L'innovazione è la massima espressione di ciò che è stato il periodo moderno. Di per sé, questo movimento ha portato con sé uno dei maggiori contributi all'arte del XX secolo. Ed è per questo che abbiamo deciso di farvi conoscere le caratteristiche principali di questo movimento sull'arte, in particolare sul pittura modernista e altro ancora.
Modernismo e pittura modernista
L'arte moderna è un termine usato per descrivere un periodo della storia dell'arte che va all'incirca dal 1860 al 1970. Il termine denota lo stile e la filosofia dell'arte prodotta in quel periodo. Le sue radici affondano nel lavoro di artisti della fine del XIX secolo come Van Gogh, Cézanne e Gauguin, la cui formazione e le prime carriere erano basate su uno stile pittorico tradizionale.
Tuttavia, alla fine del XIX secolo molti artisti iniziarono ad allontanarsi dalla narrativa realistica nell'argomento e nello stile, spostandosi verso uno stile pittorico più astratto che affrontasse le loro nuove idee estetiche, che in seguito sarebbero state conosciute come pittura modernista. Quindi il termine "modernista o moderno" è associato all'arte, allontanando questa espressione artistica dalla pittura tradizionale.
Gli artisti moderni hanno giocato con modi inesplorati di vedere i loro soggetti e nuovi modi di utilizzare i materiali pittorici tradizionali. Questi sfidavano l'idea che l'arte dovesse rappresentare il mondo in modo realistico, sperimentando l'uso espressivo del colore, nuove tecniche e materiali non tradizionali che ora sono considerati il segno distintivo dell'arte e della pittura moderniste.
L'inizio del XNUMX° secolo portò ancora più sperimentazione. Gli artisti Fauve (fauvismo), iniziarono a dipingere paesaggi “selvaggi” espressivi e artisti cubisti iniziarono a decostruire i soggetti in forme solide, rendendoli quasi astratti.
Questi movimenti artistici e quelli che li hanno seguiti fino al XNUMX° secolo, erano basati su nuovi modi di pensare, vedere ed esplorare l'arte, dando la definizione stessa di cosa sia l'arte moderna. Laddove arte moderna è un termine usato per descrivere un movimento artistico e un periodo della storia dell'arte, modernismo è il nome del movimento filosofico emerso contemporaneamente.
La rivoluzione industriale, la rapida crescita delle aree urbane e le nuove forme di trasporto hanno contribuito allo sviluppo della filosofia del modernismo che rifiutava le forme tradizionali di pensiero, arte, religione e comportamento sociale. Modernismo e arte moderna sono correlati e convivono: le teorie del modernismo alimentano il pensiero degli artisti e l'arte moderna promuove la filosofia nella pratica concreta.
Caratteristiche del moderno nelle arti
Sebbene non esista un'unica caratteristica che definisca "l'arte moderna", si è distinto per una serie di caratteristiche importanti, come le seguenti:
Nuovi tipi di arte
Gli artisti moderni sono stati i primi a sviluppare l'arte del collage, varie forme di assemblaggio, una varietà di arte cinetica (compresi i cellulari), vari generi di fotografia, animazione (disegno più fotografia), land art o argini e performance art.
Uso di nuovi materiali
I pittori moderni hanno piantato oggetti come ritagli di giornale e altri oggetti sulle loro tele. Gli scultori hanno utilizzato oggetti trovati, come i "readymades" di Marcel Duchamp, dai quali hanno creato opere d'arte spazzatura. Gli assemblaggi sono stati realizzati con i più comuni oggetti di uso quotidiano, come: automobili, orologi, valigie, scatole di legno e altri oggetti.
uso espressivo del colore
Le correnti dell'arte moderna come il fauvismo, la pittura sui campi di colore e l'espressionismo furono le prime a far esplodere il colore in modo abbastanza significativo.
Nuove tecniche
La cromolitografia è stata ideata dall'artista dei manifesti Jules Cheret, il disegno automatico è stato definito dagli artisti surrealisti, allo stesso modo di Frottage e Decalcomania. I pittori di gesti concepirono l'action painting. Nel frattempo, gli artisti pop hanno introdotto "Benday dots" e la serigrafia nelle belle arti. Altri movimenti e scuole d'arte moderna che introdussero anche nuove tecniche nell'esecuzione e nell'elaborazione della pittura.
Movimenti artistici modernisti
Gli inizi della pittura modernista non possono essere limitati, ma c'è un accordo generale sul fatto che sia iniziata nella Francia del XIX secolo. I dipinti di Gustave Courbet, Edouard Manet e degli Impressionisti rappresentano un profondo rifiuto del patrimonio accademico prevalente e una ricerca per una rappresentazione più naturalistica dell'universo visivo.
