O operă de artă nu este doar o pictură care prezintă anumite imagini, este și o modalitate de a expune realitatea, de a surprinde personalitatea pictorului în fiecare trază și chiar de a exprima mentalitatea și angoasele unui timp dat. Deci, cu acest articol, vom explora tot misterul din spate Lăptașca lui Vermeer.
Identificarea și descrierea Lăptașiei lui Vermeer
The Milkmaid este un ulei pe pânză de 45,5 x 41 cm al celebrului pictor olandez Johannes Vermeer din Delf. În această lucrare, artista surprinde cu toate detaliile și siguranța ei, prudența și hotărârea cu care o muncitoare casnică în bucătărie își îndeplinește una dintre cele mai obișnuite sarcini: turnarea laptelui pe ceramică. Pictura se află în prezent la Rijksmuseum din Amsterdam, Țările de Jos.
Pictorii de atunci obișnuiau să reprezinte în lucrările lor acțiuni cotidiene sau obișnuite ale vieții, cum ar fi treburile casnice, de exemplu, așa că genul costumbrist este ceva foarte caracteristic în această lucrare a lui Vermeer, pe lângă faptul că are un stil baroc olandez care a fost folosit. mult pentru a reprezenta bogăția familiilor olandeze din acea vreme. Deși nu se cunoaște exact anul în care a fost finalizată pictura, experții stabilesc că a fost pictată între 1658-1661.
- Autor: Johannes Vermeer
- cronologie: 1658 - 1661
- tehnică: Ulei pe panza
- dimensiuni: 45,5 x 41 cm
- sex: Pictură de gen sau costumist
- stil: baroc olandez
- Locatia curenta: Rijksmuseum Amsterdam, Țările de Jos
analiza picturii
Primul lucru pe care îl vedeți în această lucrare este o femeie care toarnă lapte dintr-un ulcior de lut într-o oală din același material. Laptele varsat devine in centrul atentiei datorita unui truc de compozitie; care este construcţia a două diagonale imaginare care se întâlnesc pe încheieturile femeii. În timp ce ulciorul este înclinat înainte (ca în acest tablou) sau ținut într-un mod sugestiv, potrivit multor critici, pictura se referă la anatomia feminină.
Există și o masă acoperită cu o față de masă verde și pe ea atârnă o cârpă albastră. Masa conține, de asemenea, elemente de natură moartă, cum ar fi mai multe bucăți de pâine, un coș de pâine și un ulcior de ceramică albastră, (este interesant de observat cum pictorul a folosit mici puncte strălucitoare pe pâine, aceasta este o tehnică cunoscută sub numele de puntillés).
Lăptașca lui Vermeer, care este ea însăși o servitoare, poate făcând terci de pâine în oală. Silueta robustă a femeii este orbită de lumina care trece prin fereastră, ea s-a concentrat asupra sarcinii sale astfel încât chipul ei să reflecte o imersiune în gândurile ei sau pur și simplu pregătirea ei. Unii observatori ai picturii spun că gândurile sale pot fi legate de o fantezie despre cineva, observând că fardul de obraz de pe obrajii lui poate valida această idee.
Ca îmbrăcăminte foarte reprezentativă pentru olandezii contemporani din secolul al XVII-lea, ea poartă o pălărie albă de in, o jachetă galbenă de lână, mâneci suflecate verzi și albastre, care nu sunt incluse în jacheta ei, un șorț albastru și o fustă roșie. La locul scenei, lumina soarelui intră prin fereastra din stânga.
La fel, se poate detalia un coș de pâine care atârnă pe peretele din dreapta ferestrei. Un mic tablou cu conținut necunoscut atârnă deasupra coșului și un recipient metalic atârnă și el în dreapta acestuia. Peretele mare din spate este alb unde se poate observa prezenta unui cui si unele absente ale acestora datorita micilor gauri prezente in lucrare, in plus acest perete este iluminat de lumina soarelui prin geam.
În segmentul inferior al acestui perete, există o serie de plăci caracteristice Delft Blue. Aversul acestor plăci este un fel de încălzitor de picioare cu nouă găuri în partea de sus și un vas umplut cu jar în interior, acest obiect sugerează senzații de căldură și lipsa acesteia. În ceea ce privește iconografia, s-a scris pe scară largă că simbolismul acesteia denotă o trezire în sexualitatea femeii, întrucât jarul insinuează că nu numai că îi vor încălzi picioarele, ci toate celelalte părți ale corpului ascunse sub fusta ei.
Așadar, încălzitorul pentru picioare poate să fi semnalat reputația predominantă a servitoarelor domestice, în special a lăptătorilor, ca fiind disponibile din punct de vedere sexual și, dintr-un punct de vedere pragmatic, poate indica munca grea a femeilor și nevoia de odihnă între ele.
Continuând cu observarea tabloului, în stânga încălzitorului se află o țiglă care are figura lui Cupidon, în timp ce țigla din dreapta încălzitorului reprezintă un bărbat cu baston lung. Această ultimă cifră amintită ar putea valida și ceea ce s-a menționat mai sus în raport cu gândul femeii, așa că se poate spune că caracterul gândului ei este un amant absent. Imaginea de țiglă alăturată din extrema dreaptă prezintă o imagine care este indescifrabilă în mod deliberat.
Calitatea materialului
Această lucrare a lăptăriței lui Vermeer prezintă diverse detalii care denotă o anumită moștenire a școlii de pictură renascentiste flamandă din secolul al XV-lea, printre cele mai caracteristice acestei lucrări sunt menționate următoarele: detaliul coșului de răchită, cuiul care se află pe perete. iar încălzitorul conţinând un vas plin cu cărbuni aprinşi.
Compoziția și simțul spațiului
Primul lucru care o face pe Lăptașca lui Vermeer să-ți atragă atenția este aranjamentul triunghiular puternic format din femeie, pâinea și masa. Această zonă conține majoritatea culorilor, activităților și luminilor tablei. De asemenea, există o linie implicită creată de câmpul vizual al femeii când se uită la laptele vărsat. Într-un fel, acest lucru vă ajută să vă mențineți atenția asupra acestei zone triunghiulare: astfel încât acest lucru vă face să doriți să vedeți unde caută femeia.
În afara zonei menționate mai sus, există câteva vederi mai puțin importante în compoziție: gresia Delft și încălzitorul pentru picioare de la baza peretelui; coșul agățat din stânga; cuiul și găuri mici în perete; fereastră; și ceea ce pare a fi o ramă de tablou atârnată în colțul din stânga sus.
În sine, acestea nu sunt caracteristici cheie ale picturii, dar joacă un rol important în modelarea scenei și atragerea atenției asupra picturii. Așa că pictorul adaugă și elementul: deci cu cât te uiți mai mult, cu atât detaliile devin mai subtile. În cele din urmă, se poate observa că toate detaliile încorporate de pictor, inclusiv interacțiunea dintre marginile dure, moi și lipsă, contribuie la remarcabilul sentiment de realism din această pictură.
Este de remarcat faptul că marginile dure sugerează schimbări bruște ale subiectului, cum ar fi schimbarea de la țesătură deschisă la țesătură închisă la culoare sau de la țesătură galbenă la cea albastră. Marginile moi, pierdute indică o lipsă de claritate în zonele mascate de umbre.
Culorile, lumina si textura
În ceea ce privește culorile, Vermeer a folosit un număr mic de pigmenți în comparație cu pictorul și producătorul de culori Rembrandt, care a folosit peste o sută de pigmenți. Cu toate acestea, mai puțin de douăzeci de pigmenți au fost detectați în lucrările lui Vermeer și zece dintre ei par să fi fost folosiți în mod regulat.
Interesant este că pe vremea lui Vermeer, fiecare pigment era diferit de celălalt în ceea ce privește durabilitatea, timpul de uscare și funcționarea. Dificultatea picturii cu acești pigmenți era că mulți dintre ei erau adesea incompatibili între ei și trebuiau folosiți separat. Deși este puțin probabil ca Vermeer să fi avut toți pigmenții de pe paleta sa atunci când a creat oricare dintre lucrările sale, este posibil să fi avut pigmenții necesari pentru fiecare parte a picturii la care lucra.
Acest pictor folosea șapte tipuri diferite, cum ar fi: plumb alb, ocru galben, vermilion, roșu nebun, verde pământ, chihlimbar brut și negru fildeș. Un fapt notabil ar fi să spunem că în La Lechera există nuanțe de albastru de pictat. Așa că Vermeer a folosit un pigment special numit ultramarin, care era mai scump și mai fin decât azuritul folosit în mod obișnuit.
Acum, în ceea ce privește analiza tabloului, pornind de la chipul femeii, este important să ne concentrăm asupra luminii care se filtrează prin fereastră și care se reflectă direct pe chipul ei în umbre și solzi palide, creând un efect tridimensional. Pentru față, pictorița a folosit mici stropi de vopsea, cum ar fi maro roșcat, alb, ocru deschis și maro amestecate împreună pentru a picta forma feței ei.
Fereastra devine unul dintre punctele focale ale tabloului, aducând lumină și luminozitate portretului. Așa că Vermeer acordă cea mai mare atenție fiecărui detaliu al tabloului; un obiect obișnuit precum fereastra rustică este pictat cu meticulozitate acordând atenție micilor detalii precum o bucată de sticlă spartă sau neregularitatea cadrului ferestrei. Ca și în acest tablou și în altele de Vermeer, ferestrele sunt atât de stilizate geometric încât, în unele cazuri, par a fi opere de artă abstracte în sine.
Coșul de cupru și găleata de lângă elementele ferestrei tabloului, sunt vopsite în alb, ocru și negru, care sunt în cele din urmă combinate pentru a se potrivi cu forma de răchită a coșului. Acum, textura usor poroasa a ulciorului de ceramica si striatura cu care este vopsita painea confera imaginii o stralucire si naturalete extraordinare.
În legătură cu îmbrăcămintea, despre care mulți spun că este o rochie de iarnă datorită numărului de straturi pe care le are, pictorul a aplicat tușe rapide și groase de pigment galben și maro pentru a-i conferi textura rugoasă necesară.
Acum, modul în care Vermeer a inclus efectele luminii solare în această pictură este deosebit de remarcabil. Lumina este mai vizibilă când te uiți la pereți. Peretele din stânga este în umbră, iar peretele din spate este puternic luminat. De asemenea, puteți vedea diferite umbre pe peretele din spate. Una evidentă este umbra recipientului metalic din stânga peretelui din spate.
Un alt punct de evidențiat în legătură cu munca luminii este văzut în fereastra care este doar parțial inclusă, aici ne putem face o idee bună despre dimensiunea reală a acesteia observând prezența sau absența umbrelor. De exemplu, atunci când umbra lăptărei nu este prezentă, indică faptul că fereastra nu se extinde mult spre stânga. Cu toate acestea, putem vedea umbra unghiei în partea de sus a ramei (peste umărul drept al Lăptășoarei), indicând faptul că fereastra este destul de înaltă.
Fapte amuzante
Atunci când pictura a fost supusă vederii cu raze X sau tehnicilor moderne de analiză, se poate observa că pictura actuală are o mare schimbare de pentimento sau de fundal, adică obiectele pe care Vermeer le-a plasat mai întâi, dar ulterior a decis să le schimbe cu altele pot fi văzute. .obiecte.
Pictorul a inclus inițial un tablou cu o hartă a lumii pe peretele alb. Cu toate acestea, deoarece picturile erau destul de scumpe la acea vreme, el le-a îndepărtat pentru a crea un perete gol pentru a simplifica camera. În al doilea rând, el a inclus și un coș de rufe în colțul din dreapta jos al fustei roșii a femeii, dar mai târziu a scos și acesta. Probabil a scos acest coș pentru a pune mai mult accent pe subiectul principal al acestui tablou și pentru a nu distrage atenția privitorului.
În ceea ce privește identitatea femeii, unii critici au speculat că Tanneke Everpoel ar fi servitoarea familiei Vermeer. Și într-un anumit fel, acest portret îi este asociat datorită unor documente de arhivă din 1663 din care se cunoaște existența și caracterul ei.
În ceea ce privește mișcarea fizică a picturii, există informații că, probabil, atunci când pictorul a murit în 1674, aproximativ 21 de lucrări ale lui Vermeer au fost cumpărate de patronul său din Delft, Pieter van Ruijven. Când aceste picturi au fost vândute la moșia ginerelui lui van Ruijven, Jacob Dissius, în 1696, The Milkmaid a lui Vermeer a fost descrisă ca fiind „excepțional de bună” și a ocupat al doilea cel mai mare preț la vânzare (celebratul peisaj urban al lui Vermeer, View of Delft ( situat în Mauritshuis din Haga), era ceva mai scump).
„Lăptașa lui Vermeer” a fost ulterior scoasă la licitație în 1719 și apoi trecută prin cel puțin cinci colecții din Amsterdam unuia dintre marii colectionari de artă olandezi, Lucretia Johanna van Winter (1785-1845). În 1822 s-a căsătorit cu familia șase de colecționari și prin moștenitorii celor doi copii ai Lucreției, Rijksmuseum, în 1908, a cumpărat „Lăptăria” cu sprijinul guvernului olandez și al Societății Rembrandt.
Context, autor și alte lucrări
Lăptăria lui Vermeer a fost o lucrare care a fost pictată într-o perioadă de mare bogăție și putere în Țările de Jos, când comerțul, arta și știința se dezvoltau până la punctul de a fi printre cele mai faimoase din lume. În 1568, cele șapte provincii care au semnat Uniunea de la Utrecht au început o revoltă împotriva lui Felipe al II-lea al Spaniei care a dus în cele din urmă la Războiul de Optzeci de Ani. Înainte ca Spania să recupereze Țările de Jos, Anglia a declarat război Spaniei și a forțat trupele spaniole să-și oprească înaintarea.
Războiul de 80 de ani a culminat în cele din urmă cu pacea din Westfalia din 1648, unde Spania și Republica Unită a Șapte Țări de Jos au semnat acordul de pace. Compania Olandeză a Indiilor de Est a stabilit un monopol olandez asupra comerțului asiatic, care a prevalat timp de două secole. Olandezii dominau și comerțul între țările europene, până în 1680 o medie de aproape 1.000 de nave olandeze traversau Marea Baltică în fiecare an.
În ceea ce privește statutul social, cel al Olandei a fost determinat în mare măsură de venit. Acest lucru a adus un nou mod de a privi clasele sociale. Aristocrația vânduse majoritatea privilegiilor sale orașelor în care stăpâneau negustorii și banii lor. Clerul nu avea nicio influență, deoarece Biserica Romano-Catolică fusese suprimată la începutul Războiului de Optzeci de Ani.
Calvinismul a fost mișcarea religioasă predominantă a vremii și există unele zvonuri care îl leagă pe Vermeer de credința calvină, deși nu este clar dacă a devenit catolic după ce s-a căsătorit cu soția sa.
Adevărul este că, datorită învățăturilor puternice ale calvinismului, artiștilor vremii nu le era permis să înfățișeze sexul în picturile lor. Cu toate acestea, Vermeer împreună cu alți artiști ai vremii au știut să ocolească cenzura lăsând simboluri subtile care evocă pofta sau sexualitatea feminină, iar asta se reflectă foarte mult în lăptașa lui Vermeer.
Cine este Vermeer?
Johannes Vermeer s-a născut într-o familie de clasă mijlocie în octombrie 1632, originar din orașul târg olandez Delft. Tatăl său, pe nume Reijnier Jansz, pentru o pânză împletită vie, a devenit apoi hangiar și în cele din urmă negustor de artă. Mama lui, Digna Baltus, care probabil era casnică, nu există prea multe informații despre ea.
Educație și formare
Se crede că adolescent Vermeer s-a înscris ca ucenic de pictor al tatălui său la mijlocul anilor 1640, care era gata să plătească taxele scumpe pentru a se asigura că fiul său avea un viitor strălucit. Din cauza lipsei de dovezi empirice, este imposibil să numim de la cine a învățat Vermeer, dar mai mulți istorici sugerează că studentul vedetă al lui Rembrandt, Carel Fabritius, i-a dat educația timpurie. Alții cred că profesorul său a fost pictorul Pieter van Groenewegen, care s-a născut în Delft și a crescut în Breasla Sfântul Luca.
În 1653, Vermeer s-a căsătorit cu Catharina Bolnes, fiica unei familii catolice bogate din Delft. Deși ambele seturi de părinți s-au opus căsătoriei din cauza credințelor creștine contradictorii, nunta a avut loc după convertirea lui Vermeer la catolicism.
Poate pentru a-și demonstra devotamentul față de noua sa religie și socrii săi, Vermeer l-a pictat pe Hristos în Casa Martei și Mariei (1654-55), singura sa reprezentare cunoscută a unei narațiuni biblice. Căsătoria lui cu Catherine i-a permis lui Vermeer să urce în mod semnificativ pe scara socială și se crede că mai târziu chiar și-a redus contactul cu familia în timp ce locuia în casa formidabilă a soacrei sale.
În această perioadă a căsătoriei sale, Vermeer a continuat moștenirea tatălui său și s-a înscris ca maestru pictor la Breasla Sf. Luca, oferindu-i o varietate de evenimente oportune, patroni și conexiuni pentru a-și continua cariera. Lucrările sale timpurii arată influența unor maeștri precum Rembrandt, italianul Caravaggio și a pictorilor din Utrecht Caravaggisti, precum Gerrit van Honthorst și Dirck van Baburen.
timpul de maturitate
În 1662, Vermeer a devenit șeful Breslei Sfântului Luca, ceea ce însemna că ar fi fost în strânsă legătură cu numeroși patroni, artiști și colecționari din Delft. Noua poziție l-a făcut un pictor care se respectă, deși puținele tablouri care au existat i-au făcut pe mulți savanți să creadă că artistul produce doar în jur de trei tablouri pe an.
În plus, bogăția familiei soției sale i-a făcut posibil ca Vermeer să picteze pentru propria sa plăcere, mai degrabă decât să-și întrețină familia, așa cum a fost cazul majorității celorlalți pictori, și nu a angajat niciodată pe nimeni ca student sau ucenic.
De asemenea, se știa că pictorul a folosit pigmenți scumpi, cum ar fi lapis-lazuli pentru fusta lăptătorului și carmin adânc pentru rochia fetei de pahar de vin. În timp ce unii au sugerat că patronul lui Vermeer, Pieter van Ruijven, a cumpărat și a furnizat artistului aceste ingrediente exclusive, poate că nu este surprinzător că în această perioadă pictorul și-a început propria sa îndatorare.
Timp târziu și moarte
Anul 1975 a fost când Vermeer a murit, a lăsat în urmă atât de multe datorii încât familia sa nu și-a putut permite o piatră funerară pentru el. În istoria Olandei, anul 1672 a fost numit „Anul dezastrului” din cauza invaziei Republicii Olandeze de către armatele franceze, germane și britanice. Acest lucru a dus la un colaps economic dramatic pentru odinioară prosperă țară din clasa de mijloc.
Piața de artă s-a prăbușit, iar Vermeer abia își permitea să se întrețină, pe soția sa, pe mama sa și pe cei unsprezece copii ai lor. A căzut din ce în ce mai adânc în datorii, împrumutând mii de guldeni și chiar a fost prins păstrând banii soacrei.
Mai exact, Vermeer a murit pe 16 decembrie 1675, după ce a căzut într-o criză de nebunie și depresie. În dosarele judecătorești, soția sa a declarat:
„… în timpul războiului ruinos cu Franța, nu numai că nu a putut să-și vândă una dintre lucrările sale, dar a fost și într-un mare dezavantaj cu picturile altor maeștri care, ca urmare și din cauza poverii mari a copiilor săi, nu aveau resurse proprii. , a căzut într-un asemenea declin și depresie, încât s-a luat pe sine la fel de în serios, de parcă într-o zi și jumătate ar fi intrat într-o frenezie și ar fi trecut de la minte la moarte.”
Moștenirea
Datorită marii faime locale în timpul vieții sale, Vermeer părea să dispară din lumea artei până în secolul al XIX-lea, când artiști francezi precum Édouard Manet; când începu să-și întoarcă privirea la real și modest. Și pentru că Vermeer fusese atât de priceput să surprindă momente de frumusețe obișnuită, a devenit o asemenea influență asupra acestor artiști, care au reînviat conștientizarea operei maestrului.
Deși doar 34 (trei cele mai controversate Vermeer) dintre piesele sale au supraviețuit, Vermeer este astăzi considerat unul dintre cei mai mari artiști ai epocii de aur olandeze. În secolul al XX-lea, suprarealistul Salvador Dalí a devenit fascinat de opera lui Vermeer și a produs propriile sale variații, inclusiv Fantoma Delft a lui Vermeer, care poate fi folosită ca masă în 1934 și The Lacemaker (după Vermeer) în 1955.
Alți artiști, cum ar fi pictorul danez Vilhelm Hammershoi, au adaptat interioarele liniștite ale lui Vermeer la propriile teme din secolele al XIX-lea și al XX-lea. Hammershoi a modernizat Femeia în albastru citind o scrisoare Vermeer, inversând imaginea și diminuând paleta de culori, astfel încât să pară aproape ca și cum publicul se uită la o fotografie veche a unui living danez.
Printre multe dintre picturile sublime ale lui Vermeer, Fata cu un cercel de perle este considerată „Mona Lisa a Nordului”. Realismul său uimitor și ambiguitatea emoțională au inspirat artiști, scriitori și realizatori de film de zeci de ani. Mai recent, artistul britanic anonim de graffiti Banksy a reinterpretat și reprodus pictura pe o clădire din Bristol, Marea Britanie. A fost folosită o alarmă de efracție în locul legendarului cercel cu perle.
Realizările Vermeer
Acest artist s-a specializat în scene din viața domestică, un gen care a ajutat la catapultarea lexicului baroc. Multe dintre picturile sale conțin aceleași mobilier sau motive ca și cum a locuit în propriul său studio privat, iar modelele sale erau adesea femei pe care le cunoștea sau rude ale patronilor.
Vermeer a primit, de asemenea, postum titlul de „Maestru al luminii” datorită atenției sensibile pe care a acordat-o exprimării modului în care lumina se joacă cu pielea, țesăturile și pietrele prețioase în munca sa. Expertiza sa provine din utilizarea tehnicilor renascentiste precum clarobscurul, amestecate cu propria sa utilizare distincta a luminii, umbrei si culorii pentru a evoca textura, profunzimea si emotia.
Culorile și pigmenții au fost de mare interes pentru Vermeer și era cunoscut pentru combinația sa rafinată de nuanțe eterice. Patronul său, Pieter van Rujiven, se spune că a cumpărat și i-a oferit artistului ingrediente scumpe, cum ar fi lapis lazuli și carmin pentru aceste eforturi. Poate că nu este surprinzător, tocmai în acest moment pictorul și-a început propria îndatorare, oricât de compulsiv era cu materialele sale valoroase.
Vermeer a fost un pictor de succes modest în timpul vieții sale, dar astăzi i se atribuie doar 34 de tablouri (altele altele sunt îndoielnice), semnificând managementul semi-imprudent de către artist a carierei sale, care în cele din urmă avea să-l lase pe el și pe familia sa îndatorați și disperați.
Deoarece incertitudinea economică, nebunia și depresia au întărit viața artistului, s-a presupus că idila liniștită pe care Vermeer era cunoscut pentru că a descris-o în pictură reflecta o lume în care el însuși ar fi vrut să trăiască.
Alte lucrări de Vermeer
Dintre lucrările pictorului olandez Vermeer care pot fi admirate și observate la dispoziția publicului, pot fi menționate următoarele:
- Hristos în casa Martei și Mariei din 1654-1656
- Procuratorul din 1656
- Ofițerul și fata care râde din 1657-1660
- Fata cu paharul de vin, 1659
- Vederea Delftului din 1660-1661
- Femeie în albastru citind o scrisoare din 1662-1663
- Lecția de muzică sau O doamnă la virginale cu un domn 1662-1665
- Fata cu cercelul de perle, 1665
- Doamna și servitoarea din 1667
- Astronomul din 1668
- Doamnă așezată la o virginală, 1672
- Alegoria credinței din 1670-1674
Dacă ți s-a părut interesant acest articol despre pictura „Lăptașa de Vermeer”, te invităm să te bucuri de acestea: