curte Fabullus sau Amulius din 64 până în 68 d.Hr. lucrează în Domus Aurea, pictând în frescă majoritatea încăperilor în stilul al patrulea pompeian.
colorate
Culorile au fost realizate cu pigmenți de origine vegetală sau minerală, iar Vitruvio în De Architectura vorbește despre un total de șaisprezece culori dintre care două organice, cinci naturale și nouă artificiale. Primele sunt negre, obținute prin calcinarea rășinii cu bucăți de lemn rășinos sau tescovină arse la cuptor și apoi legate cu făină, și violet, derivat din murex, care era folosit mai mult în tehnica călirii.
Culorile de origine minerală (alb, galben, roșu, verde și tonuri închise) au fost obținute prin decantare sau calcinare. Decantarea este o tehnică de separare care constă în separarea a două substanțe dintr-un amestec solid-lichid prin forța gravitațională (în practică, solidul se depune pe fundul unui recipient până când tot lichidul de deasupra se limpezește).
Calcinarea este un proces de încălzire la temperatură ridicată care se continuă atâta timp cât este nevoie pentru a îndepărta toate substanțele volatile dintr-un compus chimic și a fost folosit din cele mai vechi timpuri pentru producerea pigmenților de vopsea, inclusiv cerulean. Cele nouă artificiale au fost obținute din compoziția cu diverse substanțe iar dintre acestea cele mai utilizate au fost cinabru (roșu vermilion) și cerulean (albastru egiptean).
Cinabrul, de origine mercurială, era greu de aplicat și întreținut (se întuneca la expunerea la lumină) și era foarte scump și foarte căutat. A fost importat din minele de lângă Efes în Asia Mică și din Sisapo din Spania. Ceruleanul a fost făcut din nisip nitro-fleur zdrobit amestecat cu pilitură umedă de fier care au fost uscate și apoi arse în pelete.
Această culoare a fost importată la Roma de un bancher, Vestorius, care a vândut-o sub numele de Vesterianum și a costat aproximativ unsprezece denari. Legea stabilea ca clientul a furnizat culorile „inflorate” (cele mai scumpe) in timp ce culorile „austere” (cele mai ieftine) erau incluse in contract. Atelierul, poate, era alcătuit dintr-un maestru cu asistenții săi.
Acești meșteri foarte apreciați au intrat în instrumentul magazinului, iar când magazinul a fost vândut altor proprietari, și ei, împreună cu uneltele de lucru (nivelă, plumb, pătrat etc.) și uneltele, au schimbat mâna proprietarului. Munca lui a început în zori și s-a încheiat la amurg și, deși lucrările sale au fost vizitate și admirate, nu au fost luate în considerare.
Iată câteva link-uri de interes: