Njegovi ustvarjalci in privrženci so ga zamislili kot širok trend v umetnosti, ki odraža iskanje novih pomenov sodobnih umetnikov, postmoderna umetnost je odgovor v tem iskanju na krizo klasične kulture.
postmoderna umetnost
Menijo, da se je v XNUMX. stoletju zgodila tako imenovana "smrt superosnov": Boga, človeka in avtorja. Z drugimi besedami, omajala se je verska osnova, nastala je kriza humanističnih idej, ustvarjalci pa so od ustvarjanja novega prešli na premislek starega.
Postmodernizem v umetnosti je del globalnega trenda, ki ga je sprejela svetovna kultura in filozofija. Postmodernizem ni en sam slog, temveč kompleks smeri, ki jih združuje skupna ideološka osnova. Mnogi med seboj se celo borijo.
Postmodernizem je izraz, ki izhaja iz francoskega jezika (postmodernisme). To ime odraža pomen smeri, ki je nadomestila umetnost dobe modernizma (ne smemo mešati z modernizmom). V poznem XNUMX. in v začetku XNUMX. stoletja so modernistična (ali avantgardna) gibanja zadala močan udarec klasični umetnosti. Toda postopoma so ustvarjalci prenehali biti zadovoljni z modernističnimi pristopi.
Vzporedno z množico novega tehnološkega razvoja je postmodernizem že skoraj pet desetletij vodil do umetniških eksperimentov z novimi mediji in novimi umetniškimi oblikami, vključno s konceptualno umetnostjo, različnimi vrstami performansa in umetniških instalacij ter računalniškimi tokovi, kot sta dekonstruktivizem in tehnologija projekcije. .
Značilnosti postmodernizma
Jean-François Lyotard in drugi teoretiki opisujejo duhovne temelje modernosti kot neomajno vero v enakomerno napredovanje vedno bolj podrobne stisljivosti sveta in postopnega približevanja popolnemu znanju. Totalitarni sistemi XNUMX. stoletja so trajno diskreditirali absolutni značaj takšnih modelov.
Tu so razlogi, zakaj je treba postmodernizem opredeliti kot zavesten prelom s sodobnostjo. Postmodernizem zavrača ne le sodobno vero v napredek, ampak tudi obstoj razumljive objektivne realnosti. Postmoderna teorija in estetika predpostavljata, da so vse znanje, vsa percepcija in vsako področje zavesti in obstoja podvrženi relativnosti. Ključni koncept postmodernizma je pluralnost.
Želja moderne po nenehnem ustvarjanju nečesa novega in umetniška sredstva, s katerimi se to doseže, se v postmodernizmu vidijo kot avtomatizirane, uveljavljene in zastarele. Načelo, da ni mogoče ustvariti nič novega, je uporaba citatov bistvena slogovna značilnost postmoderne umetnosti.
Zahteva po odprtosti v konceptu umetnosti in posameznega umetniškega dela na eni strani odpira skoraj neomejene možnosti: postmodernizem s prestopanjem žanrskih meja odpira vrsto novih izraznih oblik.
Pogosto uporabljena tehnika postmoderne dobe je kolaž. Ta izraz, ki je bil skovan v začetku XNUMX. stoletja za dada nalepke, je v postmoderni dobi veliko širši. Vključuje na primer obsežne instalacije, filmske tehnike ali postopke glasbene kompozicije.
Avtorji, kot so Umberto Eco (Ime vrtnice), arhitekti, kot je Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Dunaj) in umetniki, kot je Keith Haring, poskušajo premostiti vrzel med elitističnim razumevanjem umetnosti in množično kulturo; tudi to je bistveni vidik postmoderne estetike.
Številna postmoderna dela, predvsem v uprizoritvenih umetnostih, ne želijo razumeti kot popoln rezultat, temveč kot eksperimentalno priredbo. Predstavitev bo fragmentarna (literatura: Roland Barthes, Fragmenti jezika ljubezni) ali delo v nastajanju (plesni teater: William Forsythe, Scottova predstava) na različnih stopnjah razvoja.
Na vprašanje, kaj je postmodernizem v slikarstvu, umetnostni kritiki dajejo različne odgovore, saj je postmoderna kultura večplasten pojav in nima jasne ideološke platforme. Postmodernisti niso ustvarili univerzalnega kanona, poleg tega so ga načeloma zavrnili. Morda je edina osnovna vrednota, ki so jo razglasili zagovorniki tega trenda, neskončna svoboda izražanja.
Postmodernizem ni gibanje, ampak splošni način razmišljanja. Zato ni enotnega seznama značilnosti, ki bi opredelile »postmoderno umetnost«. Vendar pa obstajajo številne značilnosti, ki so značilne za postmoderno umetnost:
- Neomejena in absolutna svoboda umetnika pri izbiri načinov samoizražanja.
- Premislite o tradicionalnih podobah, vključno z njimi v novem kontekstu (od tod široka distribucija predelav, interpretacij, umetniških citatov, izposoj, aluzij).
- Sinkretizem, to je zlitje heterogenih elementov v eno celoto, ki si včasih celo nasprotujejo (na primer uporaba različnih stilov umetnika na sliki ali celo kombinacija slikarstva z drugimi zvrstmi umetnosti).
- Dialog, torej pogled na temo z različnih zornih kotov, s pozicije različnih »glasov«, ki na koncu ustvarijo polifono »simfonijo«.
- Oblika predstavitve dela, vabilo gledalca, da se s pomeni vključi v delo.
- Šokantna narava ustvarjalnosti.
- Ironija in samoironija avtorja. Umetniki so zdaj veliko bolj skeptični do "velikih idej" (npr. da je vsak napredek dober).
- Postmodernizem je izraz vsesplošnega razočaranja nad življenjem in močjo obstoječih vrednostnih sistemov in/ali tehnologij, da prinesejo pozitivne spremembe. Posledično so avtoriteta, izkušnje, znanje in motivacija padli na slab glas.
- Moderna umetnost ni bila obravnavana le kot elitistična, ampak tudi kot bela (v smislu barve kože), v kateri prevladujejo moški in je nezainteresirana za manjšine. Zato postmoderna umetnost zagovarja umetnost umetnikov tretjega sveta, feministk in manjšin.
Postmoderna, sodobna in poznomoderna umetnost
Postmoderna in sodobna umetnost se praviloma uporabljata bolj ali manj sinonimno. Vendar pa s tehničnega vidika postmoderna umetnost pomeni »po modernosti« in se nanaša na fiksno obdobje, ki se začne okoli leta 1970, medtem ko se sodobna umetnost nanaša predvsem na spreminjajoče se obdobje okoli petdeset let tik pred sedemdesetimi leti XNUMX. stoletja.
Trenutno ti dve obdobji sovpadata. Toda v letu 2050 je postmoderno umetnost (npr. od 1970-2020) morda nadomestilo drugo obdobje, vendar sodobna umetnost potem pokriva obdobje do tega leta.
V vizualnih umetnostih se izraz pozni moderni nanaša na gibanja ali trende, ki zavračajo en vidik moderne umetnosti, sicer pa ostajajo v tradiciji modernosti. Sloge, kot je abstraktni ekspresionizem (1948-65), so izvajali številni radikalni sodobni umetniki, vključno z Jacksonom Pollockom in Willemom De Kooningom, ki sta nasprotovala številnim formalnim konvencijam oljnega slikarstva.
Pa vendar, niti Pollock niti de Kooning nista mogla ustvariti ničesar podobnega Rauschenbergovi izbrisani De Kooningovi risbi, saj sta oba močno verjela v koncepte pristnosti in pomena.
Zgodovina postmoderne umetnosti
Prvi pomemben umetniški slog po renesansi je bila akademska umetnost, ki so jo poučevali profesorji na akademijah. V akademski umetnosti se zbližujejo številni slogi in tokovi, kot sta klasicizem in romantika. Od leta 1870 se je s prihodom impresionizma pojavila sodobna umetnost. Prve lastnosti so se pojavile okoli leta 1970, kar danes povzemamo kot postmoderno umetnost.
Moderna umetnost je večinoma povezana z 1870-1970 stoletjem, od impresionizma do pop arta, na primer. Kljub različnim svetovnim katastrofam (prva svetovna vojna, gripa, zlom na Wall Streetu in velika depresija), ki so spodkopali marsikatero moralno gotovost tistega časa, so sodobni umetniki na splošno ohranili prepričanje v osnovne znanstvene zakone narave. razum in racionalnost. misel.
Na splošno so, tako kot večina zahodnjakov tistega časa, verjeli, da ima življenje smisel. Da je bil znanstveni napredek samodejno pozitiven, da je bil krščanski Zahod boljši od preostalega sveta, da so bili moški boljši od žensk. Modernizem je verjel tudi v pomen, pomen in napredek umetnosti, zlasti likovne umetnosti in arhitekture.
Po stopinjah Leonarda in Michelangela so verjeli v visoko umetnost, umetnost, ki povzdiguje in navdihuje izobraženega gledalca, in ne v »nizko umetnost«, ki zabava le množice. Ubrali so progresiven pristop in videli umetnost kot nekaj, kar bi se moralo nenehno razvijati, vodila pa jih je vodilna skupina avantgardnih umetnikov.
Druga svetovna vojna in holokavst sta vse postavila na glavo. Pariz je nenadoma zamenjal New York kot prestolnica sveta umetnosti. Po vojnih grozotah se je vsa figurativna umetnost nenadoma zdela nepomembna, zato so se sodobni slikarji zatekali k abstraktni umetnosti, da bi se izrazili.
Presenetljivo je, da je newyorška šola s slikami Jacksona Pollocka in umirjenim barvnim poljem Marka Rothka v petdesetih letih 1950. stoletja spodbujala začasno oživitev umetnosti na obeh straneh Atlantika. Avantgardnim slikarjem je uspelo na novo definirati meje abstraktnega slikarstva, a ostal v mejah sodobnosti. Verjeli so v ustvarjanje pristnih, dokončanih umetniških del s pomembno vsebino.
Toda sodobnost se je neizogibno bližala koncu. Vse večja razkritja Šoaja, poskusov atomske bombe, kubanske raketne krize in vietnamske vojne so ljudi vse bolj razočarali nad življenjem in umetnostjo.
Jasper Johns in Robert Rauschenberg sta že sredi petdesetih let prejšnjega stoletja ustvarila prva postmoderna dela neo-dade in pop arta. Kmalu bo mainstream pop art uvedel samo postmoderno umetnost, saj so se ameriške televizijske mreže osredotočile na ofenzivo Tet leta 1950 in kaotično Demokratična nacionalna konvencija iz leta 1968.
Iz tega prehoda časa v umetnostni zgodovini je mogoče ugotoviti tudi odnos do umetnosti s strani umetnika in javnosti. Umetnikov in gledalcev sedanjosti ne določajo stare ideje pedagoških in donatorskih institucij o tem, kaj umetnost je in kaj umetnost lahko je. Možnosti in aplikacije umetnosti so postale bolj raznolike, ne da bi se morali prisiliti, da si nadenete določen steznik.
Na moderno arhitekturo je vplivala želja po ustvarjanju povsem novega sloga za sodobnega človeka. Arhitekti so želeli odstraniti vse zgodovinske reference in ustvariti nekaj povsem novega. To je privedlo do mednarodnega sloga (približno 1920-1970), minimalističnega oblikovanja pravilnosti.
Na srečo so okoli leta 1970 postmoderni arhitekti začeli revitalizirati arhitekturo XNUMX. stoletja z oblikovanjem struktur z zanimivimi značilnostmi, črpanimi iz popularne kulture in bolj tradicionalnih arhitekturnih slogov. Strukture, za katere se zdi, da se izogibajo gravitaciji, so omogočile tudi nove računalniško vodene možnosti v okviru dekonstruktivizma.
Postmodernistično gibanje se je izoblikovalo v šestdesetih in sedemdesetih letih prejšnjega stoletja, vendar so predpogoji za njegov nastanek povezani s svetovnonazorsko krizo, ki je nastala že veliko prej. Med njimi: Spenglerjeva teza o zatonu Evrope; propad javne zavesti zaradi prve svetovne vojne; pojav idej v znanosti o nedoslednosti in dvoumnosti svetovnega reda (od neevklidske geometrije do kvantne fizike).
Izraz postmoderna je bil v uporabi že v poznem 1950. stoletju in nato vse bolj v začetku 1970. stoletja, vendar šele v petdesetih letih prejšnjega stoletja v smislu njegovega sedanjega pomena. V poznih sedemdesetih letih sta k uveljavitvi izraza kot stalne stalnice prispevala predvsem dva avtorja: Jean-François Lyotard z delom La Condition postmoderne (Postmoderno znanje, 1979) in Charles Jencks z esejem Vzpon postmoderne arhitekture.
Z uvedbo pojma postmoderna je modernizem prvič opredeljen kot zaprta zgodovinska epoha (kot antika ali srednji vek pred njo). Postmoderna se je uveljavila kot slogovni izraz, zlasti v arhitekturi.
Postmodernisti so ugotovili, da sodobnega sveta ni mogoče opisati v okviru klasičnih pristopov k filozofiji, znanosti in kulturi. Zato klasične umetniške metode niso primerne za opis.
Uporaba tehnologije
Obdobje postmoderne umetnosti je sovpadalo z uvedbo več novih vizualnih tehnologij (kot so televizija, video posnetki, internet, med drugim) in je imela od njih velike koristi. Nova ponudba video in fotografskih formatov je zmanjšala pomen umetnosti risanja, manipuliranje z novimi tehnologijami pa je umetnikom omogočilo, da skrajšajo tradicionalne procese ustvarjanja umetnosti, a vseeno ustvarijo nekaj novega.
Postmoderna umetniška gibanja in slogi
V postmoderni umetnosti doslej ni bilo večjih mednarodnih umetniških gibanj. Namesto tega je v obdobju prišlo do vzpona številnih ozkih, lokaliziranih tokov, pa tudi več povsem novih umetniških oblik, kot sta video in besedno slikarstvo.
Poleg tega je bilo na desetine umetniških frakcij, pa tudi anti-postmoderni center ali dva, katerih člani so si prizadevali ustvariti vrsto umetnosti, na katero bi bila Michelangelo ali Picasso ponosna.
Od neodadaizma so postmodernisti radi mešali stvari ali vnašali nove elemente v tradicionalne oblike, da bi ustvarili nove kombinacije. Fernando Botero slika primitivne slike debelih figur, Georg Baselitz slika obrnjene figure.
Gerhard Richter je v svojih fotografskih slikah iz sedemdesetih let prejšnjega stoletja združil umetnost kamere in slikarstvo, medtem ko je Jeff Koons združil potrošniško usmerjene podobe s sofisticiranimi tehnikami kiparstva, da bi ustvaril svoje skulpture iz nerjavnega jekla.
Andreas Gursky združuje fotografijo z računalniško ustvarjenimi posnetki za ustvarjanje del, kot je Rhein II, medtem ko Jeff Wall uporablja digitalno obdelane fotomontaže v svojih postmodernih podobah.
Med umetnostnimi kritiki ni soglasja o tem, katere umetniške sloge lahko uvrstimo med postmoderno umetnost: nekateri slogi so na primer hkrati razvrščeni kot avantgardni in postmoderni. Kljub temu je mogoče razlikovati naslednji seznam gibanj in stilov postmodernizma:
dadaizem
Dadaisti so verjeli, da je surovost prve svetovne vojne, ki je pretresla Evropo in prinesla bolečino in trpljenje milijonom ljudi, rezultat logike in racionalizma. Zaradi tega so s svojo ustvarjalnostjo spodbujali uničenje estetskih kanonov, cinizma, sistematičnosti, iracionalnosti.
Kolaž je postal glavna ustvarjalna metoda dadaističnih umetnikov. Platno ali papir je služilo kot ozadje, na katerem je umetnik ustvaril kolaž iz ostankov blaga, ostankov papirja in drugih materialov.
Dada je obstajala razmeroma kratek čas: od 1916 do 1923. To je posledica dejstva, da je bila njena ideološka platforma pacifistični patos, ki je nasprotoval realnosti prve svetovne vojne. V dvajsetih letih prejšnjega stoletja se je dada združila z ekspresionizmom v Nemčiji in z nadrealizmom v Franciji.
POP umetnost
Pop art (pop art) je slog, ki je potrošniško kulturo prenesel na področje umetnosti in naučil človeštvo videti lepoto v triintridesetih pločevinkah juhe. Pop arta ne smemo zamenjevati s popularno kulturo. Avtorja sta množično kulturo obravnavala kot objekt, tako kot portretist gleda na model ali krajinskega umetnika: v naročju narave.
Tema množične kulture, na katero je padel umetnikov pogled, se je preoblikovala v nekaj izvirnega: umetniški predmet, prelomljen skozi umetnikovo interpretacijo. Z umetniškega vidika je ta slog pritegnil materialnost, objektivnost, za razliko od drugega priljubljenega trenda, abstrakcionizma. Pop art se je rodil v boju proti ustvarjalnosti abstrakcionistov in je napovedal vrnitev k prikazovanju specifičnih predmetov na platnu.
Sam po sebi poziv k vsakodnevnim stvarem ni nov v zgodovini slikarstva. Tihožitje je navsezadnje umetnikov pogled na okoliške predmete. Pravzaprav ni velike razlike med Caravaggiovo vazo in Warholovimi zelenimi steklenicami Coca-Cole. Toda pop art je imel svojo konceptualno posebnost: umetniki so vzeli ikonične predmete in podobe iz množične kulture, ki bi jih zdaj imenovali "memi".
Poleg tega niso bili pozorni le na predmete, ampak tudi na slike; tipičen primer je Warholov diptih Marilyn. Ni mogoče zanikati dejstva, da je pop art pomagal uveljaviti ameriške sanje, legitimizirati potrošniško družbo in pripadajoči življenjski slog. Hkrati je postavila temelje za kritiko filozofije potrošnje, ki se je kasneje okrepila.
Beseda umetnost
Izraz Word Art opisuje kategorijo postmoderne besedilne umetnosti različnih sodobnih umetnikov, ki so prisotni od petdesetih let prejšnjega stoletja. Preprosta definicija besedilne umetnosti je lahko "umetnost, ki vključuje besede ali besedne zveze kot umetniško komponento".
Besedilne slike, ki vsebujejo besede in besedne zveze, so bile objavljene v različnih medijih, vključno s slikarstvom in kiparstvom, litografijo in sitotiskom ter uporabno umetnostjo (majice, skodelice). Pojavlja se tudi v najnovejših oblikah sodobne umetnosti, kot je projekcijsko kartiranje.
Konceptualna umetnost
Konceptualizem (iz latinskega conceptus: misel, upodobitev) je postmoderni tok v umetnosti, ki razglaša prevlado ideje dela nad obliko njegovega umetniškega izraza. Privrženci konceptualizma so prepričani, da naj njihove slike, skulpture, instalacije in performansi v gledalcu vzbujajo ne čustva, ampak željo po intelektualnem premisleku videnega.
Konceptualizem ni komercialna umetnost, v njej so lahko predmeti za ustvarjalnost kateri koli gospodinjski predmeti, naravni materiali in celo deli človeškega okolja. Konceptualni umetnik ne želi ustvariti dokončanega dela, ampak poskuša svoje ideje prenesti na gledalca, se vključiti v nekakšno intelektualno igro.
Konceptna umetniška dela imajo posebne značilnosti. Ta dela je mogoče prepoznati po naslednjih značilnostih: ne vplivajo na čustveno, temveč na intelektualno dojemanje gledalca; pogosta uporaba pojasnjevalnega besedila pri delu; umetnikovo zavestno zavračanje pomena oblike v prid pomembnosti pomena (ideje) dela; ustvarjanje umetniških predmetov iz katerega koli predmeta, ki je na voljo avtorju.
Performans Art and Happenings
Happenings je avantgardna umetniška oblika, vrsta ustvarjalnega izražanja, tesno povezana s performansom, ki ima svoje temelje v teorijah konceptualne umetnosti 1896. stoletja, v veliki meri izhaja iz demonstracij predstavnikov Dada, pa tudi Tristana. Tzara (1963-XNUMX). V praksi ni lahko ločiti med performansom in dogajanjem.
Obe sta skrbno načrtovani obliki zabave (čeprav z elementi spontanosti), v kateri umetnik izvaja (ali vodi) umetniški gledališki dogodek. Nekaj, kar je lažje videti kot opisati z besedami.
Vsekakor je dogajanje spontano umetniško uprizoritev, ki sodi nekje med dramsko in vizualno umetnostjo ter običajno povabi in sproži močan odziv občinstva.
Zaradi svojega dadskega sloga minljivosti je bil prvotno zasnovan kot radikalna alternativa tradicionalnim obrtnim načelom in kot "trajni umetniški predmet". Popolno razlago te nove postmoderne umetniške oblike lahko preberete v knjigi Michaela Kirbyja 'Happenings' (1965).
Ta vrsta umetniškega dogodka je postala še posebej povezana z newyorško umetniško sceno okoli leta 1960 in je še vedno predstavljena v najboljših galerijah sodobne umetnosti po vsem svetu.
Abstraktna umetnost
Abstrakcionizem je slog slikarstva in umetnosti nasploh, ki zavrača realistično reprodukcijo sveta okolice. Njegovi privrženci predstavljajo preproste in zapletene oblike, se igrajo z barvami, uporabljajo črte, ravnine in druge predmete ter jih združujejo in ustvarjajo določena čustva pri gledalcu. V tem se njegov pristop razlikuje od tistega, ki ga uporabljajo mojstri, ki se držijo klasicizma in mnogih drugih stilov.
Na prvi pogled se lahko zdi slika abstrakcionista kaotična mešanica linij, oblik in madežev. Ob natančnejšem pregledu postane jasno, da je umetnik ustvaril celotno kompozicijo, ki je namenjena vzbujanju določenih misli ali razpoloženja pri gledalcu.
Abstrakcionizem, ko se je razvijal, je bil razslojen v več smeri, od katerih je imela vsaka svoje predstavnike. Obstajale so vrste stilov, kot so:
- Geometrijsko. V delih umetnikov, izvedenih v tem slogu, prevladujejo jasne oblike in linije, mnogi od njih ustvarjajo iluzijo globine.
- Mojstri, ki se držijo te smeri, aktivno delajo z barvami in njihovimi kombinacijami; preko njih prenašajo čustva, ki jih želijo ustvariti v občinstvu.
- Bistvo te smeri slikarstva je v popolni odsotnosti referenc na resnične predmete in skrajno omejeni uporabi barv, oblik in linij.
- Umetniki, ki delujejo v tej smeri, si prizadevajo v svoja dela vnesti dinamiko, gibanje, skozi katerega prenašajo čustva in občutke. Hkrati pa sence, črte in oblike zbledijo v ozadje.
Skupščina
Sestavljanje je tehnika dekorativne in uporabne umetnosti, pri kateri umetnik ustvari reliefno podobo z lepljenjem tridimenzionalnih kosov ali predmetov na ravno podlago. V tehniki asemblaža je dovoljena tudi uporaba barv za slikovni dodatek likovni kompoziciji.
Sestavljanje je v nasprotju s sorodnim kolažom vrsta tehnike za pritrditev tridimenzionalnih in ne dvodimenzionalnih (ploskih) elementov na sprednjo površino slike. Zahvaljujoč uporabi volumetričnih podrobnosti je slika čim bolj realistična in vizualno učinkovita.
Profesionalni umetniki pogosto uporabljajo gospodinjske ostanke in smeti za ustvarjanje lastnih izvirnih umetnin. V rokah mojstra veliko število raztresenih vsakdanjih predmetov postane umetniška kompozicija, polna globoke estetske vsebine.
Danes dela, ustvarjena v tehniki asemblaža, vedno znova pritegnejo pozornost poznavalcev sodobne umetnosti. Pogosto povzročajo hude polemike med kritiki, vendar nikogar ne puščajo ravnodušnega in zato veliko prispevajo k razvoju svetovne kulture.
Fluxus
Fluxus je bila ohlapno organizirana skupina umetnikov, ki se je razširila po vsem svetu, vendar je bila še posebej močno prisotna v New Yorku. George Maciunas zgodovinsko velja za glavnega ustanovitelja in organizatorja gibanja, ki je Fluxus opisal kot fuzijo Spikea Jonesa, Vaudevillea, Cagea in Duchampa.
Tako kot futuristi in dadaisti pred njimi tudi umetniki Fluxusa niso odobravali avtoritete umetniških muzejev, da določajo vrednost umetnosti. Predlagali so tudi, da za ogled in razumevanje umetniškega dela ni treba imeti posebne izobrazbe.
Fluxus ni želel samo, da bi bila umetnost dostopna množicam, želeli so, da bi vsi ustvarjali umetnost ves čas. Fluxus je pogosto težko opredeliti, saj mnogi njegovi umetniki trdijo, da je že samo dejanje definiranja gibanja preveč omejujoče in reduktivno.
Za razliko od prejšnjih umetniških gibanj je Fluxus poskušal spremeniti svetovno zgodovino, ne le umetnostno zgodovino. Trden cilj večine umetnikov je bil odpraviti vsako mejo med umetnostjo in družbo.
Osrednje načelo Fluxusa je bilo zavreči in zasmehovati elitni svet "visoke umetnosti" in najti vse možne načine, da bi umetnost prinesli množicam, v skladu z družbeno klimo šestdesetih let. Umetniki Fluxusa so s humorjem izrazili svoj namen in , skupaj z dado, je bil Fluxus eno redkih umetniških gibanj, ki je lahko hodilo po vrvi.
Kljub svojemu igrivemu obnašanju so umetniki Fluxusa resno razmišljali o svoji želji po spremembi razmerja moči v svetu umetnosti. Njegovo nespoštovanje visoke umetnosti je vplivalo na dojemanje avtoritete muzeja kot avtoritete o tem, koga in kaj smatrati umetnikom.
Fluxus je pritegnil gledalca in se zanašal na element naključja, da je oblikoval končni rezultat umetniškega dela. Uporabo naključja so uporabljali tudi Dada, Marcel Duchamp in drugi umetniki performansa tistega časa. Na umetnike Fluxusa so močno vplivale ideje Johna Cagea, ki je verjel, da je treba k delu pristopiti brez pojma o končnem rezultatu. Pomemben je bil proces ustvarjanja, ne končni izdelek.
video umetnost
Video je eden najbolj vsestranskih medijev, ki so na voljo. Video film je lahko samo umetniško delo in/ali zapis o tem, kako je umetniško delo nastalo; lahko je tudi element v instalaciji in/ali del več video aranžmaja. Video naredi umetnost bolj dinamično in živahno. Od poznih osemdesetih let prejšnjega stoletja sta se tako video kot animacija zanašala na uporabo računalniške programske opreme za manipulacijo slik.
fotorealizem
Fotorealizem je slikarska zvrst, ki se je pojavila v poznih šestdesetih letih prejšnjega stoletja kot odgovor na naraščajočo priljubljenost abstrakcije. Od takrat so fotorealistične slike s svojo ogromno pozornostjo do detajlov zagotavljale optične iluzije, ki jih je mogoče ugotoviti le od blizu kot naslikane podobe fotografskega izvirnika.
Namesto opazovanja in predstavljanja dogajanja v realnosti je fotorealizem navdihnila fotografija. Vizualne informacije, zajete s kamero, se uporabljajo za ustvarjanje iluzionističnih slik, risb in drugih umetniških del. Umetniki pogosto projicirajo fotografije na platno, tako da se slike lahko upodabljajo z natančnostjo in podrobnostmi.
Art Povera
Arte Povera (iz italijanskega izraza za "slabo umetnost" ali "osiromašeno umetnost") je bilo eno najpomembnejših in najvidnejših avantgardnih umetniških gibanj, ki se je pojavilo v južni Evropi v poznih šestdesetih letih prejšnjega stoletja.
To je vključevalo delo ducata italijanskih umetnikov, katerih glavna ustvarjalna značilnost je bila uporaba vsakdanjih materialov, ki spominjajo na predindustrijsko dobo. Posebej priljubljeni so bili umazanija, kamni in oblačila: "odpadki" ali poceni materiali, ki so jih uporabljali za svojo umetnost. Ta pristop k umetnosti je napadal prevladujoče predstave o vrednosti in pravilnosti ter subtilno kritiziral industrializacijo in mehanizacijo takratne južne Evrope.
Njegovo delo je zaznamovalo reakcijo na abstraktno slikarstvo modernizma, ki je obvladovalo evropsko umetnost v prejšnjem desetletju, od katere se je razlikoval po tem, da se je bolj osredotočil na kiparsko delo kot na slikarstvo.
Nekatera najpomembnejša dela skupine so nastala s kontrastom med surovinami in hkratnimi sklicevanjem na vzpon potrošniške kulture. V prepričanju, da sodobnost grozi, da bo izkoreninila kolektivno dediščino, je Arte Povera poskušal primerjati novo s starim.
Poleg tega, da so zavrnili tehnološko tekmovanje, so umetniki, povezani z Arte Povera, zavrnili tisto, kar so dojemali kot znanstveni realizem. V nasprotju z metodičnim pristopom do prostorskih odnosov so vzbujali mit, katerega skrivnosti ni bilo lahko razložiti.
Umetniki so predstavili absurdne in igrive jukstapozicije, pogosto novega in starega ali visoko obdelanega in predindustrijskega. S tem so ponazorili nekatere učinke modernizacije, ki prispeva k uničevanju krajev in spominov, ko se vse bolj pomika v prihodnost.
Zanimanje Arte Povere za slabe materiale je mogoče povezati z več drugimi umetniškimi gibanji iz petdesetih in šestdesetih let 1950. stoletja. Nekaj tehnik so si na primer delili z gibanji, kot sta Fluxus in Nouveau Réalisme, v kombinaciji lahko dostopnih materialov s podrezom. funkcijo.
postminimalizem
V postminimalistični umetnosti, izrazu, ki ga je prvi uporabil umetnostni kritik Robert Pincus Witten, se fokus premakne s čistosti ideje na njeno komunikacijo. Kot primer si lahko ogledate dela nemško-ameriške umetnice Eve Hesse.
feministična umetnost
Umetniško gibanje, ki se ukvarja s specifično ženskimi vprašanji, kot so rojstvo, nasilje nad ženskami, delovni pogoji žensk in še veliko več. Sodelujoči umetniki sta Louise Bourgeois in japonska umetnica Yoko Ono.
dekonstruktivizem
Dekonstruktivizem je ena vizualno najbolj impresivnih umetniških oblik, ki so jih kdaj zamislili. Njegov čuden, a močno ustvarjalen slog arhitekture 80. stoletja se je pojavil v poznih osemdesetih letih prejšnjega stoletja, predvsem v Los Angelesu, pa tudi v Evropi.
Kot del postmoderne umetnosti, ki jo omogoča uporaba programske opreme za načrtovanje letalske industrije, je dekonstruktivistična arhitektura v nasprotju z urejeno racionalnostjo geometrije in daje prednost tujemu pristopu k oblikovanju, ki običajno izkrivlja zunanjost strukture, hkrati pa spodkopava elemente. vrednote modernosti .
Nekateri zgodovinarji menijo, da je dekonstruktivistična filozofija tudi v nasprotju s postmoderno umetnostjo, čeprav so praktične posledice tega nejasne. Konec koncev mora dekonstruktivistični arhitekt slediti sodobnim in postmodernim zakonom znanosti, če mu je to všeč ali ne.
Najbolj znan predstavnik dekonstruktivistične arhitekture je kanadsko-ameriški dobitnik Pritzkerjeve nagrade Frank O. Gehry. Drugi znani dekonstruktivisti so Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi in Peter Eisenman. Izjemne dekonstruktivistične zgradbe vključujejo: Dancing House (Praga), Guggenheimov muzej (Bilbao) in Vitra Design Museum v Weil am Rhein.
Za dekonstruktivistično arhitekturo je značilna površinska manipulacija, fragmentacija in nelinearne oblike, ki izkrivljajo in preglasijo arhitekturne konvencije strukture in površine. Pri tem so elementi, ki se zdijo v nasprotju med seboj, namerno kontrastirani, da bi izpodbijali tradicionalne ideje harmonije in kontinuitete.
ciničen realizem
Gibanje sodobne kitajske umetnosti, ki se je pojavilo po porazu trga nebeškega miru (1989). Cinični realisti so uporabili figurativni slog slikanja s posmehljivo pripovedjo. Ponavljajoči se motivi so figure, plešasti moški in fotografski portreti. Slog se je posmehoval političnemu in družbenemu statusu Kitajske, in ker je bila to nova zora za kitajske umetnike, so ga zahodni zbiralci umetnin dobro sprejeli.
Postmoderna literatura in kinematografija
Značilnosti postmoderne literature vključujejo premišljeno ravnanje s tem, kar je na voljo v obliki citatov in aluzij ter igranje z literarnimi zvrstmi. Značilna je tudi konstrukcija številnih ravni delovanja in odnosov, ki so pogosto prekinjeni.
Verjetno najbolj znan postmoderni roman je Ime vrtnice Umberta Eca, ki je Eco z zelo kompleksno literarno strukturo v maniri kriminalističnega romana uspel premostiti prepad med tako imenovano visoko kulturo in množično kulturo. Zgodovinski, literarni in umetnostnozgodovinski citati in reference naredijo knjigo izobraževalni roman ali celo literarno tekmovanje. A tudi tisti, ki jih to ne zanima, lahko uživajo v Ecovem delu kot razburljivem trilerju.
Podobno je Peter Greenaway v svojem filmu The Cartoonist's Contract iz leta 1982 združil žanr zgodovinskega filma s trilerjem, vendar za razliko od Echa ne reši uganke. Čeprav zaplet ponuja številne klasične namige, vsi ne vodijo nikamor.
vizualna umetnost
Številni teoretiki in umetniki, predvsem na področju vizualnih umetnosti, glede na širok spekter izraznih oblik uporabo izraza postmoderna zavračajo. Zavračanje modernističnega prepričanja v inovativnost je tudi eden od temeljev postmoderne estetike v likovni umetnosti. Postmodernizem je povezan z zgodovinskimi kategorijami umetnosti, ki jih je modernost zavrnila, kot so narativne in mitološke strukture.
To se že začne z upodobitvami ikon 1950. stoletja Andyja Warhola, od Elvisa do Jackie Onassis. Pop art je zaznamoval tudi prelom s sodobnostjo v petdesetih letih prejšnjega stoletja, ko se je poslovil od abstrakcije. V sedemdesetih letih prejšnjega stoletja je vizualna umetnost, tako kot takratna arhitektura, poudarjala pomen čutnih, čustvenih in tradicionalnih vidikov pred teorijo in konceptom.
V XNUMX. letih prejšnjega stoletja je kolektiv New Wild (Neue Wilden) s svojim ekspresivnim in reprezentativnim slikarstvom prekinil prevlado minimalistične in konceptualno marljive avantgarde. Podobni trendi so bili v ZDA in Italiji.
Potem ko se je vrtinec naselil okoli Novih divjakov, so se uveljavili trendi, ki so se osredotočali na refleksijo slikarskega medija in čutno eksperimentiranje s slikovnimi mediji (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), slikarstvo je reprezentiralo prevlado minimalističnega in konceptualnega delavskega avant- garde. Podobni trendi so bili v ZDA in Italiji.
Za ta čas sta značilna dva umetnika, ki v svoje delo prepletata estetiko subkulture in množične kulture: Keith Haring in Jeff Koons. Haringu je uspelo združiti elemente umetnosti grafitov, stripov, računalniškega znakovnega jezika, otroške risbe in zgodnjega zgodovinskega slikanja v zelo poetičen znakovni jezik, ki je razumljiv v mnogih kulturah. Jeff Koons je v zgodnjih devetdesetih letih prejšnjega stoletja zaslovel s provokativno banalnostjo svojih subjektov.
Uporabljeni material je običajno visokokakovosten, vendar njegova površinska zasnova vzbuja svet drobnarij in kiča, kot je delno pozlačena porcelanasta figurica Michaela Jacksona v naravni velikosti z njegovimi mehurčki šimpanza.
Zahteva postmoderne estetike po pluralizmu, subjektivnosti, odmiku od abstrakcije, vključevanju množičnih medijev, brisanju meja spola in sprejemanju citata kot umetniškega medija je prinesla barvo in gibanje v pokrajino, umetniško in muzejsko.
Končno priznanje fotografije in filma kot umetniškega medija je mogoče razumeti kot trajen rezultat postmodernih trendov. Začasni vrhunec: Poleti 2002 bo muzej Ludwig v Kölnu v okviru velike razstave prikazal vseh pet filmov iz nedavno zaključenega Matthewa Barneyja "Cremaster Cycle".
Arhitektura
Sredi sedemdesetih let prejšnjega stoletja je Charles Jencks v arhitekturni diskurz uvedel izraz postmodernizem. Na ta način je postmoderni diskurz prvič dosegel širšo javnost. Na tej točki so se že jasno pojavila slogovna načela postmoderne arhitekture.
Zahtevan je bil demokratičen in komunikativen arhitekturni jezik, katerega estetika ne bi smela temeljiti samo na funkciji, temveč tudi na pomembni vsebini. Zahtevana je bila tudi vključitev izmišljenih elementov, kot je gotika, ki je v katedrali videla podobo nebeškega Jeruzalema.
Hkrati se je povečal trend ohranjanja in preoblikovanja zgodovinskih zgradb. Najpomembnejši primer je bila Gare d'Orsay v Parizu, ki se je odprla kot Musée d'Orsay leta 1986. Takšne zgodovinske zgradbe so vplivale na jezik postmoderne arhitekture, ki je bil od začetka močno določen s citati.
Da bi se izognili novemu historizmu, je bil moto, da je treba ironično razbiti eklektičnost, ki se je izražala na primer v uporabi stebrov, oken in rešetk. Spekter postmoderne arhitekture se je razvil zlasti v muzejski zgradbi v XNUMX. in XNUMX. letih XNUMX. stoletja.
Poleg muzeja Abteiberg Hansa Holleina (Mönchengladbach) za uspešen in značilen produkt postmodernizma velja tudi Državna galerija Jamesa Stirlinga (Stuttgart). V Stirlingovi zasnovi so številne aluzije na zgodovinsko arhitekturo, od Egipta do klasičnega modernizma, združene z barvami pop kulture in značilnimi regionalnimi materiali iz peščenjaka in travertina, da ustvarijo kohezivno, sodobno obliko.
V zadnjem času pri muzejski gradnji vse bolj kot izobraževalna zahteva prihaja do izraza značaj izkušnje.
Namesto razmišljanja o meditativni umetnosti je potrebna uprizoritev, sama arhitektura pa je uprizorjena z osupljivimi razgledi in gledališkimi učinki. Prvi javni obiski se vedno pogosteje odvijajo, preden so slike izobešene, da se lahko doživi arhitektura.
Postmoderna osredotočenost na popularno kulturo
Umetnostni kritiki pogosto uporabljajo izraz "visoka kultura", ko poskušajo ločiti umetnost slikarstva in kiparstva (in druge vizualne umetnosti) od popularne kulture revij, televizije in drugih izdelkov množične proizvodnje. Modernizem in njegovi vplivni privrženci, kot je Greenberg (1909–94), so te oblike kulture obravnavali kot manjvredne. Nasprotno pa postmodernisti, ki imajo raje bolj demokratično pojmovanje umetnosti, vidijo »visoko kulturo« kot bolj elitistično.
Pop art, prvo postmoderno gibanje, je navadne potrošniške dobrine spremenilo v umetnost. Pop umetniki in drugi so šli še dlje v svojih poskusih demokratizacije umetnosti s tiskanjem svoje "umetnosti" na skodelice, papirnate vrečke in majice: metoda, ki mimogrede ponazarja postmoderno željo, izvirnost in pristnost. spodkopava umetnost.
Postmoderni umetniki so opustili predstavo, da ima umetniško delo samo en inherenten pomen. Namesto tega menijo, da je gledalec enako pomemben vir pomena. Nadrealistična fotografija Cindy Sherman, na primer, poudarja idejo, da je umetniško delo mogoče interpretirati na več načinov.
Pravzaprav nekateri umetniki, kot je performerka Marina Abramović, celo dovolijo gledalcem, da sodelujejo v njihovi umetnosti, ali celo zahtevajo prispevek občinstva, da dokončajo svoje delo.
Osredotočite se na predstavo
Ker ni pravega smisla življenja, še posebej, ko smo dan in noč podvrženi radijskim in televizijskim reklamam, so se postmoderni umetniki raje omejili v slogu in spektaklu, pogosto uporabljajo promocijska orodja in tehnike, da bi dosegli večji učinek. Ta pristop je ponazorjen v postopku komercialnega tiskanja, ki uporablja slike, podobne plakatom, pop umetnikov, kot sta Roy Lichtenstein in James Rosenquist.
Osredotočenost na površino je skupna značilnost postmoderne umetnosti in včasih pride do izraza z gledališkimi, briljantnimi, zelo impresivnimi podobami. Od leta 1980 je uporaba računalnikov in drugih tehnologij revolucionirala multimedijsko umetnost (npr. animacijo) in ustvarila posebne možnosti na področjih, kot je arhitektura.
Kako pomembno je pritegniti pozornost občinstva v postmodernizmu, kaže šokantna taktika skupine študentov Goldsmiths Collegea, znane kot Young British Artists, v Londonu v poznih osemdesetih in devetdesetih letih prejšnjega stoletja. YBA, ki so zasloveli s tremi oddajami, so bili kritizirani zaradi slabega okusa, vendar so nekateri od njih postali dobitniki Turnerjeve nagrade, drugi pa so dosegli precejšnjo slavo in bogastvo.
Zadovoljite potrebe potrošnikov
Porast potrošniškega vedenja in neposredna kultura uživanja v zadnjih desetletjih XNUMX. stoletja sta močno vplivala tudi na vizualno umetnost. Potrošniki si zdaj želijo inovacije. Želijo si tudi rekreacije in zabave. Številni postmoderni umetniki, kustosi in drugi strokovnjaki so izkoristili priložnost, da bi umetnost spremenili v produkt zabave.
Uvedba novih oblik umetnosti, kot so performansi, dogodki in instalacije, pa tudi nove teme, vključno z mrtvimi morskimi psi, ogromnimi ledenimi skulpturami, številnimi golimi telesi, zgradbami, ki se zdijo v gibanju, zbirka petintrideset tisoč figure iz terakote, poslikana telesa, srhljive projekcije na javnih zgradbah (in še veliko več) - so gledalcem prinesle vrsto novih, včasih šokantnih izkušenj.
Ali so te nove oblike umetnosti pravzaprav "umetnost", ostaja vprašanje, ki povzroča veliko razprav. Postmoderni konceptualisti trdijo, da je, medtem ko ga tradicionalisti nočejo obravnavati kot takega.
načela postmoderne umetnosti
Za strokovnjake je postmoderna umetnost sestavljena iz treh osnovnih principov, ki jo bodo vodili na splošen način, ne da bi bili popolnoma omejujoči:
neposredni pomen
Nič več zbledelih oljnih slik, ki prikazujejo za lase privlečene dogodke iz grške mitologije, ki bi pri kulturnem opazovalcu izzvale zavesten nasmeh. Postmoderno slikarstvo in kiparstvo sta bila od svojih začetkov v gibanju pop art drzna, briljantna in takoj prepoznavna.
Teme in slike so bile predvsem vzete iz odmevnih potrošniških izdelkov, revij, reklam, televizije, filmov, risank in stripov. Prvič so vsi razumeli razstavljeno umetnost. Čeprav se je postmodernizem razvil iz pop arta, ostaja eden od glavnih ciljev pomena takoj očiten.
Umetnost je mogoče izdelati iz česar koli
Na podlagi tradicije Marcela Duchampa, čigar pisoar z naslovom Fountain (1917) je bil prvi slavni primer običajnega predmeta, spremenjenega v umetniško delo (še en primer: Zgodba o pripravljenem), so ga izdelali umetniški umetniki, postmodernisti. njihov posel ustvarjanja umetnosti iz najbolj nenavadnih materialov in naplavin. Ideja v ozadju je demokratizirati umetnost in jo narediti bolj dostopno.
Ideja je pomembnejša od same umetnine
Do šestdesetih let prejšnjega stoletja so umetniki na splošno verjeli, da brez končnega izdelka ne bo nič. Velika pozornost je bila namenjena kakovosti končnega umetniškega dela in izdelavi, ki je zanjo potrebna. Danes so stvari drugačne.
Postmodernisti ponavadi bolj verjamejo v koncept, ki stoji za končnim izdelkom, kot v sam izdelek, zato se velik del »postmoderne umetnosti« imenuje »konceptualna umetnost« ali »konceptualizem«. Druge oblike konceptualizma vključujejo instalacije, uprizoritvene umetnosti, dogajanje, projekcijsko umetnost in nekaj drugih.
Pomembni postmoderni umetniki
Ker smo sodobniki postmoderne umetnosti, je težko ločiti ikonična imena tistega časa. Šele po preteku časa bo mogoče reči, kateri umetniki so pustili izrazit pečat v zgodovini slikarstva in katerih slava je bila le poklon modi. Ker pa se postmodernizem razvija že več kot pol stoletja, lahko naštejemo nekaj imen, ki so že zapisana v zgodovini. Ti vključujejo na primer:
- Dadaist, nadrealist in utemeljitelj konceptualizma Marcel Duchamp
- Andy Warhol, vodja pop arta
- Pionir montaže César Baldaccini
- Znani konceptualist Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (rojen 28. julij 1887 – umrl 2. oktobra 1968) je bil mojster avantgardne umetnosti, znan po svojih ekstravagantnih umetniških delih. Delo Marcela Duchampa je kljubovalo ustaljenim tradicijam in je bilo večkrat obravnavano v škandalozni kroniki na obeh straneh oceana.
Na začetku svoje kariere je slikal slike v postimpresionističnem slogu, ki se je poklonil kubizmu in fovizmu, nato pa je slikarstvo opustil in se začel zanimati za ustvarjanje instalacij, kjer je mešal tehnike in uporabljal materiale različnih tekstur. Revolucionarne ideje umetnika so imele velik vpliv na razvoj konceptualne umetnosti v XNUMX. stoletju.
Andy Warhol
Andy Warhol (rojen 6. avgusta 1928 – umrl 22. februarja 1987) je bil iskani ameriški umetnik XNUMX. stoletja in lastnik galerije. Veliko je prispeval k razvoju komercialne pop umetnosti. Andy Warhol upravičeno velja za vodjo takšnega trenda, kot je uomo universale.
Robert Rauchenberg
Robert Rauschenberg (rojen 22. oktobra 1925 – umrl 12. maja 2008), titan ameriške umetnosti XNUMX. stoletja po časopisu The New York Times, je bil izjemen umetnik in ustvarjalec, predstavnik abstraktnega impresionizma, konceptualizma, ready made in ustanovitelj pop arta.
Slike Roberta Rauschenberga so kolaži in instalacije, obeliski, gospodinjski predmeti in drugi predmeti, ki jih je težko razvrstiti. Mojstrovo delo je, tako kot njegova biografija, šokantno, presenetljivo, gnusno in očarljivo, a nikogar ne pusti ravnodušnega. Ognjeni biseksualec, frustriran farmacevt, nasprotnik vsega klasičnega in običajnega, je postavljal nenehen izziv svetu okoli sebe in samemu sebi.
Zdravila Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (rojen 16. decembra 1908 – umrl 8. oktobra 1963) je španski in mehiški umetnik XNUMX. stoletja, izvirni predstavnik nadrealizma. Delo Remediosa Vara presega okvire klasičnega slikarstva: v delih nadrealista se prepletajo sanje, filozofska razmišljanja, magija, mehanika, zgodovina in okultno.
Obenem so slike Remediosa Vara poudarjeno lirične in ženstvene, napolnjene s srednjeveškim vzdušjem in gledalca napotijo k izvoru vesolja. Slike Remediosa Vara so polne ekstravagantnih pravljičnih likov, mehanskih konstrukcij in narave. Za razliko od klasičnega nadrealizma je v vsakem umetnikovem delu jasno zasleden zaplet, ki gledalca vodi do določenih sklepov.
Francis Bacon
Francis Bacon (rojen 28. oktobra 1909 – umrl 28. aprila 1992) je mojster britanskega ekspresionizma, eden najbolj dvoumnih in brutalnih umetnikov XNUMX. stoletja. Dela Francisa Bacona so prepoznana kot impresivna: na njegovih slikah oživijo najbolj grozljive stvaritve človeške fantazije.
Francis Bacon ni prejel nobene akademske izobrazbe. Hkrati je neverjetno iskana in priljubljena. Mojstrove slike so ultimativne sanje tako zasebnih galerij kot najbolj znanih svetovnih muzejev, ki niso nič naklonjeni vključitvi njegovih del v zbirko. Nekatere umetnikove mojstrovine so vredne več deset milijonov dolarjev in so uvrščene na sezname najdražjih umetnin.