Kunstnerens sinn er i stand til å skape ufattelige ting, mange trender og stiler i verden beviser det, men for mange, kanskje ingen så vel som ekspresjonisme. Dykk inn i denne fascinerende kunststilen født på slutten av det nittende århundre.
Hva er ekspresjonisme?
Ekspresjonisme er en kunstnerisk stil som søker å representere ikke objektiv virkelighet, men subjektiv virkelighet. Hensikten er å reflektere følelsene og responsene som gjenstander og hendelser vekker i en person. Kunstneren klarer å fange denne subjektive virkeligheten gjennom forvrengning, overdrivelse, primitivisme, fantasi, og også gjennom den levende, skurrende, voldelige eller dynamiske anvendelsen av formelle elementer.
Ekspresjonisme er en veldig personlig og intens kunstform, hvor skaperen prøver å kommunisere sine intime følelser og tanker i sine produksjoner, og beveger seg bort fra den tradisjonelle representasjonen av virkeligheten. Karakteristisk for denne strømmen er dens avgjørende innflytelse på maleriet, der forsøk på å oppnå maksimal innvirkning på betrakteren ofrer eller forvrenger presisjonen i representasjonen, generelt til fordel for sterke konturer og slående farger, selv om dette ikke er regelen i alle tilfeller .
Komposisjonene er vanligvis enkle og direkte, hvor bruken av en tykk deigaktig maling er hyppig, med løse penselstrøk som påføres på en veldig fri måte og en og annen symbolikk, hvor budskapet er av største betydning.
Ekspresjonisme er en av de kunstneriske hovedstrømmene som utviklet seg mellom slutten av XNUMX-tallet og begynnelsen av XNUMX-tallet, med kvaliteter av høyst subjektivt, personlig og spontant selvuttrykk, typisk for et bredt spekter av moderne kunstnere og kunstbevegelser.
Dette kan sees på som en permanent trend i germansk og nordisk kunst siden i det minste europeisk middelalder, spesielt i tider med sosial forandring eller åndelig krise, som i denne forstand er motsatte trender den rasjonalistiske og klassisistiske, som ble verdsatt i Italia og mer. kveld fra Frankrike
På begynnelsen av XNUMX-tallet feide denne kunstneriske trenden Europa, drevet av motstand mot borgerlig kultur og en inderlig søken etter ung og frisk kreativitet. Ekspresjonistiske kunstnere og ekspresjonistisk kunst legger vekt på selvet, psyken, kroppen, seksualiteten, naturen og ånden.
Ekspresjonisme som en stil eller bevegelse forskjellig fra tidens trend fokuserer på en rekke tyske, østerrikske, franske og russiske kunstnere, som ble populære i årene før første verdenskrig og forble det i store deler av perioden mellom krigene. .
I Frankrike var nederlenderen Van Gogh i ferd med å utdype og avsløre sin uvanlige, urolige og fargerike psyke, på den annen side, i Tyskland, utforsket russeren Wassily Kandinsky spiritualitet i kunsten som en motgift mot fremmedgjøring i den moderne verden, og i Østerrike. , kjempet Egon Schiele og Oskar Kokoschka mot samfunnets moralske hykleri ved å ta opp spørsmål som seksualitet, død og vold.
Edvard Munch gjorde endelig inntrykk i Norge og over hele Europa med sine ville og intense uttrykk for miljøet, seg selv og sin psyke. Sammen taklet disse kunstnerne svært rå, sanne og tidløse spørsmål, temaer og kamper som hadde svirret under overflaten og fortsatt er kjent for oss selv i dag.
Det var kanskje grunnen til at ekspresjonismen i kunsten fortsatte i mange forskjellige former også etter disse kunstnerne og denne spesifikke tidsperioden, slik at vi kunne si at ekspresjonismen fortsatt lever i dag.
begynner
På begynnelsen av XNUMX-tallet i Vest-Europa utviklet samfunnet seg i et raskt tempo, intens industrialisering hadde tatt kontinentet nesten med storm, med innovasjoner innen produksjons- og kommunikasjonsverdener, som ofte skapte en følelse av ubehag i verden. offentlig.
Den svimlende veksten av teknologi og urbaniseringen av store byer førte med seg følelser av isolasjon og frakobling fra den naturlige verden. Det er forståelig at disse følelsene og angstene begynte å dukke opp eller snarere blø gjennom tidens kunst. De to kunstnergruppene som skapte ekspresjonismen slik vi kjenner den i dag: Die Brucke y Der Blaue Reiter, begge dannet i Tyskland på begynnelsen av XNUMX-tallet.
Fire arkitektstudenter i Dresden opprettet en felles kunstgruppe kalt Die Brucke (Broen). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff og Ernst Ludwig Kirchner prøvde å være bro inn i kunstens fremtid, og fremkaller intense emosjonelle reaksjoner ved å bruke unaturlige former, farger og komposisjoner, alt inspirert av den moderne verden.
Arbeidene hans hadde en sterk likhet med fauvismebevegelsen i Frankrike, ledet av Henri Matisse, spesielt i bruk av lyse farger og uvanlige former, med den hensikt å formidle flere følelser. Die Brucke det var ment å være en ungdommelig og nyskapende opposisjon og svar på århundrer med realisme i kunsten. I 1906 laget de sitt manifest i et tresnitt, som uttrykte følgende:
«Med troen på kontinuerlig utvikling, i en ny generasjon av skapere og verdsettere, samler vi alle unge mennesker. Og som unge mennesker som bærer fremtiden, har vi tenkt å få bevegelsesfrihet og liv for oss selv i opposisjon til de gamle og veletablerte maktene. Den som direkte og autentisk uttrykker det som driver ham til å skape, er en av oss." Kirchner (1906)
Gjennom denne oppfordringen til handling fikk unge vesteuropeiske kunstnere den utfordrende oppgaven å bygge en ny kunstbevegelse: ekspresjonisme.
Bevegelseskunstnerne Die Brucke de konsentrerte seg først og fremst om å skildre det massive kaoset til den nye moderniteten, industrialiseringen og urbanismen som omringet dem. De malte urbane landskap med overdrevne, taggete topper og livlige farger.
Etter å ha overvunnet grensene, mye mer enn Fauves, Die Brucke han inkorporerte underjordisk tysk nattklubbkultur, underklassedekadanse og alle følelsene og ubehaget i forestillingene sine, uten å neglisjere sin egen personlige visjon og mening.
Denne uformelle foreningen gjorde opprør mot det de så som den akademiske impresjonismens overfladiske naturalisme. De ønsket å gjeninnføre tysk kunst med en åndelig kraft som de følte manglet og forsøkte å gjøre det gjennom elementært, svært personlig og spontant uttrykk. De originale medlemmene av Die Brücke fikk snart selskap av tyskerne Emil Nolde, Max Pechstein og Otto Müller. Ekspresjonistene ble påvirket av sine forgjengere fra 1890-tallet.
De var også interessert i afrikanske treskjæringer og verkene til nordeuropeiske middelalder- og renessansekunstnere som Albrecht Dürer, Matthias Grünewald og Albrecht Altdorfer. Tresnitt, med sine tykke taggete linjer og harde tonale kontraster, var et favorittmedium for de tyske ekspresjonistene.
Arbeidene til Die Brücke-kunstnerne stimulerte ekspresjonismen i andre deler av Europa. Oskar Kokoschka og Egon Schiele fra Østerrike adopterte hans torturerte penselstrøk og kantede linjer, og Georges Rouault og Chaim Soutine i Frankrike utviklet malestiler preget av intense følelsesmessige uttrykk og den voldsomme forvrengningen av figurativt motiv.
Også maleren Max Beckmann, grafikeren Käthe Kollwitz og billedhuggerne Ernst Barlach og Wilhelm Lehmbruck arbeidet med sterke ekspresjonistiske påvirkninger. Mange av verkene deres uttrykker frustrasjon, angst, avsky, misnøye, vold og generelt en slags frenetisk følelsesintensitet som svar på det stygge, den grove banaliteten og mulighetene og motsetningene de så i det moderne liv.
En andre gruppe, kjent som Der Blaue Reiter (The Blue Rider), dannet i München i 1911. Oppkalt etter maleriet av Wassily Kandinsky, var dette kollektivet sammensatt av russiske emigranter Kandinsky, Alexej von Jawlensky og Marianne von Werefkin og de tyske kunstnerne Franz Marc, August Macke og Gabriele Munter.
Kandinskys maleri ble valgt som gruppens navnebror på grunn av dets skildring av en skikkelse på hesteryggen fra virkeligheten til et åndelig og følelsesmessig rike, og det er at kunstnerne av Der Blaue Reiter de var fascinert av å skildre den åndelige siden i stedet for den fysiske.
Selv om stilene hans varierte, som produksjonene hans viser, dominerte interessene for primitivisme og det emosjonelle landskapet hans verk. Veldig annerledes av Die Brucke, Den blå rytteren han var en stor kraft i utviklingen av abstrakt ekspresjonisme.
Ekspresjonisme og abstrakt kunst avviser realisme, og prøver til enhver tid å formidle følelser, men ekspresjonismen beholder en følelse av form og symbolikk mens abstrakt kunst forlater gjenkjennelige bilder.
Der Blaue Reiter han brakte disse ideene sammen, og skapte en helt ny gren av ekspresjonismen som fortsatt er svært innflytelsesrik på moderne kunst. Da første verdenskrig startet, Die Brucke y Der Blaue Reiter de ble oppløst, men arven deres lever videre ettersom ekspresjonismen fortsetter å vokse i popularitet og fortsatt praktiseres inn i det XNUMX. århundre.
Røttene til den tyske ekspresjonistiske skolen finner vi i verkene til Vincent van Gogh, Edvard Munch og James Ensor, som hver i perioden mellom 1885-1900 utviklet en svært personlig malerstil.
Disse kunstnerne brukte farge- og linjeuttrykksmulighetene, og utforsket dramatiske og følelsesladede temaer, med den hensikt å formidle egenskapene til frykt, redsel og det groteske, eller rett og slett for å feire naturen med forbløffende intensitet. De brøt med mange skjemaer, de representerte ikke bokstavelig talt naturen, for å uttrykke mer subjektive perspektiver eller mentale tilstander.
De tyske ekspresjonistene utviklet snart en stil kjent for sin hardhet, dristighet og visuelle intensitet. De brukte taggete og forvrengte linjer, raskt og hardt penselarbeid, for ikke å snakke om skurrende farger som hjalp dem med å skildre urbane gatescener og andre moderne temaer i hektiske, overfylte komposisjoner kjent for deres ustabilitet og følelsesladede atmosfære.
Kunstnerne som tilhører gruppen kjent som Der Blaue Reiter blir noen ganger ansett som ekspresjonistiske, selv om kunsten deres generelt er lyrisk og abstrakt, mindre åpenlyst emosjonell, mer harmonisk og mer opptatt av formelle og billedlige problemer enn Die Brücke-kunstnerne.
Ekspresjonisme var også en dominerende stil i Tyskland i årene rett etter første verdenskrig, hvor den passet til etterkrigstidens atmosfære av kynisme, fremmedgjøring og desillusjon. Noen av bevegelsens senere utøvere, som George Grosz og Otto Dix, utviklet en skarpere, mer samfunnskritisk blanding av ekspresjonisme og realisme kjent som Neue Sachlichkeit (Ny objektivitet).
I det tjuende århundre
Som man kan se fra merker som abstrakt ekspresjonisme og nyekspresjonisme, har de spontane, instinktive og svært emosjonelle egenskapene til ekspresjonismen blitt delt av forskjellige påfølgende kunstbevegelser på XNUMX-tallet.
Ekspresjonisme anses mer som en internasjonal trend enn en sammenhengende kunstbevegelse, som var spesielt innflytelsesrik på begynnelsen av XNUMX-tallet. Den dekker flere felt: kunst, litteratur, musikk, teater og arkitektur.
Ekspresjonistiske kunstnere forsøkte å uttrykke emosjonell opplevelse, snarere enn fysisk virkelighet. Kjente ekspresjonistiske malerier er Skriket av Edvard Munch, Den blå rytteren av Wassily Kandinsky og Kvinne sitter med venstre ben hevet av Egon Schiele.
Nedgang i bevegelsen
Nedgangen til ekspresjonismen ble fremskyndet av vagheten i dens lengsel etter en bedre verden, av dens bruk av svært poetisk språk, og generelt av den intenst personlige og utilnærmelige karakteren til presentasjonen. En rekke ekspresjonistiske kunstnere mistet livet under eller som følge av første verdenskrig på grunn av traumer og sykdom. Slik var tilfellet med Franz Marc som gikk bort i 1916 og Egon Schiele som døde under influensaepidemien i 1918, mange andre tok sitt eget liv etter å ha kollapset under krigens traumer.
Den delvise gjenopprettingen av stabiliteten i Tyskland etter 1924 og veksten av åpenlyst politiske stiler sterkt påvirket av sosialrealisme akselererte nedgangen til bevegelsen på slutten av 1920-tallet.
Ekspresjonismen døde definitivt med fremveksten av nazistene, som kom til makten i 1933 og beskrev arbeidet til nesten alle ekspresjonister som degenerert og vulgært. Deres forfølgelse og trakassering var intens og overdreven, og forbød disse eksponentene fra å stille ut, publisere og til og med jobbe, hvorav de fleste gikk i eksil i USA og andre land som et mer drastisk tiltak.
Det var slutten på den tyske ekspresjonismens æra, som ble utryddet med nazidiktaturet og var ansvarlig for å merke utallige kunstnere på den tiden, inkludert Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent van Gogh og Paul Gauguin, som degenererte kunstnere, fjernet sine ekspresjonistiske kunstverk fra museer og konfiskerte dem på en voldelig måte.
Imidlertid fortsatte ekspresjonismen å inspirere og leve videre i senere kunstnere og kunstbevegelser. Abstrakt ekspresjonisme utviklet seg for eksempel som en stor avantgardebevegelse i etterkrigstidens Amerika på 1940- og 1950-tallet. Disse kunstnerne unngikk figurasjon og utforsket i stedet farger, gestusarbeid og spontanitet i kunsten hans.
Senere, mot slutten av XNUMX-tallet og begynnelsen av XNUMX-tallet, begynte nyekspresjonismen å utvikle seg som en reaksjon mot datidens konseptuelle og minimalistiske kunst.
Neo-ekspresjonistene trakk seg tungt på eksponentene for tysk ekspresjonisme som gikk foran dem og gjengav ofte emner grovt med uttrykksfulle pensel og intense farger. De mest ikoniske artistene i denne bevegelsen inkluderer Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl og David Salle.
I verden
Ekspresjonisme er et komplekst og omfattende begrep som har betydd forskjellige ting til forskjellige tider. Men når vi snakker om ekspresjonistisk kunst, retter mange oppmerksomheten mot den kunstneriske trenden som dukket opp som svar på impresjonismen i Frankrike eller bevegelsen som ser lyset i Tyskland og Østerrike på begynnelsen av det tjuende århundre. Begrepet er så elastisk at det kan romme kunstnere fra Vincent van Gogh til Egon Schiele og Wassily Kandinsky, som stiller ut på helt spesielle måter i hvert land.
fransk ekspresjonisme
I Frankrike var hovedkunstnerne ofte assosiert med ekspresjonisme Vincent van Gogh, Paul Gauguin og Henri Matisse. Selv om Van Gogh og Gauguin var aktive i årene før det som regnes som ekspresjonismens hovedperiode (1905-1920), kan de absolutt betraktes som ekspresjonistiske kunstnere, som malte verden rundt dem ikke bare slik det så ut, men fra en dyp subjektiv menneskelig opplevelse.
Matisse, Van Gogh og Gauguin brukte uttrykksfulle farger og penselstiler for å skildre følelser og opplevelser, og beveget seg bort fra realistiske skildringer av motivene og fokuserte på hvordan de følte og oppfattet.
tysk ekspresjonisme
I Tyskland er ekspresjonismen spesielt knyttet til gruppene Brücke og Der Blaue Reiter som nevnt ovenfor. Den tyske ekspresjonistiske bevegelsen var inspirert av mystikk, middelalderen, den primitive tidsalderen og filosofien til Friedrich Nietzsche, hvis ideer var umåtelig populære og innflytelsesrike på den tiden.
Der Brücke ble dannet i Dresden i 1905 som et bohemsk kollektiv av ekspresjonistiske kunstnere som motarbeidet den borgerlige samfunnsordenen i Tyskland. De fire grunnleggerne var Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel og Karl Schmidt-Rottluff, ingen av dem hadde fått en formell kunstutdanning.
De valgte navnet, Der Brücke, for å beskrive ønsket om å bygge en bro mellom fortid og nåtid. Navnet var inspirert av en passasje fra Så talte Zarathustra av Friedrich Nietzsche. Kunstnerne forsøkte å unnslippe det kvelende moderne middelklasselivet ved å utforske en intensivert bruk av farge, en direkte og forenklet tilnærming til form og fri seksualitet i arbeidet.
Der Blaue Reiter ble grunnlagt i 1911 av Wassily Kandinsky og Franz Marc og møtte den økende fremmedgjøringen de opplevde på grunn av moderniseringen av verden, forsøkte de å transcendere det verdslige ved å forfølge kunstens åndelige verdi.
I tillegg var målet hans å sprenge grensene og blande barnekunst, folkekunst og etnografi. Navnet Der Blaue Reiter er knyttet til det tilbakevendende temaet Rytteren til hest fra Kandinskys periode i München, samt Kandinskys og Marcs kjærlighet til blåfargen, som for dem hadde åndelige kvaliteter. Hovedartistene knyttet til Der Blaue Reiter er Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin og Macke.
østerriksk ekspresjonisme
Egon Schiele og Oskar Kokoschka er de to ledende skikkelsene innen østerriksk ekspresjonisme og ble spesielt påvirket av deres forgjenger Gustav Klimt, som også var med på å starte karrieren deres, med utstillinger han laget som viste frem det beste innen østerriksk samtidskunst.
Begge ekspresjonistiske kunstnere bodde i den motstridende byen Wien på slutten av det nittende og begynnelsen av det tjuende århundre, hvor moralsk undertrykkelse og seksuelt hykleri spilte en viktig rolle i utviklingen av ekspresjonismen.
Schiele og Kokoschka unngikk det de så som usannhet og moralsk hykleri og fremstilte temaer som død, vold, lengsel og sex. Kokoschka ble kjent for sine portretter og sin evne til å avsløre motivets indre natur og Schiele for sine skarpe, nesten brutalt ærlige skildringer av seksualitet, som ble sett på som reservert og desperat.
norsk ekspresjonisme
En annen viktig kunstner på den tiden som hadde stor innvirkning på den tyske og østerrikske ekspresjonistiske scenen var nordmannen Edvard Munch, kjent i Wien for utstillingene Secession og Kunstschau i 1909.
Han ble ansett som den høyeste representanten for landet sitt i denne bevegelsen og en sentral forløper for den. Nært knyttet til symbolikk, er Munch mest kjent for Skriket, dette maleriet av en figur på en bro, solen går ned bak ham og ser ut til å slippe ut et blodstølende, desperat skrik, som demonstrerer kunstnerens rastløse ånd.
Ikoniske ekspresjonistiske kunstverk
Som i andre kunstneriske bevegelser, har ekspresjonismen sine viktige figurer som markerte et før og etter i sin tid, og skapte unike og udødelige kunstneriske prøver, som de presentert nedenfor:
Skriket av Edvard Munch (1893)
Denne serien med malerier kjent som Skriket er inspirert av en øyeblikksopplevelse som skaperen E. Munch hadde mens han var i Frankrike, hvorav det mest kjente for tiden ligger i Nasjonalgalleriet og sto ferdig i 1893. Med hans egne ord:
Jeg gikk nedover veien med to venner. Solen begynte å gå ned. Jeg kjente et snev av melankoli. Plutselig ble himmelen blodrød. Jeg stoppet, lente meg dødtrøtt på rekkverket og så på de flammende skyene som hang som blod og sverd over den blåsvarte fjorden og byen.
Vennene mine fortsatte å gå. Jeg sto der og skalv av frykt. Og jeg kjente et sterkt og endeløst skrik trenge inn i naturen. Ekspresjonisme, Ashley Bassie, s.69
Figuren overfører frykt, fortvilelse, skriket omgir den fullstendig og går gjennom både miljøet og sinnet til de som observerer det. I ekspresjonistisk stil er maleriet laget i olje, tempera og pastell på papp, med en størrelse på 91 x 74 centimeter.
Der Blaue Reiter av Wassily Kandinsky (1903)
Der Blaue Reiter eller den blå rytteren er et av Kandinskys første ekspresjonistiske verk som er beundret for den utrolige håndteringen av farger og lys, det regnes som en bro mellom postimpresjonisme og ekspresjonisme. Den viser en rytter kledd i blått som galopperer gjennom jordene. Navnet på dette verket ble også brukt som navnet på gruppen ekspresjonistiske kunstnere, grunnlagt i 1911 av forfatteren og Franz Marc.
The Blue Rider er kanskje Kandinskys viktigste kunstneriske oppvisning på begynnelsen av XNUMX-tallet, før han hadde utviklet sin abstrakte stil fullt ut. Maleriet illustrerer en rytter kledd i blått, som rir gjennom en grønnbrun.
Abstraksjonen av maleriet er tilsiktet og får mange kunstteoretikere til å gjenskape sine personlige representasjoner på maleriet, der noen til og med så et barn i armene til den blå rytteren. Å la seerne inkludere seg selv i kunstverket var en teknikk maleren brukte ofte og vellykket i sine senere verk, som ble mer abstrakt etter hvert som karrieren hans skred frem.
De blå hestene av Franz Marc (1911)
Franz Marc var et av grunnleggerne av Der Blaue Reiter, en kunstner som for mange ga emosjonell og psykologisk mening til fargene han brukte i sitt arbeid, og produserte verk med stor farge og rikdom.
Blå ble brukt av ham veldig ofte, spesielt for å representere maskulinitet og spiritualitet, han ble også fascinert av dyr og deres indre verden, og behandlet hverandre på en dypt emosjonell måte.
Sittende kvinne med hevet ben (1917) av Egon Schiele
Egon Schiele malte sin kone Edith Harms i 1917, og viste henne sittende på gulvet, mens kinnet hviler på venstre kne. Hans flammende røde hår kontrasterer markant med den grønne fargen på skjorten hans, og regnes som et vågalt og suggestivt portrett, med svært veldefinerte og vågale erotiske nyanser for tiden. Forfatteren av denne akvarellen var preget av å ha erotikk som et av hovedtemaene i sitt arbeid.
ekspresjonismens pionerer
Selv om mange kjennere av feltet hevder at ekspresjonismen ikke var bedre utført enn i Tyskland, skapte mange kunstnere i løpet av tiåret frem til første verdenskrig en rekke uforglemmelige bilder og var banebrytende for ekspresjonismen, og ble husket som sådan frem til våre dager:
Van Gogh (1853–90)
Denne enestående maleren legemliggjør ekspresjonisme, med et bredt utvalg av selvbiografiske verk, som forteller betrakteren hans ideer, følelser og fremfor alt hans mentale balanse, gjennom komposisjon, farger og hvert penselstrøk. Maleriene hans var en refleksjon av følelsene hans mens han laget dem, og siden den gang er det få kunstnere som er like eller nærmer seg hans intensitet og originalitet, når det gjelder selvuttrykk.
Født inn i en svært religiøs familie, var faren en protestantisk prest, fra en ung alder viste han et stort talent for å tegne, men det var ikke før mye senere, rundt 27 år gammel, at han endelig forfulgte sitt sanne kall som en kunstner.
I 1878 manifesterte han sitt kall som prest, begynte å studere teologi, men tok ikke eksamen på grunn av sin overdrevent mystiske vilje til å følge i Kristi fotspor. Hans ønske om å redde sjeler og hjelpe de fattige førte til at han jobbet som evangelist i et av de fattigste gruveområdene i Belgia, som han ble utvist fra i 1880.
Samtidig bestemte han seg for å bli maler, en karriere som begynte med den moralske og økonomiske støtten fra broren Theo, som han opprettholdt en kontinuerlig korrespondanse med hele livet. Hans viktigste inspirasjonskilder var passasjer fra Bibelen og verkene til Émile Zola, Victor Hugo og Charles Dickens, samt maleriene til Honoré Daumier og fremfor alt realismen til Jean-Francois Mijo. Han begynte sitt arbeidsliv som ansatt i Goupil kunstgalleri.
Van Gogh opplevde smerte og tristhet, forårsaket av verden han elsket høyt, men aldri trodde han mottok det samme fra. Som en reaksjon på denne konstante følelsen brukte han kunst til å skape sin egen verden, en der det ikke vil mangle på farger og bevegelser, hvor han eksponerer alle følelsene sine, og ble en av de store ekspresjonistiske malerne på XNUMX-tallet. Hans unike stil med ekspresjonistisk maleri kan sees på Van Gogh-museet i Amsterdam og Kröller-Muller-museet i Otterlo.
Paul Gauguin (1848-1903)
Hvis Van Gogh forvrengte form og farge for å formidle sine indre følelser, stolte denne franske kunstneren på farger først og fremst for å uttrykke følelsene sine. Han brukte også symbolikk, men det var fargen hans i malingen som virkelig skilte ham ut. Han ble født i Paris under revolusjonen i 1848, og var sønn av en liberal journalist, som flyktet i eksil etter kuppet i 1851, og tok familien med seg.
Imidlertid døde han underveis, i Panama, da familien dro til Lima, Peru, hvor de klarer seg selv i fire år. Gauguins mor var datter av den franske sosialistiske forfatteren og aktivisten Flora Tristán, selv om hennes forfedre var peruanske adelsmenn.
Det er viktig å merke seg at unge Gauguin fra barndommen var preget av den fantasifulle og messianske atmosfæren i familiekretsen hans, og demonstrerte gjennom hele karrieren at fargene og bildene til Peru ville være en sterk innflytelse. I en alder av 7 kom familien tilbake til Frankrike og flyttet til Orleans for å bo hos bestefaren. I ungdommen jobbet han som pilotlærling i handelsflåten, seilte mellom Sør-Amerika og Skandinavia, i Paris og oppmuntret av sin gudfar begynte han en meget vellykket karriere hos aksjemegleren Bertin.
Men Gauguin hadde vært interessert i kunst siden han var barn og på fritiden begynte han å male. Hans gudfar, Arosa, var noe av en kunstsamler og hans eksempel og vennskapet som Gauguin etablerte med impresjonisten Camille Pissarro oppmuntret denne aficionadoen til å besøke kunstgallerier og kjøpe verk av nye kunstnere, inkludert en rekke impresjonistiske malerier.
Han besøkte den nå berømte impresjonistutstillingen fra 1874 i Paris og ble så inspirert at han bestemte seg for å bli en heltidskunstner, så han begynte å male og skulpturere som amatør. Han jobbet med Bouillot og malte i stil med Bonvin og Lepine. I 1876 stilte han ut et maleri i Salongen.
Han ble spesielt påvirket av Pissarro, som hjalp ham i begynnelsen som maler og oppmuntret ham til å søke etter stilen som passet hans temperament. Pissarro introduserte ham for Cézanne og han ble så betatt av stilen hans at Cézanne begynte å frykte at han ville stjele ideene hans.
De tre mennene jobbet sammen en stund i Pontoise, men etter hvert som kunsten hans utviklet seg, bestemte Gauguin seg for å flytte inn i sitt eget studio og deltok i de impresjonistiske utstillingene i 1881 og 1882. Deres suksesser og en finanskrise førte til at han forlot karrieren. virksomhet i 1883 for å konsentrere seg helt om maleri.
Han dro for å bo i Pont-Aven i Bretagne i 1885 hvor han smidde en ny stil, da han var misfornøyd med impresjonismens grenser og forsøkte å uttrykke en indre tilstand i stedet for et overfladisk utseende.
Denne nye stilen krevde å jobbe mer fra hukommelsen og interne bilder, snarere enn fra naturen, og bryte med impresjonistisk teori. Dette ble Gauguins største innovasjon og bidrag til kunstmaleri, ved å bruke en levende fargepalett for å uttrykke følelser i stedet for å reflektere en naturlig tone. I tillegg til ekspresjonismen, påvirket han også utviklingen av syntetisme og kloisonisme under oppholdet på Pont-Aven.
Edward Munch (1863-1944)
En annen stor pioner innen ekspresjonismen var den temperamentsfulle og nevrotiske norske maleren og grafikeren som, til tross for store følelsesmessige arr tidlig i livet, klarte å leve langt opp i 80-årene. Nesten alle de beste bildene hans ble malt før hans nervøse sammenbrudd i 1908.
Han ble født i Loten, Norge, sønn av en lege, og hadde et liv fullt av vanskelige øyeblikk. Da kunstneren var fem år gammel døde moren av tuberkulose, en sykdom som også storesøsteren hans bukket under for noen år senere.
Disse første tragiske hendelsene gjorde døden til en integrert del av kunsten hans i fremtiden. Minnet om den døende kroppen mot en pute, ved siden av sengen et svakt lys og det livløse glasset med vann og en autoritær far som uendelig gjentok for barna sine at hvis de syndet, ville de bli dømt til helvete uten nåde, fulgte ham for mange år..
Med dette scenariet og som forventet led familien mye. En av de yngre søstrene ble diagnostisert med psykiske lidelser i ung alder og Munch selv følte seg ofte syk. Av hans fem brødre var det bare én som giftet seg, men han døde noen måneder etter bryllupet.
I 1881 begynte Munch på Den Kongelige Kunstindustriskole i Kristianind og tok modell- og tegnetimer. Hans lærere og tidlige innflytelse var den norske billedhuggeren Julius Middelthun og naturforskeren, forfatteren og journalisten Christian Krohg.
Selv om Munch malte tradisjonelle emner i studentlivet, oppdaget han raskt sin egen unike stil. I 1882 leide han sitt eget atelier sammen med et par andre kunstnere og selv om det ikke er mange av verkene hans igjen fra denne perioden, er de kjente høyt verdsatt, for eksempel det med tittelen Morning (1884).
Denne kunstneren testamenterte alt arbeidet sitt til Oslo by, en samling bestående av mer enn tusen malerier, femten tusen graveringer og fire tusen tegninger og akvareller. I 1963 åpnet Munch-Museet i Oslo, et museum som rommer alt hans arbeid og ble også den første vestlige kunstneren som stilte ut sine malerier i Nasjonalgalleriet i Beijing.
I 2004 ble noen av Munchs mest kjente malerier, Skriket og Jomfruen, stjålet fra museet av væpnede ranere, men ble funnet av politiet et par år senere. I tillegg til Munch-museet og Nasjonalgalleriet i Oslo, er mange av hans malerier og trykk utstilt på de beste kunstmuseene i Europa.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
En stor eksponent for ekspresjonistisk kunst, den sveitsiske symbolistiske maleren Ferdinand Hodler ble født i Bern i 1853 i en familie som var hardt rammet av fattigdom. Faren hans var møbelsnekker og da moren gikk bort giftet han seg på nytt med en maler og dekoratør, som gjorde ham til lærling, deretter ble han sendt til Thun for å jobbe med en lokal kunstner. Hans første spesialitet var konvensjonelt landskapsmaling, vakker alpine utsikt, som han solgte til turister.
I en alder av 18 bestemte han seg for å bytte bolig og gikk til Genève, byen hvor han ville tilbringe mesteparten av sitt voksne liv og hvor han begynte å smi det som ville bli en langsom karriere som profesjonell kunstner. Til slutt døde Ferdinand Hodlers foreldre og søsken på grunn av sykdommer, situasjoner som hadde en betydelig innflytelse på kunstnerens liv og karriere, noe som gjenspeiler hans nære forhold til døden i verkene hans.
James Ensor (1860–1949)
Maler født i Oostende, Belgia, sønn av små kjøpmenn som følte en tilbøyelighet til kunst fra en tidlig alder. Foreldrene hans eide en butikk på markedet hvor suvenirer ble tilbudt turister, for eksempel karnevalsmasker og -masker, vifter, keramikk, leker og nysgjerrige gjenstander. De ekstravagante karnevalsmaskene og antifacene som senere ble brukt av Ensor i forestillingene hans var et vanlig trekk ved de lokale troppene og paradene på fastelavn.
Da han bare var femten år gammel begynte han sin utdannelse innen kunst med noen lokale eksponenter, han studerte også ved Royal Academy of Fine Arts i Brussel, hvor han møtte Fernand Khnopff rundt 1877. Han stilte ut et verk for første gang i 1881, senere vendte han tilbake til hjemmet sitt hvor han bodde til 1917, i farens hus. Hans tidlige verk viser en ganske klassisk og noe mørk stil, som man kan se i Russian Music, The Rower og The Drunkards.
I 1887 ble paletten hans merkbart lettere, en endring som falt sammen med døden til hans alkoholiserte far, motivene hans ble litt surrealistiske, og valgte å male karnevaler, masker, skjeletter og dukker, vanligvis kledd i kostymer i lyse og uttrykksfulle farger.
Verkene til James Ensor påvirket dadaistbevegelsen og surrealismen, spesielt arbeidet til Jean Dubuffet. I 2009 arrangerte Museum of Modern Art i New York kjent som MoMA et stort tilbakeblikk på arbeidet hans. I dag kan maleriene hans sees i noen av de beste kunstmuseene i verden, spesielt i Museum of Fine Arts i Antwerpen.
Ekspresjonisme i andre kunstarter
Ekspresjonisme var en kulturell bevegelse som oppsto i Tyskland på slutten av XNUMX-tallet og nådde sitt høydepunkt på XNUMX-tallet. Selv om ekspresjonismen ble verdsatt mye mer i maleriet, ble den også manifestert i andre disipliner som litteratur, kino, musikk, skulptur, fotografi, arkitektur, blant andre.
ekspresjonisme i musikk
Mens noen klassifiserer komponisten Arnold Schoenberg som en ekspresjonist på grunn av hans bidrag til almanakken der Blaue Reiter, ser det ut til at musikalsk ekspresjonisme har fått sitt mest naturlige utløp i operaen. Blant de tidligste eksemplene på slike ekspresjonistiske verk var Paul Hindemiths store operapresentasjoner av Kokoschkas drama, Mörder, Hoffnung der Frauen (Morder, Hope of Women) (1919) og August Stramms Sancta Susanna (1922), som handlet om spørsmålet om seksualitet.
De mest bemerkelsesverdige ekspresjonistiske operaene er imidlertid to av Alban Berg: Wozzeck, fremført i 1925 og Lulu, ikke fremført i sin helhet før i 1979, begge med en dyp og karakteristisk forkjærlighet for drama.
ekspresjonisme i film
Sterkt påvirket av ekspresjonistisk scenekunst, har mange kunstnere som mål å formidle i film, gjennom dekorasjon, hovedpersonens subjektive sinnstilstand. Den mest kjente av disse filmene er Robert Wiene, Kabinettet til Dr. Caligari (1920), der en galning forteller sin idé og synspunkt på hvordan han kom til asylet. De misformede gatene og bygningene på settet er projeksjoner av sitt eget univers, og de andre karakterene har blitt abstrahert gjennom sminke og klær til visuelle symboler.
Det er en film hvor skrekk, trussel, angst og drama fremkalles, lyssetting av skygger og merkelige ensembler ble en stilmodell for ekspresjonistiske filmer for flere store tyske regissører.
Paul Wegeners versjon av Golem (1920), av F. W. Murnau med Nosferatu: En skrekksymfoni (1922) og Fritz Lang med den stille produksjonen Metropolis (1927), blant andre filmer, presenterer pessimistiske visjoner om sosial kollaps eller utforsker den illevarslende dualiteten til menneskets natur og dens evne til monstrøs personlig ondskap.
ekspresjonisme i skulptur
I skulpturen besto det hovedsakelig av drastiske endringer i måten tradisjonell skulptur ble utført på, snarere enn i en spesiell og enhetlig stil. Ekspresjonisme var også populær innen skulptur, med bemerkelsesverdige eksponenter som treskjæreren Ernst Barlach og Wilhelm Lehmbruck. Rundt 1920 avledet dette mer enn noe annet i abstraksjonismen, på jakt etter en frigjøring av former som ville gi fylde til kunstneriske uttrykk.
Når det gjelder skulptur i abstrakt ekspresjonisme, var flere skulptører også en integrert del av bevegelsen, inkludert David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois og Louise Nevelson, ansett også som viktige medlemmer av bevegelsen.
I likhet med abstrakt ekspresjonistisk maleri, var bevegelsens skulpturelle arbeid sterkt påvirket av surrealisme og dens vektlegging av spontan eller underbevisst skapelse. Abstrakt ekspresjonistisk skulptur var mer interessert i prosess enn produkt, noe som kan gjøre det vanskelig å visuelt skille verk på estetikk alene, så det er viktig å vurdere hva kunstneren har å si om prosessen deres.
Et eksempel er skulpturene til David Smith, som forsøkte å uttrykke todimensjonale emner som til nå ikke hadde blitt utdypet i tre dimensjoner. Arbeidene hans kan sies å viske ut grensene mellom skulptur og maleri, og benytter seg ofte av vakre og omhyggelige tracery fremfor solide former, med et todimensjonalt utseende som brøt med den tradisjonelle ideen om skulptur i runden.
ekspresjonisme i litteraturen
Ekspresjonisme i litteraturen oppsto som en nyskapende reaksjon mot materialisme, selvtilfreds borgerlig velstand, familieherredømme i det europeiske samfunnet før første verdenskrig, og rask mekanisering og urbanisering.
Det var den dominerende litterære bevegelsen i Tyskland under og rett etter første verdenskrig. Ekspresjonistiske forfattere prøvde å formidle ideene sine og sosiale protester gjennom en ny stil.
Deres bekymring var generelle sannheter snarere enn spesielle situasjoner, de utforsket i sine arbeider vanskelighetene til representative symboltyper snarere enn fullt utviklede individualiserte karakterer.
Vekten var ikke på omverdenen, som bare er skissert og knapt definert i sted eller tid, men på innsiden, på sinnstilstanden til et individ, det er derfor, i ekspresjonistisk drama, interessen er i fremkalling av stemninger.
Hovedpersonen i et ekspresjonistisk verk uttrykker ofte sine lidelser i lange monologer uttrykt i et konsentrert, elliptisk og konsist språk som utforsker ungdommens åndelige ubehag, deres opprør mot den eldre generasjonen, og de ulike politiske eller revolusjonære løsningene som er under utvikling. søkte. de presenterer. Den indre utviklingen til hovedpersonen utforskes gjennom en serie løst sammenknyttede tablåer, der han gjør opprør mot tradisjonelle verdier og søker en høyere åndelig visjon om livet.
August Strindberg og Frank Wedekind var bemerkelsesverdige forløpere til ekspresjonistisk drama, men det første anerkjente ekspresjonistiske verket var det av Reinhard Johannes Sorge, der Bettler (Tiggeren), skrevet i 1912 og første gang satt opp i 1917. De andre ledende dramatikerne i denne bevegelsen var Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever og Reinhard Göring, som alle var tyske.
Den ekspresjonistiske stilen i poesien dukket opp side om side med sin dramatiske motstykke, i samme ikke-referensielle stil og utforskende en opphøyd og forunderlig lyrikk, omtrent som en salme. Denne forenklede poesien, ved å bruke et stort antall substantiv, noen adjektiver og infinitive verb, endret fortellingen og beskrivelsen for å prøve å komme til essensen av følelsen.
Blant de mest innflytelsesrike ekspresjonistiske dikterne er tyskerne Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl og Else Lasker-Schüler, og den tsjekkiske poeten Franz Werfel. Temaet som ble mest tatt opp i de ekspresjonistiske versene var bylivets redsel og de apokalyptiske visjonene om sivilisasjonens kollaps.
Noen diktere var svært pessimistiske og fornøyde med å narre borgerlige verdier, mens andre var mer opptatt av politiske og sosiale reformer, og ga åpent uttrykk for håp om en kommende revolusjon. Utenfor Tyskland inkluderte dramatikere som brukte ekspresjonistiske dramatiske teknikker de amerikanske forfatterne Eugene O'Neill og Elmer Rice.
ekspresjonisme i arkitektur
Ekspresjonistisk arkitektur ble unnfanget og designet for å fremkalle ekstreme følelser og følelser. Bygninger laget i denne stilen gjorde en uttalelse på den tiden og skilte seg ut fra de omkringliggende strukturene.
Arkitekter brukte ofte uvanlige, forvrengte former og inkorporerte helt originale byggeteknikker, og brukte materialer som murstein, stål og glass. Noen oppnådde stor suksess og skilte seg ut i sin tid, blant dem kan nevnes Walter Gropius og Bruno Taut, som tegnet imponerende ekspresjonistiske bygninger.
Dessverre ble mange av strukturene aldri bygget og eksisterer bare på papiret. Av de som var i stand til å materialisere seg, var noen midlertidige og andre overlevde ikke til i dag, men flere slående eksempler på ekspresjonistisk arkitektur kan sees i dag, spesielt i Tyskland.
Ekspresjonisme-inspirerte stiler
Ekspresjonisme var ikke akkurat en ensartet trend eller bevegelse, da den grupperte en lang rekke stiler og igjen ga opphav til eller påvirket mange andre, også svært viktige bevegelser innen kunst og kultur.
Abstrakt ekspresjonisme
Da New York erstattet Paris som episenteret for innovasjon i moderne kunst, ble den ekspresjonistiske stilen gjenfødt som abstrakt ekspresjonisme på begynnelsen av XNUMX-tallet.
I USA ble det styrket med de såkalte actionmalerne ledet av Jackson Pollock og Willem De Kooning og fargefeltmalerne som Mark Rothko, Barnett Newman og Clyfford Still. Mye mer abstrakt enn ekspresjonistisk, denne nye skolen hadde liten håndgripelig forbindelse til den ekspresjonistiske stilen på begynnelsen av XNUMX-tallet.
figurativ ekspresjonisme
Selv om amerikansk og europeisk kunst etter krigen ble dominert av abstraksjon, var representasjonsekspresjonisme fortsatt populær i Australia på 1940- og 1950-tallet, som eksemplifisert av verkene til kunstnere som Russell Drysdale og Sidney Nolan. .
Den er nært knyttet til den nordiske og germanske verden, med røtter i den tyske nasjonens antikke verden og den romantiske bevegelsen på det nittende århundre. Prøv å representere virkeligheten med et annet og personlig perspektiv
nyekspresjonisme
Den siste gjenopplivingen av den ekspresjonistiske bevegelsen fant sted på 1970-tallet i USA, Storbritannia, Tyskland, Italia og Frankrike, under navnet nyekspresjonisme. Sett først og fremst som en reaksjon på minimalismen og konseptkunsten på XNUMX-tallet, inkluderte hovedeksponentene:
- Philip Guston og Julian Schnabel (USA)
- Paula Rego og Christopher Le Brun (Storbritannia)
- Den nyekspresjonistiske skolen kjent som Neue Wilden (New Fauves) som inkluderte: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler og andre. (Tyskland)
- Transavanguardia (Beyond the avant-garde) og inneholdt artister som Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria og Mimmo Paladino. (Italia)
- Figuration Libre, dannet i 1981 av Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas og Herve de Rosa. (Frankrike)
Hvis du likte denne artikkelen, inviterer vi deg til å konsultere andre veldig interessante på bloggen vår: