En 1886, l'un des peintres mexicains les plus aimés et les plus acclamés de l'histoire nationale est né, surtout connu pour l'extraordinaire carrière qu'il a développée dans le mouvement artistique du muralisme. Si vous voulez en savoir un peu plus sur Travaux par Diego Rivera, restez et apprenez avec nous avec cet article informatif que nous avons rédigé.
5 œuvres les plus reconnues de Diego Rivera
Après de nombreuses années de travail acharné, Diego Rivera est devenu l'un des peintres les plus acclamés de tout le Mexique et l'un des plus ambitieux du XXe siècle, essayant toujours de son mieux de dépasser ses propres limites. Même à ce jour, son travail exceptionnel de muraliste est toujours très apprécié. Les œuvres de Diego Rivera sont impressionnantes.
Malgré le fait qu'il existe de nombreux détracteurs concernant son développement en tant que professionnel et, surtout, en tant qu'être humain, ses œuvres ont connu une grande popularité en raison de son engagement social élevé. Et c'est que, en effet, ses fresques murales l'ont placé sur un piédestal artistique que très peu de Mexicains ont atteint en dehors de leur territoire.
Rivera a joué un rôle très important dans la renaissance de ce genre de peinture, dont la remise en question est inconcevable. Les murs et les plafonds qu'il a réalisés dans les bâtiments publics de son pays sont rapidement devenus ses plus proches alliés en termes de défense de la classe ouvrière. Ils sont considérés comme l'une des œuvres les plus audacieuses de Diego Rivera.
Il est sans aucun doute considéré comme un fidèle adepte du communisme, puisqu'il a joué un tel rôle tout au long de sa vie, avec des thèmes sociaux et nationalistes comme principaux protagonistes de ses peintures. Dans chacun d'eux, il a utilisé une abondance de couleurs, tout en faisant souvent allusion au passé précolombien du Mexique.
De cette façon, le muraliste a recréé les scènes costumbrista les plus variées de cette époque. Bien que le catalogue de productions de l'auteur soit assez étoffé, ci-dessous, nous avons sélectionné les plus importantes pour les développer une par une :
La Création (1922)
En 1922, Diego Rivera a peint sa première peinture murale à l'intérieur de l'amphithéâtre Simón Bolívar, dans l'Antiguo Colegio de San Ildefonso situé dans le centre historique de Mexico. Cette peinture murale a été commandée par le secrétaire à l'éducation publique du Mexique de l'époque, José Vasconcelos.
Celui-ci s'inspire d'un ensemble d'éléments esthétiques, acquis des expériences vécues lors de son voyage dans la ville du sud-est du Mexique, Santo Domingo Tehuantepec. Le centre d'une telle composition est le point de départ, d'où émerge une sorte de cellule originelle, un homme aux bras ouverts en forme de croix.
Le demi-cercle bleu situé au sommet de la peinture murale joue le rôle de symbole de l'énergie ou du principe du créateur, en même temps qu'il irradie sa lumière sur toutes les faces du tableau. Aux deux extrémités, nous trouvons deux scènes individuelles, mais elles se complètent.
Celle de gauche est une claire allégorie de la musique, représentée ici par une jeune femme vêtue de peau de mouton et jouant de la flûte. En compagnie de ce personnage, on peut voir d'autres allégories liées au chant (robe rouge), à la comédie (qui porte deux nattes), et, enfin, à la danse, qui se tient les bras levés.
A cela s'ajoutent les vertus théologales : la charité, la foi et l'espérance. Pour sa part, dans le panneau de droite on pouvait identifier les allégories de la fable (qui porte une robe aux tons bleus et or) et de la tradition (qui est vêtu de pourpre).
De même, on peut voir de la poésie érotique et de la tragédie, ce dernier utilisant un masque pour couvrir son visage. De plus, dans la partie supérieure, debout, se trouvent les personnifications vivantes des quatre vertus cardinales : la prudence, la justice, la force et la tempérance. Aux pieds de chacun des groupes, la femme (à gauche) et l'homme (à droite) restent nus.
Épopée du peuple mexicain (1929-1935)
"L'épopée du peuple mexicain", parfois appelée simplement "Histoire du Mexique", est une fresque réalisée par Rivera sur les murs de l'escalier principal du Palais national du Mexique, entre les années 1929 et 1935. Elle a également été créée sous une commande du secrétaire à l'instruction publique, José Vasconcelos, dans le cadre de la Renaissance muraliste mexicaine.
L'une des œuvres de Diego Rivera est cette vaste peinture murale du ministère de l'Éducation publique, d'une superficie approximative de 276 m², elle est chargée de démontrer avec audace le style mature du peintre. "L'épopée du peuple mexicain" est composée de trois sections dans lesquelles son auteur a entrepris la tâche ambitieuse de représenter l'histoire contemporaine de sa nation jusqu'en 1935 et le futur proche.
Dans la partie de droite, située au nord du Palais national, le Mexique préhispanique est représenté à travers le mythe de Cē Ācatl Tōpīltzin à Tula. La partie centrale, celle du côté ouest, est la plus grande de toutes et elle représente le Mexique de la conquête espagnole jusqu'aux années 30.
Dans la troisième section, celle du sud, s'incarne une vision marxiste de la nation au XXe siècle. En soi, le thème qui unit chacun de ces différents événements est celui des luttes des classes sociales, clairement véhiculé par la figure centrale de l'impressionnante fresque.
Le personnage dont nous parlons est Karl Marx lui-même, qui tient une affiche avec un petit extrait du Manifeste communiste dans lequel ce qui suit est exprimé :
« Toute l'histoire de la société humaine à ce jour est une histoire de lutte des classes. Il ne s'agit pas précisément pour nous de transformer la propriété privée, mais de l'abolir ; Il ne s'agit pas de brouiller les différences de classe, mais de les détruire ; Il ne s'agit pas de réformer la société actuelle, mais d'en former une nouvelle ».
Bien que la peinture murale représente les siècles et les siècles de lutte et de répression par ces classes dirigeantes corrompues, elle a une fin plutôt optimiste. Il pointe vers une utopie où les agriculteurs et les ouvriers d'usine travaillent ensemble, où chacun vit en harmonie avec la nature et prospère finalement.
Peintures murales de l'industrie de Detroit (1932-1933)
Déjà dans les années 30, la rumeur s'était répandue sur les fresques exceptionnelles que Rivera réalisait dans son Mexique natal, c'est pourquoi l'artiste a réussi à obtenir d'innombrables sponsors à travers les États-Unis. L'un d'eux était Edsel Bryant Ford, l'homme d'affaires et philanthrope américain, fils d'Henry Ford.
Ce magnat de l'automobile a financé au muraliste l'une de ses œuvres les plus audacieuses jusqu'alors, « Detroit Industry Murals ». En neuf mois, l'artiste s'est installé dans la ville de Detroit, et a réussi à couvrir tout le hall central du Detroit Institute of Arts, avec une série de ni plus ni moins de 27 peintures sur quatre murs différents.
Ils racontent l'histoire de la ville à travers de multiples strates, tout au long des représentations de ses ouvriers, ainsi que des avancées réalisées dans divers domaines scientifiques et paysages. En effet, alors que Detroit était autrefois un centre industriel florissant au début du XXe siècle, elle a également connu de nombreux licenciements pendant la Grande Dépression.
Lorsque Diego arrive dans la ville en 1932, de tels effets se font fortement sentir, c'est pourquoi le peintre insiste une fois de plus sur la situation compliquée que doit traverser la classe ouvrière du continent américain. Dans la fresque, l'agriculture et l'abondance naturelle étaient représentées par des images composées d'un petit enfant blotti entre des personnages nus et des charrues.
Dans les régions du nord et du sud, l'industrie automobile américaine en plein essor a été façonnée par l'utilisation de machines lourdes produisant de l'acier en fusion et des chaînes de montage forgeant des voitures couleur bonbon.
Dans la zone du mur ouest, vous pouvez voir quels sont les principaux dangers de la technologie de leur point de vue, tels que les outils de guerre qui pourraient provoquer l'autodestruction de l'humanité, pour donner un exemple. Sur le mur nord, comme nous l'avons déjà mentionné, Rivera représentait les progrès médicaux réalisés à cette époque.
Il y est parvenu en reprenant le motif d'une crèche chrétienne, ne remplaçant chacun des personnages religieux que par des médecins et patients contemporains, même l'artiste s'est chargé de modeler sa mère, selon ce que disent certaines déclarations de la star. Cinéma américain, Jean Harlow.
En fait, lorsque l'œuvre a finalement été achevée et présentée au public, cela a semblé à un groupe d'extrémistes catholiques être un blasphème total et une énorme controverse a éclaté. Enfin, Edsel Ford a accepté le travail de Rivera sans aucun problème, grâce au grand soutien apporté par un groupe passionné d'étudiants universitaires et de travailleurs qui ont lutté contre la censure.
L'homme aux commandes de l'univers (1934)
Quand on parle de "L'Homme aux commandes de l'univers", également connu sous le nom de "L'Homme à la croisée des chemins", on fait référence à une peinture murale peinte en 1934 par Diego Rivera pour le Rockefeller Center, mais repeinte au Palais des Beaux-Arts de Mexico. Ville.
L'œuvre a été incluse dans ledit centre parce que le peintre a ajouté une icône communiste russe à la peinture murale, Vladimir Lénine, et la famille Rockefeller n'a pas aimé et a ordonné qu'elle soit détruite immédiatement. Après un certain temps, le gouvernement mexicain a commandé une nouvelle œuvre et Rivera a décidé de retravailler la fresque murale sur la charpente métallique mobile du Palais des Beaux-Arts.
C'est pourquoi on lui attribue le titre de l'une des peintures murales les plus controversées de l'artiste dans toute sa carrière. Bien que sa taille soit plus petite que l'original (4,46 × 11,46 m.), il est toujours aussi impressionnant que le premier réalisé. Pour le comprendre, il faut préciser qu'il s'agit d'un développement figuratif en trois sections individuelles.
Dans la partie centrale, nous trouvons un homme qui fait fonctionner une machine qui contrôle l'univers. Là, il manipule la vie et est chargé de séparer le macrocosme du microcosme. Déjà dans le panneau de gauche, vous pouvez voir quels sont les effets d'une société capitaliste à travers la représentation de Charles Darwin faisant allusion à la science.
Tout cela en contraste avec une sculpture en pierre, chargée de symboliser la religion et des scènes de lutte entre les classes. A droite, le monde socialiste est représenté à travers des figures importantes de ce mouvement, comme Vladimir Lénine, Karl Marx, Léon Trotsky et Friedrich Engels.
De même, à côté d'eux se trouve la représentation de l'Armée rouge (nom officiel de l'armée et de l'aviation de la République socialiste fédérative soviétique de Russie), ainsi que l'union de la classe ouvrière, représentée par les travailleurs de la place la plus célèbre de Moscou , la Place Rouge. C'est fondamentalement la conception de l'univers selon Rivera : idéologie, science et révolution.
Rêve d'un dimanche après-midi à l'Alameda Central (1947)
En dernière position de cette liste des œuvres les plus reconnues de Diego Rivera, nous avons voulu placer "Rêve d'un dimanche après-midi à l'Alameda Central", une peinture murale réalisée en 1947 qui est maintenant devenue l'œuvre principale de l'exposition permanente au Diego Musée des peintures murales de Rivera.
La fresque est une initiative de l'architecte mexicain Carlos Obregón Santacilia. A cette époque, l'emplacement qui lui était prévu était dans la salle Versailles de l'Hôtel del Prado, situé juste en face de l'Alameda Central. Cependant, en raison du tremblement de terre de 1985, l'hôtel a subi des dommages considérables, tout comme les travaux, et il a dû être déplacé là où il est exposé aujourd'hui.
Dans ce document, Diego Rivera se décrit comme un petit garçon qui se promène dans l'Alameda Central à Mexico. Lors de sa tournée, on observe qu'il est accompagné d'une centaine de personnages emblématiques qui composent les 4000 ans d'histoire de la nation.
La figure centrale de la composition est La Catrina ou Calavera Garbancera, la création originale du célèbre graveur, illustrateur et caricaturiste mexicain José Guadalupe Posada, qui se tient à côté d'elle à droite. Il est important de noter que La Catrina porte une étole à plumes très caractéristique qui fait allusion à la divinité principale du panthéon mexicain, Quetzalcóatl.
Derrière Rivera se trouve sa femme Frida Kahlo, tenant le symbole yin et yang dans ses mains tout en embrassant mentalement son mari. À votre droite, vous pouvez voir comment se passe le salut entre Manuel Gutiérrez Nájera et José Martí, deux grands écrivains de l'époque. C'est l'une des œuvres de Diego Rivera qui m'a le plus inspiré.
De leur côté, au milieu d'eux se trouvent deux figures féminines assez notables, qui sont la fille et l'épouse de l'ancien président mexicain, Porfirio Díaz. Dans le secteur de gauche sont illustrés la conquête, l'indépendance, l'ère coloniale, l'invasion nord-américaine et l'intervention européenne, moments historiques dans lesquels le parc a joué le rôle de scène principale.
Benito Juárez, Hernán Cortés, Sor Juana Inés de la Cruz, Fray Juan de Zumárraga, le vice-roi Luis de Velasco y Castilla, l'empereur Maximilien et son épouse Carlota peuvent également être identifiés. A droite, la lutte populaire, les mouvements paysans et la révolution sont évoqués. Apparaissent Porfirio Díaz, Emiliano Zapata, Ricardo Flores Magón, Francisco I. Madero, entre autres.
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