L'accent est mis sur le sentiment et l'émotion au sein de la Peinture romantisme. Il y a beaucoup de place pour l'intuition et l'imagination de l'artiste. Il en résultait parfois des œuvres d'art extraordinaires à l'atmosphère poétique teintée de sentimentalité.
peinture de romantisme
À la fin des XVIIIe et XIXe siècles, la culture européenne et, y compris américaine, a connu une naissance complètement différente de la période de la pensée et de la philosophie des Lumières - l'étape du romantisme. S'infiltrant progressivement depuis l'Allemagne dans la culture et l'art de l'Angleterre, de la France, de la Russie et d'autres pays européens, le romantisme a enrichi le monde de l'art de nouvelles couleurs, d'histoires et de l'audace du nu.
Caractéristiques générales du romantisme
Le romantisme a commencé comme un mouvement littéraire en Allemagne, en Angleterre et en France. A la fin du XVIIIe siècle (siècle de la Raison), on se lasse de la pensée rationaliste des Lumières et du classicisme académique, où l'on cherche constamment à imiter les vieux classiques.
Dans le romantisme, l'artiste n'est plus un imitateur de l'art classique, mais devient lui-même un créateur. Il a travaillé à partir d'un sentiment personnel. L'art est devenu "l'expression personnelle de l'émotion individuelle". Dans cette attitude à l'égard de la vie au XIXe siècle, l'expérience de l'individu était le point de départ. D'une vision négative de son propre temps avec l'industrie, le rationalisme et le matérialisme, le passé était vu d'une manière idéale.
Ce sentiment était considéré comme supérieur au bon sens, car le romantique vivait insatisfait de la société : il fuyait l'ici et maintenant vers d'autres cultures, vers le passé, dans les contes de fées ou dans la nature. C'est avec mélancolie que l'on souhaite revenir au Moyen Age, à l'idée que la vie était encore pure et authentique à cette époque.
Dans les arts plastiques, l'apogée du romantisme se situe entre 1820 et 1850. Dans de nombreux pays européens, on assiste à un regain d'intérêt pour les mythes, sagas, contes et légendes de leur propre pays et pour la littérature qui exalte le passé glorieux. En Angleterre, Sir Walter Scott a écrit plus de trente romans historiques, dont Ivanhoé. En France, Victor Hugo a écrit Notre Dame de Paris, une histoire médiévale dans laquelle Quasimodo, le bossu, tient le rôle principal.
Il y avait les traductions des Mille et une nuits, une série de contes orientaux. Les compositeurs se sont inspirés de chansons populaires, de ballades et de légendes du passé. Franz Schubert a composé pas moins de six cents lieder romantiques. Ludwig van Beethoven a choisi la nature comme point de départ de sa Pastorale. Dans le romantisme, l'harmonie était vue dans la nature, les lois naturelles en étaient un exemple. L'écrivain allemand Goethe a développé une méthode d'étude de la nature basée sur la perception.
Goethe a également été très influent par sa théorie des couleurs, qui a pris des contrastes complémentaires, en particulier le bleu et le jaune chaud, comme point de départ. Le mélodrame prédominait dans les ballets romantiques et le théâtre. Plus une représentation était théâtrale, avec des costumes exagérés et des décors fantastiques, plus elle était appréciée.
De nombreux artistes se sont enfuis avec leurs thèmes dans le passé ou dans le futur, dans l'exotisme, dans la fantaisie, dans une nature "sauvage", préservée, ou nourrissaient une nostalgie romantique d'un amour impossible. Les artistes romantiques fuient parfois littéralement la réalité comme un désir de mort, comme une libération de la souffrance.
Tous ces thèmes ont été abordés subjectivement par l'artiste, en supposant que le sentiment ou l'idée individuelle évoque des sentiments et des idées universels. L'artiste était considéré comme un grand prêtre du supérieur ou du surnaturel, comme un connaisseur du sublime. Avec son imagination, seul l'artiste était capable de transformer des sentiments personnels en art, une expérience intense de vie intérieure.
Même les précurseurs du romantisme (Johann Heinrich Füssli et Francisco de Goya et les écrivains du mouvement littéraire Sturm und Drang) se référaient aux sentiments comme source d'expérience esthétique, même s'ils n'excluaient pas l'horreur et la terreur, ainsi que l'admiration et l'émerveillement. , et donc le co-fondateur du « romantisme noir ».
L'imagination individuelle, le sublime et la beauté de la nature ont été discutés comme de nouvelles catégories esthétiques. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le réalisme s'oppose au romantisme.
Notre Histoire
Quand on parle de romantisme, on parle d'une période historique de 1815 à 1848 où toute la société est prise dans un vent qui souffle déjà depuis la fin du XVIIIe siècle et continuera de souffler au siècle suivant et qui souligne de nouvelles valeurs sociales.
Certes, dans l'esprit du XVIIIe siècle, il contenait déjà les éléments identitaires du romantisme, mais d'après ce que nous obtenons des écrits de l'époque, ils étaient considérés comme des valeurs négatives, à tel point qu'ils étaient identifiés comme un symptôme de troubles mentaux attribuables à "Le mal du siècle" décrit rapidement par le médecin et philosophe français La Mettrie (1709-51) dans "De la folie".
Parmi les grands précurseurs du mouvement romantique figure Francisco de Goya, qui, surmontant les idées néoclassiques répandues, accentua le goût figuratif du XVIIIe siècle pour obtenir une nouvelle liberté d'expression typique du romantisme, dont il anticipa courageusement les motifs fantastiques plus sombres.
Le romantisme, en tant que phénomène social, a d'abord été théorisé en Allemagne, mais a eu des effets plus larges en France, où les normes de comportement social étaient si fortes que les artistes romantiques vivaient seuls, opprimés par un profond sentiment d'inconfort et de culpabilité.
Dans la peinture du romantisme se réfère aux tendances culturelles et philosophiques, il était pertinent en Amérique et dans les États européens aux XVIIIe, XIXe et XXe siècles. Le genre est né en Allemagne, s'est d'abord manifesté dans la littérature, puis est passé à la peinture et s'est répandu en Angleterre, a touché la France, l'Espagne et plusieurs autres pays d'Europe et d'Amérique.
L'ère du romantisme tombe dans la période historique entre la Révolution française de 1789 et les révolutions démocratiques bourgeoises européennes de 1848, un tournant dans la vie des peuples européens.
La croissance rapide du capitalisme a sapé les fondements du système féodal, et partout les relations sociales, maintenues pendant des siècles, ont commencé à s'effondrer. Des révolutions et des réactions ont secoué l'Europe, la carte a été redessinée. Dans ces conditions contradictoires, le renouveau spirituel de la société a eu lieu.
Le romantisme s'est développé à l'origine (années 1790) dans la philosophie et la poésie en Allemagne, puis (années 1820) s'est répandu en Angleterre, en France et dans d'autres pays. Le romantisme met à la base de la perception de la vie le conflit entre l'idéal et la réalité, les émotions fortes et le quotidien.
Le genre de la peinture romantique s'est formé progressivement, d'abord un idéal héroïque romantique est apparu. Vers la fin du XNUMXème siècle, la tendance a commencé à se manifester. Principaux objectifs et dogmes : accent mis sur la spontanéité, la foi dans le meilleur des gens et la recherche de la justice. Le style du romantisme se caractérise par la prédominance des thèmes mythologiques, l'idéalisation des temps passés, le rejet des dogmes du passé et la vision rationnelle et les images lyriques.
Chaque artiste a vu le genre du romantisme dans la peinture à sa manière, de sorte que le thème, le style et les détails sont très différents. Les particularités de la direction contribuèrent à l'ouverture de plusieurs écoles, parmi lesquelles : la Norwich School of Landscape Painters, la Barbizon School, etc. De même, le style avait une certaine valeur dans la manifestation du symbolisme et de l'esthétisme, et grâce à la contribution des artistes les plus influents, le mouvement préraphaélite s'est formé.
Le romantisme dans les arts visuels était largement basé sur les idées des philosophes et des écrivains. En peinture, comme dans d'autres formes d'art, les romantiques étaient attirés par tout ce qui était insolite, inconnu, que ce soit les pays lointains avec leurs coutumes et costumes exotiques (Delacroix), le monde des visions mystiques (Blake, Frédéric, Préraphaélites), la magie , rêves (Runge) ou subconscient des profondeurs obscures (Goya, Füssli).
L'héritage artistique du passé est devenu une source d'inspiration pour de nombreux artistes : l'Orient ancien, le Moyen Âge et la Proto-Renaissance (Nazaréen, Préraphaélites). À l'opposé du classicisme, qui exaltait le pouvoir évident de la raison, les romantiques chantaient des sentiments passionnés et orageux qui s'emparaient de toute la personne.
Les premiers à répondre aux nouvelles tendances furent le portrait et le paysage, qui deviennent les genres favoris de la peinture romanesque.
L'épanouissement du genre du portrait était associé à l'intérêt des romantiques pour la brillante individualité humaine, la beauté et la richesse de leur monde spirituel. La vie de l'esprit humain prévaut dans un portrait romantique sur l'intérêt pour la beauté physique, dans la plasticité sensuelle de l'image. Un portrait romantique (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) révèle toujours la singularité de chacun, traduit une dynamique, un intense palpitant de vie intérieure, une passion rebelle.
Les romantiques s'intéressent aussi à la tragédie d'une âme brisée : les héros des œuvres sont souvent des malades mentaux. Les romantiques pensent que le paysage est l'incarnation de l'âme de l'univers ; la nature, comme l'âme humaine, apparaît dynamique, en constante évolution.
Les paysages ordonnés et anoblis caractéristiques du classicisme ont été remplacés par des images d'une nature spontanée, récalcitrante, puissante, toujours changeante, correspondant à la confusion des sentiments des héros romantiques.
Caractéristiques et tendances
Pendant une bonne partie du XVIIIe siècle, le courant néoclassique domine la peinture, principalement inspiré par des impératifs d'ordre, d'équilibre, de rationalité et de clarté. Pour les peintres de l'époque, le sujet représenté acquiert une importance fondamentale, qui est généralement cataloguée selon des critères de pertinence et des genres de moins en moins mineurs.
Pourtant, en pleine période romantique, on assiste à la déformation de tout ce qui a affecté les diktats artistiques néoclassiques au profit de tendances totalement nouvelles. En fait, la peinture devient un terrain fertile pour l'irrationnel, pour les sentiments, pour la passion, pour l'énergie, l'absolu et le mystère.
En particulier, le peintre cesse de jouer un rôle social préétabli lié à certains protocoles artistiques et devient un simple bourgeois comme beaucoup qui entendent faire de la créativité et de l'imagination leur propre figure artistique.
C'est-à-dire que le peintre commence à pointer vers l'individualisme, vers l'expression spontanée et libre de son propre génie créateur. Dans cette perspective donc, toutes règles et conventions sont absolument interdites au stade de la création pour laisser libre cours à la subjectivité du peintre.
Cependant, à l'époque romantique, non seulement les règles picturales ont changé, mais aussi le but artistique. Si en plein néoclassicisme, en effet, toute œuvre est le porte-parole d'une finalité didactique, d'une finalité pédagogique, à l'époque romantique (comme nous l'avons souligné précédemment) l'œuvre d'art n'est qu'une expression de l'intériorité du peintre qui ne pointe plus à l'imitation de la nature environnante mais à la représentation du conflit avec la société, du moi contre la nature hors d'elle-même.
De ce point de vue, le sujet pictural cesse de jouer un rôle prépondérant car ce qui transmet réellement le message artistique devient le mode de représentation choisi. En Angleterre, par exemple, la peinture romantique était principalement un paysage, mais manquait de détails ennoblissants.
Le paysage est représenté tel qu'il apparaît, sans fioritures ni conventions comme dans les peintures de Constable ou plein de drame, avec une force évocatrice puissante, comme dans les œuvres de Turner, dans lesquelles des éléments de modernité sont également inclus, tels que le train, la machine, la vitesse mais inséré dans des contextes flous, dynamiques, tendus.
En Allemagne, en revanche, la peinture tourne son regard vers des objectifs plus philosophiques et religieux, comme dans les tableaux de Caspar David Friedrich, par exemple, dans lesquels le thème romantique fait son chemin en se concentrant sur l'angoisse de l'homme, la solitude, la mélancolie exprimée grâce à l'utilisation d'une nature nue et symbolique.
En France, la peinture du romantisme prend de la force, elle est chargée de violence, de lutte, de tension dramatique, autant d'éléments développés par Géricault dans le tableau "Le Radeau de Méduse", dans lequel un naufrage est mis en scène lors d'un des moments les plus dramatiques.
L'esprit de la peinture romantique
L'esprit romantique rejette la discipline académique au profit d'un retour régénérateur à quelque chose d'ancien et de plus libre, de plus personnel et d'exotique. La découverte d'Herculanum et de Pompéi au XVIIe siècle avait éveillé chez les artistes un sentiment de nostalgie du passé qui les a amenés à redécouvrir et à se réapproprier des formes d'expression nouvelles et anciennes.
L'idéal plastique méditerranéen, incarné par le héros grec ou romain, est progressivement remplacé par un goût pour les civilisations nordique, germanique, anglaise, scandinave et écossaise. La peinture est l'art figuratif par excellence du romantisme et acquiert des facettes très diversifiées selon le territoire dans lequel elle s'est développée.
sentiments nationalistes
La Révolution française, qui est née des Lumières, a été l'arrière-plan du romantisme. Nées de l'idéal des Lumières, « la liberté, l'égalité et la fraternité » ont également servi de base aux émotions héroïques et chauvines. Le romantisme a déclenché des sentiments nationalistes, dans lesquels le pays, la langue et l'histoire et les normes et valeurs traditionnelles ont été glorifiés.
Dans le processus de formation de la nation et de l'État au XIXe siècle, le nationalisme est également apparu comme une idéologie politique. Le contenu des œuvres compare ces sentiments nationalistes au passé mythologique historique ou fictif. Les faits saillants artistiques de ce passé national ont également reçu beaucoup d'attention dans les musées.
Si les peintres romantiques remontent souvent dans le temps, Eugène Delacroix peint la révolution de 1830 cette même année. Les révolutionnaires sont dirigés par Marianne, le symbole national de la France.
Allégorie de la liberté, il a le drapeau français et un fusil à la main. Delacroix n'a pas appliqué de couche de vernis sur le tableau, de sorte que les textures poussiéreuses et les vapeurs de poussière sont mates sur la toile. L'absence de couche brillante rend les performances plus réalistes.
Malgré la lutte des artistes pour déterminer eux-mêmes le contenu de leur travail, une demande de travail dans un style classique persiste également. Malgré la Révolution française, les peintres académiques pouvaient encore gagner leur vie en peignant des images mythologiques et religieuses. Pendant la Révolution française, les églises ont souffert, mais presque tous les régimes français ont maintenu des liens avec l'église par la suite.
Ils ne voulaient pas non plus blesser les sentiments religieux de la majorité de la population. De beaux peintres traditionnels et conservateurs tels que Delaroche, Lourens Alma Tadema et Bouguereau ont répondu à la demande de peintures religieuses et mythologiques dans la tradition académique.
Lieux exotiques
Le XIXe siècle a été le siècle de l'expansion. Ce qui semblait d'abord lointain s'est rapproché grâce au train et aux bateaux à vapeur. Les expositions mondiales présentaient l'art et l'industrie des continents "étrangers". Le colonialisme a amené les mondes exotiques et "primitifs" en Europe. L'orientalisme et l'exotisme dans l'art sont nés du colonialisme et des expositions universelles.
Les peintures académiques de Lawrence Alma-Tadema telles que "La mort du premier-né" étaient fascinées par le sujet exotique de la représentation. Alma-Tadema a travaillé dans le style classique traditionnel, mais ses performances ont nourri l'imaginaire romantique et exotique. Les artistes ont réalisé de nombreuses études et croquis lors de leurs voyages, considérés auparavant comme des études préliminaires insignifiantes.
Dans la peinture du romantisme, l'esquisse est devenue une expression spontanée de l'art, dans laquelle la calligraphie personnelle de l'artiste était visible.
L'esprit guerrier, qui grandit avec les ambitions impériales de Napoléon, prévaut dans la conscience de nombreux artistes. Le mouvement des armées a entraîné des échanges entre différentes civilisations, approfondissant la connaissance mutuelle, les styles caractéristiques de chaque pays ont été appréciés.
Les campagnes napoléoniennes au Moyen-Orient suscitent l'intérêt pour les civilisations arabe et juive, et des peintres comme Gross et Auguste commencent à collectionner des objets orientaux, des bijoux et des tapis, qui passent au langage pictural grâce à Ingres, Delacroix et Chassériau.
Peinture romantique dans différents pays
La profondeur de leurs propres expériences et pensées personnelles est ce que les peintres transmettent à travers leur image artistique, faite de couleur, de composition et d'accents. Différents pays européens avaient leurs propres particularités dans l'interprétation de la peinture romantique. Tout cela est lié au courant philosophique, ainsi qu'à la situation socio-politique, à laquelle l'art était la seule réponse vivante. La peinture n'a pas fait exception.
La peinture figurative dans le romantisme acquiert des facettes très diversifiées selon le territoire dans lequel elle se développe. Parmi les grands précurseurs du mouvement romantique figure Francisco Goya en Espagne. En France et en Angleterre, l'intérêt pour le passé national récent refait surface, ce qui favorise une évolution du design des décors et des accessoires, jusqu'à la création du « Style Troubadour ».
Ce goût est né dès 1770, favorisé en France par la série de statues commandée par le comte d'Angiviller, commémorant des Français illustres. Les poèmes de Milton et la redécouverte des pièces de Shakespeare ont joué le même rôle en stimulant un retour aux gloires passées.
Le romantisme allemand en peinture
Sur le territoire de l'Allemagne, le style s'est manifesté plus tôt, les artistes se sont efforcés d'idéaliser le passé - le Moyen Âge. Les œuvres étaient souvent contemplatives et passives, adhérant au romantisme spécialisé dans les paysages et les portraits. Entre autres, a souligné Otto Runge, ses toiles combinent la tension de la vie intérieure tout en maintenant le calme dans les manifestations extérieures.
Runge a dessiné des scènes de la faune en utilisant des couleurs vives, tandis que des créatures d'un autre monde étaient souvent présentes. Il a activement étudié les informations sur le rendu des couleurs, a écrit des traités sur ce sujet, a divisé le spectre en parties et a réussi à obtenir un grand succès dans la transmission des couleurs et de la lumière. Dans ses toiles fantastiques, il a réussi à donner une impression d'espace et d'air.
La peinture du plein romantisme des XIXe et XXe siècles se reflète dans l'œuvre de Caspar David Friedrich, spécialisé dans les œuvres de style paysage. Il a choisi les montagnes du sud de l'Allemagne comme thème principal de sa créativité. Le talent de l'artiste lui a permis de transmettre le charme de la région, allié à la transparence mélancolique de la côte maritime. Il peint souvent des paysages sous un clair de lune modéré.
Le thème mythologique était proche de nombreux artistes, en particulier, la prédominance du romantisme dans la peinture de Carstens est notée.
Il a créé des dessins qui accompagnent divers livres, peint des résidences royales. Déjà pendant son travail à Rome, il écrivait activement dans la direction, la combinant souvent avec le néoclassicisme. L'artiste a réussi à refléter les sentiments cachés, le drame. À bien des égards, la direction des artistes locaux dans la peinture du romantisme allemand a contribué à la diffusion du style, reflétant plus la perception intérieure que l'essence réelle des choses.
Une branche est le genre de romantisme dans la peinture appelé Biedermeier, reflété dans des œuvres de chambre, généralement des scènes de tous les jours. Le style était typique de la peinture romantique autrichienne et allemande, dans les dessins la préférence était donnée aux scènes idylliques. Le style était représenté par Ludwig Richter, GF Kersting, Ferdinand Waldmüller et d'autres artistes.
Le romantisme anglais en peinture
En Angleterre trois courants artistiques se distinguaient : le courant visionnaire onirique, le courant du sublime et le courant pittoresque. Les exposants maximum de chacun d'eux étaient respectivement William Blake, William Turner et John Constable. Le poète visionnaire William Blake a puisé ses œuvres picturales à partir des images créées par sa poésie, étroitement liée au christianisme.
John Constable fut le premier à renouveler avec ses couleurs le sentiment joyeux et libre de la nature, inauguré au siècle précédent par Jean Honorè Fragonard, mais abandonné à l'époque néoclassique, le sublimant. Le sens de l'histoire et le plaisir d'illustrer le pittoresque se ressentent en Angleterre, un exemple est l'ouvrage Blizzard, dans lequel William Turner représente Hannibal avec ses soldats traversant les Alpes.
Tandis que Thomas Gainsborough a eu le temps de découvrir la magie mystérieuse des couleurs avec leurs touches presque schématiques, fluides, indéterminées par rapport à l'académisme et l'utilisation d'un mélange fluide et brillant personnel.
Sur le territoire de l'Angleterre, le style a également parfaitement pris racine, la peinture du romantisme anglais est particulièrement visible dans les œuvres de Johann Heinrich Füssli. Il privilégie le graphisme et la peinture, gardant le romantisme dans ses fondements. Il a réussi à combiner l'idéalisation de l'image sous la forme classique avec des intrigues fantastiques.
L'artiste a montré les peurs humaines, y compris la peur des mauvais esprits qui sont censés étrangler les gens dans leur sommeil. Bien que l'artiste soit né en Suisse, il a passé la majeure partie de sa vie en Angleterre.
Grâce à sa vision du romantisme en Angleterre, le tableau acquiert un caractère mystique. Des visions fantastiques et des cauchemars caractéristiques de millions de personnes nous regardent depuis les toiles. Pendant longtemps, la question est restée muette et grâce à Füssli, ils ont pu débattre au niveau public. Il mêlait contes de fées, folklore et hallucinations.
De plus, l'essence du romantisme dans la peinture européenne a été révélée par William Turner, il est devenu célèbre pour la transmission de la lumière à l'air et la réflexion des ombres. Un long métrage est une fantasmagorie, il a montré des ouragans, des tempêtes, des catastrophes. Peu à peu, les nuances sombres ont disparu des œuvres de l'artiste et la place principale y a été attribuée à l'éclairage et à l'air. Il reflétait le mouvement, les nuances et l'éclairage particulier.
Un représentant bien connu de la peinture romantique européenne était William Blake, certaines de ses œuvres ont été influencées par l'étude approfondie de la Bible, mais l'art a attiré l'artiste dès l'enfance. Il travaillait à la détrempe et à l'aquarelle, affirmant que des visions lui venaient. Voyant des choses incroyables, il a reflété son essence dans ses œuvres, estimant que tous les artistes travaillent de cette manière.
William Blake n'a connu le succès qu'au cours des dix dernières années de sa vie, lorsqu'il a trouvé des personnes partageant les mêmes idées et a commencé à vendre ses œuvres de manière rentable. L'art est dominé par des images féminines, des divinités, divers animaux et des sujets non standard.
John Constable avait un style de peinture en relief, il formait la texture avec des traits épais, évitant souvent les détails. Il peignait des portraits pour gagner sa vie et considérait la peinture de paysage comme sa vocation, apprenant la beauté de la nature et les lois de la couleur avant de populariser la direction parmi les impressionnistes.
L'artiste a préféré peindre des beautés anglaises, formant de nombreux croquis afin d'obtenir encore plus de composition. Souvent, les croquis avaient une expression et une énergie particulières, mais à la fin, ils ne se reflétaient pas dans le travail fini.
Très souvent les décors étaient peints avec un parti pris mystique. Bien que l'essence de l'œuvre soit transmise dans le style du romantisme, il a cherché à montrer des effets atmosphériques, parmi lesquels il a pu dessiner la forte humidité, le mouvement de l'environnement. Entre autres choses, des lignes brisées ont été utilisées pour cela, des touches avec un pinceau avec de la peinture légère pour donner l'effet de luminosité.
Constable a montré la fureur des éléments, souvent représentés avec des arcs-en-ciel, de beaux édifices, dont des cathédrales. Il savait ajouter des détails de manière à obtenir un ensemble particulier de nuances, à former de la légèreté et à attirer l'attention sur les toiles.
Le romantisme français en peinture
En France, le romantisme en peinture s'est développé selon des principes différents. La vie sociale orageuse ainsi que les bouleversements révolutionnaires se manifestent dans la peinture par la gravitation des peintres pour représenter des sujets hallucinatoires et historiques, également avec excitation nerveuse et pathétique, qui ont été obtenus par un contraste de couleurs éblouissant, un peu de chaos, l'expression de mouvements. , ainsi que des compositions spontanées.
Les premiers signes d'un changement de style s'observent en France dans les années 1810. Sous le règne de Napoléon, Jacques-Louis David façonne la peinture académique avec des portraits d'État et des tableaux d'histoire.
La peinture d'histoire qui débute présente des compositions idéalisées, pour la plupart de petit format, du Moyen Âge et de la Renaissance, appelées le style troubadour. Le contenu est généralement intime et anecdotique, mais il y a aussi des scènes très dramatiques.
La vie d'artistes vénérés tels que Raphaël ou Léonard de Vinci, ainsi que celle de dirigeants ou de personnages fictifs, est reconstituée. Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Ingres, Richard Parkes Bonington, Paul Delaroche sont les peintres romantiques les plus importants de France.
L'important auteur français, Victor Hugo, s'est adonné au dessin tout en écrivant, littéralement « entre deux vers ». Ses paysages sombres en sépia (encre brune) et encre noire reflètent l'atmosphère de ses romans sans s'y référer en termes de motif. Le romantique se retrouve surtout dans les thèmes : châteaux gothiques, ruines délabrées, nature sauvage, mer rugissante avec des navires, etc. André Breton appréciait déjà le travail d'Hugo sur l'inattendu, sa recherche du mystérieux.
William Bouguereau a d'abord choisi des thèmes mythologiques et des pièces de genre, puis des thèmes principalement religieux. Il avait un style virtuose qui réussissait à reproduire magnifiquement la sensualité de la peau et des textures. Bien que son style soit très académique, avec les formes et les lignes claires et les couleurs du néoclassicisme, de nombreuses représentations s'inscrivent dans le sentiment de la peinture romantique.
Son travail illustre aussi l'évasion de la réalité, l'évasion du XIXe siècle. Le mysticisme, la contemplation et le drame dans son travail de représentations de saints et de personnages mythologiques ont séduit de nombreuses personnes, y compris les dames et les messieurs représentés par les préraphaélites en réponse aux changements rapides de la société. Des peintres comme Dante Gabriel Rossetti ne voulaient pas non plus annoncer une révolution picturale.
Pour les Français, le romantisme, c'est aussi le sens de la vie moderne et l'effort de comprendre et d'illustrer aujourd'hui. Le classicisme est ainsi abandonné, Eugène Delacroix est le chef de file de la peinture romantique française : son célèbre tableau « La Liberté guidant le peuple » est considéré comme le premier volet à caractère politique dans l'histoire de l'art moderne.
le style troubadour
Le style peut être considéré comme un aspect du romantisme, une version picturale des poèmes et des romans de Walter Scott, et a été décrit comme un "style dans le style". Populaires surtout en France, les peintres de ce courant représentent des scènes inspirées du Moyen Âge et de la Renaissance, avec des vêtements colorés, des amourettes et des exploits chevaleresques.
Les peintures de style Troubadour sont généralement de petite taille, avec un accent sur les détails. De nombreux artistes importants se sont confrontés à ce style, par exemple Jean-Auguste-Dominique Ingres dans La Mort de Léonard de Vinci (1818, Petit Palais, Paris).
Peintres romantiques
Le romantisme s'exprime pleinement dans la peinture. Vus internationalement, quelques icônes picturales typiques de « l'âge romantique » 1790-1850 étaient : le peintre allemand Caspar David Friedrich, l'anglais John Constable et le peintre français Eugène Delacroix. Leurs différences entre eux montrent à quel point le mouvement romantique était vraiment diversifié.
Eugène Delacroix 1798-1863
Delacroix a laissé une œuvre considérable, il a réalisé des centaines de peintures, aquarelles, peintures murales, dessins, lithographies et gravures. Ce faisant, il choisit souvent des représentations à contenu émotionnel ou dramatique, mettant en scène des événements historiques, mythologiques et littéraires. Il a réussi à dramatiser ses performances avec de forts contrastes clair-obscur. Contrairement aux peintres académiques du néoclassicisme, Delacroix s'est concentré non pas sur les formes et les lignes "cool", mais sur la couleur et l'atmosphère.
Bien que les compositions de Delacroix soient pensées dans le détail, l'effet de couleur était important pour lui, il en discuta avec Constable et Turner. Lors de ses voyages au Maroc, entre autres, il réalise de nombreux croquis et aquarelles.
Delacroix a également choisi des thèmes exotiques, principalement inspirés de ses voyages en Afrique du Nord. En 1824, il fait sensation avec son tableau de quatre mètres de haut Le Massacre de Chios. Le sous-titre était : Scène d'un meurtre de masse à Chios ; Familles grecques en attente de mort ou d'esclavage.
Il y dépeint un horrible massacre qui avait eu lieu sur l'île de Chios deux ans plus tôt. De plus, cinquante mille Grecs ont été tués par les Turcs ottomans et autant ont été pris comme esclaves. Delacroix, qui connaissait bien le Radeau de la Méduse de Géricault parce qu'il en avait été un modèle, construit de même la composition avec des personnages empilés en triangles. Grâce à ce tableau, Delacroix est rapidement considéré comme le peintre le plus important de l'époque romantique.
En 1827, Delacroix expose la pièce historique La Mort de Sardanapale, l'histoire d'un ancien monarque assyrien. Après le siège de son palais, ce sultan aurait fait tuer son harem et ses chevaux et brûler leurs biens avant de se suicider. La peinture dépeint les exécutions dramatiques de ceux qui ne boiraient pas de poison, avec un contraste complémentaire profond entre le rouge chaud et les ombres sombres d'où la fumée s'élève déjà.
Théodore Géricault 1791-1824
Chez Géricault aussi, la ligne et la forme austères, si caractéristiques des néoclassiques, disparaissent. Il a traité des questions de la vie à travers des thèmes historiques, mais s'est également penché sur la réalité quotidienne. La toile la plus célèbre de Géricault, Le Radeau de la Méduse, est tirée d'une histoire vraie.
Géricault en a souligné le moment le plus dramatique : au moment où le radeau est sur le point de couler et où presque toutes les personnes à bord de la Méduse sont mortes, certains découvrent un navire à l'horizon. C'est le vaisseau qui a sauvé ces survivants.
Francisco Goya 1746–1828
En tant que peintre de cour, Goya a peint des portraits de la famille royale espagnole. Goya avait vécu beaucoup de pauvreté dans sa jeunesse, et pour l'observateur attentif, on peut voir à partir de ces portraits qu'il nourrissait encore des soupçons envers l'aristocratie. Il a également montré la peur de la guerre, de l'oppression et de la violence dans des gravures et des peintures aux représentations horribles.
Le peuple espagnol s'est rebellé après 1808 contre les troupes françaises de Napoléon, qui ont commis de terribles atrocités pendant l'occupation. Un chaos violent s'ensuivit en Espagne. Ces terribles événements détermineront l'œuvre de Goya jusqu'en 1815. L'œuvre la plus célèbre de cette période est le 3 mai 1808, qui montre l'exécution de civils.
Goya a également dépeint avec justesse le désespoir dans la série de peintures noires. Dans les dernières années de sa vie, la fantaisie a joué un rôle important, ses images de dark fantasy représentent le côté dépravé de l'homme. Goya occupe une place à part, en tant que courtisan et portraitiste il a dû s'adapter un peu à l'élite, mais il a aussi laissé de côté son dégoût pour le comportement de l'homme. L'œuvre de Goya est donc liée au baroque tardif, mais annonce aussi la peinture du romantisme.
Dante Gabriel Rossetti 1828-1882
En 1848, plusieurs artistes anglais fondent la Pre-Raphaelite Brotherhood. L'un des artistes de ce groupe était Dante Gabriel Rossetti. Ils voulaient revenir à la nature et s'éloigner de l'art académique. La première peinture italienne avant Raphaël (pré-Raphaël) a été l'inspiration de sa peinture. Pensez à des peintres comme Botticelli, Titien et Giorgione.
L'objectif des préraphaélites était de créer un monde meilleur en arrêtant la mécanisation en cours qui engloutissait l'Angleterre victorienne. Les éléments religieux et sociaux ont joué un rôle important dans son travail.
Caspar David Friedrich 1774-1840
Caspar David Friedrich fut, en peinture, l'interprète le plus important de l'esprit romantique allemand. Dans ses œuvres, le peintre exprime la solitude, la mélancolie, l'angoisse de l'homme face à une nature arcanique et symbolique, qui ne révèle pas le secret de la mort. La nature est représentée par Friedrich dans toute son infinité, comme pour exprimer le sentiment d'impuissance de l'homme, être fini, face à la nature, manifestation infinie.
L'adjectif souvent utilisé pour expliquer le romantisme allemand réside dans le terme Sehnsucht, que l'on peut traduire par « désir de désir » ou « mal du désir », un sentiment d'agitation continue et de tension poignante, un sentiment qui afflige le sujet et le pousse à dépasser les limites de la réalité terrestre, oppressante et étouffante, pour se réfugier à l'intérieur ou dans une dimension qui dépasse l'espace-temps.
Francesco Hayes 1791-1882
En Italie, le plus grand représentant de la peinture romantique était le Vénitien Francesco Hayez, portraitiste bien connu et principal interprète de la peinture d'histoire en Italie. Le thème historique était pour Hayez le moyen de transmettre les faits et les aspirations du Risorgimento.
Contrairement à Delacroix, qui dépeint l'actualité politique de son pays natal, Hayez tire ses thèmes d'épisodes de l'histoire italienne passée (notamment médiévale), auxquels il attribue la valeur des métaphores actuelles. Son œuvre Il bacio est considérée comme le manifeste de l'art romantique italien.
Joseph MallordWilliam Turner 1775-1851
L'Anglais Joseph Mallord William Turner est l'un des artistes les plus originaux des temps modernes. Turner a commencé à colorier des points et a étudié à la Royal Academy de Londres à partir de 1789. Au départ, il s'intéressait à la peinture de paysage.
Au cours de ses voyages en Angleterre et au Pays de Galles, il réalise des dessins et des aquarelles d'anciens châteaux, cathédrales et paysages côtiers. Il a créé ses premières peintures à l'huile en 1796. Dans les années suivantes, il a créé des paysages et des marines, qu'il a souvent augmentés jusqu'à l'irréel avec des figures mythologiques et des motifs dramatiques.
Les peintures de paysages de Turner sont un prélude à l'impressionnisme, à l'expressionnisme et à l'informalisme. Il est considéré comme le découvreur du paysage atmosphérique et a donc été le premier à créer la direction de la peinture de paysage qui ne veut pas représenter les objets eux-mêmes, mais l'impression qu'ils produisent dans certaines conditions d'éclairage. Vu sous cet angle, il est le véritable précurseur des impressionnistes et quelque deux générations avant les Français.
Les peintures de Turner apportent des modes et des timbres entièrement nouveaux à la peinture du XIXe siècle. Il a peint ses paysages, les heures de la journée, les conditions météorologiques, les formations nuageuses avec des contours dissous et flous, avec des détails nets entre les deux. Son tableau de 1844 « Pluie, vapeur, vitesse » est l'une des premières représentations d'un chemin de fer : la machine à vapeur en fer émerge d'un nuage brumeux de couleur ; la laideur et la magnificence du monde changé par l'industrie sont attirantes.
Tableaux emblématiques du romantisme
En ce qui concerne le romantisme, la peinture est sans aucun doute l'un des meilleurs moyens de comprendre l'âme de cette période historique intense et contrastée. Les principaux motifs des artistes de cette période étaient le désir, l'amour et la solitude, ainsi que le terrifiant, l'inconscient, le fantastique et l'aventure, auxquels nous, les humains, ne pouvons résister. Les œuvres d'art romantiques sont façonnées par l'esprit d'individualisme et véhiculent souvent une humeur mélancolique, voire triste.
Le baiser de Francesco Hayez
(Pinacothèque de Brera -Milan) On ne peut pas commencer à parler des plus belles peintures romantiques sans partir du chef-d'œuvre italien de Francesco Hayez, un peintre italien très présent à Milan, capable de combiner des contes politiques avec des scènes d'une beauté intense. Ce n'est pas un hasard si ce tableau est devenu le manifeste du romantisme en Italie et le peintre lui-même l'a proposé en trois versions différentes.
Si à première vue on observe les deux amants engagés dans un baiser passionné, capable de raconter l'ardeur juvénile, en réalité les significations sous-jacentes sont beaucoup plus profondes : union nationale, patriotisme, engagement politique et militaire, tous représentés de manière allégorique dans ce tableau étonnant.
Le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault
(Louvre -Paris) De grande taille, Le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault fut à l'origine une cause de scandale et d'émoi royal. Le tableau raconte un événement tragique qui a réellement eu lieu : le naufrage de 1816 qui a coûté la vie à des centaines de soldats. Cet événement a choqué une nation entière lorsque cent cinquante personnes sont montées à bord du radeau, mais seulement quinze ont réussi à survivre et à être secourues.
Le peintre, alors très jeune, raconta la tragédie avec un réalisme surprenant pour l'époque, étudiant les corps en direct, notamment à la morgue. Dès l'époque du néoclassicisme, qui caractérise encore tant l'art en France, il plonge dans un romantisme intense. Ainsi, l'œuvre n'a été pleinement comprise qu'au fil des années, comme c'est souvent le cas chez les grands artistes, mais, à sa sortie, l'émotion dominante était le rejet.
Le vagabond au-dessus de la mer de nuages de Caspar David Friedrich
(Hamburg Kunsthalle -Hamburg) C'est la peinture qui incarne certaines des principales valeurs de la peinture romantique. La représentation immortalise un voyageur derrière et devant une mer déchaînée.
Ce que raconte ce merveilleux tableau n'est pas une histoire, comme c'est le cas dans les autres tableaux vus jusqu'à présent, mais un état émotionnel : le concept d'infini, l'errance et l'imperfection de l'âme et de ses sentiments. Le promeneur au-dessus de la mer de nuages est l'emblème du romantisme allemand, très différent des romantismes français et italien.
Le Daredevil remorqué jusqu'à sa dernière couchette pour la mise au rebut de William Turner
(National Gallery -Londres) À travers ses peintures, William Turner est capable de raconter des états émotionnels, des sentiments et des concepts romantiques tels que le sublime. Ce chef-d'œuvre raconte le dernier voyage du navire anglais Temeraire, jadis vainqueur au combat : remorqué pour être détruit, il est représenté avec le drapeau blanc levé et le coucher de soleil derrière, une représentation capable d'allier sentiments mêlés et significations politiques.
Hay Wain de John Constable
(National Gallery -Londres) John Constable est un autre des peintres les plus significatifs du romantisme anglais et, comme Turner, il se consacre également entièrement à la représentation des paysages bucoliques de Dedham Vale, près de son lieu de naissance. Son grand chef-d'œuvre est The Hay Wain, une grande toile, qui à l'époque fit scandale : la technique utilisée, en effet, semblait presque impressionniste en raison des petits coups de pinceau qui composent le paysage.
Une nouveauté qui à Londres semblait irrévérencieuse et délibérément provocatrice, mais qui a été très appréciée en France, même par Géricault. La nature était sûrement le protagoniste de cet artiste, mais d'une nature très différente de celle représentée par Friedrich.
La Liberté guidant le peuple par Eugène Delacroix
(Louvre -Paris) Il représente la liberté qui conduit au peuple uni, contre l'oppresseur, un grand concept de patriotisme. Ici, la classe sociale ne compte pas, Delacroix représente différents types de personnes comme on peut le voir dans les vêtements et c'est aussi pourquoi il a toujours été considéré comme une icône de l'art politique. L'un des premiers exemples du genre et certainement l'une des peintures les plus appréciées de l'histoire.
Les Enfants de Huelsenbeck de Philipp Otto Runge
(Kunsthalle -Hambourg) Cet artiste appartient au romantisme allemand et se distingue par les représentations d'enfants, ce qui lui vaut le surnom de peintre de contes de fées. Il fait partie du romantisme de par ses significations allégoriques, comme dans le tableau choisi parmi ses plus beaux : Les Enfants de Hülsenbeck.
Le tableau, qui représente au premier plan le portrait des enfants d'un ami à côté des tournesols et présente une composition chromatique parfaite, exprime le sens allégorique de l'enfance, de l'innocence et de l'âge perdu, que le romantisme considère avec mélancolie.
Didon construit Carthage par William Turner
L'une des prérogatives du romantisme artistique était de regarder vers le passé, souvent nostalgique de temps lointains et d'éprouver une profonde nostalgie. Dans Didon bâtit Carthage, Turner représente bien ce concept.
Admirateur des premiers artistes Nicolas Poussin et Charles Lorraine, comme eux, le peintre anglais utilise des éléments anciens, à commencer par le thème même de l'œuvre, tiré de l'Énéide de Virgile. Mais pour capter le spectateur il y a l'aspect naturaliste et les sensations que cette nature transmet. Une nature sereine et majestueuse qui domine.
Le naufrage de l'espoir de Caspar David Friedrich
Le thème du naufrage revient à nouveau chez Friedrich, mais cette fois dans une mer de glace. Ce qui caractérise le plus la peinture de l'artiste allemand, c'est l'évocation de sentiments forts à travers des images de paysages et de nature qui ont symboliquement d'autres significations.
Le naufrage, en effet, représente le pèlerinage continu de l'homme et évoque son extrême fragilité, la fragilité humaine. L'homme, bien qu'en constante recherche, est à la merci des événements et ne peut rien contre eux.
Cathédrale de Chartres par Jean Baptiste Camille Corot
Paysagiste avant tout, Camille Corot fait partie des artistes romantiques pour son attention à la nature et la relation qu'il entretient avec l'homme, comme en témoigne ce beau tableau : La cathédrale de Chartres. Le tableau représente la présence de l'homme dans un contexte naturel composé d'arbres, de nuages et de prairies. La présence humaine est ressentie par les personnages au premier plan dans une création picturale qui cherche à donner une importance égale à tous les différents éléments représentés.
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