Entre o final do século XNUMX e o início do século XNUMX, um grupo de artistas talentosos surgiu no sul da Holanda, nomeado como Flamingos primitivos, que deu à história da humanidade inúmeras contribuições culturais. Daí a importância de ter conhecimento sobre o assunto, então fique conosco e aproveite este artigo informativo.
O que são flamingos primitivos?
As pinturas feitas entre os séculos XV e XVI por um grande grupo de artistas do sul da Holanda são conhecidas como Primitivos Flamengos. Um dos pontos mais transcendentais da história da arte é atribuído a esse período.
Em outras palavras, ao nos referirmos a essa denominação, estamos falando historiograficamente dos mestres da escola flamenga de pintura em seus primeiros séculos, de Jan van Eyck na primeira metade do século XV, a Pieter Brueghel, o Velho, em meados do século XV. século XV. do século XVI.
Dentro desse grupo, formado por Dieric Bouts, Hans Memling, Rogier van der Weyden, o próprio Jan van Eyck, entre outros, seus expoentes viveram e trabalharam principalmente nas prósperas cidades que compõem a região, como: Antuérpia, Bruges, Bruxelas , Gante e Leuven.
A pintura flamenga foi fundada por várias escolas: a italianizada e reacionária durante os séculos XV e XVI, e a colorista ou naturalista da Escola de Antuérpia, pertencente ao século XVII. Os dois primeiros fazem parte da arte da Holanda, que surgiu na época do Renascimento europeu.
Em linhas gerais, tratava-se de um grupo de artistas um tanto isolado do que foi a revolução renascentista e, para alguns, como os pertencentes à escola reacionária, contra as influências artísticas italianas vindouras.
Graças à maestria que nasceu como resultado do novo meio de pintura a óleo, e sua visão em termos de detalhes, a arte pictórica pôde ser impulsionada a um ponto nunca antes visto, onde o curso da história da arte foi alterado para sempre. .
Era simplesmente uma época em que as comissões não vinham apenas das camadas sociais superiores e das organizações religiosas da época, mas também de cidadãos comuns e cidades distantes das capitais. Pela primeira vez em muitos anos, foi concedido aos pintores um lugar importante na sociedade.
Naquela época, os artistas ainda preservavam algumas características originais do estilo gótico, tanto técnicas, como o uso de um painel em vez de uma tela, ou temáticas, geralmente religiosas e espirituais. No entanto, houve também um aumento nas habilidades de detalhamento, como já mencionado.
Esses interesses promoveram notadamente a investigação empírica e a descoberta da perspectiva, bem como a reivindicação da paisagem como tema pictórico, e o aprimoramento da técnica do retrato, que proporcionou uma impressionante profundidade psicológica e reivindicação da paisagem como tema.
Hoje, você ainda pode admirar o maravilhoso legado artístico dos primitivos flamengos. Na região de Flandres, por exemplo, encontramos os importantes Museus Reais de Belas Artes de Antuérpia e Bruxelas, e o Museu Groeninge de Bruges. Da mesma forma, o Museu de Belas Artes de Ghent, o M de Lovaina, o Mayer van den Bergh e o Sint-Janshospitaal estão localizados lá.
Da mesma forma, na Espanha também encontramos inúmeras obras, já que seus reis eram grandes admiradores desse tipo de pintura. Destacam-se de longe os depósitos do Museu Nacional do Prado, onde está protegida a pintura do talentoso Rogier van der Weyden, "A Descida da Cruz" (1438).
Contexto histórico-geográfico do flamengo primitivo
Muitas vezes, este tipo de pintura é referido com a expressão primitivos flamengos, dando a impressão de que é um movimento artístico bastante bruto e simples, que nunca conseguiu atingir todo o seu potencial. Esse termo surgiu quando a arte renascentista em geral foi tomada como referência, além do fato de que a Idade Média foi considerada por muito tempo como uma época de trevas.
Claro, nada poderia estar mais longe da verdade, porque quando esta magnífica escola surgiu, a pintura na Holanda já tinha uma história extensa e robusta, que incluiu momentos excepcionais com estilos como o românico e o gótico internacional.
Por outro lado, ainda é chamado de “Flamengo”, apesar do fato de a Região Flamenga da Bélgica, mais conhecida como Flandres, ser apenas isso, uma pequena área da Holanda. Isto deve-se ao facto de, ao longo do século XV, existirem circunstâncias bastante favoráveis que influenciaram a criação de uma escola de pintura transcendente nesta parte noroeste da Europa.
A prosperidade econômica foi notável em Flandres, esta estava intimamente ligada à indústria e ao comércio de tecidos e, portanto, gerou um desenvolvimento urbano excepcional a partir da crescente ascensão de sua burguesia.
O apogeu de toda a sociedade e os valores burgueses foram um fator determinante no vigoroso desenvolvimento de uma nova mentalidade e sensibilidade artística. Eye, mas que nunca renunciou, pelo resto, à sua profunda devoção religiosa.
Para a época, as cidades mais renomadas do território eram Ghent, Bruges e Ypres, cada uma delas formando nós de ligação entre as redes comerciais encarregadas de unir o norte da Europa com o resto do Ocidente conhecido. A referida região fazia parte do Ducado da Borgonha, com governantes que haviam desempenhado o papel de patrono da arte gótica.
Além disso, tinha uma alta densidade populacional, uma das mais altas de toda a Europa, cuja concentração urbana também era superior à média europeia. Nela havia várias cidades proeminentes com grande riqueza, mercadores importantes e numerosos artesãos.
De fato, tal era a coesão interna da sociedade, que muito rapidamente se projetou para uma vida pacífica e organizada. A sociedade era dominada pelas classes civis: comerciantes, fabricantes, banqueiros, etc.
Soma-se a isso o fato de que, por volta de 1380, em decorrência da Guerra dos Cem Anos, Paris já não era considerada a capital artística do mundo, como até então. Assim, os grupos sociais que emigravam passaram a permanecer em seu país e trabalhar para a burguesia e os grandes comerciantes do continente.
Isso foi visto mais do que qualquer outra coisa na sociedade espanhola e italiana que cada vez mais apreciava sua própria arte. Todas as obras estavam a serviço do público burguês, muito sensível e rico em cultura, unido pela Igreja Católica e centenas de mecenas de artistas.
A clientela estava mais do que ansiosa para poder observar o reflexo de seus rostos e mundo nas pinturas que mandavam fazer. Além disso, o desenvolvimento urbano possibilitou o estabelecimento das primeiras universidades que, juntamente com a invenção da imprensa, tornaram-se uma valiosa fonte de difusão e criadora de cultura.
Nesse período, a praticidade era cada vez mais valorizada, até mesmo a religião adquiria um significado pragmático. É por isso que é conhecido como um período totalmente realista. A partir do ano de 1420, a concepção de que o espírito divino encarnava em cada pequena coisa, fez com que as representações adquirissem uma maior transcendência.
Tanto a realidade sensível quanto a tangível tiveram maior popularidade. Os objetos deixaram de ser elementos secundários para se tornarem protagonistas. Quando isso aconteceu, o pintor primitivo flamengo, Robert Campin, morava na cidade de Tournai.
Ao mesmo tempo, a capital da província de Flandres Oriental, Ghent, viu Hubert van Eyck crescer com seu irmão mais novo e, com mais reconhecimento, Jan van Eyck. Estudos históricos afirmam que os três foram os maiores representantes da revolução da pintura.
Cada um a seu modo aperfeiçoou o uso do óleo com reflexos marcantes no resultado final, utilizando cores de excelente qualidade, obtendo efeitos incríveis com esmaltes, etc. Com a virada do século, do XV ao XVI, todos os artistas começaram a conceber as repercussões do Renascimento italiano.
Neste século, especificamente em 1477, o ducado que tinha total estima por sua relevância econômica, tornou-se a coroa austríaca dos Habsburgos. A Casa dos Habsburgos teve uma ramificação espanhola desde a época de Carlos I de Espanha, a dinastia dos Habsburgos.
Por causa disso, a arte renascentista e barroca espanhola teve uma estreita relação com as formas flamengas. No entanto, apesar da progressiva aceitação renascentista, os pintores mantiveram-se fiéis à riqueza do tradicional, pois era algo ainda vivo e com possibilidade de criação.
Foram muito poucos os que não renunciaram ao bom ofício, ao gosto pelo detalhe, ao realismo nos retratos e à paisagem constituída sobretudo como protagonista nas suas obras. Os retratos, as pinturas de grupo e o ambiente costumbrista convivem sem problemas com os temas religiosos.
Características técnicas em flamingos primitivos
Em geral, a pintura flamenga carece de precedentes em grandes formatos, com exceção dos vitrais. No entanto, faz nas miniaturas, nas quais tem uma extensa tradição de extraordinária qualidade.
Como resultado disso, algumas características da arte flamenga foram determinadas, como o uso de cores muito marcantes que servem para lembrar os pigmentos usados na iluminação das miniaturas. Acrescenta-se também a aplicação de detalhes a pequenas obras-primas, que transmitem às diversas pinturas de grande formato.
Essa característica favorece em grande parte o avanço técnico sobre o petróleo, cuja descoberta já havia sido feita, mas que ainda possuía um processo de secagem extremamente lento que não proporcionava muita praticidade.
Por esta razão, é fundamental destacar que os primitivos pintores flamengos do século XV não inventaram a técnica do óleo, apenas que foram responsáveis por aplicá-la sistematicamente, o que contribuiu para a sua consolidação e difusão neste século e no seguinte.
Para isso, foram utilizadas tintas fluidas e transparentes, aplicadas por meio de esmaltes para obter as luzes, o sombreamento delicado e a nuance da cor dos fundos. Os pintores da região usavam uma técnica mista entre têmpera e óleo.
A primeira camada costumava ser a têmpera, para definir o desenho e a modelagem com suas luzes, além de uma leve indicação de cor. A camada seguinte, a do óleo, teve como principal função que o artista se dedicasse exclusivamente à representação do efeito cromático.
Apesar de em outras áreas, como Veneza, o uso da tela se popularizar gradualmente, o painel sempre foi preservado como suporte principal, que, durante a Baixa Idade Média, foi o mais importante de todos. Uma clara indicação da íntima união que os conceitos de artista e artesão ainda possuíam naquela época.
Relação entre a Escola Flamenga e o Renascimento
A escola de pintura renascentista flamenga é muitas vezes referida por estudiosos e críticos de arte como “Ars Nova”, traduzida em espanhol como Arte Nueva. No entanto, tal nome não deve ser confundido com seu homônimo musical.
Seu nome vem de um avanço técnico e artesanal que nada tem a ver com o caráter intelectual e reflexivo das primeiras abordagens do Renascimento, que ocorreram paralelamente na região da Toscana.
Os artistas da Escola Flamenga não tomaram a Antiguidade Clássica como modelo de recuperação, em nenhum momento o conceito artesanal do ofício foi colocado sobre a mesa. Estes, além de realizarem trabalhos para a corte, também tinham clientes que faziam parte da burguesia e comerciantes residentes de cidades influentes.
Seus principais precursores não tendiam a teorizar sobre suas várias descobertas, ou sobre suas personalidades, como fizeram os contemporâneos italianos. Da mesma forma, o trabalho continuou dentro de certos parâmetros medievais tardios, com exceção de alguns pintores como Jan van Eyck.
van Eyck, junto com outros colegas, começou a ter uma consciência muito mais clara de sua arte particular e criou a tendência de assinar as obras. Para a época, não havia tratados de pintura flamenga, nem biografias de seus principais expoentes.
A referida falta de elaboração teórica pode vir de uma vocação puramente espiritual. Enquanto os autores italianos tentavam renovar todo o conhecimento do mundo através da medição humana, valendo-se das ciências e da razão, para os primitivos flamengos bastava viver diante de uma notável experimentação religiosa do visível.
Assume a perspectiva dos flamingos primitivos
Nesta mesma ordem de ideias, fazer comparações pontuais entre os Italianos e flamengos, é essencial notar que ambos descobriram simultaneamente a perspectiva linear e aérea, apenas esta última de forma empírica e não seguindo um desenvolvimento matemático ou óptico específico.
Em linhas gerais, o processo de transição do planismo para a perspectiva linear do Quattrocento foi bastante lento, sendo os últimos séculos da Idade Média uma época em que muitas tentativas, tateios e experiências imprecisas foram realizadas, com o objetivo principal de quebrar a plano pictórico e retornar à terceira dimensão.
Dentre essas várias tentativas está o sistema de representação que utiliza a projeção paralela oblíqua, denominada "Perspectiva do Cavaleiro" ou "Visão aérea", que consiste basicamente em representar cenas em que parece que o pintor está localizado em um ponto de vista específico. elevado, como uma pessoa montando um cavalo.
Desta forma, os objetos supostamente mais próximos do observador são colocados na parte inferior da composição em primeiro plano, a partir daí todo o resto é sobreposto verticalmente, pois deveriam estar mais distantes, escalando assim a pintura para o seu ponto mais alto onde o linha do horizonte é frequentemente desenhada.
A partir disso, a sugestão da terceira dimensão começou de forma muito tímida, com uma retomada da pintura em direção ao mundo natural. Estes ensaios de «perspectiva cavalheiresca» generalizaram-se no período da pintura gótica, a que se atribuiu o nome de gótico internacional ou cortês.
Cada uma dessas técnicas fornece uma clara representação naturalista do mundo, saturada de símbolos espirituais. Por volta do século XV, tanto pintores flamengos quanto alemães usaram experimentalmente todos os tipos de sistemas de perspectiva, juntamente com métodos empíricos, como o espelho convexo, usado por van Eyck em sua obra "O Casamento Arnolfini".
Assim, eles foram representados como um grande ângulo cobrindo um espaço muito maior. Um dos textos teóricos que compila os sistemas de perspectiva nórdica é o "De artificiali perspective" de Jean Pelegrin, que é conhecido como Viator e é considerado o equivalente ao Tratado de Alberti sobre a pintura renascentista.
Além disso, há a coleção de outros sistemas como a “perspectiva cornuta”, comumente conhecida como perspectiva angular ou oblíqua, cuja função era ser um procedimento utilizado pelos primitivos pintores flamengos durante grande parte do século XV.
No entanto, a representação que mais desperta interesse neste tratado é aquela que trata o sistema com um ponto de distância, muito semelhante à perspectiva linear albertiana, exceto que, com uma fórmula mais simplificada de execução fácil e clara, e que procede por assunção da prática de oficinas de pintura nórdica.
Ao contrário das pinturas renascentistas italianas, onde a luz é responsável por tornar visíveis objetos e arquiteturas na tentativa de evidenciar valores volumétricos, na pintura flamenga a perspectiva está mais próxima da visão natural.
Nela, o ar é palpável sensorialmente, como se fosse uma realidade individual e mais um elemento presente na composição. Da mesma forma, os artistas optam pelo uso da gradação de cores para cinzas um pouco mais azulados para objetos distantes, como Leonardo da Vinci faz em seus estudos de perspectiva aérea.
Temático
Como em períodos anteriores, os temas religiosos são muito preponderantes nesta fase, podendo-se citar infinitas recriações de passagens bíblicas ou referências sobre a vida de santos ou anacoretas.
Alguns artistas, como Bosch ou Brueghel, o velho, ficaram encarregados de fazer pinturas que exemplificassem os pecados e quais eram suas respectivas consequências. Da mesma forma, estas também podem ser consideradas como simples concepções filosóficas do mundo baseadas em múltiplas crenças ou ditos populares.
Para a realização destas magníficas criações, contaram com a ajuda de uma numerosa fantasia de elementos e composições que conseguem transmitir uma mensagem através de uma linguagem altamente simbólica e sofisticada. No entanto, seu uso foi bastante adequado, se levarmos em conta que seu público final era a burguesia da região e instituições religiosas.
vindicação da paisagem
Nas pinturas flamengas vê-se o interesse por absolutamente tudo, pois com a mesma precisão e cuidado com que se pinta um traço humano, pinta-se um animal, um objeto e até uma planta. É bastante notável como a paisagem adquire uma importância maior na época.
Dessa forma, os primitivos artistas flamengos refletiam fielmente o ambiente que fazia parte de seu entorno, só que confere certo caráter simbólico a tal realismo. Consequentemente, contribui para o significado alegórico das cores utilizadas e dos múltiplos objetos secundários representados.
O que era habitual no estilo gótico, os fundos dourados e neutros, desaparecem por completo e são substituídos por todo o tipo de paisagens naturalistas. A luz deixa de ser caprichosa e cada objeto passa a ter sua própria sombra específica, assim como cada cômodo tem seu quadro de iluminação, cada paisagem sua tonalidade segura e cada elemento sua qualidade pontual.
Em suma, toda pintura flamenga sempre se refere à paisagem de uma forma ou de outra, seja através de uma janela ou porque certamente ocorre ao ar livre. Essas paisagens foram feitas sem traços da natureza, então seus elementos eram muito estereotipados.
Com este ponto poderíamos citar a forma de suas rochas, recortadas e sem vegetação, as cidades localizadas ao longe, torreadas e coloridas, as árvores cuja forma era como uma pena, com troncos finos e compridos, entre outras. Os caracteres foram distribuídos de forma equilibrada, no centro se houvesse apenas um e simetricamente se houvesse muitos.
As ações eram muitas vezes destinadas a serem contidas e o movimento raramente era permitido. Embora os participantes pudessem compartilhar uns com os outros, eles nunca foram autorizados a roubar os holofotes do personagem principal, a paisagem.
Em geral, as obras eram feitas em pequeno formato usando o quadro como suporte, pois foram concebidas para se localizarem dentro das grandes residências burguesas e aristocráticas, interiores domésticos que com grande desenvoltura faziam a pintura refletir uma piedade íntima e burguesa.
Além disso, as placas geralmente consistem em três folhas, daí seu nome Triptych, os dois lados são articulados e fecham em cima da central. Por sua vez, a face externa costuma ser pintada com tons de cinza e a técnica de grisaille para produzir a sensação de ser um relevo escultórico.
O retrato
Deve-se notar que Flandres é creditado com o título de uma das regiões precursoras em termos de realização de retratos com penetração psicológica do modelo. Os retratos tradicionais flamengos, que mais tarde foram adotados com sucesso retumbante na Espanha por muitos, são aqueles que capturam seus protagonistas em um plano médio.
No entanto, não como é conhecido atualmente de frente, mas sim com uma ligeira curvatura girando sobre si mesma, sempre sobre um fundo neutro de cor escura e incorporando o rosto e as mãos a algum objeto simbólico.
O fato de o personagem ser retratado levemente rodado favorece o envolvimento total no espaço, para que as representações não sejam feitas através de truques de móveis ou fundos arquitetônicos. Só com a presença de uma figura solene, sobre um fundo perdido, se insinua a existência do volume e do espaço ocupado.
Com o passar do tempo, já no século XVII, na escola de Antuérpia, quando a cidade se tornou a fortaleza artística do barroco flamengo, este tipo de retrato conseguiu evoluir ao máximo num estilo muito mais naturalista e colorido.
Principais expoentes
Antes do estabelecimento dos primitivos flamengos, houve alguns predecessores, como o talentoso professor Melchior Broederlam e os Irmãos, Irmãos, Paul e Johan de Limbourg. No entanto, os primeiros artistas a capturar essas inovações em uma pintura foram Robert Campin e Jan e Hubert van Eyck.
Estes são considerados os fundadores formais da primitiva escola flamenga no início do século XV. Podemos citar entre suas obras mais importantes o "Tríptico da Anunciação", "A Missa de São Gregório", "Seilern Triptych", "Virgem do Cônego Van der Paele e Virgem do Chanceler Rolin", "Retrato do Casamento Arnolfini" , entre outros.
Como ele já mencionou, neles o fundo dourado foi renunciado e a técnica e a pintura a óleo passaram a ser utilizadas como principal material pictórico. Da mesma forma, a modalidade de pintura de cavalete é criada em seu conceito moderno, de modo que foi concebida para ser vista de perto.
A sua fatura era extremamente minuciosa e detalhada, com um caráter que contribuiu significativamente para o intenso desenvolvimento adquirido pela miniatura de códices na corte dos duques de Borgonha, para dar um exemplo, a quem estes estados pertencem durante este século.
É essencial sublinhar que, ao serviço de uma técnica tão meticulosa, marcou-se um apurado sentido de observação e, portanto, uma inerente tendência naturalista, razão pela qual se alcançou uma perfeição muito difícil de ultrapassar em relação à interpretação. das qualidades dos tecidos, peças de ourivesaria (metais, vidro, couro, etc.) e em gêneros como retrato e paisagem.
Além disso, entre os pintores que trabalharam no segundo terço do século XV, e ajudaram a concretizar muitas das características da Escola Flamenga, encontramos o destacado Rogier van der Weyden, também conhecido simplesmente como Rogier de la Pasture.
Este belga fez pinturas muito importantes e majestosas como "A descida da cruz", "Díptico de Felipe de Croÿ com a Virgem e o Menino", "Lamento e sepultamento de Cristo", "Madonna Medici", "Políptico do Juízo Final". ”, “San Lucas desenhando a Virgem” e muito mais.
Já no final do século e início do século XVI, destacaram-se outros artistas flamengos primitivos que conseguiram a valorização e acentuação de alguns traços característicos das suas obras, como a paisagem. Como resultado disso, de certa forma se repetem formas e composições que já haviam sido criadas no passado.
Este ponto pode ser observado na arte de Hans Memling e Gerard David, embora também houvesse alguns que evitaram essa tendência com um claro desejo de representar sua originalidade, como fez Bosch. Ao longo deste século, no auge do Renascimento, destacaram-se as obras de Pieter Bruegel, o Velho e Joachim Patinir.
Grandes contribuições para a pintura flamenga também foram feitas por Hugo van der Goes, Petrus Christus, Dieric Bouts, Ambrosius Benson e Pieter Coecke. Pela França, Jean Fouquet, Enguerrand Quarton, Nicolas Froment e o Mestre de Moulins. Pela Alemanha, Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein, o Velho e Michael Wolgemut. Portugal teve apenas as contribuições de Nuno Gonçalves.
No caso da Espanha, os artistas foram divididos de acordo com sua coroa. O de Aragão com Luis Dalmau, Jaume Huguet, Jaume Vergós, Rafael Vergós, Pau Vergós, Jacomart, Joan Reixach, Bertomeu Baró, Pere Nisart e Bartolomé Bermejo. E a de Castela com Jorge Inglés, Mestre de Sopetrán, Juan Rodríguez de Segovia, Sancho de Zamora, Mestre dos Reis Católicos, entre outros.
Se este artigo foi do seu agrado, não saia sem antes ler: