La Natură moartă, cunoscută și sub numele de Natura Moartă este un tip de pictură care se caracterizează prin reprezentarea interesantă a obiectelor neînsuflețite, precum: alimente, flori, plante etc., într-un spațiu dat. Dacă vrei să afli ceva mai multe despre acest minunat gen pictural, stai și bucură-te de conținutul pe care l-am creat special pentru tine!
Ce este natura moartă?
Termenul de natură moartă este atribuit unui curent artistic care este responsabil de portretizarea modului în care sunt percepute diferitele elemente prezente în realitate, dar cu un anumit accent pe lucrurile care se referă la zi de zi, aprofundând interpretarea și dinamica. a simţurilor mediului din punctul de vedere al autorului.
În mod similar, natura moartă, așa cum este și cunoscută, ar putea fi definită practic ca o compoziție picturală sau fotografică, în care sunt reprezentate obiecte neînsuflețite, în special alimente și ustensile de uz casnic, precum: fructe, legume, vesela, alimente etc. De obicei, aceste obiecte sunt plasate deasupra unei mese.
De asemenea, dar mai rar, se reflectă în lucrări: instrumente muzicale, animale moarte, plante, pietre, cărți, bijuterii, printre altele. Această ramură a picturii folosește de obicei design, cromatism și iluminare astfel încât să se producă un efect de extremă seninătate, armonie și bunăstare.
Este adesea creditat cu titlul unuia dintre cele mai cunoscute genuri de-a lungul istoriei artei și unul care oferă artiștilor săi cea mai mare libertate de creație. Originile sale datează din antichitate, cu mult înainte de anii 1700, unde subiectele sunt ușor diferite de cele de astăzi.
La început, această clasă de picturi a tratat teme mai religioase cu un simbolism legat de obiectele reprezentate. De-a lungul timpului, tehnicile și temele au evoluat odată cu naturile moarte moderniste care au spart tot felul de bariere dimensionale și au făcut uz de fotografie și tehnologie.
Unele conțineau chiar diverse materiale audiovizuale. Cu toate acestea, după schimbările impuse de practicanții săi, esența sa rămâne aceeași. Popularitatea sa a fost impresionantă în diferite perioade, culturi și mișcări, inclusiv talentații Pablo Picasso și Paul Cézanne ca unii dintre exponenții săi.
Poveste cu natură moartă
Pentru a afla mai multe despre originea Still Life, este extrem de important să subliniem istoria acesteia, care ar putea fi împărțită în mai multe etape. Acestea sunt următoarele:
Artă antică
Există mai multe urme care servesc pentru a afirma că primele naturi moarte găsite în istoria omenirii datează de la mijlocul secolului al XV-lea î.Hr., în Egiptul Antic. Acestea constau, practic, într-un mod de a decora interiorul mormintelor lor, deoarece se credea că aceste picturi vor fi duse în viața de apoi.
Cu alte cuvinte, egiptenii credeau că fiecare dintre obiectele care aveau legătură cu hrana și viața casnică poate fi dus pe cealaltă parte, pentru ca defunctul să le poată folosi. Cea mai faimoasă natură moartă din cultura egipteană a fost găsită în mormântul scribului Menna.
În acel loc, toți pereții erau împodobiți perfect cu multe detalii din viața lor de zi cu zi. La rândul lor, grecii antici erau însărcinați să-și demonstreze priceperea extraordinară cu picturi despre borcane și reprezentări ale obiectelor și animalelor comune în societatea lor.
Pe lângă acestea, alte naturi moarte asemănătoare, puțin mai simple și cu o perspectivă realistă, au fost găsite în picturile murale din Roma Antică și în mozaicuri și fresce din secolul I din Pompei, Herculaneum și Vila Boscoreale, precum „Natura moartă”. cu un vas de sticlă cu fructe și vaze”, ca să punem un exemplu.
Au fost folosite mai ales ca un fel de decor și, de asemenea, ca o modalitate de a surprinde în mozaicuri modul de viață pe care îl duceau în ceea ce privește obiceiurile și tradițiile lor. În mod similar, ele au funcționat, de asemenea, ca semne duble de inospitalitate și de celebrare a vieții.
Aceste mozaicuri decorative au fost numite embleme și au avut tendința de a fi găsite în casele romanilor din înalta societate. Clasele superioare au căutat să demonstreze proletariatului și posterității varietatea de alimente pe care le savurau pe mesele lor zi de zi.
Încetul cu încetul, începând cu secolul al XVI-lea, florile și mâncarea au devenit reprezentarea clară a anotimpurilor anului și a celor cinci simțuri ale ființei umane. Pe de altă parte, craniile au început să fie folosite în lucrări pentru a simboliza mortalitatea și efemeritatea.
Era destul de comun ca craniile din naturile moarte să fie însoțite de inscripția „Omnia mors aequat”, care în spaniolă se traduce prin „Moartea este egală cu toți”. Acest tip de artă a fost numit „Vanitas”, care a avut un rol mai mare odată cu venirea picturii barocului și a pictorilor de origine olandeză.
În sine, aprecierea populară a realismului în gen este legată de o legendă din Grecia despre Zeuxis și Parrhasius, doi bărbați artiști care s-au întrecut de-a lungul vieții pentru a vedea cine era mai capabil să creeze obiecte care să semene cu realitatea, fiind Ei fac parte din cele mai vechi descrieri ale tehnicii trompe l'oeil.
Evul mediu
La începutul secolului al XIV-lea, în Evul Mediu, Natura Moartă a reușit să reînvie în tablouri cu teme religioase, dar ca obiecte cotidiene care serveau să însoțească protagoniștii. Au fost luate în considerare ca modalitate de decorare a scenelor portretizate.
Acest tip de reprezentare picturală a fost considerată minoră până la sosirea Renașterii, deoarece era de obicei subordonată altor genuri, precum portretele sau pictura religioasă în sine, ceea ce a făcut ca aceasta să fie asociată frecvent cu subiecte religioase și alegorice.
Un astfel de punct a putut fi observat mult în lucrările artiștilor nord-europeni, al căror farmec pentru simbolism și realism optim era destul de detaliat, făcând ca mesajul general al fiecăreia dintre picturile lor să înceapă să fie împrospătat cu o atenție extraordinară.
Așa că natura moartă a devenit o alternativă pentru a surprinde simbolismul din tablouri. De altfel, dezvoltarea tehnicii picturii în ulei a contribuit ca aceste obiecte să aibă un realism superior. Acest lucru se datora faptului că uleiul avea o uscare mai lentă, ceea ce permitea să fie lucrat în straturi.
În același timp, îi oferă artistului posibilitatea de a amesteca și potrivi câte culori doresc. Printre principalii săi dezvoltatori l-am putea aminti pe pictorul flamand Jan van Eyck, care obișnuia să folosească* diferite elemente din natura moartă ca parte a ceea ce el numea programul său iconografic.
Un alt pictor flamand important, precum Petrus Christus, a pictat în 1449 un portret al mirilor care vizitează un aurar intitulat „Un aurar în atelierul lui”, cel mai clar exemplu a ceea ce este cunoscut ca natură moartă de tranziție, deoarece reprezintă atât o natură religioasă. și fundație seculară.
Deși mesajul lor ar putea fi considerat în primul rând alegoric, figurile tânărului cuplu sunt în întregime realiste. În plus, obiectele care sunt observate, adică restul scenei, sunt descrise într-un mod destul de detaliat, cu excepția faptului că este de fapt o reprezentare a bijutierului ca Sfântul Eligius și a unor obiecte simbolice.
Pentru Evul Mediu, reprezentările naturii moarte din picturile tradiționale au intrat în plan secundar, deoarece au început să se reflecte în uși cu scop pur decorativ. La fel, un alt pas pentru autonomia lor a fost acela că au început să picteze vaze cu flori sau cu conținut heraldic și simbolic.
Pe lângă aceasta, un număr mare de pictori au folosit natura moartă ca metodă de decorare a manuscriselor ilustrate. Pe marginile acestor cărți se găsesc monede, scoici și bucăți de fructe. Un exemplu ar fi textul elaborat din secolul al XV-lea „Cartea de ore a Ecaterinei de Cleves”.
renaştere
Fără îndoială că, odată cu venirea Renașterii, arta a suferit o schimbare radicală față de ceea ce se făcuse în perioadele precedente. În ciuda faptului că natura moartă era considerată un stil inferior în ceea ce privește alegoriile sau portretele, la vremea aceea s-a decis să se rupă orice fel de relație cu simbolicul și religios.
Unul dintre primii care s-a eliberat de jugul religios în ceea ce privește arta, a fost celebrul polimat florentin Leonardo da Vinci, care mai târziu avea să fie responsabil pentru examinarea temeinică a naturii și surprinderea ei pe pânză cu tehnica pe care el însuși a creat-o, acuarelă.
La aceasta se adaugă artistul german Alberto Dürer, a cărui contribuție a fost și realizarea de desene și picturi detaliate despre floră și faună. Italianul Jacopo de'Barbari s-a angajat să facă un pas mai departe cu lucrarea sa „Natura moartă cu potârnichi, mănuși și săgeți cu arbaletă”.
Pictura venețianului este cunoscută ca fiind una dintre primele naturi moarte trompe l'oeil semnate și datate cu conținut religios redus la minimum. De aici și credința că în secolul al XVI-lea a avut loc o explozie a interesului pentru lumea naturală.
De asemenea, a existat o creștere semnificativă a creării de enciclopedii botanice de lux care au compilat documentația descoperirilor Lumii Noi. La fel, a existat un impuls mai mare la începutul ilustrației științifice și în clasificarea speciilor.
Chiar și multe secole mai târziu, este încă considerat un timp de explorare totală a naturii, ceea ce a dus la exprimarea ei în același mod în pictură. Diferitele studii efectuate au început treptat să fie folosite ca model pentru căutarea realismului în artă.
Odată cu venirea acestei mișcări artistice, artiștii au conceput obiectele naturale ale mediului nostru ca elemente de studiu individuale, separându-le de orice legătură mitologică sau religioasă. În plus, știința timpurie a remediilor pe bază de plante a fost luată ca o nouă extensie practică a cunoștințelor.
Pentru a finanța colecțiile de specii animale și minerale, nobilii și burghezii europeni au început realizarea de mobilier simplu în care expuneau obiecte exotice și interesante din întreaga lume. Acestea au fost numite „Dulapurile curiozităților” sau „Camere minunilor”.
Ca urmare a dezvoltării lor, artiștii le-au folosit pentru a se inspira și a căuta realismul și inovația de care aveau nevoie. În reședința acestor patroni din înalta societate, fructe rare, flori, plante, cochilii și insecte au fost adunate și comercializate pentru localnici.
Un exemplu în acest sens ar putea fi Laleaua, o floare utilizată pe scară largă în naturile moarte, motiv pentru care se crede că sunt originare din Țările de Jos. Totuși, nu este cazul, Turcia este țara de unde provin și în care sunt un adevărat simbol național.
Știința horticulturii a avut o explozie culturală impresionantă care a stârnit tot interesul continentului european. Această tendință emergentă, cei mai inteligenți pictori au reușit să o valorifice producând sute de mii de naturi moarte. De remarcat că în funcție de anumite regiuni sau instanțe existau interese deosebite.
Puternica și influenta familie Florentină Medici avea o pasiune destul de caracteristică pentru reprezentarea citricelor. Datorită răspândirii impresionante a exemplarelor naturale și a interesului crescând pentru ilustrarea acestora în toată Europa, crearea naturii moarte moderne a avut loc în anii 1600.
Până în a doua jumătate a secolului al XVI-lea, natura moartă a suferit o nouă evoluție și a ajuns să fie numită autonomă. Treptat, conținutul religios s-a diminuat în tablouri, atât ca dimensiune, cât și ca locație. Doar lecțiile de morală au rămas implicite în piese.
Pentru a o exemplifica, am putea numi „Bucătăria bine aprovizionată” (1566) a pictorului flamand, Joachim Beuckelaer, deoarece are o reprezentare realistă a cărnurilor crude dominând în prim-plan, în timp ce scena din fundal este responsabilă de transmiterea pericolelor. de beţie şi desfrânare.
Un altul ar fi tabloul lui Annibale Carracci „Tratamentul” (1583) care atinge aceeași temă, dar începe să suprime mesajele morale, la fel ca diversele picturi „bucătărie și piață” naturi moarte create de-a lungul anilor acestei perioade.
Iconografia naturilor moarte cu multe flori a fost popularizată și de artiștii nordici. In mod traditional, piesele sunt prezentate cu plante foarte colorate, originare din diverse natiuni si continente, toate in aceeasi vaza si intr-un singur moment de inflorire.
Era destul de comun ca acestea să nu includă alți protagoniști. Apogeul său a fost la începutul secolului al XVII-lea, exact în momentul în care pictorii nordici au devenit și mai interesați de dezvoltarea multiplelor studii realiste cu obiecte din viața de zi cu zi în societățile europene.
În ceea ce este cunoscut sub numele de Epoca de Aur, diverșii artiști olandezi ai vremii și-au dus fascinația pentru arta florală detaliată la un nivel superior cu picturile „Vanitas”. Acestea sunt inspirate de expresia latină „Memento mori”, un gen pictural al cărui nume în spaniolă ar fi tradus prin „Remember that you will die”.
Ca și în cazul reprezentărilor memento mori, în acest tip de piesă a existat tendința de a combina florile cu diverse obiecte: cranii umane, lumânări, clepsidre etc. Acestea din urmă erau aproape întotdeauna redate cu capul în jos, pentru a face referire la un comentariu despre natura trecătoare a vieții.
Totuși, spre deosebire de arta memento mori, picturile vanitas erau însărcinate să includă și alte simboluri suplimentare, cum ar fi: instrumente muzicale, sticle de vin și cărți, care servesc pentru a ne aminti în mod explicit de vanitatea plăcerilor și bunurilor lumești.
Secolul XVII
În ciuda faptului că natura moartă a câștigat o mare popularitate în rândul diferitelor grupuri sociale care alcătuiau Europa secolului al XVII-lea, în această perioadă respectul care a fost acordat picturilor care reprezentau evenimente istorice, religioase și mitice nu a putut fi egalat în niciun fel.
La începutul acestui secol, academicieni renumiți, precum italianul Andrea Sacchi, au arătat foarte clar că scena de gen și natura moartă nu oferă seriozitatea care face din pictură ceva măreț și transcendental. În același timp, artiștii italieni de destul succes au găsit un patronaj important pentru timpul lor.
Cu toate acestea, pictorii, deși erau foarte puțini, selectau de obicei sau erau nevoiți să picteze teme cu natură moartă, cum a fost cazul, de exemplu, cu barocurile Fede Galizia, Laura Bernasconi și Giovanna Garzoni. Alți artiști din Italia care au excelat în diferite genuri au făcut și câteva naturi moarte.
Concret, Caravaggio a fost unul dintre precursori în reprezentarea naturii moarte cu o anumită conștientizare a operei picturale, adică a lucrat la naturi moarte în conjuncție cu stilul său naturalist influent. Cea mai bună lucrare a sa, un exemplu clar de natură moartă pură este „Coșul cu fructe” (1599), deoarece este prezentată cu cea mai mare precizie și o locație la nivelul ochilor.
Acest tablou a fost deținut de cardinalul Carlos Borromeo până la moartea sa, care a fost apreciat multă vreme atât din motive estetice, cât și din motive religioase. Pictorul flamand Jan Brueghel cel Bătrân și-a pictat și tabloul „Marele buchet milanez” (1606) pentru cardinal, indicând că pictura a fost realizată în întregime din viață.
Acestea două făceau parte din colecția extinsă de naturi moarte a cardinalului, împreună cu colecția sa de curiozități. În cadrul grupului extins de naturi moarte italiene, se remarcă „Bucătarul” de Bernardo Strozzi, o scenă de bucătărie foarte bine executată în maniera olandeză.
Pe de o parte, lucrarea reprezintă un portret detaliat al unui tânăr bucătar și, pe de altă parte, reprezentarea păsărilor de vânat care urmează să fie pregătite. În mod similar, una dintre puținele naturi moarte ale lui Rembrandt, „Still Life with Peacocks”, a combinat un portret fermecător al unei fete tinere în compania păsărilor de vânat.
Cele de mai sus ne dau să înțelegem că în afara teritoriului italian, la fel a avut loc o explorare în gen, în principal în țările nordice. Acest lucru s-a întâmplat atât în provincia Olanda de Nord, cât și în sud, unde au apărut multiple variații ale genului.
Printre acestea se remarcă natura moartă de bucătărie, natura moartă de la micul dejun și natura moartă monocromă. Primul este pictat cu obiecte de vânătoare precum cele ale lui Frans Snyders, al doilea precum cele ale Clarei Peeters, Jacob Foppens van Es și Osias Beert, iar al treilea, care a apărut în jurul anului 1625, precum cele ale lui Pieter Claesz și Willem Heda, cei mai reprezentativi doi autori ai săi.
Natura moartă și-a atins independența în climatul artistic inovator din Țările de Jos, deoarece a fost numită „stilleven”, a cărui semnificație în spaniolă este „natura calmă”. La rândul său, în limbile romanice și în rusă, dacă era cunoscut prin termenul de „natura moartă”.
În timp ce pictorii au găsit o alternativă limitată la crearea iconografiei religioase care le fusese de mult interzisă din cauza restricțiilor impuse de Biserica Reformată Olandeză, obiceiul nordic al realismului detaliat și simbolurile sale oculte au început să atragă un număr tot mai mare de artiști. tara.
Aceasta, încetul cu încetul, a înlocuit biserica și statul, ca fiind cei mai mari patroni ai artei din regiune. La fel, în cursul acestui secol a apărut un nou subgen numit „natura moartă florală”, care se referă în mod clar la acest subiect.
A luat naștere din interesul neîncetat pentru cultivarea florilor, pentru a fi luate ulterior drept obiecte estetice și religioase, ajutând semnificativ la dezvoltarea acestui gen de natură moartă. Mai ales în Olanda, natura moartă florală a fost vândută pe piețe deschise sau în același studio al artiștilor săi.
Nu era însă obișnuit ca acesta să fie realizat prin comisioane, motiv care a influențat fiecare pictor să creeze lucrări destul de personale, care erau guvernate de gusturile și stilurile caracteristice ale acestora. Erau aproape întotdeauna reprezentări simple, dar frumoase de vaze și ghirlande.
Acest gen a avut la dispoziție un număr nesfârșit de specialiști, printre care se remarcă: Daniel Seghers, Jacob Caproens și Jan Brueghel cel Bătrân pentru Flandra, Mario Nuzzi și Margarita Caffi pentru Italia, și Bartolomé Pérez de la Dehesa, Gabriel de la Corte, Juan de Arellano și Pedro de Camprobín pentru Spania.
Așa a fost popularitatea și importanța sa, încât o bună parte a tehnicii olandeze de pictură cu flori a fost codificată în tratatul din 1740 de Gerard de Lairesse, intitulat „Groot Schilderboek”. A oferit o mulțime de sfaturi despre culoare, aranjare, pensule, armonie, compoziție, perspectivă și așa mai departe.
De la începutul erei creștine, simbolologia florilor a avut o evoluție importantă. Printre cele mai comune flori și semnificațiile lor găsim: trandafir (dragoste), mac (putere, moarte), columb (tristețe), floarea soarelui (loialitate, devotament), lalea (noblețe), crin (puritate, dreptate), violetă (smerenie). , modestie), printre altele.
În ceea ce privește insectele, fluturii simbolizează transformarea și învierea. La rândul lor, libelulele reprezentau trecătorul, în timp ce furnicile, valoarea muncii grele. În plus, artiștii olandezi au căutat să se specializeze și au reînviat cu succes genul antic grecesc al naturii moarte trompe l'oeil.
Mai ales, au făcut-o ca o imitație a naturii sau mimesis, numindu-l drept „bedriegertje”, în engleză „little deception”. Samuel van Hoogstraten a fost primul care a pictat tablouri cu rafturi în care erau reprezentate diverse obiecte bătute în cuie, legate sau lipite într-un fel sau altul de o masă.
Acest tip de natură moartă avea să devină foarte faimoasă în secolul al XIX-lea în Statele Unite. Un aspect diferit al trompe l'oeil era responsabil pentru reprezentarea obiectelor asociate cu o anumită profesie. În „Șevalet de pictor cu o bucată de fruct” de pictorul flamand Cornelis Norbertus Gysbrechts este surprinsă fiecare dintre uneltele meserii pictorului.
La fel, acest aspect a adus cu sine identificarea și dezvoltarea separată a colecțiilor alegorice și a picturii de vanitate sau vanitas. În acestea din urmă au fost folosite splendide aranjamente de fructe și flori, cărți, statuete, monede, bijuterii, ulcioare, tablouri, vesela, instrumente muzicale, însoțite de amintiri simbolice despre cât de scurtă este viața.
La aceasta se adaugă folosirea craniilor, a clepsidrelor sau a ceasurilor de buzunar, a unei lumânări aprinse și a unei cărți răsturnate, pentru a reflecta mesajul moralizator al efemerității plăcerilor simțurilor. Este destul de obișnuit ca unele fructe și flori să apară în proces de putrezire sau descompunere, așa că se subliniază aceeași considerație.
În mod similar, pictura a devenit populară la mijlocul acestui secol cu o gamă largă de exemplare în mod alegoric, de la cele cinci simțuri până la cele patru continente și cele patru anotimpuri, surprinzând o zeiță sau o figură metaforică înconjurată de obiectele naturale respective sau realizate de uman.
Drept urmare, s-a răspândit rapid în alte părți ale lumii: Germania, Spania și Franța. Natura moartă a germanilor și-a luat asupra lor să urmărească mai îndeaproape modelele cu care au început olandezii. Georg Flegel a fost unul dintre pictorii de pionier pentru aceasta.
Germanul a creat natură moartă pură, fără figuri și așezarea compozițională inovatoare a obiectelor detaliate în dulapuri, dulapuri și cutii de prezentare. În același timp, a produs mai multe puncte de vedere simultan. În regiunea Spaniei, naturile moarte au căpătat o importanță mai mare până acum câțiva ani.
Oricum, originile sale datează din această perioadă, doar că de-a lungul istoriei a existat o slabă reprezentare a naturilor moarte pictate de artiști de origine spaniolă în colecțiile regale. În consecință, și o mică reprezentare în primii ani de inaugurare a Museo Nacional del Prado.
Aceasta a adus drept consecință, uitarea atât de decisivă care a cântărit acest gen în acea țară și în restul continentului până la sosirea secolului XX. Mai exact, reevaluarea a început în 1935 cu o expoziție organizată de Societatea Prietenilor Artei, intitulată „Vase și naturi moarte în pictura spaniolă”.
În ea se remarcă prezentarea lucrării discipolului celebrului Blas de Prado, Juan Sánchez Cotán, „Bodegón de hunting, legumes and fruits”. Recunoașterea a continuat șase ani mai târziu, când „Bodegón de cacharros” al lui Francisco de Zurbarán a ajuns la Prado prin donații.
Adepții dictatorului Francisco Franco au găsit în naturile moarte ale lui Sánchez Cotán și Zurbarán un stimul special pentru viziunea esențială pe care o aveau pentru Spania, adâncind cu fervoare în diferențele existente în raport cu naturile moarte olandeze sau flamande.
În plus, franciștii au insistat asupra impactului naturii mistice a naturii moarte din țara lor, legând-o de literatura mistică a ceea ce este cunoscut sub numele de Epoca de Aur și ceea ce și-ar dori ca identitatea colectivă și permanentă a cetățeanului spaniol. fi.
În mod contradictoriu, subiectele dezvoltate de literatura naționalistă cu un conservatorism mai mare la privirea unui număr restrâns de naturi moarte, au fost adoptate de o mare parte a cărturarilor străini, care, deși sunt foarte buni, nu au reprezentat întreaga pictură cu naturi moarte. practicat pe teritoriul spaniol.
Un exemplu în acest sens a fost Sybille Ebert-Schifferer, care a insistat asupra simplității și diferențelor pe care spaniolii le posedau față de olandezi, explicând că chiar și atunci când ambii aveau un scop moral implicit, acea austeritate apropiată de dezolarea spaniolă respingea plenitudinea, luxurile și plăcerile senzuale ale olandezilor.
Nu este cazul lui Peter Cherry, pentru că în urma istoricului de artă german August L. Mayer, acesta a putut aprecia destul de mult versatilitatea bogată a naturii moarte pe care o oferă Spania. Naturile lui moarte aveau propria lor notă, atât de caracteristică și de interesantă.
Așa cum s-a întâmplat în Italia și Franța, în Spania tratatatorii din domeniul picturii, precum Antonio Palomino și Francisco Pacheco, au numit acest tip de pictură drept un simplu gen secundar, deoarece plasau reprezentările figurii umane la top.cel mai înalt de reprezentare artistică.
Cu toate acestea, inventarele de pictură care se efectuau de obicei în scop testamentar au scos la iveală faptul că naturile moarte erau foarte bine reprezentate în fiecare dintre colecțiile picturale ale tuturor grupurilor sociale care alcătuiau națiunea.
Pentru secolul al XVII-lea, orașul Toledo, departe de splendoarea pe care o cunoștea cândva în trecut, Paula Revenga a analizat în peste 200 de inventare că din 13.000 de tablouri care au fost realizate acolo, 1.000 erau naturi moarte, adică 7%. De remarcat că acest procent a crescut în anumite grupuri sociale, cu atât mai mult în clerul inferior.
Prin urmare, a fost practicat relativ de unii pictori renumiți din alte genuri, precum Juan Sánchez Cotán și Blas de Prado, concepute ca precursori ai săi în Spania. Se mai pot menționa pe Mateo Cerezo, Francisco de Zurbarán și Antonio de Pereda care au cultivat mai multe vanitas.
Această țară a oferit lumii specialiști autentici în domeniu: Antonio Ponce, Diego Velázquez, Francisco Barrera, Francisco de Burgos Mantilla, Ignacio Arias, Juan van der Hamen, Juan de Espinosa, Pedro de Camprobín, Pedro de Medina Valbuena, Tomás Yepes și curând. Un exemplu clar este Juan Fernández el Labrador, al cărui talent a ajuns la curtea britanică.
În general, în sudul Europei a existat o preferință pentru naturalismul lui Caravaggio față de detaliile exhaustive caracteristice nordului Europei. În Franța, pictorii de natură moartă s-au trezit oarecum influențați de școlile din nord și din sud, împrumutând unele caracteristici de la fiecare.
Secolul XVIII
Odată cu venirea noului secol, conotațiile religioase și alegorice au fost lăsate deoparte. La fel, naturile moarte de la masă de bucătărie au evoluat până la un punct în care au devenit reprezentări ale diferitelor culori și forme, surprinzând astfel alimentele de zi cu zi.
Spre deosebire de perioadele trecute, aceste tipuri de picturi au fost comandate de la artiști pentru a executa picturi fastuoase și extravagante cu natură moartă pentru a decora mesele aristocrației franceze. La fel și pânzele care nu aveau mesajul moralist pe care îl avea odinioară vanitas olandeză.
Farmecul rococo al artificiului a atins apogeul în aprecierea franceză a trompe l'oeil, cunoscut în franceză drept „trompe l'oeil”, „păcălirea ochiului”. Jean Siméon Chardin, considerat unul dintre cei mai importanți pictori ai națiunii sale în secolul al XVIII-lea, a folosit o multitudine de tehnici, de la realismul olandez la armonii blânde.
În perioada sa revoluționară, artiștii din Statele Unite care au studiat în străinătate au aplicat stilul european portretului și naturii moarte. Au făcut acest lucru adăugând alte elemente, cum ar fi flori și păsări, și lucrând la pictura nostalgică și hiperrealismul arătat prin obiecte de zi cu zi.
Naturalistul Charles Willson Peale și-a propus să întemeieze o familie de pictori importanți din SUA, împreună cu o asociație pentru formarea tinerilor artiști și un muzeu al curiozităților naturale. Raphaelle, fiul său, a fost membru al unui grup proeminent de artiști cu natură moartă, alături de John F. Francis, John Johnston și Charles Bird King.
Al XIX-lea
Odată cu apariția academiilor europene, în special a Academiei Franceze, care a avut un rol transcendental în arta academică, natura moartă a început să-și piardă din importanță și a trecut în plan secund. Academiile de pe întreg continentul au fost responsabile de stabilirea unei ierarhii a genurilor.
Această ierarhie a stabilit că meritul artistic al unei opere stă în primul rând în tema sa. Adică, pe baza a ceea ce se exprimă în sistem, cea mai înaltă formă de pictură a fost cea care a atins subiecte alegorice, de istorie, religie sau mitologie, deplasând natura moartă la o treaptă mult mai inferioară a recunoașterii artistice.
În loc să folosească natura moartă pentru reprezentarea naturii, câțiva artiști, precum Camille Corot și John Constable, au optat pentru alegerea de a le raporta la imaginile de peisaj, anticipând mișcări care aveau să apară mai târziu precum impresionismul.
Odată cu dezastrul neoclasicismului, în jurul anului 1830, pictura de gen și portretul au început să fie genurile preferate ale curentelor artistice ale Romantismului și Realismului. De la ei, artiștii de mare renume pentru acea vreme au încorporat natura moartă în pânzele lor.
Diverse opere de natură moartă de Eugène Delacroix, Gustave Courbet și Francisco Goya poartă un curent emoțional intens în care sunt mai puțin preocupați de exactitatea a ceea ce fac și mai interesați de starea lor de spirit.
Deși modelate după naturile moarte ale lui Jean Siméon Chardin, creațiile lui Édouard Manet au fost destul de tonale, într-un mod care a vizat în mare măsură impresionismul. Talentatul Henri Fantin-Latour, folosind tehnici mai tradiționale, a devenit foarte faimos pentru picturile sale cu flori, mulți clienți colecționându-le.
Deja odată cu declinul final al ierarhiei academice în toată Europa și cu perioada de glorie a nenumăraților artiști impresioniști și postimpresionişti, atât tehnica, cât și armonia culorilor au triumfat asupra subiectului. Prin urmare, natura moartă a fost din nou considerată a fi versionată pe baza noilor curente picturale.
Claude Monet, în primele sale naturi moarte, a arătat o oarecare inspirație în Fantin-Latour, dar a fost unul dintre primii care a îndrăznit să rupă tradiția de utilizare a fundalurilor și le-a înlocuit cu culori vibrante și izbitoare, pentru a oferi mai mult luminozitate. Pierre-Auguste Renoir a inovat și cu „Natura moartă cu buchet și evantai” și fundalul său portocaliu strălucitor.
În natura moartă impresionistă, conținuturile de natură religioasă și mitologică erau total absente, s-a încercat mai degrabă să se importe o armonie cromatică superioară și un tratament al luminii. A fost destul de curios să văd modul în care acești artiști și-au realizat creațiile impresionante.
Deși s-au inspirat din culorile care alcătuiesc natura, și-au interpretat magnific viziunea, astfel încât în unele ocazii picturile lor păreau marcate într-un mod nefiresc. După cum a afirmat odată Paul Gauguin, „culorile au propriile lor semnificații”.
Alte încercări de a varia perspectivele tradiționale pot fi văzute în lucrarea „Fructe expuse pe raft” a lui Gustave Caillebotte, tablou care a fost larg batjocorit la acea vreme. Pe de altă parte, unul dintre cei care a primit multă recunoaștere în întreaga lume a fost „Floarea soarelui” lui Vincent van Gogh.
Autorul său a folosit diverse nuanțe de galben și ocru pentru a realiza o reprezentare plată care, de-a lungul anilor, va deveni o contribuție notabilă la istoria genului. Acest lucru s-a datorat faptului că elementele vieții de zi cu zi au fost surprinse într-un mod original.
Van Gogh și „Still Life with a Drawing Board” (1889) este un exemplu clar al portretului vieții de zi cu zi în naturi moarte, desenat cu obiecte personale, inclusiv țevi, alimente, cărți, scrisori, fără ca imaginea lui să fie reflectată. . Pe lângă aceasta, a creat și varianta sa de vanitas cu „Natura moartă cu Biblie” (1885).
arta moderna si contemporana
Secolele XX și XXI au fost de mare importanță pentru artă, deoarece în primii ei ani a existat loc pentru o evoluție rapidă a diferitelor arte. Fiecare dintre genurile picturale, inclusiv natura moartă, și-a continuat procesul evolutiv pentru a lăsa figurativul mult în urmă și, în sfârșit, a realiza ceea ce numim abstracție totală.
Încetul cu încetul, încep să se adauge elemente din Japonia, lucrând cu fundaluri multicolore și, în același mod, explorând mai mult în conceptul abstract cu figuri geometrice. Acest lucru a făcut cu adevărat o mare diferență între natura moartă modernă și cea ortodoxă.
Alți pictori care căutau să respingă mișcarea cubismului au decis să folosească natura moartă, dar în trei dimensiuni, pentru a încerca să revină la convențional. În plus, câteva obiecte caracteristice a ceea ce noi concepem ca natură moartă au fost încorporate în pictura suprarealistă.
În ceea ce privește arta latino-americană, în ea a fost explorată și natura moartă. Printre reprezentanții săi am putea aminti mexicana Frida Kahlo și alți artiști contemporani care și-au asumat sarcina de a lucra la suprarealism, integrând alimente și simboluri ale culturii lor.
Mai târziu, în special în anii 60 și 70, a apărut Pop Art, cu Andy Warhol și Roy Lichtenstein ca cei mai mari exponenți ai săi. Deși s-au remarcat în felul lor, amândoi și-au făcut versiunile individuale ale unei naturi moarte cu obiecte de zi cu zi, farfurii cu fructe, sticle de vin și supe la conserve.
În sfârșit, trebuie menționat că, odată cu incursiunea fotografiei în arta modernă și contemporană, natura moartă tradițională și simplă nu a putut decât să fie înlocuită. Totuși, acest lucru nu a însemnat neapărat dispariția sa totală, deoarece mulți artiști s-au dedicat, de asemenea, să înfățișeze realitatea în acest fel.
Natura statică este continuă și va fi pentru totdeauna prezentă astăzi, întrucât rolul luminii, simțul armoniei depline și al cromatismului tacit, au devenit un aspect implicit în arta picturii, indiferent de care este, momentul istoric și creatorul ei. .
Dacă acest articol a fost pe placul tău, nu pleca fără să citești mai întâi: