Ses contemporains l'appelaient le roi des artistes et l'artiste des rois. Pour la puissance du talent et sa polyvalence, la profondeur des connaissances et l'énergie vitale, Peter Paul Rubens il est l'une des figures les plus brillantes de la culture européenne du XVIIe siècle.
Peter Paul Rubens
La renommée de Pedro Pablo Rubens était si grande qu'avec l'éclat de son nom, le règne de l'archiduc Alberto et de sa femme Isabel a commencé à ressembler à un grand moment. Depuis, Rubens occupe une des places les plus honorables dans le monde magique de la peinture. Pedro Pablo Rubens a vécu de 1577 à 1640, une période communément connue des historiens sous le nom de Contre-Réforme, car elle a été caractérisée par le renouveau de l'Église catholique, qui s'est efforcée de supprimer les effets de la Réforme protestante.
C'était une période de combats acharnés, au cours de laquelle l'esprit et l'intellect humains ont fait de grands progrès, mais il est également connu pour sa cupidité, son intolérance et sa cruauté sans précédent. Au cours des années où Rubens a vécu, des scientifiques tels que Galileo Galilei, Johannes Kepler et William Harvey ont changé l'idée que l'homme se faisait du monde et de l'univers avec leurs travaux, et le mathématicien et philosophe René Descartes s'est appuyé sur le pouvoir de l'esprit humain, qui Il influença profondément sa pensée.
Mais ce siècle a aussi un côté sombre. La "chasse aux sorcières", étonnante ampleur du zèle religieux, densément mêlée de fanatisme aveugle et de superstition, a transformé les XVIe et XVIIe siècles en un véritable cauchemar : à travers l'Europe, des milliers de personnes, hommes et femmes, ont péri sur le bûcher. comme punition pour le fait qu'ils auraient commis des crimes contre l'humanité et la nature.
L'Inquisition, ressuscitée du Moyen Âge, a recherché avec diligence les ennemis de l'Église romaine, ce qui a inévitablement conduit au meurtre de masse et à la torture de personnes soupçonnées d'hérésie. Les guerres de religion, les unes après les autres, ont sapé la paix établie en Europe. Le plus destructeur de tous, le trentenaire, a hanté l'Allemagne dans les années où Rubens a connu son plus grand succès créatif.
La patrie de Pedro Pablo Rubens, les Pays-Bas, a été brisée tout au long de sa vie par une lutte acharnée pour l'indépendance de l'Espagne. Elle a commencé dix ans avant sa naissance et s'est terminée huit ans après sa mort. Il est difficile d'imaginer que Rubens ait pu peindre ses tableaux lumineux et éblouissants à une époque si sombre, où la violence et la ruine triomphaient partout.
Origine, enfance et jeunesse
Le 28 juin 1577, Maria Peypelinks est libérée du fardeau du sixième enfant. Il s'appelle Pierre Paul. A cette époque, Jan et Maria Rubens vivaient à Siegen, dans la province allemande de Westphalie. Neuf ans avant sa naissance, Jan et Maria ont fui leur ville natale d'Anvers par crainte de persécutions religieuses. Le père du peintre a étudié le droit à Rome et dans d'autres villes italiennes. De retour dans sa ville natale, il est nommé conseiller municipal. Pendant plusieurs années, il a exercé ces importantes fonctions.
Bien que Jan ait toujours été un adepte de l'Église catholique romaine, il devint plus tard sympathique aux enseignements protestants de Jean Calvin (1509-1564), qui étaient considérés comme une dangereuse hérésie dans le pays contrôlé par le roi catholique espagnol. Jan Rubens et sa famille ont fui les Flandres pour la ville de Cologne, à la cour de Guillaume d'Orange, surnommé le Silencieux. Là, il devint chargé d'affaires auprès de la femme de Wilhelm, Anne de Saxe, et plus tard son amant.
Le tribunal a rapidement découvert leur amour. Selon les lois de Jan Rubens, l'exécution attendait. Mais Maria s'est battue sans relâche pour sa libération. Elle a payé de l'argent pour le faire libérer sous caution et a même demandé une audience avec le prince à quelques reprises, devant qui elle a défendu son mari. Les lettres qu'il a écrites à la prison sont des preuves convaincantes de la dévotion féminine. En eux, elle supplie son mari de ne pas perdre courage et le convainc qu'elle lui a pardonné depuis longtemps.
Après deux ans de pétition, Maria a réussi à obtenir son chemin, en 1573, Jan a été libéré de prison sous caution et le couple a reçu un permis de séjour dans la petite ville de Siegen. En 1579, Jan fut autorisé à retourner à Cologne et finalement, en 1583, il obtint un pardon définitif et complet. Malgré toutes les vicissitudes inquiétantes de l'exil et les désordres de son père, une atmosphère bienveillante, sereine et une parfaite harmonie familiale ont toujours régné dans la maison où a grandi Pedro Pablo Rubens.
Dans ses lettres ultérieures, il se souviendra de Cologne comme de la ville où il passa son enfance heureuse. Rubens a pu percevoir les meilleures qualités de ses parents. De sa mère, il a hérité son caractère bienveillant et équilibré, la capacité d'aimer et d'être fidèle, et aussi, probablement, son attitude jalouse envers le temps et l'argent. De son père, son charme rapide et facile. Jan Rubens lui-même s'est consacré à l'éducation de son fils et lui a transmis son amour indéfectible pour la science et la littérature.
Maria a encore une propriété dans son Anvers natal, alors elle décide d'y retourner. Convertie au catholicisme, elle reçoit l'autorisation de retourner avec ses enfants dans sa patrie. Rien ne l'en a empêché, car il a réussi à réconcilier ses proches avec l'Église catholique. Elle n'a peut-être jamais partagé les croyances religieuses protestantes de son mari, bien que leurs deux fils, Philip et Pedro Pablo Rubens, aient été baptisés lors d'une cérémonie luthérienne.
Le diplomate italien Lodovico Guicciardini a laissé une description d'Anvers à son apogée. Il y avait cinq écoles dans la ville, de nombreux artistes y vivaient et il y avait une imprimerie fondée en 1555 par Christopher Plantin. C'était l'un des meilleurs d'Europe et était connu pour ses produits exquis et ses critiques pédantes et strictement scientifiques. Mais avec l'entrée des troupes espagnoles dans le pays en 1566, la Hollande est devenue un théâtre de guerre pendant de nombreuses années.
D'un côté, les Espagnols, de l'autre, les Provinces-Unies, qui se sont battues pour leur indépendance. Sièges, batailles, vols, malheurs indicibles - c'est le résultat de ces tristes années. En 1576, un an avant la naissance de Pedro Pablo Rubens, Anvers est victime d'une garnison espagnole rebelle. Des quartiers entiers ont été incendiés, des milliers de personnes sont mortes. Ces atrocités ont valu le sinistre nom de « fureur espagnole ». Anvers souffrit plus que les autres villes hollandaises tant du joug espagnol que de la révolte soulevée contre elle.
Lorsque Maria Rubens rentre chez elle avec ses enfants en 1587, la situation aux Pays-Bas se stabilise sur la base de la division entre les provinces indépendantes du nord. Au moment où Pedro Pablo Rubens arriva pour la première fois à Anvers, la ville était dans un état déplorable. Sa population est tombée à 45.000 XNUMX habitants, soit la moitié de ce qu'elle était il y a vingt ans.
Le renouveau de la ville commença progressivement. Le gouvernement espagnol fait d'Anvers une place financière et un poste d'appui pour répondre à tous les besoins de son armée. La vie culturelle et spirituelle de la ville a également été relancée. L'imprimerie de Plantin se remettait enfin de plusieurs années de déclin et les artistes anversois dans leurs ateliers recommencèrent à recevoir des commandes des églises et des institutions religieuses pour remplacer tout ce qui avait été dévasté pendant les années de fanatisme et de guerre.
Ainsi, Pedro Pablo Rubens a passé sa jeunesse dans une ville qui a peu à peu retrouvé sa vie d'avant. Au départ, il a étudié à l'école de Rombuth Verdonk, un scientifique à la réputation sérieuse, qui a continué à façonner l'esprit et le goût du garçon sur les traces de son père Jan Rubens. Là, Pedro Pablo a rencontré un garçon handicapé, de plusieurs années son aîné, et cette connaissance était destinée à devenir une solide amitié pour la vie. Moretus était le petit-fils de Plantin et, avec le temps, il est devenu le chef de l'imprimerie de son grand-père.
cherche un moyen
Sa mère le plaça quelque temps comme page chez la veuve du comte Philippe de Lalen, Marguerite de Lin. C'est ainsi que commençait généralement le chemin d'un jeune homme issu d'une bonne famille avec peu de ressources, pour finalement occuper une position digne dans la société. Un page courtois avec de bonnes manières pouvait compter sur une promotion, et avec l'âge, un poste important et responsable auprès de n'importe quel noble et, par conséquent, un certain rôle dans le gouvernement de l'État. Ce fut le début de plus d'une carrière politique célèbre.
Pedro Pablo Rubens a appris les manières de cour exquises chez la comtesse Lalen, mais même alors, il voulait devenir artiste et quelques mois plus tard, il a persuadé sa mère de le retirer du service de la comtesse et de l'affecter comme apprenti artiste. Ils cherchent un maître qui acceptera de l'emmener dans son atelier. C'est Tobias Verhaert. Pedro Pablo emménage dans sa maison. Le premier professeur de Rubens était un paysagiste banal : il peignait des paysages de petite taille, pour lesquels il y avait toujours une demande, mais Pedro Pablo ne pouvait pas apprendre grand-chose de lui.
Très vite, il s'installe dans l'atelier de l'artiste plus polyvalent Adam van Noort, avec qui il fait son apprentissage pendant environ quatre ans. À l'âge de dix-neuf ans, Pedro Pablo change à nouveau de professeur et devient l'élève d'un des artistes les plus connus d'Anvers, Otto van Veen. C'était un érudit au goût excellent, faisant partie d'un groupe d'élite d'artistes "romantiques" ayant étudié autrefois en Italie, dont les œuvres étaient imprégnées de l'esprit humaniste de la Renaissance. Le travail d'Otto van Veen était réfléchi, significatif, mais presque dépourvu de vie.
Cependant, cet artiste a eu une grande influence sur l'éducation esthétique de Rubens, inculquant à son élève une étude approfondie de la composition, stimulant son intérêt pour les aspects intellectuels de leur métier commun. Otto van Veen était particulièrement célèbre pour sa connaissance des symboles - de telles images artistiques à l'aide desquelles il était possible de transmettre visuellement des idées abstraites. La vaste connaissance des symboles accumulée tout au long de sa vie a servi à Rubens de carburant pour alimenter son imagination.
Cela ne lui coûtait rien de traduire ses idées (ou celles de son commanditaire) dans une collection d'images visuelles. Les bases de ce savoir ont été posées dans l'atelier d'un professeur qu'il a toujours admiré. Otto van Veen est resté un ami dévoué de Rubens tout au long de sa vie.
Lorsque Pedro Pablo Rubens atteint l'âge de vingt et un ans, il est accepté comme maître dans la Guilde Saint-Luc, Association anversoise des artistes et artisans, dont l'aîné est son ancien maître, Adam van Noort. Bien qu'il n'ait pas encore son propre atelier et continue à travailler avec Otto van Veen pendant deux ans, il est désormais autorisé à prendre des étudiants, ce qu'il fait, en prenant Deodatus Del Monte, le fils d'un orfèvre anversois, comme élève. .
On sait peu de choses sur l'œuvre de Rubens à cette époque. Il jouissait évidemment d'une grande réputation, sinon il n'aurait pas eu d'élèves. A cette époque, sa mère gardait déjà plusieurs de ses tableaux, comme elle en parlait fièrement dans son testament. Mais il n'y a qu'une seule œuvre signée de lui pour toutes ces années : un portrait complet d'un jeune homme, dont le visage, peint d'une main ferme, semble vivant.
Au cours de la dernière année du séjour de Rubens chez Van Veen, l'atelier reçoit une commande incroyable : la décoration de la résidence d'Anvers pour les réceptions des nouveaux souverains des Pays-Bas, l'archiduc Albert et l'archiduchesse Elizabeth. Depuis l'époque des ducs de Bourgogne, dans toutes les grandes villes des Pays-Bas, la coutume s'est développée d'organiser une magnifique réception mondaine pour leurs souverains, appelée « entrée joyeuse ».
Du point de vue du développement culturel, le règne d'Albert et d'Elisabeth est associé par tous à la grande Renaissance. Dans cet « âge d'or », ou plutôt le « crépuscule doré » de l'art flamand, Rubens était destiné à jouer un rôle de premier plan.
Pendant ce temps, à l'université d'Auven près de Bruxelles, son frère Philippe devient l'un des favoris du grand humaniste Justus Lipsius et acquiert progressivement une réputation de scientifique classique. Pedro Pablo est probablement resté en contact permanent avec lui, toujours à la recherche de conseils et d'aide. Il accorda une attention particulière à la langue latine et ne se désintéressa pas du monde de l'Antiquité. Inévitablement, de plus en plus souvent, il tourna son regard vers Rome, cette belle Ville Éternelle qui, tel un aimant, attirait tous les artistes et scientifiques.
En Italie pour l'expérience
Les artistes hollandais de l'époque étaient convaincus que la véritable lumière de l'art ne venait que d'Italie. C'est seulement là que les vrais secrets de l'art peuvent être compris. Tous considéraient qu'il était de leur devoir de faire un voyage à travers les Alpes. Les admirateurs de l'esthétique italianisante ignorent les traditions des anciens maîtres flamands, sans exception de van Eyck, van der Weyden ou Memling. Les artistes néerlandais avaient l'habitude de faire ce voyage une fois dans leur vie, mais ils restaient souvent en Italie pendant de nombreuses années, donc leur séjour dans ce pays les a rendus riches.
En mai 1600, Pedro Pablo Rubens, avant d'avoir vingt-trois ans, se rend en Italie. Il était jeune, beau et bien éduqué. Il connaissait l'anglais, l'espagnol, le français, l'italien et le latin. Un diplôme d'artiste de la Guilde de San Lucas et le sac à main de sa mère l'ont aidée à croire en son étoile. Peut-être que Pedro Pablo avait quelques recommandations essentielles avec lui. On ne sait lesquels, mais sa force effective est évidente : le 5 octobre 1600, il assiste à Florence au mariage de Marie Médicis avec le roi de France, et à la fin de l'année il entre au service de la cour de Mantoue.
Rubens a découvert des trésors dans la collection du duc. La collection de la famille Gonzaga est l'une des plus célèbres d'Italie. Il y a des œuvres de Bellini, Titien, Palma l'Ancien, Tintoret, Paolo Veronese, Mantegna, Léonard de Vinci, Andrea del Sarto, Raphaël, Pordenone, Correggio, Giulio Romano. Rubens copie assidûment Titien, Corrège, Véronèse. C'est devenu une coutume pour les collectionneurs de l'époque d'échanger des copies : à défaut de l'original, on peut au moins admirer son reflet.
Gonzaga est satisfait du travail de Rubens et envoie bientôt le jeune maître à Rome pour faire des copies des peintures des grands artistes. Dans une lettre au cardinal Montaletto, mécène des arts, le duc demande protection « à Pedro Pablo Rubens, flamand, mon peintre ». A Rome, Pedro Pablo profite de l'occasion pour se familiariser avec les créations des plus grands maîtres qui ont fait de Rome un lieu de pèlerinage : Raphaël et Michel-Ange.
En regardant les chefs-d'œuvre d'autres artistes et même en les copiant, vous pouvez caresser de merveilleux rêves, mais si vous voulez réussir, vous devez vous peindre. Cependant, l'artiste a besoin de commandes. Par une heureuse coïncidence, Pedro Pablo Rubens reçoit une commande pour trois images d'autel dans la chapelle de Santa Elena de l'église de la Sainte Croix de Jérusalem à Rome.
Cette œuvre a survécu jusqu'à nos jours, même si, bien sûr, elle est devenue très ancienne d'un temps inexorable. Mais cela démontre toujours la puissance de son imagination et la technique que l'artiste a appliquée pour terminer la commande. Au centre de l'autel, Rubens a placé sainte Hélène, cette figure vraiment royale dans une robe de brocart d'or. A droite de l'autel, il représentait le Christ, couronné d'une couronne d'épines, et à gauche, l'érection de la Croix. Pour la première fois, il a utilisé avec audace son expérience italienne.
Il est clair qu'il doute encore : le dessin puissant de Michel-Ange, la coloration dramatique du Tintoret. De plus, il est encore contraint par des souvenirs de Flandre. Mais, malgré cela, le travail mérite l'attention. Rubens a largement dépassé le niveau des fans flamands en Italie. Après avoir terminé la commande de l'église de la Sainte-Croix, Rubens retourna à Mantoue, où en mars 1603, le duc lui confia une tâche importante et responsable - transférer divers cadeaux coûteux au roi d'Espagne.
Les cadeaux consistaient en une voiture magnifiquement travaillée avec six chevaux, des feux d'artifice nouveaux et intéressants, des parfums et de l'encens dans des vases précieux, et plusieurs copies de peintures, cependant, non pas de Rubens lui-même, mais des maîtres les plus célèbres de Rome. Ces derniers étaient destinés à être offerts au premier ministre et favori du roi, le duc de Lerme, qui se faisait passer pour le saint patron des beaux-arts. Rubens devait accompagner personnellement les cadeaux et veiller à leur livraison en temps voulu au roi et à son ministre.
Voyage en Espagne
Le voyage en Espagne, cependant, n'a pas été facile. La route traversait les montagnes, de plus, il a fait un long voyage en mer, et Rubens n'avait pas assez de fonds alloués pour cela. Les inondations à Florence ont retardé son expédition de plusieurs jours et il a dû faire face à de sérieuses difficultés pour louer un navire. Quelques semaines plus tard, il a pu signaler son arrivée en toute sécurité à la cour royale espagnole avec tous les cadeaux qui étaient en toute sécurité, y compris "des chevaux brillants et beaux".
Mais un autre malheur l'attendait lorsque des copies des photos des bagages furent faites. "Aujourd'hui, nous avons découvert que les peintures étaient tellement abîmées que je suis tombée dans le désespoir. J'ai à peine le pouvoir de les restaurer. La toile a presque complètement pourri (alors que toutes les toiles étaient dans une boîte en zinc, enveloppées deux fois dans du tissu huilé puis placées dans un coffre en bois). Un si triste état d'entre elles est dû aux pluies constantes".
Heureusement, la cour royale s'installe au Château d'Aranjuez. De là, il ira à Burgos. Le roi ne reviendra à Valladolid qu'en juillet. Ces deux mois ne sont qu'une aubaine. Pedro Pablo Rubens a corrigé les toiles endommagées de Facchetti et a remplacé les œuvres désespérément ruinées par deux toiles de son propre travail. Depuis qu'il a eu la liberté de choisir une intrigue, il a peint Héraclite et Démocrite pour le contraste.
Le représentant du duc de Mantoue à la cour d'Espagne, cet homme arrogant qui observe strictement toutes les formalités, s'engage personnellement à remettre les cadeaux au roi. Cependant, il autorisa Rubens à assister au transfert des tableaux au duc de Lerme. Le duc les examina avec satisfaction, prenant des copies pour des originaux. Rubens a eu trop de tact pour tenter de le convaincre. Les propres peintures de Rubens ont reçu des éloges particuliers.
Au bout d'un certain temps, il reçut une commande qui lui coupa le souffle : il devait peindre lui-même le portrait du duc, assis sur un cheval. Rubens, 26 ans, a vraiment brillé à ce poste. Il a décidé de choisir la pose la plus difficile du duc à cheval. Ce portrait a vraiment plu non seulement au personnage lui-même, mais à toute la cour espagnole. Quelques années plus tard, sa notoriété dépassa les limites, et d'autres artistes tentèrent d'utiliser la même composition et technique en utilisant une spirale ascendante (augmentation progressive).
En raison de son grand succès, Rubens écoutait de moins en moins les demandes constantes du duc de Mantoue, refusant de peindre des portraits de jolies femmes. Dans une lettre polie, il demanda à être dispensé de se rendre en France pour y peindre des beautés de cour ; mais tout de même, obéissant à son professeur, l'artiste a réalisé plusieurs portraits de belles dames espagnoles lors de son séjour en Espagne.
Retour en italie
Sur le chemin du retour vers Mantoue, Rubens s'arrête à Gênes, ville qu'il visitera plus d'une fois dans le futur, et où il peint plusieurs portraits des principaux patriciens locaux. Accomplissant ces commandes, Rubens a démontré sa polyvalence en tant qu'artiste qui est passé avec une facilité extraordinaire de la peinture religieuse à la peinture profane, des portraits aux thèmes mythologiques. Un an après son retour d'Espagne, Rubens remporte son premier véritable succès avec une peinture religieuse destinée au maître-autel d'une église des Jésuites à Gênes.
Rubens, plus tard dans la vie, a souvent travaillé pour les jésuites, car il était attiré par leur foi écrasante et guerrière et leur zèle religieux discipliné. Dans le tableau de son autel intitulé "Circoncision", Rubens a de nouveau recours à une combinaison d'idées diverses héritées d'autres artistes. Une aspiration impétueuse vers le haut est perceptible dans la composition, qu'il a adoptée du Corrège dans ses peintures de la cathédrale de Parme.
Au même maître, il emprunte l'idée de présenter le bébé de telle manière qu'une lumière émane de lui. Il doit beaucoup au Titien pour la richesse des couleurs et l'épaisseur du trait. La noble figure de Notre-Dame est créée sur la base d'une statue romaine. Mais tous ont emprunté et adopté des idées que Rubens a introduites dans le cadre de sa propre vision. Sa Mère de Dieu combine le réalisme des sentiments avec la forme idéalisée sur laquelle insistait l'Église.
Elle est pleine de dignité classique, mais, sentant la pitié humaine, elle se détourne pour ne pas voir comment le Christ souffre. Son geste étrange attire le regard du spectateur vers le haut, là où des figures humaines sombres se blottissent autour d'un minuscule bébé émettant de la lumière, là où émane une lumière céleste et là où une foule d'anges se blottissent. C'est l'expression maximale dans l'art de l'ère du christianisme catholique : le monde des hommes et le monde céleste, visible et invisible, sont inextricablement liés par le sacrifice divin.
Les voyages de Rubens à travers l'Italie à des fins d'auto-éducation, lorsqu'il était au service du duc, ont duré huit longues années. Bien que ses itinéraires ne puissent pas être reproduits avec précision, il est sûr de dire qu'il a visité Florence et Gênes, Pise, Padoue et Vérone, Auca et Parme, Venise à plusieurs reprises, peut-être Urbino, mais certainement Milan, où il a fait un croquis au crayon de La peinture " La Cène" de Léonard de Vinci. Il a également vécu à Rome deux fois pendant de longues périodes. Très peu d'artistes de cette époque pouvaient se vanter de mieux connaître l'Italie que Rubens.
Ses lettres de cette période sont écrites dans un italien vif et correct, et il les a signées "Pietro Paolo" comme il a signé pour le reste de sa vie. Les années passées en Italie ont été remplies non seulement de travaux sur les peintures d'autel pour les églises romaine, mantouane et génoise, mais aussi sur les portraits ("Autoportrait avec des amis de Mantoue", 1606, Musée Wallraf Richartz, Cologne ; "Marquise Brigida Spinola Doria", 1606-07, National Gallery, Washington), mais aussi l'étude d'œuvres de la sculpture antique, Michel-Ange, Titien, Tintoret, Véronèse, Corrège et Caravage.
Comme beaucoup de jeunes artistes de son temps, Rubens a cherché à trouver de nouvelles méthodes pour appliquer les découvertes faites par ses prédécesseurs. En premier lieu, il devait étudier jusqu'aux subtilités de tout ce que son travail pouvait enseigner en matière de forme, de couleur et de technique picturale. Dans une certaine mesure, sa grandeur future s'explique par son incroyable capacité à combiner des influences diverses et incomparables, anciennes et modernes, et à construire sur cette synthèse sa propre vision artistique.
Le secret de son génie incomparable était le sens vibrant et omniprésent de la vie et du mouvement constant. De toutes les influences qui façonnent la direction de l'art italien à cette époque, la plus importante et la plus controversée est peut-être l'œuvre du Caravage (1573-1610), un jeune artiste complexe, impulsif, presque incontrôlable qui était au zénith de sa renommée lorsque Rubens arrivé pour la première fois à Rome. Caravage, originaire du nord de l'Italie, n'avait que quatre ans de plus que Rubens.
Rubens connaissait les peintures du Caravage, mais il est peu probable que ces artistes se soient jamais rencontrés. Cependant, Rubens a été impressionné par ses peintures, et en a même fait plusieurs copies. L'innovateur italien était passé maître dans l'utilisation de la lumière et de l'ombre, il a su trouver ici subtilement le juste équilibre pour mieux mettre en valeur les figures, présenter plus clairement la texture, définir correctement la surface de l'image.
Mais c'est surtout dans l'œuvre du Caravage qu'il est frappé par son réalisme, qui va bien au-delà de ce que les artistes de son temps tentent de se permettre. Le Caravage n'a pas idéalisé les personnages bibliques dans ses peintures religieuses, mais a simplement peint des gens ordinaires à leur image. Ainsi, dans son célèbre tableau « El Entierro », les visages des trois Maria et Nicodème sont directement tirés de la vie quotidienne.
Mais le réalisme du Caravage, l'habileté du peintre, le jeu d'ombre et de lumière sur ses toiles étaient si impressionnants qu'ils ont eu une grande influence sur l'art des artistes du XVIIe siècle dans toute l'Europe. Surtout, Rubens reconnaissait la technique d'un autre artiste italien, elle était beaucoup plus proche de lui que la technique du Caravage. Cet artiste s'est avéré être le maître bolognais Annibale Carracci (1560-1609), qui a travaillé à Rome sur ses magnifiques décorations pour le Palais Farnèse.
Carracci a inventé une méthode pour faire rapidement des croquis à la craie, que Rubens a immédiatement adoptée de lui. Le style de Carracci était très différent de celui du Caravage. Il prêchait des concepts classiques et sa composition se distinguait par une grandeur sculpturale avec diverses réflexions d'éléments traditionnels. Rubens considérait qu'une telle expression de soi était cohérente avec sa propre approche créative.
En effet, très peu des premières œuvres de Rubens en Italie ont survécu jusqu'à nos jours. Mais récemment son tableau "Le Jugement de Pâris" a été découvert, qui semble dater de cette période de sa vie. Enivré par la splendeur de la sculpture antique et de la peinture de la Renaissance, le jeune artiste a tenté de faire dans ce tableau ce qui était au-dessus de ses forces.
Il s'agit d'un grand tableau montrant trois déesses nues alignées pour montrer leur beauté dans un "concours". Ses personnages font une grande impression sur le spectateur. La composition est assez originale, mais un peu maladroite. Le paysage, cependant, a une vigilance poétique, et même les propres défauts de la peinture en révèlent des cachés.
Probablement au printemps 1605, Rubens eut des nouvelles de son savant frère Philippe des Pays-Bas, venu à Rome pour obtenir son doctorat en droit. Un fort désir de retourner en Italie a poussé Philip à refuser l'opportunité d'hériter de la chaire de son célèbre professeur Justus Lipsius à l'Université de Louvain. Rubens réussit à convaincre son généreux mécène qu'il avait besoin de parfaire ses connaissances à Rome et, à l'automne 1605, les frères louèrent une maison avec deux domestiques sur la Via della Croce près de la Place d'Espagne.
Le deuxième séjour de Rubens à Rome fut beaucoup plus long que le premier. Il a duré avec de brèves interruptions pendant près de trois ans, dont la plupart ont été consacrés à l'étude de la peinture et de l'antiquité. En la personne de Philippe, Rubens reçut un véritable connaisseur de l'histoire de la Rome antique.
Ses intérêts allaient des joyaux antiques à l'architecture moderne, de la copie minutieuse de statues classiques sur papier aux croquis instantanés de scènes de la vie quotidienne, des intérieurs complexes des palais romains au paysage pastoral entourant Rome et aux ruines romantiques du Palatin. Il a réussi à développer une excellente mémoire visuelle.
A l'automne 1606, il reçut de Rome une des commandes les plus tentantes : la peinture du maître-autel de l'église de Santa Maria, qui venait d'être construite pour les Oratoriens à Wallisellen, ou, comme les Romains l'appellent encore, la nouvelle église. La tâche n'était pas facile. L'espace de l'autel était haut et étroit, et les pères oratoriens voulaient représenter au moins six saints dans le tableau.
La connaissance de la Rome antique a alimenté l'intérêt de Rubens pour cet ordre. Parmi les saints supposés figuraient des martyrs, dont Sainte Domitille, une noble dame et nièce de l'empereur romain, dont les saintes reliques ont été récemment découvertes lors des fouilles des catacombes romaines.
Rubens a peint ces saints avec le plus grand soin, dépeignant le pape Grégoire le Grand dans de magnifiques robes resplendissantes, et a donné à sainte Domitille une pose purement royale, la représentant aux cheveux d'or, dans une robe de satin scintillant, ornée de perles. Comme il était bouleversé quand le retable a été dressé. L'éclat de la lumière réfléchie rendait l'image presque invisible. Il a ensuite peint un nouveau retable sur un tableau noir pour minimiser la réflexion de la lumière,
À l'automne 1608, Rubens apprend d'Anvers que sa mère est gravement malade. Sans même en informer le duc de Mantoue, sans attendre l'ouverture de son autel dans la nouvelle église, il entreprit le long voyage de retour. Il est vrai qu'il ne s'attendait pas à rester longtemps, mais il n'a pas prévenu le secrétaire du duc qu'il essaierait de revenir le plus tôt possible. Cependant, lorsque le 28 octobre 1608, le peintre de la cour flamande du duc de Mantoue quitta Rome, il ne supposa pas qu'il s'agissait de son dernier voyage en Italie.
Rentrer à la maison
Pedro Pablo Rubens était pressé en vain : Maria Peypelinks, la veuve de Jan Rubens, était décédée. Le 19 octobre, il reposa dans un sommeil éternel et, selon le testament du défunt, son corps fut inhumé dans l'abbaye Saint-Michel. Rubens a été très affecté par la mort de sa mère. En mémoire de sa mère, Pedro Pablo a installé dans la tombe de "la meilleure des mères" comme monument un magnifique retable qu'il a créé, qu'il a initialement conçu pour la Nouvelle Église et qu'il considérait comme sa meilleure création à cette époque.
Quelques vieux amis le persuadent d'aller à Bruxelles et là ils présentent l'artiste à la cour, l'infante Isabelle et l'archiduc Albert. Le brillant et magnifiquement éduqué Rubens est venu à la cour. Il reçut bientôt le titre de peintre de la cour, une allocation annuelle de quinze mille florins et, en signe d'attention particulière, une chaîne en or. Ayant prêté serment d'allégeance à Albert et Elisabeth, Rubens considère néanmoins qu'il est de son devoir d'aider au redressement de son pays. C'était son désir ardent.
L'archiduc et sa femme sont des catholiques encore plus zélés que les dirigeants espagnols. Il n'est pas étonnant que, sous son règne, le pays soit balayé par une nouvelle vague de miséricorde. Les catholiques persécutés affluent de toutes parts à Bruxelles, convaincus qu'ils y trouveront protection et soutien. Des chapelles sont construites, des églises sont érigées. L'Église catholique et la cour savent parfaitement que le pouvoir et la foi ont besoin d'une auréole, de temples grandioses, de statues et de peintures monumentales. Et ici Rubens est irremplaçable.
Sa manière de peindre nouvelle, puissante et vivifiante, son désir de remplir la toile d'un mouvement riche et orageux enchante les mécènes. Les commandes ne manquent pas. Tout au long de sa carrière, Rubens a peint plusieurs fois le couple royal. Il a dépeint l'archiduc comme un homme sérieux et digne, pour lequel il avait sans aucun doute un respect sincère et à qui il exprimait sa gratitude; à la fin, Alberto lui a donné la première commande importante de sa vie pour peindre un autel à Rome.
Mais il a montré une dévotion encore plus grande envers l'archiduchesse, respect et amour pour lesquels il a grandi au fil des ans. Ses portraits ultérieurs, peints par Rubens avec sympathie et compréhension, nous aident à remarquer toutes les hautes qualités et vertus de son visage frappant et beau, rendu avec un degré suffisant de convention.
Au cours des années qui ont suivi la nomination de Rubens comme peintre de la cour, il a non seulement exécuté le travail qui lui était assigné à la cour, c'est-à-dire peint des portraits de courtisans et s'est engagé dans la conception décorative de palais et d'églises, mais aussi Il n'a pas oublié de prendre les commandes d'autres clients, tant des Pays-Bas espagnols qu'à l'étranger. Les artistes de cour avaient l'habitude d'avoir un logement dans ou à côté du palais à Bruxelles, mais Rubens a obtenu le droit de vivre à Anvers. Comme il l'écrivait à son ami de Rome : « Je ne veux plus être courtisan.
On ne sait pas comment Rubens a réussi à insister sur le sien, car au XVIIe siècle, il n'était pas du tout facile d'obtenir une position particulière auprès de ses propriétaires couronnés. Cependant, il existe des preuves convaincantes que tout au long de sa vie, Rubens a su combiner des manières élégantes et polies avec une excellente persévérance dans les questions liées à sa future carrière. Peut-être que sa capacité à résoudre avec succès ses affaires quelques années plus tard a conduit l'archiduchesse réceptive à utiliser l'artiste talentueux comme diplomate. Ainsi débute la carrière diplomatique atypique de Rubens.
Vie personnelle et travaux
Le 3 octobre 1609, il épousa Isabella Brandt, dix-huit ans, fille du greffier de la régence de la ville. L'artiste achète un manoir sur Watter Street, qui porte désormais son nom. Dans le jardin, il construit une rotonde en dôme de verre, où il expose des œuvres et stocke des collections. Rubens a célébré son mariage en peignant un double portrait d'un charme rare.
Lui et Isabella, se tenant la main, sont assis devant un vaste buisson de chèvrefeuille. Elle a pris une pose habilement bâclée, une jambe dans un bas de soie sur l'autre; elle est assise à côté de lui sur un tabouret, les bords de sa robe luxueusement élégante écartés. Leurs mains jointes sont au centre de la composition. Tous deux regardent le public avec une joie confiante. Ce sont tous les deux des jeunes hommes en bonne santé, séduisants, bien habillés, assez satisfaits de la vie et les uns avec les autres.
C'est un tableau charmant qui n'a rien à voir avec la représentation formelle sur toile d'un mari et d'une femme, qui a toujours été une règle stricte auparavant. Rubens n'a rien peint de tel avant et après. Des dizaines d'étudiants travaillent dans son atelier, mais d'autres sont sollicités pour les embaucher. La journée de travail de Rubens est pleine à craquer. Son quotidien est extrêmement strict. Il se lève à quatre heures du matin et commence à travailler. Petite pause pour le déjeuner et retour au travail. Travailler avec un dévouement total.
Le magistrat anversois envisage de décorer l'hôtel de ville. Deux artistes, Rubens et Abraham Janssens, ont été chargés de peindre la salle de conférence d'État récemment rénovée. Rubens interprète "L'Adoration des mages". C'est une excellente occasion de montrer à vos concitoyens ce que vous avez appris pendant votre long séjour en Italie. Heureusement, la taille de la boîte commandée est grande. C'est là que se déroule l'étape de l'adoration.
Des gens vêtus de vêtements luxueux, des chevaux, des chameaux, des cadeaux riches, des corps musclés, des torches allumées - tout contribue à la splendeur de l'image. Le fond sombre au contraste puissant met en valeur les parties claires de la toile. En cela, sans doute, résonnent les échos des souvenirs italiens, et plus précisément, l'influence du Caravage. Il reçoit bientôt la commande convoitée. A la demande de son ami Cornelis van der Geest, le recteur et les paraboles de l'église Sint-Walburg lui commandent la réalisation d'un grand triptyque pour décorer le maître-autel.
Avec l'argent offert pour travailler, toute une famille peut vivre confortablement pendant plusieurs années. Rubens peint La montée de la croix, qui fait sensation. Dans L'Adoration des Mages, statique dans sa propre intrigue, le mouvement était une tâche secondaire pour l'artiste. Dans The Rising of the Cross, en revanche, l'intrigue est en action. Cependant, le mouvement ne doit pas être recherché dans des poses élaborées ou des plis capricieux de vêtements. Les horizontales et les verticales de l'image sont statiques, mais les diagonales sont pleines de dynamique.
Dans cette œuvre débridée, tout est mouvement continu. Et il y a de la joie dans tout. C'est la joie de la vie immortelle, par opposition à la mort. C'est l'amour de la vie qui transforme tout, même le sujet de la mort. Comme Rubens l'avait prévu, après son retour à Anvers, ce fut une époque heureuse pour les artistes. Pendant les années bénies de paix, de 1609 à 1621, Rubens peint des retables pour la cathédrale d'Anvers et pour toutes les grandes églises de la ville, anciennes et nouvelles, ainsi que pour les temples provinciaux de Malines et de Gand.
De nombreux artistes talentueux, dont certains brillants, ont contribué à la gloire de l'école de peinture anversoise de cette période. En plus de Jan Brueghel, Franz Snyders y travaillait, un artiste qui savait peindre les animaux avec habileté. Un peu plus jeune était Jacob Iordan, qui, comme Rubens, a étudié avec Adam van Noort. Il a peint des images solides et succulentes de la vie flamande exubérante, ainsi que des scènes mythologiques avec des nus certes gonflés. Parmi eux se trouvait Anthony Van Dyck avec son coup rapide et lyrique.
Jan Brueghel était perçu par Rubens comme un frère aîné. Ils ont peint plusieurs tableaux ensemble. Rubens s'occupait des gens et Bruegel des fleurs et des fruits décoratifs. En mars 1611, une fille est née de Pedro Pablo Rubens, qui s'appelait Clara Serena. Le parrain de la jeune fille était son frère, Philippe, dont la mort soudaine en août de la même année porta un coup terrible à Rubens. Quinze jours après sa mort, la veuve de son frère a donné naissance à un fils. Ce garçon, qui s'appelait aussi Philip, a été élevé par Pedro Pablo et Isabella.
Le tableau "Quatre philosophes" a été créé par Rubens en quelque sorte en souvenir d'un ami et frère. Ici Justus Aipsius est représenté assis à une table sous un buste de Sénèque ; de chaque côté de lui se trouvent deux étudiants de haut niveau : Jan Vowerius et Philip Rubens, et derrière lui, non pas en tant que participant à une conversation académique, mais plutôt en tant que spectateur curieux, Pedro Pablo Rubens lui-même.
L'archiduc n'oublie pas l'artiste anversois. En 1613, il commande "L'Assomption de Notre-Dame" pour l'église Notre-Dame de la Chapelle à Bruxelles. L'année suivante, Isabella Brant a un fils : l'archiduc accepte d'être le successeur de l'enfant, qui se prénomme Albert. Les affaires domestiques avec les Rubens ont été couronnées de succès et la carrière artistique de Pedro Pablo s'est développée rapidement.
Son tableau d'autel, réalisé dans la période de 1611 à 1614 pour la cathédrale d'Anvers, rencontre un succès extraordinaire. Il a été commandé par l'artiste pour les "arquebusiers", l'une des nombreuses confréries paramilitaires des Pays-Bas, pour la chapelle latérale qui lui est attribuée pour les prières dans cette église principale de la ville. On a demandé à Rubens de peindre un triptyque avec seulement quatre tableaux: un panneau central avec des "ailes" latérales le jouxtant sur des charnières, avec des images des deux côtés de Saint Christophe, qui portait autrefois le Christ à travers le fleuve, présent sur le tableau.
Rubens a dépeint Saint Christophe sous la forme du géant Hercule avec l'Enfant Jésus, assis sur son épaule. Le tracé de l'image se poursuivait au dos des panneaux latéraux, de sorte que l'image entière pouvait être comprise avec les «ailes» du triptyque fermées. L'image principale était 'Descente de croix', à gauche 'Kara's Underwear' et à droite 'Performance at the Temple'. Le Notre Père et la Présentation au Temple sont des compositions d'une grâce rare, peintes dans des couleurs chaudes, rappelant encore l'influence de l'artiste de Venise.
Mais le panneau central "Descente de croix" marque une nette libération de Rubens de la dépendance italienne, on y observe l'évolution d'une série de couleurs plus claires, phénomène typique de la peinture hollandaise. Sur le cadavre, dans les plis du linceul, sur les figures féminines, des reflets gris-blanc luisants, des couleurs ambre clair et bleu verdâtre contrastent avec le rouge et le brun plus traditionnels des figures masculines.
Le spectateur était surtout impressionné par la figure du Christ mort. "C'est l'une de ses plus belles figures", écrivait le célèbre peintre anglais Sir Joshua Reynolds (1723-1792) lorsque, comme enchanté, comme devant un miracle, il se tenait devant ce tableau cent ans après son apparition. Le déplacement de tout le corps nous donne une idée si juste de la gravité de la mort qu'aucun autre ne peut la surmonter. En fait, tout le "poids de la mort" est représenté ici, mais dans l'image elle-même, aucun poids n'est ressenti.
Avec une étonnante virtuosité, Rubens a su rendre le moment où le corps est libéré de la croix, avant qu'il ne glisse sous son poids dans les bras puissants de saint Jean, debout, ouvrant les bras pour l'accepter. La figure de gauche tient légèrement la main gauche du Christ, et à droite le Vénérable Nicodème, saisissant l'extrémité du linceul, de l'autre main soutient son corps. Agenouillée, Magdalena soutient ses pieds avec ses mains.
La peinture de Rubens «Descente de croix» est devenue un défi pour tous les artistes, car elle nécessitait une grande habileté technique en dessin, ainsi que la capacité d'évoquer des émotions appropriées chez le spectateur. Mais la "Descente de croix" de Rubens, la plus grande création qu'il ait jamais faite, et l'une de ces grandes qu'il n'a pas encore créées, s'est avérée être une image beaucoup plus réaliste, beaucoup plus sincère par rapport à celles que le maître a dessinées inspiration.
Pour ses contemporains, ce n'était pas seulement un triomphe de la couleur, de la forme et de la composition ; il traitait avec une éloquence irrésistible le thème principal de toute sa foi. Quelques années plus tard, sa renommée s'étend à toute l'Europe occidentale. C'est cette peinture qui a fait de Rubens le premier artiste religieux de son temps, reflétant pleinement pour la première fois l'intensité émotionnelle du style baroque, dont Pierre Paul Rubens est devenu le fondateur.
Rubens ressemble parfois à un volcan endormi. Mais parfois, le tempérament de longue date et la tension créative l'emportent, puis apparaissent des œuvres dans lesquelles il révèle sa nature titanesque. Telles sont ses toiles de chasse, peintes dans les années 1616-1618. Les angles des personnages sont incroyables, les mouvements sont féroces, les animaux sont redoutables. Il n'y a pas de gagnants dans la chasse au lion. La mort plane sur tous les participants. Bien sûr, Rubens n'a pas oublié l'œuvre, dont il a copié des fragments en Italie - "La bataille d'Anghiari" du grand Léonard.
Mais aucun des prédécesseurs de Pedro Pablo Rubens n'a peint des lions, des loups et des léopards dans des poses aussi difficiles et inattendues. Quant aux chevaux, il les admire toujours. Il a créé le type idéal de cheval : avec une tête étroite, une croupe large, des jambes nerveuses, une longue crinière flottante, avec une queue comme un sultan, avec des narines évasées et des yeux de feu.
Il a utilisé l'image d'un cheval dans les compositions de ses portraits, chasses, batailles, scènes religieuses ; il y dédia l'une des plus lyriques et, malgré l'intrigue guerrière, l'une des plus harmonieuses de ses œuvres : « La bataille des Grecs contre les Amazones ». Dans les années 1620-1621, Rubens peint "Persée et Andromède". La fille du roi Kefei, Andromède, a été sacrifiée au monstre marin. Sa mort est inévitable. Mais soudain, le fils de Danaé et Zeus, Persée, vient à leur secours. La fille surprise remercie le héros.
L'artiste a traduit l'intrigue mythologique bien connue dans la langue des Flandres, a apporté des détails sur la vie réelle de son pays, son époque, révélant ainsi d'une manière nouvelle le contenu humain inhérent à ce mythe. La maîtrise de la couleur et de la lumière imprègne ce tableau d'émerveillement et de mouvement. Rubens est un coloriste ingénieux, et bien que sa palette soit très restreinte, il parvient à de véritables solutions symphoniques.
Princes, prélats, nobles et riches dignitaires recherchent des œuvres peintes par Rubens, mais bien souvent ils doivent se contenter d'œuvres réalisées par des artistes de son atelier d'après les croquis du maître et uniquement corrigées par lui. Il y a ainsi une nouvelle « Adoration des mages », moins opulente et en même temps moins brillante. Il sera envoyé à Malines, où il décorera l'église Saint-Jean. Il en va de même pour le géant "Jugement dernier", destiné au maître-autel de l'église des Jésuites de Neuburg. Il a été commandé par Wolfgang Wilhelm de Bavière, duc de Neubourg.
En 1620, le bourgmestre d'Anvers et ami de Rubens, Nicolae Rocox, dont il avait peint le portrait quelques années plus tôt, commande une œuvre pour l'église franciscaine de Recoleta. Ce tableau désormais célèbre s'appelle "La Lanzada". Dans celui-ci, un soldat romain perce le côté du Christ avec une lance. Un petit groupe de personnes pleurant pour le Christ est brutalement écarté par des soldats à cheval d'un petit espace autour des trois croix grossièrement tissées sur le Calvaire.
À peu près à la même époque, Rubens a peint l'une des peintures religieuses les plus émouvantes, également pour l'église de Recoleta. Elle s'appelait « La Dernière Communion de saint François d'Assise ». Dans cette toile, il a démontré une compréhension étonnante de l'amour spirituel désintéressé. Epuisé par le jeûne, saint François est soutenu par les moines qui l'entourent ; sa silhouette légère due à la peau nue et pâle brille simplement sur le fond des vêtements sombres, quand il, penché vers le prêtre, fixe ses yeux pour regarder le Seigneur pour la dernière fois.
Rubens a dû dessiner de nombreux sujets religieux plus enrichissants. Leur vie de famille heureuse se reflète dans les nombreuses peintures ingénieuses de la Sagrada Familia. Il a transféré les visages de ses fils, Albert et Nikolayev, sur la toile, et il l'a fait avec beaucoup d'amour et de délicatesse, a facilement compris leurs croquis, puis a reproduit de nombreux gestes et poses caractéristiques de la jeunesse : timide, gracieuse, comique ou aventureuse.
Mais l'opportunité la plus excitante de ces années a été offerte par les jésuites. Il ne s'agissait que de décorer une grande nouvelle église qui était en construction à Anvers en l'honneur de son père fondateur Ignace de Loyola. Rubens s'est vu proposer de décorer toute l'église - 39 tableaux. Avant cela, il avait déjà peint deux retables de deux principaux saints jésuites : Ignacio de Loyola et Francisco Javier. Plus tard, il en crée un troisième, sur le thème de l'Assomption.
Il fallait se dépêcher d'être à l'heure avec les peintures du plafond à temps pour les célébrations consacrées à la canonisation de ces deux saints en 1622. Dès lors, Rubens ne s'occupa que de l'élaboration des peintures, de leur composition, et ses élèves devaient achever eux. . Ensuite, le maître apportera tout à la perfection avec ses coups précis. La tâche ambitieuse a été achevée à temps, et pendant un siècle, cette église jésuite a été la gloire et l'ornement de tout Anvers. Malheureusement, en 1718, il fut gravement endommagé par un terrible incendie.
Aucun des assistants de Peter Paul Rubens n'était supérieur au talentueux Anthony Van Dyck (1599-1641), qui devint un maître de guilde renommé à l'âge de dix-neuf ans. Bien qu'il ait vingt-deux ans de moins que Rubens, il a conservé son amitié presque filiale avec lui et sa femme pour la vie. Il a même habité sa maison de temps en temps.
Rubens admirait énormément le travail de Van Dyck, et les deux artistes ont travaillé si étroitement pendant deux ou trois ans, à l'aube de la carrière de Van Dyck, qu'il y a encore confusion sur qui a peint quoi à l'époque. Van Dijk était aussi diversifié que Rubens. Il avait l'œil pour le moindre détail, il avait un sens exceptionnel de la couleur. A en juger par ses croquis, il est particulièrement sensible au paysage, qu'il capture dans de nombreux dessins réalisés à la plume, à l'encre, à la craie, ainsi que dans ses aquarelles.
Ses peintures sur des sujets religieux et mythologiques ont démontré toute l'originalité de sa composition et la puissance douce et purement lyrique de l'imagination. Mais surtout, Van Dyck s'est distingué dans les portraits, et au fil des années de son travail, il en a créé des centaines. Tous sont imprégnés d'une profonde analyse psychologique.
En 1620, Van Dyck quitte Rubens et Anvers pour chercher fortune en Angleterre, où on lui propose une offre alléchante pour prendre la place de peintre de la cour. Il a ensuite déménagé en Italie pour y terminer ses études. Après son départ, Rubens compterait de moins en moins sur ses assistants pour achever les tableaux. Il était si sûr de lui maintenant, sa main avait pris une vitesse si rapide au cours des années d'entraînement constant en Italie, qu'il lui était plus facile d'exprimer rapidement ses idées sur la toile.
À la suite de l'association de Peter Paul Rubens avec Bruegel, une douzaine de tableaux sont apparus, dont l'un était l'enchanteur "Adam et Eve au paradis". Bruegel a peint un paysage bleu-vert, l'animant d'images d'oiseaux et d'animaux. Rubens : figures gracieuses d'Adam et Eve. Rubens, désormais non seulement un artiste célèbre mais aussi un collectionneur et un connaisseur d'art, avait des liens étroits avec des princes, des évêques, des prélats et d'autres personnes influentes à travers l'Europe.
En partie à cause de leurs contacts et en partie à cause de leurs qualités personnelles, l'archiduc Albert et l'archiduchesse Elizabeth ont pris une décision importante dans l'espoir que l'artiste les servirait dans un autre rôle. Rendant hommage à son intelligence, son endurance et sa courtoisie, ils ont voulu utiliser Rubens sous le couvert de leurs intérêts esthétiques pour mener à bien des missions diplomatiques secrètes.
Les dirigeants des Pays-Bas ont hautement apprécié les conseils de Rubens et ont commandé à plusieurs reprises des missions diplomatiques très délicates. Ses lettres exprimaient une véritable inquiétude quant à la situation en Europe et aux souffrances causées par la guerre en cours. En février 1622, il est convoqué à Paris par l'ambassadeur de l'archiduchesse qui présente l'artiste au trésorier de Marie de Médicis, l'abbé de Saint-Ambroise.
La reine mère vient de se réconcilier avec son fils. Il se réinstalle au Palais du Luxembourg, que Salomón de Bross lui a fait construire quelques années plus tôt et qu'il a dû quitter il y a deux ans. Il veut décorer la galerie du palais avec des tableaux illustrant divers épisodes de sa vie. Plus tard, elle compte décorer la seconde galerie de tableaux glorifiant la vie de son célèbre époux, Henri IV. Rubens a eu un grand honneur : il a été chargé de faire les deux œuvres.
La tâche de Rubens n'était pas facile. Maria n'était en aucun cas une beauté et sa vie n'était pas si brillante, pleine d'événements importants. Pour présenter le passé de Marie sous le jour le plus favorable, Rubens entoure allégoriquement la reine de dieux olympiens, de nymphes des eaux et d'amours, de destins et de toutes sortes de vertus. À l'aide d'une telle technique, il a non seulement anobli Marie de sa mauvaise humeur, mais a également opposé des courtisans français vêtus de vêtements luxueux à des dieux et des demi-dieux nus, qu'il aimait tant peindre.
Ayant terminé la série Médicis, Rubens espérait commencer immédiatement à créer des toiles pour la deuxième galerie du Palais du Luxembourg. En eux, il devait refléter la vie du roi Henri IV, un personnage beau et dynamique. Mais Rubens, à part quelques esquisses à l'huile et quelques esquisses complètes, ne pouvait aller plus loin. Le puissant cardinal de Richelieu, principal conseiller politique du fils d'Henri Louis XIII, était déterminé à empêcher une alliance entre la France et l'Espagne et, connaissant les sympathies de Rubens, ne voulait pas que l'artiste reste à la cour.
Rubens a continué à travailler sur "Asunción" quand soudain sa vie encore heureuse a été brisée. Il y a tout juste trois ans, en 1623, sa fille unique, Clara Serena, est décédée. Elle n'avait que douze ans. Et à l'été 1626, après dix-sept ans de vie conjugale heureuse, Isabelle Rubens mourut. Sa cause de décès est inconnue, mais on pense qu'il est mort de la peste qui a balayé Anvers cet été-là. Rubens a cherché du réconfort dans le travail et la religion. Dans le silence délicat de la cathédrale, il a peint "La Dormition de Notre-Dame", et ce tableau est toujours accroché au même endroit.
Pedro Pablo Rubens se jette à nouveau dans l'abîme de l'activité diplomatique. Visitez l'Angleterre, la France, l'Espagne. Rencontrez Charles Ier, duc de Buckingham, Philippe IV, cardinal de Richelieu. Des dizaines de toiles sortent chaque année de sous son pinceau. Il peint une immense toile "Adoration des Mages" en six jours. L'infante Isabelle lui confie une mission secrète après l'autre. Il entretient une grande correspondance, souvent secrète.
Rubens écrit : « Je me trouvais dans un véritable labyrinthe, assiégé jour et nuit par bien des soucis. Il participe à la conduite des négociations de paix entre l'Angleterre et l'Espagne. Il a tenu des réunions secrètes avec Carlos I, tout en travaillant sur son portrait. Son activité diplomatique est très appréciée : Carlos Ier lui décerne le titre de Chevalier des Éperons d'Or et Felipe IV lui confère le titre de secrétaire du Conseil Privé. Mais malgré tous ces titres et honneurs, Rubens abandonne sa difficile mission d'agent diplomatique secret.
Le 6 décembre 1630, Pedro Pablo Rubens épouse Helena Fourmen. Elena avait seize ans à l'époque. Blanche, vermeil, gai, comme une déesse païenne, elle était l'incarnation des rêves de Rubens. L'artiste l'admire. Heureux, il incarne la force spontanée de l'amour qui vainc tout dans ses tableaux. Presque tous les meilleurs écrits de Rubens au cours de la dernière décennie ont été illuminés par ce sentiment.
Déçu par une carrière judiciaire et une activité diplomatique, il se consacre entièrement à la créativité. La maîtrise de Rubens se manifeste brillamment dans des œuvres relativement petites, exécutées personnellement. L'image d'une jeune épouse devient le leitmotiv de son travail. L'idéal d'une beauté blonde avec un corps sensuel luxuriant et une belle coupe avec de grands yeux brillants s'est formé dans les œuvres du maître bien avant qu'Elena n'entre dans sa vie, devenant finalement l'incarnation visible de cet idéal.
Au cours de ces années, il a créé les belles œuvres «Mercurio y Argos», «Bathsabé». "Mercure et Argos" est un mythe touchant sur la bien-aimée de Jupiter, que Junon, l'épouse courroucée du seigneur des dieux, a transformée en vache. La protection de l'infortuné Junon confie le stoïcien Argos. Mercure tue Argos et la libère.
« Bethsabée ». Dans le tableau, le thème principal de la peinture de Rubens résonne avec force : la glorification de l'inépuisable, la vie naissante et sa beauté conquérante. Le thème de l'image est l'histoire d'amour du roi David pour Bethsabée, épouse d'Urie le Hittite. Une fois en promenade, le roi la vit se baigner et en tomba amoureux. Une fraîcheur enchanteresse se dégage de l'image. Le light painting est parfois presque aquarelle, mais en même temps, il est puissant en termes de plasticité, plein de vitalité.
Le summum de la créativité des dernières années de la vie de l'artiste est le tableau "Vénus en fourrure" de la collection du Musée de Vienne. Peut-être l'artiste n'a-t-il pas voulu peindre exprès le portrait de sa femme. Apparemment, il n'a été créé que pendant les pauses, quand Elena Fourman a pris une pause dans les poses fastidieuses. Relaxation complète, facilité de posture et aide à créer un chef-d'œuvre.
Rubens vit le moment le plus heureux de sa vie, il est heureux comme seul un mortel peut être heureux. Comme en pleine renaissance grâce à sa nouvelle jeune épouse, Rubens, confiant dans sa position forte dans la société, continue à peindre dans sa maison de campagne et à Anvers. Mais la maladie, qui a tourmenté l'artiste pendant de nombreuses années, se déclare impérativement. Les crises de rhumatismes augmentèrent fortement, les souffrances devinrent insupportables.
Le 27 mai 1640, Pedro Pablo Rubens rédige un testament. Le 29 mai, une douleur inhumaine a épuisé ses forces. La jeune épouse de l'artiste, enceinte, est doublement sans défense. Le combat de Rubens avec la mort continue pendant 24 heures. Le cœur ne peut pas le supporter. Dans l'après-midi du 30 mai 1640, le grand artiste mourut.
Pedro Pablo Rubens le sorcier qui a révélé aux gens le monde magique des couleurs, les joies d'être. L'artiste impacte ses toiles avec l'ouverture de la perception lumineuse de la vie. Il nous conquiert avec le pouvoir de la chair humaine, qui règne en maître dans ses peintures. Il semble que nous sentions comment le sang chaud bout dans les puissantes veines de ses héros, bat dans le cœur de ses déesses blondes. Rubens, comme personne d'autre, possédait l'œillet, l'art de peindre un corps vivant.
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