Accentul este pus pe sentimente și emoții în interiorul Pictura romantismului. Există mult loc pentru intuiția și imaginația artistului. Acest lucru a dus uneori la opere de artă extraordinare, cu o atmosferă poetică nuanțată de sentimentalism.
pictura romantismului
La sfârșitul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea, cultura europeană și, inclusiv americană, a cunoscut o naștere complet diferită de perioada gândirii și filozofiei iluministe - etapa romantismului. Infiltrăndu-se treptat din Germania în cultura și arta Angliei, Franței, Rusiei și a altor țări europene, romantismul a îmbogățit lumea artei cu noi culori, povești și îndrăzneala nudului.
Caracteristicile generale ale Romantismului
Romantismul a început ca o mișcare literară în Germania, Anglia și Franța. La sfârșitul secolului al XVIII-lea (secolul Rațiunii), oamenii s-au săturat de gândirea raționalistă a iluminismului și de clasicismul academic, în care au încercat constant să imite vechii clasici.
În romantism, artistul nu a mai fost un imitator al artei clasice, ci a devenit el însuși creator. A lucrat dintr-un sentiment personal. Arta a devenit „expresia personală a emoției individuale”. În această atitudine față de viața din secolul al XIX-lea, experiența individului a fost punctul de plecare. Dintr-o viziune negativă asupra timpului propriu cu industrie, raționalism și materialism, trecutul a fost privit într-un mod ideal.
Acest sentiment era considerat superior bunului simț, deoarece romanticul trăia nemulțumit de societate: a fugit de aici și acum în alte culturi, în trecut, în basme sau în natură. Cu melancolie oamenii doreau să se întoarcă în Evul Mediu, la ideea că viața era încă pură și autentică pe atunci.
În artele plastice, apogeul romantismului a fost între 1820 și 1850. În multe țări europene a avut loc o renaștere a interesului pentru miturile, saga, basmele și legendele propriei țări și pentru literatura care exaltă trecutul glorios. În Anglia, Sir Walter Scott a scris peste treizeci de romane istorice, dintre care unul a fost Ivanhoe. În Franţa, Victor Hugo a scris Notre Dame de Paris, o poveste medievală în care Quasimodo, cocoşatul, are rolul principal.
Au fost traducerile O mie și una de nopți, o serie de povești orientale. Compozitorii s-au inspirat din cântece populare, balade și legende din trecut. Franz Schubert a compus nu mai puțin de șase sute de Lieder romantici. Ludwig van Beethoven a ales natura ca punct de plecare pentru Pastorala sa. În romantism, armonia era văzută în natură, legile naturale erau un exemplu. Scriitorul german Goethe a dezvoltat o metodă de studiu a naturii bazată pe percepție.
Goethe a fost foarte influent și prin teoria sa culorilor, care a luat drept punct de plecare contrastele complementare, în special albastru și galben cald. Melodrama a predominat în baletele romantice și în teatru. Cu cât o reprezentație mai teatrală, cu costume exagerate și decoruri fantastice, cu atât era mai apreciată.
Mulți artiști au fugit cu temele lor în trecut sau viitor, în exotism, în fantezie, în natură „sălbatică”, nealterată, sau au adăpostit un dor romantic pentru o iubire imposibilă. Artiștii romantici fug uneori literalmente de realitate ca dor de moarte, ca eliberare de suferință.
Toate aceste teme au fost abordate subiectiv de către artist, presupunând că sentimentul sau ideea individuală evocă sentimente și idei universale. Artistul era văzut ca un mare preot al superiorului sau supranaturalului, ca un cunoscător al sublimului. Cu imaginația sa, doar artistul a reușit să transforme sentimentele personale în artă, o experiență intensă de viață interioară.
Chiar și precursorii romantismului (Johann Heinrich Füssli și Francisco de Goya și scriitorii mișcării literare Sturm und Drang) s-au referit la sentimente ca la o sursă de experiență estetică, deși nu excludeau oroarea și teroarea, precum și admirația și uimirea. , și, prin urmare, co-fondatorul „Romantismului negru”.
Imaginația individuală, sublimul și frumusețea naturii au fost discutate ca noi categorii estetice. În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, realismul contrastează cu romantismul.
istorie
Când vorbim de romantism vorbim de o perioadă istorică de la 1815 la 1848 în care întreaga societate este prinsă de un vânt care bate deja de la sfârșitul secolului al XVIII-lea și va continua să sufle în secolul următor și care subliniază noile valori sociale.
Cu siguranță în spiritul secolului al XVIII-lea conținea deja elementele identificatoare ale romantismului, dar din ceea ce obținem din scrierile vremii, acestea erau considerate valori negative, atât de mult încât erau identificate ca un simptom al tulburărilor psihice atribuibile „Răul secolului” descris rapid de medicul și filozoful francez La Mettrie (1709-51) în „De la folie”.
Printre marii precursori ai mișcării romantice se numără Francisco de Goya, care, depășind ideile neoclasice răspândite, a accentuat gustul figurativ al secolului al XVIII-lea pentru a obține o nouă libertate expresivă tipică romantismului, din care a anticipat cu curaj cele mai întunecate motive fantastice.
Romantismul, ca fenomen social, a fost inițial teoretizat în Germania, dar a avut efecte mai ample în Franța, unde normele de comportament social erau atât de puternice încât artiștii romantici trăiau singuri, asupriți de un profund sentiment de disconfort și vinovăție.
În pictura romantismului se referă la tendințele culturale și filozofice, a fost relevantă în America și statele europene în secolele al XVIII-lea, al XIX-lea și al XX-lea. Genul a apărut în Germania, s-a manifestat inițial în literatură, apoi a trecut în pictură și s-a răspândit în Anglia, a afectat Franța, Spania și alte câteva țări din Europa și America.
Epoca romantismului se încadrează în perioada istorică dintre Revoluția Franceză din 1789 și revoluțiile burghezo-democratice europene din 1848, moment de cotitură în viața popoarelor europene.
Creșterea rapidă a capitalismului a subminat bazele sistemului feudal și peste tot relațiile sociale, menținute de secole, au început să se prăbușească. Revoluțiile și reacțiile au zguduit Europa, harta a fost redesenată. În aceste condiţii contradictorii a avut loc reînnoirea spirituală a societăţii.
Romantismul s-a dezvoltat inițial (1790) în filozofie și poezie în Germania, iar mai târziu (1820) s-a răspândit în Anglia, Franța și alte țări. Romantismul pune la baza percepției vieții conflictul dintre ideal și realitate, sentimente înalte și viața de zi cu zi.
Genul picturii romantismului s-a format treptat, inițial a apărut un ideal eroic romantic. Spre sfârșitul secolului al XIX-lea, tendința a început să se manifeste. Obiective și dogme principale: accent pe spontaneitate, încredere în cei mai buni dintre oameni și căutarea dreptății. Stilul romantismului se caracterizează prin predominarea temelor mitologice, idealizarea vremurilor trecute, respingerea dogmelor trecutului și viziunea rațională și imaginile lirice.
Fiecare artist a văzut genul de romantism în pictură în felul său, așa că tema, stilul și detaliile sunt semnificativ diferite. Caracteristicile deosebite ale regiei au contribuit la deschiderea mai multor școli, printre care: Școala Norwich de Pictori Peisagistici, Școala Barbizon etc. La fel, stilul a avut o anumită valoare în manifestarea simbolismului și a esteticismului, iar datorită contribuției celor mai influenți artiști s-a format mișcarea prerafaelită.
Romantismul în artele vizuale s-a bazat în mare parte pe ideile filozofilor și scriitorilor. În pictură, ca și în alte forme de artă, romanticii erau atrași de tot ce este neobișnuit, necunoscut, fie că este vorba de țări îndepărtate cu obiceiurile și îmbrăcămintea lor exotică (Delacroix), lumea viziunilor mistice (Blake, Frederick, prerafaeliți), magie. , visele (Runge) sau subconștiința adâncurilor întunecate (Goya, Füssli).
Moștenirea artistică a trecutului a devenit o sursă de inspirație pentru mulți artiști: Orientul Antic, Evul Mediu și Proto-Renașterea (nazarinean, prerafaeliți). Spre deosebire de clasicism, care lăuda puterea clară a rațiunii, romanticii cântau sentimente pasionale și furtunoase care au captat întreaga persoană.
Primii care au răspuns noilor tendințe au fost portretul și peisajul, care devin genurile preferate ale picturii romantismului.
Înflorirea genului portretului a fost asociată cu interesul romanticilor pentru individualitatea umană strălucitoare, frumusețea și bogăția lumii lor spirituale. Viața spiritului uman primează într-un portret romantic asupra interesului pentru frumusețea fizică, în plasticitatea senzuală a imaginii. Un portret romantic (Delacroix, Gericault, Runge, Goya) dezvăluie mereu unicitatea fiecărei persoane, transmite dinamică, palpitantă intensă a vieții interioare, pasiune rebelă.
Romanticii sunt interesați și de tragedia unui suflet frânt: eroii lucrărilor sunt adesea bolnavi mintal. Romanticii cred că peisajul este întruchiparea sufletului universului; natura, ca și sufletul uman, apare dinamică, în continuă schimbare.
Peisajele ordonate și înnobilate caracteristice clasicismului au fost înlocuite cu imagini de natură spontană, recalcitrantă, puternică, în continuă schimbare, corespunzătoare confuziei sentimentelor eroilor romantici.
Caracteristici și tendințe
Pe parcursul unei bune părți a secolului al XVIII-lea, curentul neoclasic a dominat pictura, inspirat în principal de dictate de ordine, echilibru, raționalitate și claritate. Pentru pictorii vremii, subiectul reprezentat capătă o importanță fundamentală, care este catalogat de obicei după criterii de relevanță și genuri din ce în ce mai puțin minore.
Cu toate acestea, în mijlocul perioadei romantice, asistăm la denaturarea a tot ceea ce a afectat dictatele artistice neoclasice în beneficiul unor tendințe complet noi. De fapt, pictura devine un teren fertil pentru irațional, pentru sentimente, pentru pasiune, pentru energie, pentru absolut și mister.
În special, pictorul încetează să mai joace un rol social prestabilit legat de anumite protocoale artistice și devine un burghez simplu și comun ca mulți care intenționează să facă din creativitate și imaginație propria figură artistică.
Adică pictorul începe să indice individualismul, expresia spontană și liberă a propriului geniu creator. În această perspectivă, așadar, orice regulă și convenție este absolut interzisă în etapa de creație pentru a da frâu liber subiectivității pictorului.
Cu toate acestea, în epoca romantică, nu doar regulile picturale s-au schimbat, ci și scopul artistic. Dacă în plin neoclasicism, de fapt, fiecare operă este purtătorul de cuvânt al unui scop didactic, al unui scop educativ, în perioada romantică (cum am subliniat mai înainte) opera de artă este o simplă expresie a interiorității pictorului care nu mai punctează. la imitarea naturii înconjurătoare ci la reprezentarea conflictului cu societatea, a eului împotriva naturii în afara ei.
Din acest punct de vedere, subiectul pictural încetează să mai joace un rol preponderent deoarece ceea ce transmite cu adevărat mesajul artistic devine modul ales de portretizare. În Anglia, de exemplu, pictura romantică era în principal peisaj, dar nu avea detalii înnobile.
Peisajul este reprezentat așa cum apare, fără bibelouri sau convenții ca în picturile lui Constable sau încărcat cu dramatism, cu o forță evocatoare puternică, ca în lucrările lui Turner, în care sunt incluse și elemente de modernitate, precum trenul, mașina, rapid dar inserate în contexte neclare, dinamice, tensionate.
În Germania, pe de altă parte, pictura își îndreaptă privirea către obiective mai filozofice și religioase, ca în picturile lui Caspar David Friedrich, de exemplu, în care tema romantică își croiește drum concentrându-se pe angoasa omului, singurătatea, melancolie exprimată datorită folosirii unei naturi goale și simbolice.
În Franța, pictura romantismului capătă putere, este încărcată de violență, luptă, tensiune dramatică, toate elementele dezvoltate de Géricault în tabloul „Plota Medusei”, în care se pune în scenă un naufragiu într-unul dintre cele mai dramatice momente.
Spiritul picturii romantismului
Spiritul romantic respinge disciplina academică în favoarea unei reveniri regenerative la ceva mai vechi și mai liber, mai personal și mai exotic. Descoperirea Herculaneumului și Pompeii în secolul al XVII-lea trezise în artiști un sentiment de nostalgie pentru trecut care i-a determinat să redescopere și să-și reapropie formele noi și vechi de expresie.
Idealul plastic mediteranean, întruchipat de eroul grec sau roman, a fost înlocuit treptat de un gust pentru civilizațiile nordice, germanice, engleze, scandinave și scoțiane. Pictura este arta figurativă prin excelență a romantismului și capătă fațete foarte diversificate în funcție de teritoriul în care s-a dezvoltat.
sentimente naționaliste
Revoluția franceză, care a apărut în urma iluminismului, a fost fundalul romantismului. Născut din idealul iluminist, „libertatea, egalitatea și fraternitatea” a oferit și o bază pentru emoțiile eroice și șovine. Romantismul a declanșat sentimente naționaliste, în care țara, limba și istoria și normele și valorile tradiționale erau glorificate.
În procesul de formare a națiunii și a statului din secolul al XIX-lea, naționalismul a apărut și ca ideologie politică. Conținutul operelor de artă a comparat aceste sentimente naționaliste cu trecutul mitologic istoric sau fictiv. Momentele artistice ale acelui trecut național au primit multă atenție și în muzee.
Deși pictorii romantici se întorc adesea în timp, Eugène Delacroix a portretizat revoluția din 1830 în același an. Revoluționarii sunt conduși de Marianne, simbolul național al Franței.
Ca o alegorie a libertății, are în mână steagul francez și o pușcă. Delacroix nu a dat picturii un strat de lac, astfel încât texturile prăfuite și vaporii de praf sunt mați pe pânză. Lipsa unui strat strălucitor face performanța mai realistă.
În ciuda luptei artiștilor de a determina ei înșiși conținutul operei lor, a persistat și cererea de lucru în stil clasic. În ciuda Revoluției Franceze, pictorii academicieni puteau încă să trăiască pictând imagini mitologice și religioase. În timpul Revoluției Franceze, bisericile au avut de suferit, dar aproape toate regimurile franceze au menținut apoi legături cu biserica.
Nici nu au vrut să rănească sentimentele religioase ale majorității populației. Pictori tradiționali și conservatori, cum ar fi Delaroche, Lourens Alma Tadema și Bouguereau, au răspuns cererii de picturi religioase și mitologice în tradiția academică.
Locuri exotice
Secolul al XIX-lea a fost secolul expansiunii. Ceea ce la început părea îndepărtat s-a apropiat mai mult datorită trenului și a navelor cu aburi. Expozițiile mondiale au prezentat artă și industria de pe continente „străine”. Colonialismul a adus în Europa lumile exotice și „primitive”. Orientalismul și exotismul în artă au apărut în urma colonialismului și a târgurilor mondiale.
Picturile academice ale lui Lawrence Alma-Tadema, cum ar fi „Moartea întâiului născut”, au fost fascinate de subiectul exotic al descrierii. Alma-Tadema a lucrat în stilul clasic tradițional, dar spectacolele ei au alimentat imaginația romantică și exotică. Artiștii au făcut multe studii și schițe în călătoriile lor, văzute anterior ca studii preliminare nesemnificative.
În pictura romantismului, schița a devenit o expresie spontană a artei, în care era vizibilă caligrafia personală a artistului.
Spiritul războinic, care a crescut odată cu ambițiile imperiale ale lui Napoleon, a predominat în conștiința multor artiști. Mișcarea armatelor a dus la schimburi între diferite civilizații, aprofundând cunoașterea reciprocă, au fost apreciate stilurile caracteristice fiecărei țări.
Campaniile napoleoniene din Orientul Mijlociu au trezit interes în civilizațiile arabe și evreiești, iar pictori precum Gross și Auguste au început să colecteze obiecte orientale, bijuterii și covoare, care au trecut în limbaj pictural datorită lui Ingres, Delacroix și Chassériau.
Pictură romantică în diferite țări
Profunzimea propriilor experiențe și gânduri personale este ceea ce pictorii transmit prin imaginea lor artistică, care este realizată din culoare, compoziție și accente. Diferite țări europene au avut propriile lor particularități în interpretarea picturii romantismului. Toate acestea sunt legate de curentul filosofic, precum și de situația socio-politică, la care arta a fost singurul răspuns viu. Pictura nu a făcut excepție.
Pictura figurativă în romantism capătă fațete foarte diversificate în funcție de teritoriul pe care se dezvoltă. Printre marii precursori ai mișcării romantice s-a numărat și Francisco Goya în Spania. În Franța și Anglia, interesul pentru trecutul național recent a reapărut, favorizând o schimbare în designul decorațiunilor și accesoriilor, până la crearea „Stilului Trobadour”.
Acest gust a apărut încă din 1770, favorizat în Franța de seria de statui comandate de contele d'Angiviller, care comemorau francezi iluștri. Poeziile lui Milton și redescoperirea pieselor lui Shakespeare au jucat același rol în stimularea întoarcerii la gloriile trecute.
Romantismul german în pictură
Pe teritoriul Germaniei, stilul s-a manifestat mai devreme, artiștii s-au străduit să idealizeze trecutul - Evul Mediu. Lucrările au fost adesea contemplative și pasive, aderând la romantismul specializat în peisaje și portrete. Printre altele, a subliniat Otto Runge, pânzele sale îmbină tensiunea vieții interioare menținând în același timp calmul în manifestările exterioare.
Runge a desenat scene cu animale sălbatice folosind culori vii, în timp ce creaturi de altă lume erau adesea prezente. A studiat activ informațiile despre redarea culorilor, a scris tratate pe această temă, a împărțit spectrul în părți și a reușit să obțină un mare succes în transmiterea culorilor și a luminii. În pânzele sale fantastice, a reușit să obțină un sentiment de spațiu și aer.
Pictura romantismului deplin al secolelor XIX și XX a fost reflectată în opera lui Caspar David Friedrich, care s-a specializat în lucrări în stil peisagistic. A ales munții din sudul Germaniei ca principală temă a creativității sale. Talentul artistului i-a permis să transmită farmecul zonei, combinat cu transparența melancolică a litoralului. A pictat adesea peisaje la lumina moderată a lunii.
Tema mitologică a fost apropiată de mulți artiști, în special, se remarcă predominanța romantismului în pictura lui Carstens.
A creat desene care însoțesc diverse cărți, a pictat reședințe regale. Deja în timpul muncii sale la Roma, el a scris activ în regie, combinând-o adesea cu neoclasicismul. Artistul a reușit să reflecte sentimente ascunse, dramă. În multe privințe, direcția artiștilor locali în pictura romantismului german a contribuit la răspândirea în continuare a stilului, reflectând mai mult percepția interioară decât esența reală a lucrurilor.
O ramură este genul de romantism în pictură numit Biedermeier, reflectat în lucrări de cameră, de obicei scene cotidiene. Stilul era tipic picturii romantismului german și austriac, în desene s-a acordat preferință scenelor idilice. Stilul a fost reprezentat de Ludwig Richter, GF Kersting, Ferdinand Waldmüller și alți artiști.
Romantismul englez în pictură
În Anglia s-au distins trei curente artistice: curentul oniric vizionar, curentul sublimului și curentul pitoresc. Exponenții maximi ai fiecăruia dintre ei au fost, respectiv, William Blake, William Turner și John Constable. Poetul vizionar William Blake și-a tras lucrările picturale din imaginile create de poezia sa, strâns legate de creștinism.
John Constable a fost primul care a reînnoit cu culorile sale sentimentul vesel și liber al naturii, inaugurat în secolul precedent de Jean Honorè Fragonard, dar abandonat în epoca neoclasică, sublimând-o. Sentimentul istoriei și plăcerea de a ilustra pitorescul se simte în Anglia, un exemplu este lucrarea Blizzard, în care William Turner îl reprezintă pe Hannibal cu soldații săi trecând Alpii.
În timp ce Thomas Gainsborough a avut timp să descopere magia misterioasă a culorilor cu atingerile lor aproape schematice, fluide, nedeterminate în ceea ce privește academismul și utilizarea unui amestec personal fluid și genial.
Pe teritoriul Angliei, stilul și-a prins perfect rădăcini, pictura romantismului englez este cel mai vizibilă în lucrările lui Johann Heinrich Füssli. A favorizat grafica și pictura, păstrând în temelii romantismul. A reușit să combine idealizarea imaginii în formă clasică cu intrigi fantastice.
Artistul a arătat frici umane, inclusiv teama de spiritele rele care se presupune că sugrumă oamenii în somn. Deși artistul s-a născut în Elveția, și-a petrecut cea mai mare parte a vieții în Anglia.
Datorită viziunii sale asupra romantismului în Anglia, tabloul a căpătat un caracter mistic. Viziuni fantastice și coșmaruri care sunt caracteristice milioanelor de oameni ne privesc din pânze. Multă vreme, subiectul a fost nerostit și datorită lui Füssli au putut dezbate la nivel public. A combinat basmele, folclorul și halucinațiile.
De asemenea, esența romantismului în pictura europeană a fost dezvăluită de William Turner, el a devenit celebru pentru transmiterea luminii în aer și pentru reflectarea umbrelor. O caracteristică este o fantasmagorie, a arătat uragane, furtuni, dezastre. Treptat, nuanțele întunecate au dispărut din lucrările artistului, iar locul principal în ele a fost atribuit luminii și aerului. Reflecta mișcarea, nuanțe și iluminare deosebită.
Un cunoscut reprezentant al picturii romantismului european a fost William Blake, unele dintre lucrările sale au fost influențate de studiul aprofundat al Bibliei, dar arta l-a atras pe artist încă din copilărie. A lucrat în tempera și acuarele, susținând că îi vin viziuni. Văzând lucruri incredibile, și-a reflectat esența în lucrările sale, crezând că toți artiștii lucrează în acest fel.
William Blake a avut succes abia în ultimii zece ani ai vieții sale, când a găsit oameni asemănători și a început să-și vândă lucrarile cu profit. Arta este dominată de imagini feminine, zeități, diverse animale și subiecte non-standard.
John Constable avea un stil de pictură în relief, el a format textura cu linii groase, evitând adesea detaliile. A pictat portrete pentru traiul său și a considerat pictura peisajului chemarea sa, învățând frumusețea naturii și legile culorii înainte de a populariza direcția în rândul impresioniștilor.
Artista a preferat să picteze frumuseți englezești, formând multe schițe pentru a obține și mai multă compoziție. Adesea, schițele aveau o expresie și o energie deosebite, dar până la urmă nu s-au reflectat în lucrarea finită.
De foarte multe ori peisajul a fost pictat cu o părtinire mistică. Deși esența operei este transmisă în stilul romantismului, el a căutat să arate efecte atmosferice, printre care a reușit să atragă umiditatea ridicată, mișcarea mediului. Printre altele, s-au folosit pentru el linii întrerupte, atingeri cu o pensulă cu vopsea ușoară pentru a da efectul de luminozitate.
Constable a arătat furia elementelor, adesea reprezentate cu curcubee, clădiri frumoase, inclusiv catedrale. A știut să adauge detalii în așa fel încât să realizeze un set aparte de nuanțe, să formeze lejeritate și să atragă atenția asupra pânzelor.
Romantismul francez în pictură
În Franța, romantismul în pictură s-a dezvoltat după diferite principii. Viața socială furtunoasă, precum și răsturnările revoluționare se manifestă în pictură prin gravitația pictorilor pentru a înfățișa subiecte halucinante și istorice, de asemenea, cu emoție nervoasă și patos, care s-au realizat prin contrastul orbitor de culori, oarecare haos, expresia mișcărilor. , precum și compoziții spontane.
Primele semne ale unei schimbări de stil pot fi văzute în Franța în anii 1810. În timpul domniei lui Napoleon, Jacques-Louis David a modelat pictura academică cu portrete de stat și picturi de istorie.
Pictura de istorie care începe acum prezintă compoziții idealizate, în mare parte de format mic, din Evul Mediu și Renaștere, denumite stilul trubadur. Conținutul este de obicei intim și anecdotic, dar există și scene foarte dramatice.
Sunt reconstruite viețile unor artiști venerati precum Rafael sau Leonardo da Vinci, precum și cele ale conducătorilor sau personajelor fictive. Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Ingres, Richard Parkes Bonington, Paul Delaroche sunt cei mai importanți artiști de pictură romantică din Franța.
Importantul autor francez, Victor Hugo, s-a dedicat desenului în timp ce scria, literalmente „între două versuri”. Peisajele sale sumbre în sepia (cerneală maro închis) și cerneală neagră reflectă atmosfera romanelor sale fără a se referi la ele în termeni de motiv. Romanticul se regăsește în principal în temele: castele gotice, ruine în descompunere, natură sălbatică, mare zbuciumată cu corăbii etc. André Bretón a apreciat deja munca lui Hugo cu neașteptat, căutarea lui pentru misterios.
William Bouguereau a ales inițial teme mitologice și piese de gen, mai târziu teme religioase. Avea un stil virtuos care a reușit să reproducă frumos senzualitatea pielii și a texturilor. Deși stilul său este foarte academic, cu formele și liniile clare și culorile neoclasicismului, multe reprezentări sunt în concordanță cu sentimentul picturii romantice.
Opera sa ilustrează și evadarea din realitate, evadarea secolului al XIX-lea. Misticismul, contemplarea și dramatismul din opera sa de reprezentări ale sfinților și figurilor mitologice au atras mulți oameni, inclusiv doamnele și domnii portretizați de prerafaeliți ca răspuns la schimbările rapide din societate. Nici pictori precum Dante Gabriel Rossetti nu au vrut să anunțe o revoluție picturală.
Pentru francezi, romantismul înseamnă și sensul vieții moderne și efortul de a înțelege și ilustra astăzi. Clasicismul este astfel abandonat, Eugene Delacroix este liderul picturii romantice franceze: faimoasa sa pictură „Libertatea conduce poporul” este considerată prima parte de natură politică din istoria artei moderne.
stilul trubadur
Stilul poate fi considerat un aspect al romantismului, o versiune picturală a poemelor și romanelor lui Walter Scott și a fost descris ca un „stil în stil”. Populari mai ales în Franța, pictorii acestui curent reprezintă scene inspirate din Evul Mediu și Renaștere, cu haine colorate, aventuri amoroase și isprăvi cavalerești.
Picturile în stil trubadur sunt în general de dimensiuni mici, cu accent pe detalii. Mulți artiști importanți s-au confruntat cu acest stil, de exemplu Jean-Auguste-Dominique Ingres în Moartea lui Leonardo da Vinci (1818, Petit Palais, Paris).
Artiști de pictură romantică
Romantismul a fost pe deplin exprimat în pictură. Văzute la nivel internațional, câteva icoane picturale tipice ale „epocii romantice” 1790-1850 au fost: pictorul german Caspar David Friedrich, englezul John Constable și pictorul francez Eugène Delacroix. Diferențele dintre ei arată cât de diversă a fost cu adevărat mișcarea Romantismului.
Eugene Delacroix 1798–1863
Delacroix a lăsat un corp extins de lucrări, a realizat sute de picturi, acuarele, picturi murale, desene, litografii și gravuri. Făcând acest lucru, el a ales adesea reprezentări cu un conținut emoțional sau dramatic, înfățișând evenimente istorice, mitologice și literare. A reușit să-și dramatizeze spectacolele cu contraste puternice de lumină-întuneric. Spre deosebire de pictorii academicieni ai neoclasicismului, Delacroix sa concentrat nu pe forme și linii „mișto”, ci pe culoare și atmosferă.
Deși compozițiile lui Delacroix sunt gândite în detaliu, efectul culorii a fost important pentru el, a discutat despre asta cu Constable și Turner. În călătoriile sale în Maroc, a realizat, printre altele, numeroase schițe și acuarele.
Delacroix a ales și teme exotice, inspirate în principal de călătoriile sale în Africa de Nord. În 1824 a făcut furori cu pictura sa de patru metri înălțime Masacrul din Chios. Subtitlul era: Scena unei crime în masă în Chios; Familii grecești care așteaptă moartea sau sclavia.
În ea a descris un masacru oribil care avusese loc pe insula Chios cu doi ani mai devreme. În plus, cincizeci de mii de greci au fost uciși de turcii otomani și tot atâtea au fost luați ca sclavi. Delacroix, care cunoștea bine Pluta Medusei a lui Géricault pentru că fusese un model pentru aceasta, a construit în mod similar compoziția cu figuri stivuite în triunghiuri. Datorită acestui tablou, Delacroix a fost rapid văzut ca cel mai important pictor al epocii romantice.
În 1827, Delacroix a expus piesa istorică Moartea lui Sardanapalus, povestea unui antic monarh asirian. După ce palatul său a fost asediat, se spune că acest sultan și-a ucis haremul și caii, iar bunurile lor au ars înainte de a se sinucide. Tabloul înfățișează execuțiile dramatice ale celor care nu ar bea otravă, cu un contrast profund complementar între roșul cald și umbrele întunecate din care deja se ridică fum.
Théodore Gericault 1791–1824
Și în Géricault, linia și forma austeră, atât de caracteristice neoclasicilor, au dispărut. A tratat întrebările vieții prin teme istorice, dar a privit și realitatea cotidiană. Cea mai faimoasă pânză a lui Géricault, Pluta Medusei, se bazează pe o poveste adevărată.
Géricault a evidențiat cel mai dramatic moment din aceasta: în momentul în care pluta este pe cale să se scufunde și aproape toți oamenii de la bordul Medusa au murit, unii descoperă o navă la orizont. Aceasta este nava care i-a salvat pe acești supraviețuitori.
Francisco Goya 1746–1828
Ca pictor de curte, Goya a pictat portrete ale familiei regale spaniole. Goya a trăit multă sărăcie în tinerețe, iar pentru observatorul aprins se poate vedea din aceste portrete că încă nutrenea suspiciuni asupra aristocrației. El a arătat, de asemenea, teama de război, opresiune și violență în gravuri și picturi cu reprezentări înfiorătoare.
Poporul spaniol s-a răsculat după 1808 împotriva trupelor franceze ale lui Napoleon, care au comis atrocități teribile în timpul ocupației. În Spania a urmat un haos violent. Aceste evenimente teribile au determinat opera lui Goya până în 1815. Cea mai cunoscută lucrare din această perioadă este 3 mai 1808, care arată execuția civililor.
Goya a portretizat pe bune și disperarea în seria de picturi negre. În ultimii ani ai vieții sale, fantezia a jucat un rol important, imaginile sale de fantezie întunecată reprezintă latura depravată a omului. Goya ocupă un loc aparte, ca curtean și portretist a trebuit să se adapteze puțin la elită, dar și-a lăsat consemnat și dezgustul față de comportamentul omului. Opera lui Goya s-a legat, așadar, de barocul târziu, dar a anunțat și pictura romantismului.
Dante Gabriel Rossetti 1828-1882
În 1848, câțiva artiști englezi au fondat Frăția Prerafaelită. Unul dintre artiștii din acest grup a fost Dante Gabriel Rossetti. Au vrut să se întoarcă la natură și să se distanțeze de arta academică. Pictura italiană timpurie înainte de Rafael (pre-Rafael) a fost inspirația pentru pictura sa. Gândiți-vă la pictori precum Botticelli, Titian și Giorgione.
Scopul prerafaeliților a fost acela de a crea o lume mai bună prin oprirea mecanizării în curs care a cuprins Anglia victoriană. Elementele religioase și sociale au jucat un rol important în opera sa.
Caspar David Friedrich 1774-1840
Caspar David Friedrich a fost, în pictură, cel mai important interpret al spiritului romantic german. În lucrările sale, pictorul exprimă singurătatea, melancolia, angoasa omului în fața unei naturi arcane și simbolice, care nu dezvăluie secretul morții. Natura este reprezentată de Friedrich în toată infinitul ei, parcă ar exprima sentimentul de neputință al omului, o ființă finită, în fața naturii, o manifestare infinită.
Adjectivul folosit adesea pentru a explica romantismul german rezidă în termenul Sehnsucht, care poate fi tradus ca „dorință de dorință” sau „rău de dorință”, un sentiment de neliniște continuă și tensiune emoționantă, un sentiment care afectează subiectul și el împinge spre depășește limitele realității pământești, apăsătoare și sufocante, pentru a se refugia în interiorul sau într-o dimensiune care depășește spațiu-timp.
Francesco Hayes 1791-1882
În Italia, cel mai mare reprezentant al picturii romantice a fost venețianul Francesco Hayez, un cunoscut portretist și principalul interpret al picturii de istorie din Italia. Tema istorică a fost pentru Hayez mijlocul de a transmite faptele și aspirațiile Risorgimento.
Spre deosebire de Delacroix, care a descris evenimentele politice actuale din țara sa natală, Hayez și-a extras temele din episoade din istoria italiană trecută (în special medievală), cărora le-a atribuit valoarea metaforelor actuale. Opera sa Il bacio este considerată manifestul artei romantice italiene.
Joseph MallordWilliam Turner 1775-1851
Englezul Joseph Mallord William Turner este unul dintre cei mai originali artiști ai timpurilor moderne. Turner a început să coloreze ochiuri și a studiat la Academia Regală din Londra începând cu 1789. Inițial, a fost interesat de pictura peisajului.
În timpul călătoriilor sale în Anglia și Țara Galilor, a realizat desene și acuarele vechi castele, catedrale și peisaje de coastă. Primele sale picturi în ulei le-a creat în 1796. În anii următori a creat peisaje și peisaje marine, pe care le-a crescut adesea la ireal cu figuri mitologice și motive dramatice.
Picturile de peisaj ale lui Turner sunt un preludiu la impresionism, expresionism și informalism. Este considerat descoperitorul peisajului atmosferic și, prin urmare, a fost primul care a creat direcția în pictura de peisaj care nu vrea să înfățișeze obiectele în sine, ci impresia pe care acestea o fac în anumite condiții de iluminare. Privit în acest fel, el este adevăratul precursor al impresioniștilor și cu vreo două generații înaintea francezilor.
Picturile lui Turner aduc moduri și timbre complet noi picturii secolului al XIX-lea. Și-a pictat peisajele, momentele zilei, condițiile meteorologice, formațiunile de nori cu contururi dizolvate și neclare, cu detalii clare între ele. Pictura sa din 1844 „Ploaie, abur, viteză” este una dintre cele mai vechi reprezentări ale unei căi ferate: mașina cu abur de fier iese dintr-un nor de culoare cețos; urâţenia şi măreţia lumii schimbate de industrie sunt atractive.
Picturi emblematice ale romantismului
În ceea ce privește romantismul, pictura este, fără îndoială, una dintre cele mai bune modalități de a înțelege sufletul acestei perioade istorice intense și contrastante. Principalele motive ale artiștilor din această perioadă au fost dorul, dragostea și singurătatea, precum și terifiantul, subconștientul, fantasticul și aventurosul, căruia noi, oamenii, nu putem rezista. Operele de artă romantice sunt modelate de spiritul individualismului și transmit adesea o stare de spirit melancolică, chiar tristă.
Sărutul lui Francesco Hayez
(Pinacoteca di Brera -Milano) Nu se poate începe să vorbești despre cele mai frumoase tablouri romantice fără a pleca de la capodopera italiană a lui Francesco Hayez, un pictor italian cu o prezență puternică la Milano, capabil să îmbine poveștile politice cu scene de o intensă frumusețe. Nu întâmplător acest tablou a devenit manifestul romantismului în Italia și pictorul însuși l-a propus în trei versiuni diferite.
Dacă la prima vedere îi observăm pe cei doi îndrăgostiți angajați într-un sărut pasional, capabili să povestească ardoarea tinerească, în realitate semnificațiile subiacente sunt mult mai profunde: uniune națională, patriotism, angajament politic și militar, toate reprezentate alegoric în acest tablou uimitor.
Pluta Medusei de Théodore Géricault
(Luvru - Paris) De mari dimensiuni, Pluta Medusei de Théodore Géricault a fost inițial o cauză de scandal și agitație regală. Tabloul povestește un eveniment tragic care a avut loc cu adevărat: naufragiul din 1816 care a costat viața a sute de soldați. Acel eveniment a șocat o întreagă națiune când o sută cincizeci de oameni s-au urcat pe plută, dar doar cincisprezece au reușit să supraviețuiască și să fie salvați.
Pictorul, pe atunci foarte tânăr, a povestit tragedia cu un realism surprinzător pentru epocă, studiind direct trupurile în direct, inclusiv morgă. Din vremea neoclasicismului, care caracterizează încă atât de mult arta în Franța, s-a cufundat într-un romanticism intens. Așadar, opera a fost pe deplin înțeleasă doar de-a lungul anilor, așa cum se întâmplă adesea cu marii artiști, dar, atunci când a apărut, emoția predominantă a fost respingerea.
Rătăcitorul deasupra mării de nori de Caspar David Friedrich
(Hamburg Kunsthalle -Hamburg) Acesta este tabloul care întruchipează unele dintre principalele valori ale picturii romantismului. Reprezentarea imortalizează un călător în spatele și în fața unei mări furtunoase.
Ceea ce povestește acest minunat tablou nu este o poveste, așa cum se întâmplă în celelalte tablouri văzute până acum, ci o stare emoțională: conceptul de infinit, rătăcirea și imperfecțiunea sufletului și a sentimentelor sale. Plimbătorul de deasupra mării de nori este emblema romantismului german, foarte diferit de cel francez și italian.
Daredevil a fost remorcat la dana ei finală pentru casarea lui William Turner
(National Gallery -Londra) Prin picturile sale, William Turner este capabil să povestească stări emoționale, sentimente și concepte romantice precum sublimul. Această capodoperă povestește ultima călătorie a navei engleze Temeraire, cândva învingătoare în luptă: remorcat pentru a fi distrus, este înfățișată cu steagul alb ridicat și cu apusul în spate, o reprezentare capabilă să îmbine sentimente amestecate și semnificații politice.
Hay Wain al lui John Constable
(National Gallery -Londra) John Constable este un alt dintre cei mai importanți pictori ai romantismului englez și, la fel ca Turner, s-a dedicat complet reprezentării peisajelor bucolice din Dedham Vale, în apropierea locului în care s-a născut. Marea sa capodoperă este The Hay Wain, o pânză mare, care la acea vreme a făcut scandal: tehnica folosită, de fapt, părea aproape impresionistă datorită micilor pensule care alcătuiesc peisajul.
O noutate care la Londra părea ireverențioasă și deliberat provocatoare, dar care a fost foarte iubită în Franța, chiar și de Géricault. Natura a fost cu siguranță protagonista acestui artist, dar de o natură foarte diferită de cea reprezentată de Friedrich.
Libertatea conduce poporul de Eugene Delacroix
(Luvru -Paris) Reprezintă libertatea care duce la poporul unit, împotriva asupritorului, un mare concept de patriotism. Aici clasa socială nu contează, Delacroix reprezintă diferite tipuri de oameni după cum se vede în vestimentație și de aceea a fost întotdeauna considerat o icoană a artei politice. Unul dintre cele mai vechi exemple ale genului și cu siguranță una dintre cele mai îndrăgite tablouri din istorie.
Copiii din Huelsenbeck de Philipp Otto Runge
(Kunsthalle -Hamburg) Acest artist aparține romantismului german și se remarcă prin reprezentările copiilor, ceea ce i-a adus porecla de pictor de basme. Face parte din romantism datorită semnificațiilor sale alegorice, ca în pictura aleasă dintre cele mai frumoase ale sale: Copiii lui Hülsenbeck.
Tabloul, care reprezintă în prim plan portretul copiilor unui prieten de lângă floarea soarelui și prezintă o compoziție cromatică perfectă, exprimă sensul alegoric al copilăriei, inocenței și vârstei pierdute, pe care romanticismul le privește cu melancolie.
Dido construiește Cartagina de William Turner
Una dintre prerogativele romantismului artistic a fost aceea de a privi în trecut, tânjind adesea după vremuri îndepărtate și simțind o profundă nostalgie. În Dido construiește Cartagina, Turner reprezintă bine acest concept.
Admirator al artiștilor anteriori Nicolas Poussin și Charles Lorraine, ca și ei, pictorul englez folosește elemente antice, începând cu tema lucrării în sine, preluată din Eneida lui Vergiliu. Dar pentru a capta privitorul există aspectul naturalist și senzațiile pe care le transmite această natură. O natură senină și maiestuoasă care domină.
Naufragiul speranței de Caspar David Friedrich
Tema naufragiului revine din nou la Friedrich, dar de data aceasta într-o mare de gheață. Ceea ce caracterizează cel mai mult pictura artistului german este evocarea unor sentimente puternice prin imagini ale peisajelor și naturii care au simbolic alte semnificații.
Naufragiul, de fapt, reprezintă pelerinajul continuu al omului și evocă fragilitatea lui extremă, fragilitatea umană. Omul, deși este în continuă căutare, este la cheremul evenimentelor și nu poate face nimic împotriva lor.
Catedrala Chartres de Jean Baptiste Camille Corot
Artist peisagist în primul rând, Camille Corot este unul dintre artiștii romantici pentru atenția acordată naturii și relația pe care o întreține cu omul, așa cum se poate observa în acest frumos tablou: Catedrala din Chartres. Pictura reprezintă prezența omului într-un context natural format din copaci, nori și pajiști. Prezența umană este resimțită de figurile din prim plan într-o creație picturală care urmărește să acorde o importanță egală tuturor diferitelor elemente reprezentate.
Iată câteva link-uri de interes: