La Натюрморт, также известный как натюрморт, представляет собой тип живописи, характеризующийся интересным изображением неодушевленных предметов, таких как еда, цветы, растения и т. д., в заданном пространстве. Если вы хотите узнать немного больше об этом замечательном изобразительном жанре, оставайтесь и наслаждайтесь контентом, который мы сделали специально для вас!
Что такое натюрморт?
Термин «натюрморт» относится к художественному течению, которое отвечает за изображение того, как воспринимаются различные элементы, присутствующие в реальности, но с определенным акцентом на вещи, которые относятся к нашей повседневной жизни, углубляя интерпретацию и динамику. восприятия окружающего мира с точки зрения автора.
Точно так же и натюрморт, как его еще называют, можно было бы в основном определить как живописную или фотографическую композицию, в которой изображены неодушевленные предметы, особенно продукты питания и домашняя утварь, как-то: фрукты, овощи, посуда, продукты питания и т. д. Обычно эти предметы кладут на стол.
Также, но реже, они отражаются в произведениях: музыкальных инструментах, мертвых животных, растениях, камнях, книгах, украшениях и т.д. Эта ветвь живописи обычно использует дизайн, хроматизм и освещение, так что создается эффект чрезвычайного спокойствия, гармонии и благополучия.
Ему часто приписывают звание одного из самых известных жанров в истории искусства, который дает своим художникам наибольшую творческую свободу. Его истоки восходят к древности, задолго до 1700-х годов, когда темы немного отличались от сегодняшних.
Вначале этот класс картин был посвящен более религиозным темам с символикой, связанной с изображаемыми объектами. Со временем техники и темы эволюционировали в модернистские натюрморты, преодолевающие всевозможные пространственные барьеры и использующие фотографию и технологии.
Некоторые даже содержали различные аудиовизуальные материалы. Однако после изменений, навязанных его практиками, его суть остается прежней. Его популярность была впечатляющей в разные периоды, культуры и движения, в том числе талантливые Пабло Пикассо и Поль Сезанн как некоторые из его представителей.
История натюрморта
Чтобы узнать больше о происхождении натюрморта, крайне важно указать на его историю, которую можно разделить на несколько этапов. Это следующие:
Древнее искусство
Есть несколько следов, свидетельствующих о том, что первые найденные в истории человечества натюрморты относятся к середине пятнадцатого века до нашей эры, в Древнем Египте. В основном они заключались в способе украшения интерьера их гробниц, поскольку считалось, что эти картины будут унесены в загробную жизнь.
Иными словами, египтяне считали, что каждый из предметов, связанных с едой и бытом, можно будет перенести на другую сторону, чтобы умерший мог ими воспользоваться. Самый известный в египетской культуре натюрморт был найден в гробнице писца Менны.
В том месте все стены были прекрасно украшены множеством деталей их повседневной жизни. Со своей стороны, древние греки также отвечали за демонстрацию своего необычайного мастерства в картинах о кувшинах и изображениях предметов и животных, распространенных в их обществе.
В дополнение к этому, другие подобные натюрморты, немного более простые и с реалистической перспективой, были найдены в росписях Древнего Рима и в мозаиках и фресках I века в Помпеях, Геркулануме и на вилле Боскореале, таких как «Натюрморт со стеклянной чашей с фруктами и вазами», чтобы поставить пример.
Они использовались в основном как своего рода украшение, а также как способ запечатлеть в мозаиках образ жизни, который они вели, с точки зрения их обычаев и традиций. Точно так же они также функционировали как двойные знаки негостеприимства и празднования жизни.
Эти декоративные мозаики назывались эмблемами и, как правило, находились в домах римлян из высшего общества. Высшие классы стремились продемонстрировать пролетариату и потомству разнообразие блюд, которыми они изо дня в день наслаждались на своих столах.
Постепенно, начиная с XNUMX века, цветы и еда стали ясным представлением времен года и пяти чувств человека. С другой стороны, черепа стали использоваться в произведениях как символ смертности и эфемерности.
Довольно часто черепа на натюрмортах сопровождались надписью «Omnia mors aequat», что на испанском языке переводится как «Смерть равна всем». Этот вид искусства назывался «ванитас», и его роль возросла с появлением живописи в стиле барокко и художников голландского происхождения.
Само по себе популярное признание реализма в этом жанре связано с греческой легендой о Зевксисе и Парразии, двух художниках, которые на протяжении всей своей жизни соревновались в том, кто более способен создавать объекты, напоминающие реальность, поскольку они являются частью самые старые описания техники trompe l'oeil.
Средневековье
В начале XIV века, в Средние века, натюрморт успел воскреснуть в картинах религиозной тематики, но уже как предметы быта, служившие для сопровождения главных героев. Они учитывались как способ украшения изображаемых сцен.
Этот вид живописного изображения считался второстепенным до прихода эпохи Возрождения, потому что он обычно подчинялся другим жанрам, таким как портреты или сама религиозная живопись, из-за чего его часто ассоциировали с религиозными и аллегорическими темами.
Такой момент часто можно было наблюдать в работах североевропейских художников, чье обаяние оптимального символизма и реализма было довольно подробным, из-за чего общий посыл каждой их картины начинал расточать с чрезвычайным вниманием.
Так натюрморт стал альтернативой запечатлению символизма в картинах. Фактически, развитие техники масляной живописи способствовало тому, что эти объекты стали более реалистичными. Это произошло потому, что масло высыхало медленнее, что позволяло работать с ним слоями.
В то же время это дает художнику возможность смешивать и сочетать столько цветов, сколько им нравится. Среди ее основных разработчиков можно назвать фламандского живописца Яна ван Эйка, который использовал* различные элементы натюрморта как часть того, что он называл своей иконографической программой.
Другой важный фламандский художник, такой как Петрус Кристус, в 1449 году написал портрет жениха и невесты, посещающих ювелира, под названием «Ювелир в своей мастерской», самый яркий пример того, что известно как переходный натюрморт, поскольку он представляет собой как религиозную и светский фонд.
Хотя их посыл можно было бы считать прежде всего аллегорическим, фигуры молодой пары вполне реалистичны. Кроме того, наблюдаемые объекты, то есть остальная часть сцены, описаны довольно подробно, за исключением того, что на самом деле это изображение ювелира в виде святого Элигия и некоторых символических объектов.
Для Средневековья изображения натюрморта в традиционных картинах ушли на второй план, так как они стали отражаться в дверях с чисто декоративным назначением. Точно так же еще одним шагом к их автономии было то, что они начали расписывать вазы цветами или геральдическим и символическим содержанием.
Кроме того, большое количество живописцев использовали натюрморт как метод оформления иллюстрированных рукописей. На краях этих книг можно найти монеты, ракушки и бушели фруктов. Примером может служить тщательно продуманный текст XNUMX века «Часослов Екатерины Клевской».
возрождение
Нет сомнения, что с приходом Ренессанса искусство претерпело радикальные изменения по сравнению с тем, что было сделано в предшествующие периоды. Несмотря на то, что натюрморт считался низшим стилем по отношению к аллегории или портретной живописи, в то время было решено разорвать всякие связи с символическим и религиозным.
Одним из первых, кто освободился от религиозного ига в отношении искусства, был знаменитый флорентийский эрудит Леонардо да Винчи, которому впоследствии предстоит тщательно изучить природу и запечатлеть ее на холсте с помощью созданной им же техники, акварель.
К этому добавляется немецкий художник Альберто Дюрер, чей вклад также заключался в создании подробных рисунков и картин о флоре и фауне. Итальянец Якопо де Барбари взял на себя смелость сделать еще один шаг вперед в своей работе «Натюрморт с куропаткой, перчатками и арбалетными стрелами».
Картина венецианца известна как один из первых натюрмортов в стиле trompe l'oeil, подписанный и датированный, религиозное содержание которого сведено к минимуму. Отсюда убеждение, что в XNUMX веке произошел взрыв интереса к миру природы.
Точно так же значительно увеличилось количество роскошных ботанических энциклопедий, в которых собрана документация об открытиях Нового Света. Точно так же был больший импульс в начале научной иллюстрации и в классификации видов.
Даже много веков спустя он по-прежнему считается временем тотального исследования природы, что привело к тому, что она так же выразилась в живописи. Проводимые различные исследования постепенно стали использоваться как образец для поиска реализма в искусстве.
С приходом этого художественного направления художники воспринимали природные объекты нашей среды как отдельные элементы исследования, отделяя их от какой-либо мифологической или религиозной связи. В дополнение к этому ранняя наука о лечебных травах воспринималась как новое практическое расширение знаний.
Для финансирования коллекций животных и минералов европейские дворяне и буржуа начали создавать простую мебель, в которой выставлялись экзотические и интересные предметы со всего мира. Они назывались «Кунсткамеры» или «Комнаты чудес».
В результате их разработки художники использовали их для вдохновения и поиска необходимого им реализма и инноваций. В резиденциях этих великосветских покровителей собирали и продавали местным жителям редкие фрукты, цветы, растения, ракушки и насекомых.
Примером этого может быть тюльпан, цветок, широко используемый в натюрмортах, поэтому считается, что они родом из Нидерландов. Однако это не так, Турция – это страна, откуда они родом и в которой являются настоящим национальным символом.
Наука о садоводстве произвела впечатляющий культурный взрыв, вызвавший интерес всего европейского континента. Эта зарождающаяся тенденция, наиболее умным художникам удалось извлечь выгоду из нее, создав сотни тысяч натюрмортов. Следует отметить, что в зависимости от определенных регионов или судов были определенные интересы.
Могущественное и влиятельное флорентийское семейство Медичи имело довольно характерную страсть к изображению цитрусовых. Из-за впечатляющего распространения природных образцов и растущего интереса к их иллюстрации по всей Европе создание современных натюрмортов произошло в 1600-х годах.
Ко второй половине XVI века натюрморт претерпел новую эволюцию и стал называться автономным. Постепенно религиозное содержание уменьшилось в картинах как по размеру, так и по расположению. Только моральные уроки остались неявными в пьесах.
В качестве примера можно привести картину фламандского художника Иоахима Беккелера «Хорошо укомплектованная кухня» (1566 г.), поскольку в ней реалистично изображено преобладание сырого мяса на переднем плане, а сцена на заднем плане отвечает за передачу опасности пьянство и разврат.
Другой была бы картина Аннибале Карраччи «Лечение» (1583), которая затрагивает ту же тему, но начинает подавлять моральные послания, как и различные натюрморты «кухня и рынок», которые были созданы на протяжении многих лет этого периода.
Иконография натюрмортов с множеством цветов также была популяризирована скандинавскими художниками. Традиционно изделия представляют собой очень красочные растения, происходящие из разных стран и континентов, все в одной вазе и в один момент цветения.
Было довольно часто, что они не включали других главных героев. Его пик пришелся на начало XNUMX века, как раз в тот момент, когда скандинавские художники еще больше заинтересовались развитием многочисленных реалистических этюдов с предметами повседневного обихода в европейских обществах.
В так называемый Золотой век различные голландские художники того времени подняли свое увлечение детальным цветочным искусством на более высокий уровень с картинами «Ванитас». Они вдохновлены латинской фразой «Memento mori», живописным жанром, название которого на испанском языке переводится как «Помни, что ты умрешь».
Как и в случае с изображениями memento mori, в произведениях этого типа была тенденция сочетать цветы с различными предметами: человеческими черепами, свечами, песочными часами и т. Д. Последние почти всегда изображались вверх ногами, чтобы указать на мимолетность жизни.
Однако, в отличие от искусства memento mori, картины vanitas отвечали за включение других дополнительных символов, таких как: музыкальные инструменты, бутылки вина и книги, которые служат недвусмысленным напоминанием нам о тщеславии мирских удовольствий и благ.
XVII век
Несмотря на то, что натюрморт приобрел большую популярность среди различных социальных групп, составлявших Европу XNUMX века, в этот период уважение, которое оказывалось картинам, изображающим исторические, религиозные и мифические события, не могло быть равным ни в каком отношении.
В начале этого века известные ученые, такие как итальянец Андреа Сакки, ясно дали понять, что жанровая сцена и натюрморт не обеспечивают той серьезности, которая делает живопись чем-то великим и трансцендентным. В то же время весьма успешные итальянские художники нашли важное для своего времени покровительство.
Несмотря на это, живописцы, хотя их было очень мало, обычно отбирали или были вынуждены писать темы с натюрмортом, как это было, например, с барочными Феде Галицией, Лаурой Бернаскони и Джованной Гарцони. Различные другие художники из Италии, преуспевшие в разных жанрах, также написали несколько натюрмортов.
В частности, Караваджо был одним из первопроходцев в изображении натюрмортов с определенным пониманием живописной работы, то есть он работал над натюрмортами в сочетании со своим влиятельным натуралистическим стилем. Лучшей его работой, ярким образцом чистого натюрморта является «Корзина с фруктами» (1599), так как она представлена с предельной точностью и расположением на уровне глаз.
Эта картина принадлежала кардиналу Карлосу Борромео до самой его смерти, что долгое время ценилось как по эстетическим, так и по религиозным причинам. Фламандский художник Ян Брейгель Старший также написал для кардинала свою картину «Большой миланский букет» (1606 г.), что указывает на то, что картина была написана полностью с натуры.
Эти двое были частью обширной коллекции натюрмортов кардинала, наряду с его коллекцией редкостей. Среди обширной группы итальянских натюрмортов выделяется «Повар» Бернардо Строцци, очень хорошо выполненная кухонная сцена в голландской манере.
С одной стороны, работа представляет собой подробный портрет молодого повара, а с другой — изображение дичи, которую собираются приготовить. Точно так же один из немногих натюрмортов Рембрандта, «Натюрморт с павлинами», сочетает в себе очаровательный портрет молодой девушки в компании диких птиц.
Вышеизложенное дает нам понять, что за пределами итальянской территории точно так же шло исследование жанра, в основном в скандинавских странах. Это произошло как в провинции Северная Голландия, так и на юге, где возникло множество вариаций этого жанра.
Среди них выделяются кухонный натюрморт, натюрморт с завтраком и монохромный натюрморт. Первый нарисован предметами охоты, например, Франса Снайдерса, второй, например, Клары Петерс, Якоба Фоппенса ван Эса и Осиаса Берта, а третий, появившийся около 1625 года, например, Питера Класа и Виллема Хеды. два его наиболее представительных автора.
Натюрморт добился своей самостоятельности в новаторском художественном климате Нидерландов, так как его называли «Stilleven», что в переводе с испанского означает «спокойная природа». Со своей стороны, в романских языках и в русском, если оно было известно под термином «натюрморт».
В то время как художники нашли ограниченную альтернативу созданию религиозной иконографии, которая долгое время была для них запрещена из-за ограничений, установленных Голландской реформатской церковью, северный обычай детального реализма и его оккультных символов начал привлекать все большее число художников. страна.
Это мало-помалу заменяло церковь и государство, как то, что считалось величайшим покровителем искусства в регионе. Точно так же в этом столетии появился новый поджанр под названием «цветочный натюрморт», явно относящийся к этой теме.
Он возник из-за непрекращающегося интереса к выращиванию цветов, которые позже стали восприниматься как эстетические и религиозные объекты, что значительно помогло развитию этого жанра натюрморта. Особенно в Голландии цветочные натюрморты продавались на открытых рынках или в мастерских тех же художников.
Однако обычно это не выполнялось через комиссионные, по этой причине каждый художник создавал совершенно личные работы, которые определялись их вкусами и характерным стилем. Почти всегда это были простые, но красивые изображения ваз и гирлянд.
Этот жанр имел в своем распоряжении бесконечное количество специалистов, среди которых выделяются: Даниэль Сегерс, Якоб Капроэнс и Ян Брейгель Старший для Фландрии, Марио Нуцци и Маргарита Каффи для Италии и Бартоломе Перес де ла Деэса, Габриэль де ла Корте, Хуан де Арельяно и Педро де Кампробин от Испании.
Его популярность и важность были таковы, что значительная часть голландской техники цветочной живописи была систематизирована в трактате 1740 года Жерара де Лересса под названием «Groot Schilderboek». Он дал много советов по цвету, аранжировке, мазкам, гармонии, композиции, перспективе и так далее.
С начала христианской эры символика цветов претерпела важные изменения. Среди наиболее распространенных цветов и их значений мы находим: роза (любовь), мак (власть, смерть), водосбор (печаль), подсолнух (верность, преданность), тюльпан (благородство), лилия (чистота, справедливость), фиалка (смирение). , скромность) и др.
Что касается насекомых, то бабочки символизировали трансформацию и воскресение. Со своей стороны, стрекозы олицетворяли мимолетность, а муравьи — ценность тяжелой работы. Кроме того, голландские художники стремились специализироваться и успешно возродили древнегреческий жанр натюрморта trompe l’oeil.
В частности, они делали это как подражание природе или мимесис, называя это «bedriegertje», по-английски «маленький обман». Самуэль ван Хугстратен первым нарисовал картины с полками, на которых различные предметы изображались прибитыми, привязанными или приклеенными тем или иным способом к столу.
Этот тип натюрморта станет очень известным в XNUMX веке в Соединенных Штатах. Другой аспект trompe l'oeil отвечал за представление предметов, связанных с определенной профессией. В «Мольберте художника с фруктом» фламандского художника Корнелиса Норбертуса Гисбрехтса запечатлены все инструменты художника.
Точно так же этот аспект привел к отдельной идентификации и развитию аллегорических коллекций и картин тщеславия или vanitas. В последнем использовались великолепные фруктовые и цветочные композиции, книги, статуэтки, монеты, украшения, кувшины, картины, посуда, музыкальные инструменты, сопровождаемые символическими напоминаниями о том, как коротка жизнь.
К этому добавляется использование черепов, песочных часов или карманных часов, горящей свечи и перевернутой книги, чтобы отразить нравоучительное послание об эфемерности чувственных удовольствий. Довольно часто некоторые фрукты и цветы изображаются в процессе гниения или разложения, поэтому делается акцент на том же соображении.
Точно так же живопись стала популярной в середине этого века с широким ассортиментом аллегорических образцов, от пяти чувств до четырех континентов и четырех времен года, запечатлевая богиню или метафорическую фигуру, окруженную соответствующими природными объектами или сделанную художником. человек.
В результате этого он быстро распространился на другие части света: Германию, Испанию и Францию. Натюрморт немцы взяли на себя обязательство более точно следовать образцам, с которых начинали голландцы. Георг Флегель был одним из пионеров живописи.
Немец создал чистый натюрморт без каких-либо фигур и новаторское композиционное размещение детализированных предметов в шкафах, буфетах и витринах. В то же время он создавал несколько точек зрения одновременно. В регионе Испании натюрморты приобрели большее значение еще несколько лет назад.
Однако его истоки восходят к этому периоду, только на протяжении всей истории было плохое представление натюрмортов, написанных художниками испанского происхождения в королевских коллекциях. Следовательно, также небольшое представительство в первые годы открытия Национального музея Прадо.
Как следствие, это привело к столь решительному забвению, которое тяготило этот жанр в этой стране и на остальной части континента до наступления 1935-го века. В частности, переоценка началась в XNUMX году с выставки, организованной Обществом друзей искусства, под названием «Вазы и натюрморты в испанской живописи».
В нем выделяется презентация работы ученика знаменитого Бласа де Прадо Хуана Санчеса Котана «Охотничий бодегон, овощи и фрукты». Признание продолжилось шесть лет спустя, когда картина Франсиско де Сурбарана «Бодегон де качаррос» прибыла в Прадо благодаря пожертвованиям.
Последователи диктатора Франсиско Франко нашли в натюрмортах Санчеса Котана и Сурбарана особый стимул для эссенциалистского видения Испании, горячо вникая в существующие различия по отношению к голландским или фламандским натюрмортам.
Кроме того, франкисты настаивали на влиянии мистического характера натюрморта в их стране, связывая его с мистической литературой того, что известно как Золотой век, и что они хотели бы, чтобы коллективная и постоянная идентичность испанского гражданина быть.
Наоборот, темы, разработанные националистической литературой с большим консерватизмом при взгляде на небольшое количество натюрмортов, были восприняты значительной частью зарубежных ученых, которые, несмотря на то, что были очень хороши, не представляли всей натюрмортной живописи. практикуется на территории Испании.
Примером этого была Сибилла Эберт-Шифферер, которая настаивала на простоте и различиях, которыми обладали испанцы по отношению к голландцам, объясняя это тем, что даже когда оба имели неявную моральную цель, эта строгость, близкая к испанскому запустению, отвергала полноту, роскошь и чувственные удовольствия голландцев.
Это не относится к Питеру Черри, потому что вслед за немецким историком искусства Августом Л. Майером он смог оценить богатую универсальность натюрморта, который предоставляет Испания. В его натюрмортах был свой особый колорит, такой характерный и интересный.
Подобно тому, как это произошло в Италии и Франции, в Испании авторы трактатов в области живописи, такие как Антонио Паломино и Франсиско Пачеко, назвали этот тип живописи простым вторичным жанром, поскольку они помещали изображения человеческой фигуры на первое место. вершина высочайшего художественного представления.
Несмотря на это, инвентаризация живописи, которая обычно проводилась для завещательных целей, показала, что натюрморты были очень хорошо представлены в каждой из живописных коллекций всех социальных групп, составлявших нацию.
Для семнадцатого века, города Толедо, далекого от великолепия, которое он когда-то знал в прошлом, Паула Ревенга проанализировала более 200 описей, что из 13.000 1.000 картин, которые были сделаны там, 7 были натюрмортами, то есть XNUMX%. Следует отметить, что этот процент увеличивался в определенных социальных группах, в большей степени среди низшего духовенства.
Поэтому его относительно практиковали некоторые известные художники других жанров, такие как Хуан Санчес Котан и Блас де Прадо, задуманные как его предшественники в Испании. Можно также упомянуть Матео Сересо, Франсиско де Сурбаран и Антонио де Переда, которые выращивали несколько видов vanitas.
Эта страна дала миру настоящих специалистов в этой области: Антонио Понсе, Диего Веласкес, Франсиско Баррера, Франсиско де Бургос Мантилья, Игнасио Ариас, Хуан ван дер Хамен, Хуан де Эспиноса, Педро де Кампробин, Педро де Медина Вальбуэна, Томас Йепес и скоро. Ярким примером является Хуан Фернандес эль-Лабрадор, чей талант достиг британского двора.
Вообще говоря, в Южной Европе натурализм Караваджо отдавал предпочтение исчерпывающим деталям, характерным для Северной Европы. Во Франции художники-натюрморты действительно оказались под влиянием северной и южной школ, заимствуя некоторые характеристики у каждой из них.
Век XVIII
С наступлением нового века религиозные и аллегорические коннотации были полностью отброшены. Точно так же натюрморты за кухонным столом эволюционировали до такой степени, что стали изображать разные цвета и формы, таким образом запечатлевая повседневную еду.
В отличие от прошлых периодов, эти типы картин заказывались художникам для выполнения роскошных и экстравагантных натюрмортов, чтобы украсить столы французской аристократии. Как и полотна, не имевшие того моралистического посыла, который раньше был у голландских ванитасов.
Очарование искусства в стиле рококо достигло своего пика во французском понимании trompe l'oeil, известного по-французски как trompe l'oeil, «обманывающий глаз». Жан Симеон Шарден, считавшийся одним из самых важных художников своей страны в XNUMX веке, использовал множество техник, от голландского реализма до мягких гармоний.
В его революционный период художники в Соединенных Штатах, которые учились за границей, применяли европейский стиль к портретной живописи и натюрморту. Они сделали это, добавив другие элементы, такие как цветы и птицы, и работая над ностальгической живописью и гиперреализмом, показанным через повседневные предметы.
Натуралист Чарльз Уилсон Пил решил основать семью выдающихся художников США, а также ассоциацию по обучению молодых художников и музей природных редкостей. Рафаэль, его сын, был членом известной группы художников-натюрмортов, к которой присоединились Джон Ф. Фрэнсис, Джон Джонстон и Чарльз Берд Кинг.
XIX век
С появлением европейских академий, особенно Французской академии, имевшей запредельную роль в академическом искусстве, натюрморт стал терять значение и отходил на второй план. За установление иерархии жанров отвечали академии всего континента.
Эта иерархия установила, что художественная ценность произведения прежде всего заключается в его теме. То есть исходя из того, что выражается в системе, высшей формой живописи была та, которая затрагивала аллегорические темы, историю, религию или мифологию, вытесняя натюрморт на гораздо более низкую ступень художественного признания.
Вместо того, чтобы использовать натюрморты для изображения природы, некоторые художники, такие как Камиль Коро и Джон Констебл, решили связать их с пейзажными изображениями, предвосхищая движения, которые появятся позже, такие как импрессионизм.
С крахом неоклассицизма, около 1830-х, жанровая живопись и портрет стали излюбленными жанрами художественных течений романтизма и реализма. Из них художники с большой известностью того времени включали натюрморты в свои полотна.
Различные натюрморты Эжена Делакруа, Гюстава Курбе и Франсиско Гойи несут интенсивный эмоциональный поток, в котором они меньше озабочены точностью того, что они делают, и больше заинтересованы в своем настроении.
Хотя творения Эдуара Мане были созданы по образцу натюрмортов Жана Симеона Шардена, они были довольно тональными, что в основном было направлено на импрессионизм. Талантливый Анри Фантен-Латур, используя более традиционные техники, прославился своими цветочными картинами, которые собирали многие покупатели.
Уже с окончательным упадком академической иерархии по всей Европе и расцветом бесчисленных художников-импрессионистов и постимпрессионистов и техника, и цветовая гармония восторжествовали над сюжетом. Поэтому натюрморт вновь стал считаться вариантным, основанным на новых живописных течениях.
Клод Моне в своих первых натюрмортах черпал вдохновение у Фантен-Латура, но он был одним из первых, кто осмелился порвать с традицией использования фона и заменить его яркими и яркими цветами, чтобы обеспечить большую яркость. Пьер-Огюст Ренуар также внес новшество в «Натюрморт с букетом и веером» и его блестящим оранжевым фоном.
В импрессионистском натюрморте полностью отсутствовало содержание религиозного и мифологического характера, скорее была предпринята попытка привнести высшую хроматическую гармонию и световую обработку. Было довольно любопытно посмотреть, как эти художники создавали свои впечатляющие творения.
Хотя они были вдохновлены цветами, составляющими природу, они превосходно интерпретировали свое видение, так что в некоторых случаях их картины казались неестественными. Как однажды сказал Поль Гоген, «цвета имеют свое собственное значение».
Другие попытки изменить традиционные точки зрения можно увидеть в работе Гюстава Кайботта «Фрукты, выставленные на вешалке», картине, над которой в то время широко высмеивали. С другой стороны, одним из тех, которые получили широкое признание во всем мире, были «Подсолнухи» Винсента Ван Гога.
Его автор использовал различные оттенки желтого и охры, чтобы создать плоское изображение, которое с годами станет заметным вкладом в историю жанра. Это было связано с тем, что элементы быта были запечатлены оригинально.
Ван Гог и его «Натюрморт с чертежной доской» (1889) — яркий пример портрета повседневной жизни в натюрмортах, нарисованных личными предметами, к которым относятся трубки, еда, книги, письма, без отражения его образа. . В дополнение к этому он также создал свой вариант ванитаса с «Натюрмортом с Библией» (1885 г.).
современное искусство
XNUMX-й и XNUMX-й века имели большое значение для искусства, так как в его первые годы было место для быстрой эволюции различных видов искусства. Каждый из изобразительных жанров, включая натюрморт, продолжил свой эволюционный процесс, оставив фигуративное далеко позади и в конце концов достигнув того, что мы называем тотальной абстракцией.
Понемногу начинают добавляться элементы из Японии, работающие с разноцветными фонами и таким же образом больше исследующие абстрактную концепцию с геометрическими фигурами. Это действительно имело большое значение между современным и православным натюрмортом.
Другие художники, стремящиеся отвергнуть движение кубизма, решили использовать натюрморт, но в трех измерениях, чтобы попытаться вернуться к обычному. Кроме того, несколько характерных объектов того, что мы понимаем как натюрморт, были включены в сюрреалистическую живопись.
Что касается латиноамериканского искусства, то в нем также исследовался натюрморт. Среди его представителей можно отметить мексиканку Фриду Кало и других современных художников, которые взяли на себя задачу работать над сюрреализмом, объединяя продукты и символы своей культуры.
Позже, особенно в 60-х и 70-х годах, появился поп-арт, величайшими представителями которого были Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. Хотя они по-своему выделялись, оба сделали свои индивидуальные версии натюрморта с предметами быта, тарелками с фруктами, винными бутылками и консервированными супами.
Наконец, следует отметить, что с вторжением фотографии в современное искусство традиционный и простой натюрморт мог быть только вытеснен. Однако это не обязательно означало его полное исчезновение, поскольку многие художники также посвятили себя такому изображению действительности.
Натюрморт непрерывен и всегда будет присутствовать сегодня, так как роль света, ощущение полной гармонии и неявного хроматизма стали неявным аспектом в искусстве живописи, независимо от того, какой он исторический момент и его создатель. .
Если эта статья пришлась вам по душе, не оставляйте без предварительного прочтения: