Hasta mediados del siglo pasado era impensable admirar latas de hojalata en una galería, por lo que la exhibición de la obra innovadora Latas de sopa Campbell del artista del Pop Art Andy Warhol representó un hecho histórico en el mundo del arte.

LATAS DE SOPA CAMPBELL

Latas de sopa Campbell

En 1962, Andy Warhol creó la serie Latas de sopa Campbell y la presentó en su primera exposición individual en la Ferus Gallery de Nueva York. Un total de treinta y dos latas de sopa pintadas a mano y con etiquetas diferentes sobre lienzo recibieron un lugar en el centro de atención como obras de arte. Lo que no es sorprendente hoy en día, pero en 1962 el Pop Art todavía estaba en su infancia.

La planta tal como la conocemos hoy se veía un poco diferente hace cincuenta y nueve años. Para su primera exhibición pública el 9 de julio de 1962, las treinta y dos imágenes se organizaron en una línea horizontal. Una tras otra, tal como estaría en el estante del supermercado. El arte pop fue imparable. Warhol introdujo los bienes de consumo en el mundo de las galerías sin pasar por alto ni velar artísticamente su valor real de mercado.

Sus obras correspondían a la definición de Pop Art descrita en una carta del artista británico Richard Hamilton en 1957: «El Pop Art es: popular, fugaz, superfluo, low cost, producido en masa, joven, divertido, sexy, lleno de trucos, glamoroso y un gran negocio».

Andy Warhol creó apropiadamente sus obras en una fábrica, su estudio, al que llamó «The Factory» (La Fábrica). Y él era una máquina. Para las Latas de sopa Campbell utilizó una técnica de producción de la industria publicitaria, la serigrafía. Un motivo industrial se reproduce y repite en motivos sucesivos. Como perfeccionista, cada detalle contaba para Andy Warhol, no dejaba nada al azar.

Cuando se ven desde la distancia, las latas de sopa Campbell se ven como treinta y dos latas idénticas. De hecho, las treinta y dos están escritas a mano y son únicas. Andy Warhol le dio a la sopa de tomate un sabor diferente, desde carne de res hasta frijoles negros y sopa de cebolla.

LATAS DE SOPA CAMPBELL

Cinco años después de pintar las latas de sopa Campbell, Warhol dio un paso más y les dio color: azul, verde, amarillo, violeta. Las letras y los colores básicos de las latas se convirtieron en una nueva serie armoniosa. Con estos diecinueve cuadros Warhol plasmó su marca artística, renovó los procesos del arte e introdujo a la estrella del Pop Art: la serie policromada. Warhol pintó a mano la serie Latas de sopa Campbell. Utilizó la serigrafía, pero también el color. Jugó con las reglas del arte para poder explotarlas mejor, pero también para ver mejor las cosas.

Warhol dijo una vez: «Todas las cosas tienen su belleza, pero no todo el mundo sabe cómo reconocerlas». Andy Warhol era una especie de poeta sobre sí mismo. Una lata puede convertirse en un jarrón de flores, el logotipo de una marca se puede pintar con cuidado y delicadeza con un pincel. Y una lata de sopa de la industria de masas puede convertirse en un icono artístico: el icono del arte pop.

Campbell’s Soup: una marca real

Warhol afirmó que era un consumidor habitual de Campbell’s Soup: una para el almuerzo todos los días durante veinte años. La repetición no lo disuadió, «lo mismo una y otra vez» era lo que buscaba. El consumo era y es el corazón de la sociedad estadounidense, pero a los bienes industriales de las masas todavía se les negaba el acceso a los museos en ese momento. Y eso es exactamente lo que quería Warhol: introducir el consumo masivo real en el arte.

Para reflejar el mundo que lo rodea, usó fotos de publicidad, celebridades y cómics. El eslogan actual de la marca Campbell’s Soup también se aplica al arte pop: «Hecho para la vida real». En una entrevista con la revista The Face, Andy Warhol dijo una vez que su madre usaba latas de hojalata como jarrones para ramos. Por eso parece razonable pensar que su serie de trabajos con latas también rinden homenaje a este recuerdo de su infancia.

Andrew Warhola era el hijo menor de padres que inmigraron a los Estados Unidos desde el noreste de Eslovaquia. Creativo desde temprana edad, sus padres lo apoyaron lo mejor que pudieron a pesar de la falta de medios económicos. Una lata puede ser el epítome de un artículo diario desechable para una persona y un florero para otra.

LATAS DE SOPA CAMPBELL

Arte Pop

El arte pop (Pop art) es un arte popular y asequible. Es comprensible para la mayoría de las personas, fácil de reconocer y explicar. Es una dirección de arte basada en objetos de la cultura de masas y orientada al entretenimiento, al comercio y no a la búsqueda de un sentido profundo, una filosofía y una espiritualidad.

Este es uno de los movimientos más importantes del arte del siglo XX. El arte pop se originó en el Reino Unido y los Estados Unidos en la década de 1950. El arte pop nació como reacción a una dirección completamente diferente del arte moderno: el expresionismo abstracto.

Para comprender qué es el arte pop, debe comenzar desde una dirección diferente en el arte: el expresionismo abstracto. En él, el artista libera la mente de las leyes de la lógica y expresa su mundo interior en el lienzo, como «ve» y «siente». Pero en realidad es aún más complicado. El mismo problema surgió en los años 50 del siglo XX, a pesar de la inmensa popularidad, no todos entendieron el trabajo de los artistas expresionistas abstractos. Para apreciarlos en su verdadero valor, una persona ya debe estar versada en el arte.

Lo que hizo que esta dirección de arte fuera no accesible para todos, sino para la élite. El arte pop se ha convertido en una especie de reacción, oposición al expresionismo abstracto. Su lema era la idea: un regreso a la realidad, no a la fantasía de un artista. La fuente de inspiración fue la publicidad, las revistas, los envases de alimentos, la fotografía, la televisión, los ídolos, los estereotipos, las películas, los supermercados, los cómics, en general, todo lo que ocurre en la vida diaria de la mayoría de la gente corriente.

Los primeros pasos de un nuevo estilo en la pintura se asociaron con las actividades del Grupo Independiente de artistas y arquitectos, fundado en 1952 en Londres. Fueron los primeros en utilizar tecnologías modernas para crear pinturas con motivos principales de la cultura popular urbana y de masas. La cultura estadounidense se convirtió en la base del estudio.

LATAS DE SOPA CAMPBELL

Los pioneros del estilo E. Paolozzi y R. Hamilton estudiaron las influencias psicológicas de la cultura de masas, su significado, contenido lingüístico. En primer lugar, me interesaron los métodos de la publicidad industrial, las tecnologías modernas para la producción de publicidad, la técnica de creación de collages.

En 1956 tuvo lugar la exposición «Esto es mañana». Los pintores presentaron al público las imágenes en el estilo del arte pop, que representaban a las estrellas de Hollywood, fotogramas de películas famosas con aumento. Fue después de la exposición que muchos graduados de escuelas de arte se unieron a la corriente, que se inspiraron en el nuevo estilo.

En los Estados Unidos, el estilo se desarrolló y popularizó. Aquí, se prestó mucha atención a la estetización de lo banal: envases, bienes de consumo. La esencia del arte pop estadounidense: los objetos que las personas consumen hacen que los representantes de diferentes clases sociales sean iguales entre sí. Así, el arte pop es el arte de la igualdad social.

En Inglaterra, el movimiento artístico arte pop se originó a partir de un crítico de arte inglés, Lawrence Alloway, quien fue el primero en utilizar el término «arte popular de masas» a fines de la década de 1950. Fueron miembros del grupo The Independent Group: Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, Alison y Peter Smithson y Lawrence Alloway. Sin embargo, el primer trabajo debería ser en 1956, de Richard Hamilton.

En Estados Unidos, por otro lado, esta corriente surgió de personas individuales que trabajan solas y no estaban representadas como miembros de ningún grupo. Los artistas más famosos son Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein y Andy Warhol. Lo que es extraño es el hecho de que la época se desarrolló independientemente una de la otra en Estados Unidos e Inglaterra.

La Obra

Se trata de las latas de sopa Campbell que Andy Warhol creó para su primera exposición en la Ferus Gallery de Los Ángeles en 1962. Con esta obra, el autor aborda el fenómeno de la intercambiabilidad, porque «la individualidad del individuo con la sociedad de consumo de la década de 1960 en Estados Unidos se está difuminando».

La imagen consta de treinta y dos lienzos. La técnica de impresión se utilizó en la creación. Es interesante que Campbell Soup Company (CBS) todavía existe hoy (fundada en 1869) y las ilustraciones muestran qué tipos de sopas vendía la compañía en ese momento. Las latas difieren no sólo en el nombre de las sopas individuales, sino también en la parte de la etiqueta roja, donde está presente el color diferente del tono rojo. Toda la composición consta de treinta y dos rectángulos, es decir, las etiquetas son el objeto principal del contenedor.

Se puede decir que todas las latas tienen el mismo aspecto y crean una sensación de unificación, la razón de esto es que las latas tienen la misma estructura y se pueden representar mediante espacios monótonos como en el estante de un supermercado. Las latas se dividen en dos partes. En la parte roja están escritas dos palabras, el nombre de la empresa y la palabra ‘condensada’.

Por otro lado, en la parte blanca se pueden ver los respectivos tipos de sopas, que están escritas en rojo. La palabra ‘sopa’ está particularmente decorada con una franja más oscura en el medio de las letras y la parte inferior de la caja también está decorada con el adorno dorado y la línea roja. En la imagen hay un fuerte contraste de rojo y blanco. Aquí simplemente no hay una transición de rojo brillante a rojo. En la lata, el color rojo juega un papel mucho más importante que el color blanco.

Si la lata solo estuviera pintada en color blanco, no sería interesante y no sería llamativa. Quizás así no pertenecería al Pop Art. También hay dos armonías de color aquí, una consiste en el tono rojo y dorado (el símbolo en el medio), y la segunda consiste en el tono blanco, dorado y negro. La imagen también está dibujada en el llamado estilo comic y no tiene movimiento. Así, la imagen completa tiene una forma de imagen casi realista (debido al estilo comic) y un espacio de imagen.

LATAS DE SOPA CAMPBELL

El color rojo significa que tiene un efecto cálido, enérgico y divertido en el espectador. Por el contrario, no contamos el blanco y el negro como colores porque no nos afectan y son neutrales. Incluso el oro tiene un carácter cálido y aunque una lata contiene arcilla blanca (la mitad transparente del recipiente), tendemos a clasificar en el ambiente de color cálido.

Hoy en día no está claro exactamente por qué Warhol eligió las latas de sopa Campbell, pero se puede decir que eligió las latas por varias razones. Una podría ser que Warhol necesitaba un nuevo tema después de dejar la tira cómica. Otra razón surgió de la recomendación de Roberta Latow. Ella dijo que además de los dibujos de los billetes estadounidenses, Andy debería dibujar algo simple. También se sabe que a Warhol le gustaban las sopas y que dibujó el recipiente porque estaba cerca de su corazón. La elección muestra su familiaridad con estas sopas.

¿Y por qué la obra Latas de sopa Campbell pertenece a la era del Pop Art? Tenemos que partir de la definición, es decir, Pop Art es un movimiento artístico en la pintura que se inició a mediados de los años cincuenta del siglo XX, fue creado en Inglaterra y Estados Unidos, cuyos motivos están tomados de la cultura cotidiana, el mundo del consumo y la publicidad, esta obra corresponde a esta corriente porque muestra la sociedad de consumo estadounidense de esa época.

La primera serie de latas se hizo en 1962. En 1969, Andy desarrolló otra serie de diez imágenes (había un total de 250 copias de la segunda serie), pero parecían un poco diferentes. La idea principal se mantuvo, roja y blanca, pero también en el amarillo en el medio de la imagen y los contrastes se vuelven aún más fuertes, por ejemplo, a través del contorno entre amarillo y negro o a través de las personas. La segunda serie discute fuertemente con las irregularidades y desniveles de la primera serie. Estas latas ya mostraban su desarrollo en el campo de la publicidad.

Primera exposición

Las Latas de sopa Campbell fue la primera exposición individual significativa de Andy Warhol, que cambió drásticamente su carrera. Ocurrió en 1962 en la Ferus Gallery de Los Ángeles, California. Warhol trabajaba entonces como ilustrador para revistas de moda. Tuvo varias exposiciones en galerías de Nueva York y una vez incluso escribió la revista Life sobre él, pero en general, Warhol seguía siendo un artista poco conocido.

Una vez incluso intentó donar una de sus obras al museo estadounidense The MoMA, pero la devolvieron. El director de Ferrus Gallery, Irwin Blum, ofreció la muestra al poco conocido Warhol después de que vio por primera vez seis lienzos en 1961.

Blum acudió a Warhol por sugerencia de Ivan Karp, subdirector de la famosa galería neoyorquina Leo Castelli y uno de los primeros y más devotos partidarios del arte pop, con la esperanza de ver cuadros de Warhol como los cómics de Roy Lichtenstein de la galería Castelli. Pero después de visitar el apartamento de Warhol en Lexington Avenue, que también fue utilizado como estudio, se decidió presentar una exposición titulada «Latas de sopa 32» que consta de treinta y dos pinturas de 182 por 132 cm, que representan las latas de sopa Campbell.

“… Caminé por el pasillo”, dijo Blum más tarde, “y vi en el suelo, apoyado contra la pared, fotografías de latas de sopa. Le dije: «Andy, ¿qué es esto?» Él dijo: «Oh, lo estoy haciendo ahora». Y yo dije: «¿Por qué más de uno?» Él dijo: «Voy a hacer treinta y dos». Simplemente no lo podía creer. Dije: «¿Por qué treinta y dos?» Dijo: «Hay treinta y dos variedades en total».

Nueva York era considerada el centro de la vida expositiva en esos años, pero a Warhol le pareció interesante hacer una exposición en Los Ángeles, ya que estrellas de cine de Hollywood, que siempre han sido un tema de especial interés para el artista, pueden saber de él.

La transformación de Warhol de un objeto en una mercancía fue exactamente lo opuesto a la transformación de las mercancías reales en objetos en el readymade de Duchamp. Los cuadros estaban dispuestos a lo largo de las paredes blancas de la galería en estanterías colocadas como en un supermercado real. La exposición fue sin duda radical, muchos incluso cuestionaron que esto pudiera considerarse arte.

El espectáculo no causó el revuelo que esperaban Blum y Warhol. De hecho, la poca respuesta que se recibió del público o de los historiadores del arte fue bastante dura. «Este joven ‘artista’ es un tonto o un charlatán terco», escribió un crítico.

Una caricatura en Los Ángeles Times se burla de las pinturas y de su público objetivo. “Francamente, la crema de espárragos no me funciona”, le dice un amante del arte a otro, de pie en una galería. «Pero la horrible riqueza de los fideos de pollo me da un genuino sentido del Zen». Un comerciante de arte junto a la Galería Ferus fue aún más agudo. Dejó latas reales de sopa Campbell en su ventana, junto con la inscripción: “No se deje engañar. Obtén el original. Nuestro precio más bajo es dos por treinta y tres centavos».

A pesar de todo esto, Blum logró vender cinco pinturas, principalmente a amigos, incluido el actor Dennis Hopper. Pero incluso antes de que terminara el espectáculo, repentinamente cambió de opinión. Al darse cuenta de que las pinturas eran más adecuadas en un juego completo, Blum compró las que vendió. Estuvo de acuerdo en pagarle a Warhol $ 1,000 por todo. Warhol estaba encantado, siempre pensó en las Latas de sopas Campbell como un set. Tanto para el artista como para el comerciante, esta decisión fue un acto complicado que valió la pena en el futuro.

Una vez que el público y los críticos superaron el impacto, comenzaron a madurar hasta convertirse en las latas de sopas Campbell de Warhol. Primero, fue una idea nueva en el arte. ¿Qué tan difícil es entender una pintura si el original probablemente esté en el estante de la cocina? Los críticos comenzaron a notar el humor astuto e irónico en los «retratos» de Warhol de Caldo escocés y Pollo Gumbo. Y la decisión de Blum de mantener las pinturas juntas aumentó su influencia.

La exposición en la Ferus Gallery marcó un punto de inflexión en la carrera de Warhol. Después de Latas de sopa Campbell, Warhol pasó del dibujo a la serigrafía, un proceso que produjo más resultados y le permitió crear múltiples versiones del mismo trabajo. Su reputación siguió creciendo. Para 1964, el precio de venta de una pintura de lata de sopa que faltaba en el set de Blum había subido a 1.500 dólares, y los miembros de la alta sociedad de Nueva York usaban latas de sopa para imprimir en vestidos hechos a medida por el propio Warhol.

La propia Campbell’s Soups pronto se unió a la diversión. A fines de la década de 1960, la compañía aprovechó la fantasía entonces popular de los vestidos con un vestido Souper y un pequeño bolso cubierto con etiquetas de sopa al estilo Warhol. Cada vestido tenía tres franjas doradas en la parte inferior, por lo que el usuario podía cortar el vestido a la longitud perfecta sin cortar el patrón de la lata. Precio: un dólar y dos etiquetas de sopa Campbell.

Hoy en día, las latas de sopa Warhol siguen siendo un ícono de la cultura pop, desde platos y tazas hasta corbatas, camisetas, tablas de surf y tablas de skate. Una de las fotografías más impactantes fue la del propio Warhol: en la portada de la revista Esquire en mayo de 1969, se estaba ahogando en una lata de sopa de tomate Campbell.

Al final, las latas de Warhol fueron reconocidas por el Museo de Arte Moderno como dignas de ser llamadas arte. En 1996, el museo compró las treinta y dos pinturas de Irving Blum por quince millones de dólares, un rendimiento sorprendente de su inversión de mil dólares en 1962. Incluso el vestido Souper ha sido declarado clásico. En 1995, un año antes de que las pinturas llegarán al Museo de Arte Moderno, ingresaron a la colección del Museo Metropolitano de Arte.

La exposición Latas de sopa Campbell se convirtió en un hito significativo en el desarrollo del arte pop y la carrera de Andy Warhol, quien continuará trabajando en este género, pasando a la producción de serigrafías de producción con retratos de estrellas de cine y recortes de periódicos, y luego abrirá su famosa Fábrica en Manhattan.

Blum se especializará en arte pop y trabajará con otros artistas pop destacados como Roy Lichtenstein y Frank Stella. El arte pop, caracterizado por la sencillez, la accesibilidad y el laconismo de las imágenes, replicado por objetos de la cultura de masas y el consumismo, se convertirá en uno de los símbolos del arte estadounidense.

El Artista

Andy Warhol (1928-1987) fue un artista estadounidense, uno de los principales exponentes del arte pop de ese país. En The Factory ​​que fundó, los empleados y amigos estaban ocupados ayudándolo con la producción de su arte. El éxito de Andy Warhol, que desde principios de la década de 1960 se ocupó de imágenes mediáticas de superestrellas, llevó a los coleccionistas y a la nobleza del dinero a dejarse interpretar por él.

También hizo películas experimentales, fundó la revista Interview y fue productor musical de la banda de rock Velvet Underground. Cuando Andy Warhol murió a la edad de cincuenta y ocho años, dejó un extenso cuerpo de obras, que van desde simples gráficos publicitarios hasta pinturas, objetos, películas y libros.

De artista comercial a artista de galería

Formado como artista comercial y de gran éxito en la década de 1950, se pasó a las bellas artes en 1960 e inicialmente se ocupó de los emblemas de la sociedad de consumo y medios. Desarrolló y creó anuncios para Vogue, Glamour, Harper’s Bazaar y LIFE. Ilustró cuentos para Truman Capote. Ya en 1952/53 expuso estas primeras obras en su primera exposición en galería y en 1956 en su participación en exposiciones en el Museo de Arte Moderno. Warhol comenzó a coleccionar arte durante un viaje a Europa y Asia en 1956.

En 1960 Andy Warhol se dedicó a la pintura y trabajó en pinturas como Popeye del sábado y Superman. Sin embargo, descubrió que Roy Lichtenstein ya dominaba el mercado de las galerías con estos motivos. Al año siguiente, Andy Warhol volvió al mundo del consumidor y eligió una lata Del Monte con mitades de melocotón como primer motivo. A partir de diciembre de 1961 trabajó en la famosa serie Latas de sopa Campbell una repetición de treinta y dos veces de la representación frontal de una lata de sopa con diferentes sabores, como sugiere la etiqueta.

Warhol citó la publicidad de bienes de consumo, que previamente había ayudado a dar forma con sus prometedoras imágenes. Con la ayuda de un proyector, pudo ampliar los temas publicitarios y reproducirlos a mano alzada; las obras producidas en serie se realizaron con plantillas. Al mismo tiempo hizo esculturas de cartón y madera. Junto con Roy Lichtenstein, reaccionó ante el previsible final del expresionismo abstracto, que comenzó con la trágica muerte de Jackson Pollock en 1956.

Después de que Andy Warhol tuvo éxito como pintor y artista de galería de arte pop, ocultó su arte publicitario de las décadas de 1940 y 1950 de una manera muy neurótica. Como admite libremente en POPism, el hombre de unos treinta y tantos años trató conscientemente de crear una nueva identidad para una nueva carrera. Warhol consideró que el mercado de las galerías de arte era simplemente más elegante que el de los artistas comerciales. Para ello, mezcló “arte comercial” (gráficos publicitarios) con “arte real” y viceversa.

Las primeras exposiciones en Los Ángeles (1962), París con Ileana Sonnabend (1964) y en 1965 su primera exposición en un museo en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia establecieron la fama de Warhol como pintor. En el mismo año 1965 dejó de pintar y se dedicó por completo a los medios de serigrafía, fotografía y cine.

Andy Warhol tuvo un éxito rotundo a principios de la década de 1960 cuando recurrió a las imágenes mediáticas de estrellas de cine e íconos del pop como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Liz Taylor. Con la idea de que diez fotografías de estas personalidades serían más que una, Warhol reprodujo las fotografías con la ayuda de la serigrafía.

Los colores pop acentúan, falsean y enajenan los retratos al mismo tiempo. Warhol logró transferirse el culto a las estrellas en torno a los actores de cine, esposas de políticos y músicos de rock a sí mismo a través de la inconfundible estilización de sus retratos. Esto le permitió no solo superar las fronteras sociales como artista, sino también convertirse en una estrella del pop.

Encontró el lado oscuro del sueño americano en imágenes de accidentes automovilísticos («Serie Muerte y Desastre») y la silla eléctrica («Silla eléctrica»). Utilizando la serigrafía, que se consideraba reproductiva y, por tanto, poco artística, y utilizando pintura acrílica, Andy Warhol creó composiciones para las que utilizó fotografías de prensa de accidentes trágicos o accidentes aéreos y similares como plantillas.

Pintó los lienzos antes de serigrafiarlos a partir de fotografías. La pintura adicional resalta partes individuales de la representación. Andy Warhol también estaba interesado en reproducir y modificar las impresiones, que los empleados podían producir sin su participación.

Motivación de Andy Warhol

Tanto Ucrania como Eslovaquia han reclamado el derecho de llamar suyo a Warhol durante muchos años: los padres del artista, Ondrej y Julia Justin Warhol, emigraron al extranjero desde el pueblo de Mikova en la región de Presov de la actual Eslovaquia (hasta 1918 – Austria-Hungría). Por nacionalidad, eran rusinos, una minoría étnica, que en la Ucrania moderna se considera parte de la nación titular.

Sin embargo, estas disputas, por supuesto, carecen de fundamento: Warhol fue un ejemplar, cien por ciento estadounidense y son los Estados Unidos los que legítimamente deberían ser considerados su patria. A menos en su religiosidad, cuidadosamente escondida durante su vida, el artista se mantuvo fiel a sus raíces: desde la infancia estuvo en el seno de la Iglesia greco-católica de rito bizantino.

Como pocos sabían, asistió con celo a la Misa en la Catedral de St. Vincent Ferrer en Manhattan (según las memorias del abad, primero se dio cuenta de que un extraño feligrés estaba siendo bautizado al estilo ortodoxo, y solo entonces se dio cuenta de quién era). Según familiares del artista, estaba especialmente orgulloso de haber financiado los estudios de su sobrino en el seminario.

Y en las propias obras de Warhol, los críticos de arte ven no solo el componente material, sino también el espiritual. Escribió el destacado investigador de arte contemporáneo, crítico y teólogo James Romain:

“A primera vista, las imágenes de consumo de Warhol parecen estar ocupadas solo por el mundo exterior de la cultura moderna, hasta la completa exclusión de la vida interior de la fe. Pero también hay un anhelo persistente de algo más, una sed, especialmente evidente en el último «Autorretrato» y en las famosas latas de sopa Campbell.

Para ver este componente religioso, debemos redescubrir el sentido de lo sagrado, utilizando las cosas materiales como caminos hacia lo divino, hacia la penetración de la eternidad a través del tiempo y el espacio”.

Esta opinión puede parecer paradójica e incluso impactante, pero Romain ofrece pruebas convincentes. Él ve las notorias latas de sopa Campbell (uno de los motivos dominantes de Warhol: creó varias versiones de su famosa obra de 1962) como un autorretrato del artista:

“Los anaqueles, como la imagen pública de Warhol, son fríos, una máquina de metal, impenetrable.

Pero el autorretrato se complementa con su contenido; en realidad es la parte más importante de la lata de sopa, pero tiene muy poco que ver con el aspecto de la lata. La sopa, una fuente cálida de nutrientes, es una sustancia sensible que no sobrevivirá sin un empaque protector. Asimismo, la fe de Warhol se esconde bajo la imaginería del supermercado”.

Vale la pena señalar que una de las últimas obras de Warhol estuvo estrechamente relacionada con temas religiosos: una serie de serigrafías basadas en La última cena de Leonardo da Vinci. Sin embargo, aquí el artista mostró más bien una perspectiva diferente sobre la existencia del arte sacro en un mundo secular y profano, complementando la composición de da Vinci, replicada en millones de fotos y reproducciones, con logotipos publicitarios de famosas marcas comerciales. Como señaló Claudia Schmückly, curadora de la primera exposición de la serie en los Estados Unidos:

“Esta falta de respeto aparentemente herética refleja la inevitable transformación del trabajo profundamente religioso en un cliché, cuyo mensaje espiritual ha sido ahogado por una repetición sin fin. Como último episodio de Warhol, La última cena sirve como un poderoso recordatorio de los principios que han impregnado todos sus esfuerzos artísticos».

Se puede notar que la manera de Warhol, el retratista, que eliminó maniacamente todos los defectos de piel y arrugas de sus modelos, se explica no solo por el deseo de «embellecerlos», sino también por el deseo de lo absoluto, de la imagen de una persona ideal que lavó todos los pecados de sí mismo (sin excluir y el primogénito inmanente).

Bajo esta luz, el famoso dicho acerca de “quince minutos de gloria para todos” se vuelve más claro: la gloria otorga al menos la ilusión de la inmortalidad; para Warhol, esto simbolizaba, según algunos investigadores, la transformación de un hombre común y corriente en la calle en un ser que se acercaba al orden divino.

Warhol, tal vez, se asoció en parte con Cristo, no en un contexto mesiánico obviamente herético para un buen cristiano, sino en el sentido en el que el famoso teólogo Richard Niebuhr, en su libro Cristo y cultura (1951), comparó la obra mística de un artista que “transubs cultura”, con el sacramento de la Eucaristía, cuando el pan y el vino ordinarios se transforman en los Santos Dones.

E incluso el truco conocido por casi todo el mundo gracias a la película de Oliver Stone con un teléfono dorado para hablar con Dios presentado a Jim Morrison se puede ver fuera del envoltorio cínico. Por un lado, el teléfono dorado sirve como símbolo de poder y riqueza; no en vano, a los dictadores latinoamericanos les encantaron esos dispositivos.

Por otro lado, el primer teléfono conocido hecho de oro fue presentado por los católicos estadounidenses como un regalo al Papa Pío XI en 1930 (el dispositivo fue utilizado por los obispos romanos hasta el final del pontificado de Juan XXIII en 1963). Entonces, el don de Warhol se puede explicar de diferentes maneras (por cierto, según el biógrafo de Morrison, Stephen Davis, el teléfono solo tenía una esfera dorada, nuevamente un campo para la interpretación).

Sin embargo, al propio Warhol no le gustaba mucho dar explicaciones: dejó esta ocupación a críticos, historiadores del arte, filósofos y el público en general, que de buena gana chismeaba sobre sus obras y sobre sus extravagantes atuendos, amigos, aventuras semi legendarias. Como señalan casi todos los biógrafos de Warhol, en realidad prácticamente no le interesaban el sexo, las drogas o incluso el dinero: ansiaba la fama. Y lo consiguió en su totalidad.

Biografía de Andy Warhol

Andy Warhol nació el 6 de agosto de 1928, hijo de Andrej Varhola (1888-1942) y Julia Justyna en Pittsburgh, Pensilvania, y fue nombrado Andrew Warhola en griego ruteno, católico bautizado. La familia tenía raíces rusas y procedía del pueblo de Miková en los Cárpatos, en el noreste de la actual Eslovaquia (en ese momento: Reino de Hungría), viviendo en malas condiciones. Andy tenía dos hermanos mayores: Paul y John. Dado que la madre de Andy Warhol se negó a aprender inglés durante mucho tiempo, Andy solo aprendió el idioma en la escuela.

1932/33 El padre de Andy Warhol, Andrej, se ganaba la vida como trabajador de montaje para una empresa de construcción. Rara vez estaba en casa y todos lo extrañaban. Dado que el brillante Andy apenas podía ser domesticado, la familia decidió inscribirlo en la escuela a la edad de cuatro años. Sin embargo, como que volvió llorando la noche del primer día de clases, no empezó la escuela hasta los seis años.

1934-1936: escuela primaria Con el aumento de los ingresos de Andrej Warhola, pudo obtener un préstamo y mudarse con su familia a Dawson Street en Oakland. Andy comenzó el segundo grado en la Escuela Primaria Holmes como su único día en la Escuela Primaria Soho contado como un año completo.

1936 Andy Warhol, de ocho años, a menudo sufría ataques convulsivos en la escuela que le impedían escribir y que sus compañeros de clase lo ridiculizaban. Un médico repugnó la corea de Huntington (conocida popularmente como baile de San Vito) y un raro trastorno de la pigmentación, por lo que durante mucho tiempo se pensó que era albino.

Debido a que estuvo postrado en cama durante mucho tiempo, Warhol desarrolló una preferencia por los cómics y las películas. Además, la educación cercana a su madre se remonta a esta experiencia. Después de su recuperación, pasó casi todos los sábados por la mañana en el cine. Shirley Temple se convirtió en su ídolo y modelo a seguir.

1937–1940: El maestro de arte de Andy en la escuela primaria Holmes le sugirió en 1937 que tomara la prestigiosa clase de arte gratuita que se impartía en el Museo Carnegie los sábados por la mañana. Andy asistió a las clases gratuitas los sábados con regularidad hasta 1941. Se dividió en el grupo de estudiantes más jóvenes. Sus maestros, especialmente Joseph Fitzpatrick, ejercieron sobre él las primeras influencias artísticas importantes. Andy Warhol se saltó el quinto grado.

1942 Muerte del padre tras varios años de enfermedad grave por tuberculosis. La pérdida afectó duramente a Andy Warhol, de catorce años; estaba escondido debajo de la cama cuando el cuerpo de su padre fue traído del hospital. Como es la tradición rutena, Ondrej Warhola estuvo alojado durante tres días en su casa, lo que podría haber desencadenado el posterior enfrentamiento de Warhol con el tema de la muerte. La situación económica de la familia está empeorando, pero sus dos hermanos mayores rara vez están en casa.

1945-1949: Gráficos comerciales (diseño pictórico) en el Carnegie Institute of Technology en Pittsburgh. Andy Warhol se graduó del undécimo grado en Schenley High School. La entrada del anuario bajo su nombre dice: «Tan genuino como una huella digital» En el otoño comenzó a estudiar en el Instituto de Tecnología Carnegie (hoy: Universidad Carnegie Mellon), Departamento de Pintura y Diseño.

1945 Andy Warhol estudió arte comercial en el Carnegie Institute of Technology (hoy: Carnegie Mellon University) en Pittsburgh, más precisamente diseño pictórico, historia del arte, sociología y psicología. Se despertó el interés de Andy por las enseñanzas de la Bauhaus. Dio lecciones de dibujo y trabajó durante las vacaciones de semestre, como en los años siguientes, en los grandes almacenes Joseph Horne de Pittsburgh. Conoció a Philip Pearlstein.

1947 En el tercer año, Andy Warhol ganó el Premio John L. Porter al Progreso por los dibujos que había hecho el año anterior mientras él y su hermano vendían fruta desde una camioneta. En verano alquiló un granero con sus compañeros de estudios, que utilizaron como estudio.

1948 Andy Warhol comenzó su último año en el Carnegie Institute en el otoño. Trabajó como editor de imágenes para la revista estudiantil «Cano». En sus aportaciones ya utilizó la «línea borrosa», una técnica monotípica improvisada que se convertiría en su seña de identidad como artista comercial.

1949 Andy Warhol mostró «The broad gave me my face» en la exposición anual de Associated Artists of Pittsburgh. El jurado discutió polémicamente y rechazó la imagen. George Grosz, uno de los miembros del jurado, elogió el trabajo, que finalmente fue mostrado y reconocido en una segunda exposición local. El 16 de junio de 1949 Andy Warhol se graduó con una licenciatura en Bellas Artes.

Junto con su compañero de estudios Philip Pearlstein se trasladó a Nueva York para trabajar como artista comercial. Los dos compartían un apartamento en St. Mark’s Place. En septiembre se mudaron a una antigua fábrica en la calle 21. A partir de entonces se llamó a sí mismo Andy Warhol. Gran parte de sus primeros diseños se referían a los zapatos mientras trabajaba en una fábrica de zapatos.

Andy fue a los directores de arte de las revistas más importantes y les presentó un trabajo. La revista Glamour le dio su primer encargo: diseñó ilustradores para el artículo «El éxito es un trabajo en Nueva York». Siguieron muchos otros encargos, incluso para Vogue, Seventeen y Harper’s Bazaar.

1950 La revista «Mademoiselle» publicó dibujos firmados por «Andy Warhol». Su nombre artístico se estableció alrededor de 1942, cuando la gente de su entorno se olvidó de la «a». El artista recordó más tarde que fue, por así decirlo, un proceso «natural» (y no una desviación consciente de sus raíces).

1952 Primera exposición individual en la Hugo Gallery de Nueva York (16 de junio – 3 de julio), donde presentó sus ilustraciones para los libros de Truman Capote: «Andy Warhol – Quince dibujos basados ​​en los escritos de Truman Capote». Ya había conocido al director de la galería, Alexander Iolas, en 1945. Recibió la «Medalla del Club de Directores de Arte» por diseñar varios anuncios en periódicos.

1954 Warhol recibió un «Certificado de Excelencia» del Instituto Americano de Artes Gráficas por su trabajo comercial. Junto con Charles Lisanby, quien escribió la letra, Warhol produjo el libro «25 Cats Name [sic] Sam and One Blue Pussy» como regalo. Se reunió con amigos en «Serendipity» para colorear las hojas. En octubre, The Loft Gallery organizó las exposiciones «una nueva galería presenta nuevos pintores»

1956 Andy Warhol recibió el ‘Premio al mérito distintivo’ del Art Directors Club por la publicidad de zapatos para I. Miller.

La Galería Bodley mostró «Drawing for a Boy-Book de Andy Warhol». El 16 de junio, el artista gráfico y amigo Charles Lisanby se embarcó en una extensa gira mundial por Europa y Asia, durante la cual comenzó a coleccionar. Regresó a Nueva York el 12 de agosto. Primera participación en la exposición “Recent Drawings USA” en el Museo de Arte Moderno, pero como artista gráfico y todavía no como pintor o artista independiente.

1957 Warhol fue uno de los artistas gráficos comerciales más reconocidos y mejor pagados de Estados Unidos. Recibió una medalla y un premio especial del Art Directors Club por gráficos publicitarios en periódicos.

Luego fundó «Andy Warhol Enterprises, Inc.». En «Un libro de oro» publicó dibujos de «líneas borradas» en papel dorado. Exposición en la Bodley Gallery «A Show of Golden Pictures by Andy Warhol». La «Revista Life» escribió burlonamente crítica al respecto. Cirugía plástica en la nariz.

1960 A través de Tina Fredericks, Andy Warhol conoció a Emile de Antonio, quien también era amigo de Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Andy Warhol comenzó a trabajar en pinturas que presentaban imágenes producidas en masa (cómics y anuncios) y bienes de consumo comunes como las latas de sopa Campbell y la botella de Coca-Cola. Los mostró en el escaparate de los grandes almacenes Bonwit Teller, Nueva York (abril). También conoció a Billy Linich ( Billy Name) en 1960; desde entonces perteneció al círculo de Andy Warhol durante muchos años.

1961 Andy Warhol creó sus primeras obras artísticas, con las que comienza el catálogo razonado. Esta primera serie de trabajos se basó en ilustraciones publicitarias de revistas. En la Galería Leo Castelli, Warhol vio las obras de Roy Lichtenstein, que, como sus propias imágenes recientes, retoman motivos de comics. Warhol invitó a Ivan Karp, ayudante de Castelli, a mostrarle su trabajo. Castelli se negó a representar a Warhol, refiriéndose al trabajo más reciente de Lichtenstein. En consecuencia, Warhol abandonó los héroes de cómics como motivos para sus imágenes.

1961 Warhol comenzó a trabajar intensamente con el grupo de trabajo inicial Latas de sopa Campbell. Sin embargo, al principio siempre solo pintaba latas individuales, cada vez más descubrió el atractivo visual de las filas y combinaciones. «Grupo de cinco latas de sopa Campbell» y la serie de 32 «Latas de sopa Campbell».

1962 Primera exposición individual como artista: Warhol exhibió sus Latas de sopa Campbell por invitación de Irving Blum, entonces socio de Walter Hopps, en la Ferus Gallery de Los Ángeles. Hizo treinta y dos imágenes casi idénticas porque la sopa enlatada estaba disponible en treinta y dos sabores diferentes. Solo varía el contenido, que no se revela por la apariencia externa del producto en masa.

Casi al mismo tiempo que Rauschenberg, Warhol descubrió la técnica de la serigrafía fotográfica como método de producción de imágenes en el verano. El primer trabajo en esta técnica es «Baseball», que muestra al famoso jugador de béisbol Roger Maris. Warhol experimentó con sellos, matrices y plantillas. Luego, Warhol pintó “129 Die in Jet” basado en la imagen de la portada del “New York Mirror” del 4 de junio de 1962. Además de otras imágenes de desastres, Warhol también representó botellas sobrias de Coca-Cola.

Después de la muerte de Marilyn Monroe el 5 de agosto, Warhol creó retratos de la diva basados ​​en una foto de escena de la película «Niágara». Andy Warhol convirtió cada vez más los iconos de su tiempo en el tema de sus retratos: creó una extensa serie sobre Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor («Liz como Cleopatra», 1962 – basada en una foto de la actriz en la revista «Life» el 13 de abril de 1962) Elvis Presley, James Dean.

Participación en la exposición «The New Realists» en la Sidney Janis Gallery de Nueva York: esta primera gran exposición de arte pop incluyó obras de Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenburg, James Rosenquist, George Segal se puede ver junto a obras de arte de artistas europeos. Warhol estuvo representado con «200 latas de sopa Campbell».

Eleanor Ward mostró una selección de obras de Warhol en la Stable Gallery: Retratos de Marilyn y Elvis, «Close Cover Before Striking», Coca-Cola. Philip Johnson adquirió el cuadro «Gold Marilyn» para el MoMA de esta exposición. Warhol finalmente terminó su trabajo como artista comercial, a través del cual había financiado su trabajo artístico hasta ese momento.

1963 Andy Warhol instaló su estudio sin conexión telefónica, el llamado «Factory», en una estación de bomberos en East 87th Street. Compañeros de trabajo y amigos trabajaron en la «producción» de arte. Entre 1962 y 1967, la fábrica fue considerada un lugar de moda para artistas de todo tipo. Warhol trabajó en las películas de «Electric Chairs» y «Race Riots». La serigrafía «Race Riots» se basó en una fotografía de la revista Life del enfrentamiento entre activistas de derechos civiles y agentes de policía en Birmingham, Alabama.

1968 Intento de asesinato de Andy Warhol: La sufragista y actriz de Warhol, Valerie Solana le disparó en la fábrica y lo hirió gravemente porque se había negado a filmar un guión para su manifiesto de la «Sociedad para cortar hombres (SCUM)». La era de las fábricas llegó a su fin.

1987 Andy Warhol falleció el 22 de febrero de 1987 en el New York Hospital – Cornell Medical Center de Manhattan, Nueva York, a la edad de 58 años, tras una operación de vesícula biliar y las complicaciones provocadas por una intolerancia a la penicilina. Andy Warhol fue enterrado en Pittsburgh cerca de su familia y algunos amigos. El 1 de abril de 1987, se llevó a cabo un servicio conmemorativo en la Catedral de San Patricio en Nueva York, al que asistieron más de dos mil dolientes.

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