L'influence grecque est présente dans tout son art, mais sa propre empreinte impose des styles très caractéristiques au peinture romaine: scènes de vie, scènes mythologiques, paysages, natures mortes ou encore décors en trompe l'oeil. La décoration architecturale était très appréciée des Romains.
peinture romaine
Tout comme l'art grec a été introduit par les civilisations préhelléniques de Crète et de Mycènes, l'art romain a également trouvé un vivier dans la civilisation étrusque et grecque. Vers les années 1000/800, ils arrivent de la région de la Méditerranée orientale, probablement de Lydie, en Asie Mineure, les tribus étrusques en Italie. Heureusement, ils complètent ainsi la population indigène ; au cœur de l'Italie, ils apportent un morceau du patrimoine culturel de l'Orient.
Comme les Étrusques ont conquis la quasi-totalité de la péninsule italienne, ils ont beaucoup contribué à la construction de la civilisation romaine : leur sens pratique et leur technicité marquent profondément l'art romain. Les Grecs ont également exercé une influence considérable sur l'art et la civilisation romains.
Pendant la période de la grande colonisation, 800-550, ils ont essaimé sur les rives de la Méditerranée. S'installent-ils aussi en Sicile ? et l'Italie méridionale, qui sont donc appelées la Grande Grèce. Ces Grecs apportent la civilisation grecque sous tous ses aspects sur le sol italique et influencent l'art romain plus que quiconque.
Avec l'essor de la culture romaine, l'ère antique est entrée dans sa phase finale. L'art à Rome jouait un tout autre rôle qu'en Grèce, où il était inextricablement lié à la vie.
Les peintres, sculpteurs, architectes, philosophes et poètes grecs ont eux-mêmes marqué l'histoire. Dans la Rome antique, cette tâche était effectuée par les dirigeants des villes, les généraux, les orateurs. Leurs noms sont inscrits dans les annales de l'histoire, mais les noms des peintres et sculpteurs romains ne nous sont pas parvenus, alors qu'ils étaient tout aussi doués que les Grecs.
La fin de la culture étrusque fut le début de l'art romain. Probablement, avant cette époque, il y avait des artistes et des sculpteurs dans la Rome antique, mais aucune information à leur sujet n'a été conservée. Cela a également affecté le fait que presque jusqu'à la fin de l'existence de la République, Rome a constamment mené des guerres pour conquérir ses voisins, et la guerre, comme vous le savez, ne contribue pas au développement de l'art.
Le pays est également secoué par des luttes intestines : les roturiers se battent contre les aristocrates, défendant leurs droits ; Les villes italiennes (municipalités) ont exigé l'égalité avec les citoyens de Rome. Les guerres ont duré des siècles, sans s'arrêter une seule année. Peut-être pour ces raisons, l'art romain en tant que tel n'existait pas avant les IVe-IIIe siècles avant J.-C. L'architecture a été la première à se déclarer: d'abord sous la forme de ponts et de structures défensives, et plus tard - de temples.
On dit souvent que les Romains ne sont pas de vrais artistes. On peut avoir cette impression en comparant les réalisations artistiques des Romains avec, disons, celles des Grecs ou des Égyptiens. Dans les premiers siècles de l'histoire romaine, nous trouvons peu d'indications d'aspirations esthétiques ou artistiques ; les Romains n'ont certainement pas créé d'art original.
Si Rome occupe cependant une place prépondérante dans l'histoire de l'art à travers les siècles, c'est parce que les Romains, après avoir conquis le pouvoir militaire sur le monde, ont également reconnu les valeurs spirituelles et les formes d'art d'autres peuples, notamment les Grecs. , avait une grande capacité d'assimilation et savait traiter de manière personnelle.
Caractéristiques générales de la peinture romaine antique
La peinture romaine nous est parvenue presque exclusivement sous forme de peintures murales. A cet égard, la plupart des oeuvres d'art se trouvent encore dans le lieu pour lequel elles ont été créées et où elles sont conservées dans des conditions souvent difficiles. Un témoignage important de la peinture romaine est la décoration des tombes et des maisons privées, des temples et des sanctuaires dans tout l'empire.
L'influence grecque a également prédominé initialement dans la peinture romaine. Un site spécifiquement romain a été découvert dès le IIIe siècle av. C. dans les peintures dites triomphales. Pour honorer les généraux victorieux, des peintures étaient portées comme rapports populaires dans le cortège triomphal puis exposées en public. Malheureusement, ces peintures n'ont pas survécu et ne sont attestées que dans la littérature ancienne.
La coutume de peindre les murs intérieurs des maisons est entrée dans les villes romaines au IIe siècle avant J.-C. à partir des villes grecques du sud de l'Italie, mais les peintres décorateurs romains, s'inspirant des techniques grecques, ont développé avec créativité leur riche système de décoration murale. .
Dans la peinture murale romaine du IIe siècle avant JC, il est d'usage de distinguer quatre styles décoratifs, parfois appelés "pompéiens" (car de telles peintures murales ont été découvertes pour la première fois dans la technique de la fresque lors de fouilles à Pompéi).
Une grande contribution à l'étude des peintures murales de la Rome antique a été apportée par le scientifique allemand August May, responsable de l'identification des quatre styles de peinture pompéienne.
La division en styles de peinture est assez arbitraire et ne recoupe pas les lois générales de l'évolution de la peinture romaine dans son ensemble.
La peinture murale romaine peut être vue à partir de différentes positions : premièrement, comme une composition picturale unique qui décore ce lieu ou d'autres locaux d'une certaine taille et d'une certaine destination. Deuxièmement, en écho aux compositions grecques et hellénistiques.
Troisièmement, comme recherche de tel ou tel standard culturel, un standard des goûts artistiques romains de différentes époques. Quatrièmement, en tant que représentant des différents courants artistiques de la peinture romaine elle-même, les compétences techniques de ses créateurs.
Techniques et styles de la peinture romaine
Les intérieurs des bâtiments romains étaient souvent richement décorés avec des couleurs et des motifs audacieux. Des peintures murales, des fresques et l'utilisation de stuc pour créer des effets de relief ont été réalisées au XNUMXer siècle avant JC
Il est utilisé dans les bâtiments publics, les maisons privées, les temples, les tombes et même les installations militaires dans tout le monde romain.
Les conceptions allaient de détails complexes et réalistes à des rendus hautement impressionnistes couvrant souvent toute la section de mur disponible, y compris le plafond.
La préparation du plâtre était si importante que Pline et Vitruve expliquent, dans leurs ouvrages, la technique utilisée par les peintres pour fresquer les murs : il fallait d'abord fabriquer un plâtre de bonne qualité qui pouvait aussi être composé de sept couches successives de composition différente.
Le premier était plus rugueux, puis les trois autres ont été faits avec du mortier et du sable et les trois derniers avec du mortier et de la poussière de marbre ; Généralement, les couches de plâtre étaient faites sur une épaisseur d'environ huit centimètres, la première étant posée directement sur le mur pour qu'elle adhère bien, et c'était la plus épaisse (trois à cinq cm) constituée de sable et de chaux.
Les peintres muraux romains préféraient les couleurs naturelles de la terre, ainsi que les rouges, les jaunes et les ocres plus foncés. Les pigments bleus et noirs étaient également largement utilisés pour des conceptions plus simples, mais les preuves d'un atelier de peinture de Pompéi montrent qu'il y avait une large gamme de tons.
Aux IIIe et IIe siècles av. J.-C., les images n'étaient pas peintes directement sur le mur. En plâtre peint, des dalles rectangulaires de marbre, debout et couchées, de différents types de couleurs, ont été imitées, qui ont été utilisées pour recouvrir les murs à haute altitude. Au sommet ce décor était fermé par un cadre en plâtre, ces cadres contenaient probablement des panneaux détachés. Plusieurs exemples de ce système de décoration ont été conservés en Campanie, dont la maison de Salluste à Pompéi.
Cela a suivi la mode qui s'est répandue dans tout le monde hellénistique. Ce n'est qu'au début du Ier siècle av. J.-C. qu'émerge un véritable art romain. Les assiettes n'étaient plus rendues en stuc plastique, mais plutôt peintes et la forme suggérée par des bandes d'ombre et de lumière.
Plus tard, la partie centrale du mur a été peinte comme si elle reculait légèrement et des colonnes ont été représentées à intervalles réguliers qui semblaient se tenir sur un podium et soutenaient apparemment le toit. Le haut du mur suggérait une vue sur une autre pièce ou une cour. Des constructions architecturales étaient également disposées symétriquement autour d'une ouverture peinte, avec une porte ou un portail au centre, comme dans la villa de Publius Fannius Sinistor à Boscoreale, 50-40 av.
Les sujets étaient des portraits, des scènes de la mythologie, de l'architecture en trompe-l'œil, de la flore, de la faune et même des jardins, des paysages et des paysages urbains entiers pour créer des panoramas spectaculaires qui transportent le spectateur des espaces étroits dans le monde sans limites de l'imagination que le peintre détourné.
Les plus grands exemples de peinture romaine proviennent des fresques de la région du Vésuve (Pompéi et Herculanum), des tablettes égyptiennes du Fayoum et des modèles romains, certains issus de l'époque paléochrétienne (peintures des catacombes). Nous avons des preuves de la peinture romaine dans trois techniques :
- Peinture murale : réalisée à fresque, sur chaux fraîche, et donc plus durable ; les couleurs étaient mélangées avec de l'œuf ou de la cire pour les aider à adhérer;
- Peinture sur bois ou panneau : du fait de la nature du support, les exemples reçus sont rares. Une exception célèbre vient des pierres tombales du Fayoum (Egypte), heureusement préservées grâce à la situation environnementale et climatique particulière ;
- Peinture abstraite, appliquée sur des objets, à des fins décoratives. Elle se caractérise généralement par des coups sommaires et rapides.
En général, les peintures antérieures et celles des maisons plus riches montrent plus de couches que les peintures ultérieures et celles des bâtiments résidentiels moins aisés. En commençant par le haut, des couches de plâtre puis de peinture ont été appliquées sur le mur et finalement finies en bas.
Malgré les grandes différences de détails, les murs sont construits selon le même schéma. Il y a toujours une zone de base, une zone médiane et une zone supérieure. La zone de base est généralement assez simple, elle peut être monochrome, mais elle peut aussi comporter des imitations de marbre ou de simples peintures végétales. Les motifs géométriques sont également très populaires.
Dans la zone médiane, cependant, le centre de gravité de la peinture se déploie. Selon le style, vous trouverez une architecture élaborée ou des champs simples, le centre du mur étant généralement particulièrement lourd et décoré d'une peinture.
Les peintures sur le terrain, particulièrement répandues dans le troisième style (ornemental), consistent en une alternance de champs larges, monochromes et étroits, souvent richement décorés de plantes, d'architecture irréelle ou d'autres motifs.
La peinture était déjà pratiquée par les Étrusques (peintures funéraires), mais le plus ancien témoignage d'activité picturale à Rome remonte à la première moitié du Ve siècle av. J.-C. : en particulier, la figure du célèbre Fabius Pictor (fin IVe siècle av. on se souvient, décorateur du Temple de Salus.
L'hypothèse est émise que dans cette phase la plus ancienne, la peinture romaine présentait déjà la propension particulière au caractère festif des siècles suivants, exprimée à travers une narration fluide et claire, comme dans les bas-reliefs sculpturaux contemporains. Très célèbre est la peinture dite pompéienne, du nom des peintures trouvées à Pompéi, Herculanum et d'autres pays touchés par l'éruption du Vésuve (79 après JC). Il est divisé en quatre styles différents :
le premier style
IIIe-IIe siècles av. J.-C., également appelées "incrustations". Il correspondait à la vie des Romains du IIe siècle avant J.-C. Ce style est une imitation de la maçonnerie en marbre coloré. Sur les murs des pièces intérieures, tous les détails architecturaux ont été réalisés en pièces tridimensionnelles: pilastres, rebords, corniches, supports de maçonnerie individuels, puis tout a été peint, imitant les pierres de finition en couleur et en motif.
Le plâtre, sur lequel la peinture a été appliquée, a été préparé à partir de plusieurs couches, chaque couche suivante étant plus fine.
Le style "incrusté" était une imitation des intérieurs des palais et des maisons riches des villes hellénistiques, où les salles étaient bordées de pierres multicolores (marbres). Le premier style décoratif s'est démodé dans les années 80 avant JC. Un exemple du style "incrustation" est la Maison du Faune à Pompéi. Les couleurs utilisées, rouge foncé, jaune, noir et blanc, se distinguent par leur pureté de ton.
Les fresques de la Maison des Griffons à Rome (100 av. J.-C.) peuvent servir d'étape de transition entre les premier et deuxième styles décoratifs.
La combinaison des couleurs bleu, lilas, marron clair, un subtil dégradé de peinture royale et illustre, image plate et volumétrique, entre la décoration murale en panneaux et les colonnes, pour ainsi dire, dépassant du mur, permet de mettre en valeur la peinture du House of Griffins comme moyen de transition d'une petite imitation de la maçonnerie à la manière spatiale active de résoudre le mur.
le deuxième style
IIe-Ier siècles av. J.-C. Appelée « perspective architecturale », elle est, contrairement au style plat antérieur, de nature plus spatiale. Les murs montraient des colonnes, des corniches, des pilastres et des chapiteaux avec une illusion totale de réalité, y compris même la tromperie. La partie médiane du mur était recouverte d'images de pergolas, de porches, présentées en perspective, en utilisant le clair-obscur. Avec l'aide de la peinture décorative, un espace illusoire a été créé, les vrais murs semblaient se séparer, la pièce semblait plus grande.
Parfois, des figures humaines individuelles, ou des scènes ou des paysages entiers à plusieurs personnages, étaient placés entre les colonnes et les pilastres. Parfois, au centre du mur, il y avait de grandes images avec de grandes figures. Les intrigues des peintures étaient pour la plupart mythologiques, moins souvent quotidiennes. Souvent, les peintures du second style étaient des copies des œuvres des anciens peintres grecs du IVe siècle av.
Un exemple de peinture du deuxième style décoratif est la décoration pittoresque de la Villa des Mystères à Pompéi. Dans une petite pièce au haut socle en marbre, sur fond de mur rouge vif aux pilastres verts, vingt-neuf personnages sont regroupés grandeur nature.
La majeure partie de la composition est consacrée aux mystères en l'honneur du dieu Dionysos. Dionysos lui-même est également représenté ici, appuyé sur les genoux d'Ariane (épouse). Les anciens, les jeunes satyres, les ménades et les femmes sont représentés ici.
Très intéressante est la scène dans laquelle un vieil homme fort, représenté sur un mur de la pièce, dirige son regard vers la jeune ménade, qui est représentée sur l'autre mur. Au même moment, Silène nargue un jeune satyre avec un masque de théâtre dans les mains.
Une autre scène de peinture est également intéressante, montrant une formidable déesse fouettant une fille agenouillée avec un long fouet sur le dos nu essayant de devenir une participante à part entière aux mystères. La pose de la jeune fille, l'expression de son visage, les yeux ternes, les mèches de cheveux noirs emmêlés traduisent la souffrance physique et l'angoisse mentale. Ce groupe comprend également la belle figure d'un jeune danseur vacant qui a déjà passé les tests requis.
La composition de la fresque repose non pas tant sur la proportion des volumes dans l'espace, mais sur la juxtaposition de silhouettes sur un plan, bien que les figures représentées soient volumineuses et dynamiques. L'ensemble de la fresque est relié en un seul ensemble par les gestes et les postures des personnages représentés sur les différents murs. Tous les personnages sont éclairés par une douce lumière provenant du plafond.
Les corps nus sont magnifiquement peints, la palette de couleurs des vêtements est extrêmement belle. Même si le fond est rouge vif, aucun détail ne disparaît sur ce fond contrasté. Les participants aux mystères sont représentés pour créer l'illusion de leur présence dans la pièce.
Une caractéristique particulière du deuxième style est les images de paysage: montagnes, mer, plaines, animées par diverses figures de personnes exécutées de manière grotesque, exécutées schématiquement. L'espace ici n'est pas fermé, mais libre. Dans la plupart des cas, le paysage comprend des images d'architecture.
À l'époque de la République romaine, un portrait pictural de chevalet était très courant. À Pompéi, il y a un portrait d'une jeune femme avec des tablettes d'écriture, ainsi qu'une image du Pompéien Terentius avec sa femme. Les deux portraits sont peints d'une manière picturale modérée. Ils se distinguent par un bon transfert des plastiques faciaux. portraits profonds.
le troisième style
Le troisième style pompéien (fin Ier siècle av. J.-C. - début Ier siècle ap. J.-C.) correspond au style ornemental.Au lieu de décorations pittoresques, dans le but de séparer et de remplacer les murs royaux, on trouve des peintures qui décorent le mur sans briser son plan.
Les peintures, au contraire, soulignent le plan du mur, le décorant d'ornements délicats, parmi lesquels prédominent des colonnes très gracieuses, plus comme des lustres en métal. Ce n'est pas un hasard si le troisième style décoratif est aussi appelé « lustre ».
En plus de cette décoration architecturale légère, de petites peintures à contenu mythologique ont été placées au centre du mur. Natures mortes, petits paysages et scènes du quotidien sont introduits dans le décor ornemental avec une grande habileté.
Les guirlandes de feuilles et de fleurs peintes sur fond blanc sont très caractéristiques. Les bijoux de fleurs peintes, les ornements, les scènes miniatures et les natures mortes doivent être observés de près. La peinture du troisième style met l'accent sur le confort et l'intimité de la pièce.
La palette des artistes du troisième style est intéressante et variée : un fond noir ou violet foncé, sur lequel étaient autrefois représentés de petits buissons, des fleurs ou des oiseaux. Dans la partie supérieure, des panneaux alternés de bleu, rouge, jaune, vert ou noir étaient présentés, sur lesquels étaient placés de petits tableaux, des médaillons ronds ou des figures individuelles dispersées.
Les artistes romains ont élaboré la solution grecque des scènes mythologiques conformément au style dominant. Expressions faciales sérieuses, posture calme et modération des gestes, figures sculpturales.
Une plus grande attention a été accordée à un contour clair qui délimite clairement les plis du vêtement. Un exemple du troisième style est la Villa de Cicéron à Pompéi. Des paysages pastoraux idylliques ont survécu à Pompéi et à Rome. Peintures généralement de petite taille, un peu sommaires, parfois peintes avec une ou deux couleurs.
le quatrième style
Le quatrième style décoratif s'est développé dans la seconde moitié du Ier siècle.Le quatrième style est sophistiqué et exubérant, combinant les constructions architecturales prometteuses du deuxième style avec des décorations ornementales du troisième style.
La partie ornementale des peintures prend le caractère de compositions architecturales fantastiques, et les peintures situées dans les parties centrales des murs ont un caractère spatial et dynamique.
La gamme de couleurs est généralement variée. Les intrigues des peintures sont pour la plupart mythologiques. La multitude de personnages éclairés irrégulièrement, représentés en mouvement rapide, renforcent l'impression d'espace. La peinture de quatrième style brise à nouveau le plan du mur, élargit les limites de la pièce.
Les maîtres du quatrième style, créant des peintures murales, représentent sur les murs un magnifique portail de palais fantastique, ou des peintures narratives, alternant avec des "fenêtres" à travers lesquelles des parties d'autres structures architecturales sont visibles.
Parfois, sur la partie supérieure du mur, les artistes ont peint des galeries et des balcons avec des figures humaines, comme s'ils regardaient les personnes présentes dans la pièce. Pour peindre dans ce style, le choix des peintures était également caractéristique. Surtout à cette époque, ils représentent des compositions avec des actions dynamiques ou pointues
À Pompéi, des peintures murales et un esprit purement romain ont été préservés. Par exemple, dans la Calle de la Abundancia, à l'entrée de l'atelier du teinturier Verecundo, sur le mur extérieur se trouvait un tableau réalisé avec précision et minutie, qui dépeint tous les processus du teinturier et de ses assistants. Un exemple du quatrième style est la peinture du palais de Néron à Rome (la Maison dorée), dont la décoration pittoresque a été réalisée par l'artiste romain Fabullus.
C'était le style le plus somptueux, combinant l'architecture fantastique et illusionniste du second style, des faux panneaux de marbre et des éléments ornementaux du troisième style (Maison des Vettii à Pompéi, Maison des Dioscures). Il existe à cette époque des exemples majestueux d'architecture à effet théâtral et scénographique qui, cependant, retravaillent et combinent des éléments tirés de styles antérieurs.
De nombreuses villas pompéiennes ont été décorées dans ce style à partir de la reconstruction après le tremblement de terre de 62 après J. sujet mythologique.
L'originalité de la peinture murale romaine des II-III siècles
Après la disparition de Pompéi, Herculanum et Stabiae en 79 après JC Il est très difficile de retracer le chemin du développement de la peinture romaine antique, car les monuments datant des II-IV siècles sont très peu nombreux. Nous pouvons certainement dire que la peinture murale au XNUMXème siècle est devenue plus répandue. Contrairement au quatrième style décoratif, où l'illusion d'un grand espace a été créée, le plan du mur est maintenant accentué. Le mur est interprété linéairement par des architectures individuelles.
En plus de la peinture lors de la décoration de la pièce, divers types de marbre ont été utilisés ainsi que des mosaïques placées à la fois sur le sol et sur les murs. Un exemple est la peinture de la villa de l'empereur Hadrien à Tivoli, près de Rome. À la fin du IIe siècle et dans la première moitié du IIIe siècle, les techniques de la peinture décorative se sont encore simplifiées.
Le plan du mur, du plafond, de la surface de la voûte de la tombe était divisé par des bandes sombres en rectangles, trapèzes ou hexagones, à l'intérieur desquels (comme dans un cadre) une tête masculine ou féminine, ou un motif, était peint. plantes, oiseaux et animaux.
Au cours du IIIe siècle, une manière de peindre s'est développée, caractérisée par des traits qui ne soulignent que les volumes principaux et suivent la forme plastique. Lignes sombres denses, yeux, sourcils, nez bien définis. Les cheveux étaient généralement traités en vrac. Les chiffres sont schématiques. Ce style est devenu particulièrement populaire lors de la peinture des catacombes chrétiennes et des tombes romaines.
À la fin du IIIe siècle, les mosaïques sont particulièrement appréciées. Les figures de mosaïque se distinguent par la rigidité des poses, le dessin au trait des plis des vêtements, l'emplacement de la palette de couleurs et le plan général de la forme. Les visages des personnages représentés manquent de traits individuels.
Il était courant pour la noblesse de faire décorer les murs de ses villas et maisons privées et c'est pourquoi la plupart des témoignages picturaux qui nous sont parvenus proviennent de ce contexte. Très importante pour la peinture romaine était l'influence grecque, dérivée de la connaissance des sculptures et des peintures grecques, mais surtout de la diffusion des peintres grecs à Rome. De la sphère hellénistique, la peinture romaine a hérité non seulement des thèmes décoratifs mais aussi du naturel et du réalisme représentatif.
Portraits funéraires du Fayoum
Junto a la pintura romana y de campanas, están los famosos Retratos de Fayum (siglo I a. C. – siglo III d. C.) que se tratan de una serie de tablillas egipcias similares a los retratos que se colocaron sobre los difuntos durante L'enterrement. Les sujets étaient représentés vivants, avec un fort réalisme des visages, représentés de face et souvent sur fond neutre. Caractéristique de ces tablettes est une vivacité picturale exceptionnelle.
Cas exemplaire d'intégration entre différentes cultures, cet ensemble de peintures est connu sous le nom de Portraits du Fayoum en raison du lieu où ils ont été trouvés. Il y a environ six cents portraits funéraires, réalisés sur des planches de bois avec la technique de l'encaustique ou de la détrempe entre le Ier et le IIIe siècle, et conservés en excellent état grâce au climat sec du lieu. La population qui vivait ici était d'origine grecque et égyptienne mais était déjà fortement romanisée dans ses usages, les adaptant à leurs propres traditions.
Ce type de peinture sur table est une véritable peinture du défunt et fait partie des rites funéraires locaux : le coût pouvait aussi être très élevé puisque le portrait pouvait être décoré de feuilles d'or pour imiter les bijoux et objets précieux, il était placé entre les pansements de la momie pendant quelques jours lors de l'exposition du corps à la maison avant l'inhumation.
Rite égyptien, coutume grecque mais style romain : Cette communauté a été touchée par l'art romain et en a copié les thèmes et les tendances ; tous les portraits ont un fond neutre, mais sont très plausibles dans le rendu des traits du visage et des détails des vêtements et des coiffures.
On retrouve dans cette production des personnages récurrents qui étaient également répandus à Rome : les grands yeux, le regard fixe et la simplification volumétrique (annulation des plans de contour et du corps) se retrouvent également dans certains portraits romains de la période Sévère et peu après.
On peut classer comme premier exemple de peinture biblique les peintures de Dura Europos (Syrie), datant de la première moitié du IIIe siècle. L'invention de la nouvelle iconographie chrétienne se révèle ici fortement influencée par la tradition iconographique hellénistique-juive : les premières illustrations chrétiennes extraient, en effet, des éléments et de l'iconographie du répertoire juif et païen, leur conférant une nouvelle signification religieuse.
Compte tenu des affinités iconographiques et stylistiques étroites, on pense que les artistes ont travaillé simultanément pour des clients païens et chrétiens. Le réalisme qui avait toujours caractérisé la peinture romaine s'est lentement perdu dans l'Antiquité tardive lorsque, avec la diffusion de l'art provincial, les formes ont commencé à être simplifiées et souvent symbolisées.
C'est l'avènement de la peinture paléochrétienne, connue surtout à travers les peintures des catacombes qui mêlent scènes bibliques, décors, figures issues d'un contexte encore païen et un riche répertoire de symboles faisant allusion à des figures et contenus chrétiens (par exemple, le poisson, Le bon berger). Les exemples les plus célèbres proviennent des catacombes de Priscilla, Callisto et SS. Pietro et Marcellino (Rome).
La mosaïque romaine
En plus de la mosaïque d'Alexandre, des scènes plus petites, pour la plupart carrées, composées de pierres multicolores, ont été trouvées à Pompéi et ont été incorporées au centre de sols plus simples. Les soi-disant emblèmes remontent au XNUMXer siècle avant J.-C. Des mosaïques hellénistiques similaires ont été trouvées à Délos. Les images, qui ont souvent comme sujet Bacchus sur une panthère ou des natures mortes, ressemblent à des peintures.
Il en va différemment des sols noirs et blancs, apparus en Italie au Ier siècle avant J.-C. Ils étaient exécutés en marbre et avaient pour thème des motifs géométriques, des plantes et des fleurs stylisées, des représentations simplifiées d'humains et d'animaux et s'accordaient parfaitement à leur architecture. une fonction. Cette mosaïque en noir et blanc, typique de l'Italie, ne s'est vraiment développée qu'au IIe siècle de notre ère, notamment à Ostie, où de grandes compositions de créatures marines ont été réalisées.
Dans le nord-ouest de l'empire, ils ont d'abord rejoint la tradition noire et blanche de l'Italie, mais à partir du milieu du IIe siècle après JC, les gens ont commencé à utiliser de plus en plus la couleur. La division en surfaces carrées et octogonales, sur lesquelles diverses images étaient disposées, y était populaire.
L'art de la mosaïque a prospéré en Afrique du Nord, où de grandes scènes mythologiques et des scènes de la vie quotidienne ont été représentées en plusieurs couleurs sur les sols (villa Piazza Armerina en Sicile). Des mosaïques polychromes sont également conservées à Antioche. Au XNUMXer siècle après JC, les mosaïques murales étaient principalement utilisées là où la peinture était moins appropriée (par exemple, sur les bâtiments de puits). Les mosaïques des murs et des voûtes des IIe et IIIe siècles ont été presque complètement perdues.
La mosaïque murale ne s'est pleinement développée que dans les églises chrétiennes (IVe siècle). En plus de la mosaïque, une technique appelée opus sectile était également utilisée, dans laquelle les figures et les motifs étaient constitués de grandes pièces taillées dans différents types de marbre. Cette technique était utilisée non seulement pour les sols, mais aussi pour les murs.
Curiosités
- Selon Pline, les couleurs étaient divisées en "fleuries" (minium, armenium, cinnabaris, chrysocolla, indicum et purposorum) qui devaient être achetées directement par le client et "austères", qui étaient plutôt incluses par l'artiste dans le prix final. de l'œuvre et généralement ocre jaune et rouge, terres et bleu d'Egypte
- On a découvert que dans la Villa Impériale de Pompéi les peintures des couloirs, appartenant toutes au troisième style, avaient été restaurées quelques années avant l'éruption et seulement cinquante ans après sa construction, ce qui démontre la grande valeur déjà attribuée dans l'Antiquité.
- La nature représentée dans la peinture romaine est toujours et uniquement celle des jardins : dans la mentalité de l'époque la nature spontanée se conjuguait aux coutumes barbares et à l'absence de civilisation, les seules représentations tolérées sont celles d'animaux sauvages dans les scènes de chasse mythologiques.
- Au XVe siècle à Rome une "grotte" aux parois entièrement peintes a été découverte par hasard : il s'agissait de la Domus Aurea de l'empereur Néron. Le peintre de la cour Fabullus ou Amulius de 64 à 68 après JC travaille dans la Domus Aurea, décorant de fresques la plupart des pièces dans le quatrième style pompéien.
Les couleurs
Les couleurs étaient réalisées avec des pigments d'origine végétale ou minérale et Vitruve dans De Architectura parle d'un total de seize couleurs dont deux organiques, cinq naturelles et neuf artificielles. Les premiers sont noirs, obtenus en calcinant la résine avec des morceaux de bois résineux ou de grignons brûlés au four puis liés avec de la farine, et le violet, issu du murex, qui était davantage utilisé dans la technique de la trempe.
Les couleurs d'origine minérale (blanc, jaune, rouge, vert et tons sombres) ont été obtenues par décantation ou calcination. La décantation est une technique de séparation qui consiste à séparer deux substances d'un mélange solide-liquide par la force de gravité (en pratique, le solide se dépose au fond d'un récipient jusqu'à ce que tout le liquide au-dessus s'éclaircisse).
La calcination est un processus de chauffage à haute température qui se poursuit aussi longtemps qu'il le faut pour éliminer toutes les substances volatiles d'un composé chimique et est utilisé depuis l'Antiquité pour la production de pigments de peinture, y compris le céruléen. Les neuf artificiels ont été obtenus à partir de la composition avec diverses substances et parmi celles-ci les plus utilisées étaient le cinabre (rouge vermillon) et le céruléen (bleu égyptien).
Le cinabre, d'origine mercurielle, était difficile à appliquer et à entretenir (il noircissait à l'exposition à la lumière) et était très cher et très recherché. Il a été importé des mines près d'Ephèse en Asie Mineure et de Sisapo en Espagne. Cerulean a été fabriqué à partir de sable de fleur de nitro broyé mélangé à de la limaille de fer humide qui a été séchée puis cuite en granulés.
Cette couleur fut importée à Rome par un banquier, Vestorius, qui la vendit sous le nom de Vesterianum et coûta environ onze deniers. La loi établissait que le client fournissait les couleurs « fleuries » (les plus chères) tandis que les couleurs « austères » (les moins chères) étaient incluses dans le contrat. L'atelier, peut-être, était composé d'un maître avec ses assistants.
Ces artisans très estimés sont devenus partie intégrante de l'instrumentum du magasin, et lorsque le magasin a été vendu à d'autres propriétaires, eux aussi, ainsi que les outils de travail (niveau, fil à plomb, équerre, etc.) et les outils, ont changé de propriétaire. Son travail commençait à l'aube et se terminait au crépuscule, et bien que ses œuvres aient été visitées et admirées, elles n'ont pas été prises en considération.
Voici quelques liens d'intérêt :