I successori possono essere visti come più moderni nel loro ripudio delle pratiche e dei temi tradizionali e nella loro espressione di una visione personale più astratta. A partire dal 1890, sono emerse una serie di movimenti e stili diversi, che sono al centro dell'arte contemporanea e rappresentano uno dei punti più alti della cultura visiva occidentale. Questi movimenti moderni includono:
- neoimpressionismo
- Simbolismo
- fauvismo
- cubismo
- Futurismo
- espressionismo
- suprematismo
- Costruttivismo
- pittura metafisica
- De Stijl
- Dada
- surrealismo
- Realismo sociale
- Espressionismo astratto
- Pop Art
- Op art
- minimalismo
- neoespressionismo
Nonostante l'enorme varietà vista in questi movimenti, molti di essi sono tipicamente contemporanei nella loro indagine sulle potenzialità insite nel mezzo pittorico stesso per esprimere una risposta religiosa alle varie condizioni di vita nel XX secolo e oltre.
Queste condizioni includono l'accelerazione del cambiamento tecnologico, la crescita della conoscenza e della comprensione scientifica, l'apparente irrilevanza di alcune fonti standard di credenze e valori e l'espansione della consapevolezza delle culture non occidentali.
Cronologia ed evoluzione
Lo sviluppo dell'arte moderna in tutta la sua rappresentazione (pittura modernista e altro), è stato presentato ed evoluto nel mondo attraverso diverse forme e cause, che verranno di seguito dettagliate cronologicamente:
1870-1900
Sebbene l'ultimo terzo del XNUMX° secolo sia stato in qualche modo dominato dal nuovo stile pittorico impressionista, in realtà c'erano diversi filoni pionieristici dell'arte moderna e della pittura modernista, ognuno con il suo approccio particolare. Questi includevano:
- Impressionismo (accuratezza nel prendere gli effetti della luce solare).
- Realismo (contenuto – tema).
- Arte accademica (immagini reali di stile classico).
- Romanticismo (stato d'animo).
- Simbolismo (iconografia enigmatica).
- Locandina litografica (motivi e colori audaci).
L'ultimo decennio di questo periodo vide una serie di rivolte contro le accademie e i loro saloni nella forma del movimento della Secessione, mentre la fine degli anni Novanta dell'Ottocento vide il declino dell'arte basata sulla natura, come l'impressionismo, che avrebbe presto portato a un aumento di più grave messaggio basato sull'art.
1900-14
Quasi in tutto, questo è stato il periodo più impressionante dell'arte moderna, quando tutto era ancora potenzialmente praticabile e quando il "gadget" era ancora visualizzato solo come un alleato dell'uomo. Gli artisti parigini hanno prodotto una serie di nuovi stili, tra cui: Fauvismo, Cubismo e Orfismo. Mentre gli artisti tedeschi hanno lanciato la loro scuola di pittura espressionista modernista.
Tutti questi movimenti progressisti rifiutavano gli atteggiamenti tradizionalisti nei confronti dell'arte e cercavano di difendere la loro particolare agenda del modernismo. Pertanto, il cubismo voleva dare la priorità agli attributi formali della pittura, mentre il futurismo preferiva enfatizzare le possibilità della macchina e l'espressionismo difendeva la percezione individuale.
1914-24
La carneficina e la distruzione della Grande Guerra cambiarono completamente le cose. Nel 1916 fu lanciato il movimento Dada, pieno di un impulso nichilista di sovvertire il sistema di valori che aveva portato Verdun e la Somme. Improvvisamente, l'arte rappresentativa sembrava oscena. Nessuna immagine poteva competere con le fotografie dei caduti in guerra. Gli artisti si erano già rivolti sempre più all'arte non oggettiva come mezzo di espressione. I movimenti di arte astratta dell'epoca includevano:
- Cubismo (1908-40)
- Vorticismo (1914-15)
- Suprematismo (1913-18)
- Costruttivismo (1914-32)
- Stijl (1917-31)
- Neoplasticismo (1918-26)
- Elementarismo (1924-31)
- Bauhaus (1919-33)
- La successiva scuola di St Ives
Anche i pochi movimenti figurativi sono chiaramente d'avanguardia, come mostra la pittura metafisica (1914-20).
1924-40
Gli anni di pace tra le due guerre rimasero segnati da difficoltà politiche ed economiche. La pittura e la scultura modernista astratta rimasero prominenti, poiché l'arte distintiva della realtà rimase in gran parte fuori moda.
Anche l'ala realista del movimento surrealista, il più grande movimento del periodo, non poteva gestire più di uno stile di realtà fantasy. Nel frattempo, una realtà più sinistra stava emergendo nel continente, sotto forma di arte nazista e agit-prop sovietico. Solo l'Art Déco, uno stile di design piuttosto elegante rivolto all'architettura e all'arte applicata, esprimeva una certa fiducia nel futuro.
1940-60
Il mondo dell'arte è stato trasformato dalla catastrofe della seconda guerra mondiale. Per cominciare, il suo baricentro si è spostato da Parigi a New York, dove è rimasto da allora. Quasi tutti i futuri record mondiali di prezzo verrebbero raggiunti nelle sale vendita di Christie's e Sotheby's a New York. Nel frattempo, l'indicibile fenomeno di Auschwitz aveva minato il valore di tutta l'arte realista tranne l'arte dell'Olocausto dei colpiti.
Come conseguenza di tutto ciò, il successivo grande movimento internazionale, l'espressionismo astratto, fu creato dagli artisti americani della New York School. In effetti, per i prossimi 20 anni, l'astrazione dominerà, man mano che emergeranno nuovi movimenti. Questi includevano:
- Arte informale.
- Pittura d'azione.
- Gestualità.
- Fumo.
- Pittura del campo di colore.
- astrazione lirica.
- Vernice per bordi duri
- COBRA, un gruppo che si distingue per l'iconografia dei suoi figli e le sue linee espressive.
Durante gli anni '1950 germogliarono altri tipi di stili più audaci, come: l'arte cinetica, il Nouveau Realism e il Neo-Dada, che manifestarono tutti un progressivo disagio con l'industria delle arti ristrette.
1960
L'esplosione della musica popolare e della televisione si è riflessa nel movimento Pop-Art, le cui rappresentazioni pittoriche delle celebrità di Hollywood e l'iconografia della cultura popolare hanno celebrato il successo del consumismo di massa negli Stati Uniti. Aveva anche un aspetto fresco e moderno, che ha contribuito a dissipare parte dell'oscurità dei primi anni '60 associata alla crisi cubana del 1962. Che in Europa aveva alimentato il successo del movimento Fluxus guidato da:
- George maciunas
- Joseph Beuys
- Nam June Paik
- Lupo Vostell
La pop art con i piedi per terra era anche un gradito contrappunto al più erudito espressionismo astratto, che aveva già iniziato a svanire. Ma gli anni '1960 videro anche l'ascesa di un altro movimento di alto profilo noto come Minimalismo, una forma di pittura e scultura modernista epurata da tutti i riferimenti o gesti esterni, a differenza del linguaggio emotivamente carico dell'espressionismo astratto.
Il modernismo nelle arti grafiche
Entro la fine del XNUMX° secolo, gli artisti si stavano stancando delle forme d'arte tradizionali e conservatrici. A Vienna, un gruppo di artisti guidato da Gustav Klimt si autodefiniva la Secessione di Vienna e si isolava dalle istituzioni artistiche della capitale austriaca dell'epoca.
Il gruppo ha esplorato territori inesplorati nella forma, nella composizione e nell'espressione, innescando esperimenti simili in altri paesi vicini come Francia e Germania. I ricchi tratti di pittura e il realismo modernisti sono tradotti in colori piatti e tipografia stilistica, espressioni che aprirebbero la strada all'arte grafica.
All'inizio della prima guerra mondiale, il design grafico era già utilizzato per scopi commerciali, aziendali ed estetici. Il suo nuovo ruolo sarebbe stato politico, usato nei manifesti e nella propaganda durante la guerra.
I progressi nella stampa di massa a colori hanno consentito la produzione efficiente di messaggi per raccogliere fondi, incoraggiare l'arruolamento e aumentare il morale. Le turbolenze e le sfide affrontate in entrambe le guerre mondiali alla fine hanno ispirato la prima ondata di vero modernismo all'interno del design grafico.
In Europa e in America, i grafici hanno tratto ispirazione da movimenti artistici più ampi come Cubismo, Futurismo, De Stijl e Surrealismo. In Germania, il movimento Bauhaus ha avuto un impatto significativo anche sulla progettazione grafica. Con le sue linee audaci, i colori primari e lo spazio bianco inquietante, era sorprendente nel formato 2-D come lo è nell'architettura o nella scultura.
In definitiva, il design modernista è stato definito da espressioni astratte, caratteri audaci e colori e forme primari. Questi designer si sono avvicinati al lavoro in modo obiettivo, enfatizzando il razionale sull'espressivo (e sottolineando la classica convinzione modernista che la forma segue la funzione).
Quando i nazisti salirono al potere negli anni '1930, gli esperimenti modernisti in tutte le pratiche furono denunciati e molti artisti, architetti e designer emigrarono negli Stati Uniti. Sebbene il design modernista sia stato interrotto nella sua crescita, rimane uno dei movimenti di maggior impatto nella storia del design grafico.
Gioielleria Art Nouveau, cristalleria, ceramica, mobili e ferro battuto
I gioiellieri modernisti degli Stati Uniti che hanno praticato il loro mestiere dagli anni '1930 agli anni '1960 sono stati piuttosto enfatici nel loro rifiuto degli stili precedenti. I gioielli vittoriani furono liquidati in quanto troppo decorativi, i pezzi Art Nouveau erano visti come troppo esigenti e l'estetica Art Deco era considerata eccessivamente rigida. Questi gioiellieri sentivano di avere più cose in comune con i moderni pittori, scultori e altri artisti dell'epoca.
Il suo ambizioso obiettivo era creare opere d'arte uniche che le persone potessero utilizzare. Uno dei primi sostenitori e praticanti della forma fu Sam Kramer, che, come molti dei suoi contemporanei, visse, lavorò e vendette le sue creazioni nel Greenwich Village di New York City. Kramer lavorava principalmente in argento, ma era anche abile nel realizzare anelli, orecchini e spille di rame e trovò manufatti tra cui denti d'alce, bottoni, fossili e monete antiche.
A volte, Kramer usava pietre semipreziose come granati o opali nei suoi pezzi surreali, geometrici o biomorfici. Un altro leader non ufficiale del movimento di gioielleria modernista era il vicino di Kramer, Art Smith. I suoi gioielli spaziavano da semplici anelli d'argento al collo a pezzi biomorfici basati su motivi africani.
Mentre Smith realizzava piccoli pezzi come gemelli e orecchini, molti dei suoi lavori migliori erano abbastanza grandi da avvolgere il corpo, come se la forma umana fosse semplicemente lo sfondo delle sue creazioni.
I suoi braccialetti in rame vintage, in particolare le manette "jazz" con note musicali applicate sulla superficie esterna, sono altamente collezionabili. Boomerang, linee rette che intersecano curve e forme dell'era atomica caratterizzano il lavoro di Ed Wiener.
A volte un paio di orecchini d'argento che sembravano clessidre deformate erano adornati con una sola perla. Altre volte, l'agata occhio di gatto veniva posta al centro di un pezzo, come per conferire ai suoi oggetti inanimati l'aspetto di un volto umano.
Un altro abitante di Greenwich Village i cui gioielli vintage modernisti sono molto apprezzati è stato Paul Lobel, che ha disegnato adorabili spille e braccialetti d'argento, oltre a vetro d'argento, mobili e stoviglie. Fuori New York c'era Betty Cooke, che lavorava in modalità Bauhaus a Baltimora.
I suoi gioielli erano costituiti da forme geometriche ed erano caratterizzati da un forte senso dell'ordine, che avrebbe deliberatamente interrotto dal posizionamento acuto di perle, piccoli blocchi di legno o anche pietre non finite come il quarzo.
Un'altra accolita del Bauhaus fu Margaret De Patta, il cui lavoro rifletteva la profonda influenza del maestro del Bauhaus László Moholy-Nagy, con il quale studiò. Nel frattempo, a San Francisco, Peter Macchiarini ha preso ispirazione dalle maschere africane e dal cubismo. Ottone, rame e argento erano materiali comuni, insieme a opali, agate e legno.
In Scandinavia durante gli anni Quaranta e Cinquanta si stava verificando un movimento parallelo. Henning Koppel e Nanna Ditzel sono stati due designer importanti per Georg Jensen, le cui collane d'argento a goccia e ameba combinavano la perfezione dell'oreficeria danese con l'interesse per le forme naturali, persino primitive.
Più tardi, nella Finlandia degli anni 'XNUMX, Bjorn Weckstrom sposò argento massiccio e frammenti di acrilico lucido per creare anelli, bracciali e ciondoli che erano sia dell'era spaziale che organici. Altre aree esplorate dagli artisti modernisti furono la produzione di ceramiche, mobili, vetreria e metallurgia. Tra gli artisti più importanti si possono citare:
- Louis Comfort Tiffany (stilista)
- Émile Gallé (ceramista e vetraio)
- Antonin Daum (vetraio)
- Lluís Masriera (gioielliere)
- Carlo Bugatti (progettista mobili)
- Louis Majorelle (progettista di mobili)
- Gustave Serrurier-Bovy (progettista di mobili)
- Jacques Grüber (decoratore e pittore)
- Jules Brunfaut (architetto e decoratore)
- Auguste Delaherche (ceramista)
- Georges de Feure (pittore e decoratore)
pittura modernista
Il periodo moderno della storia dell'arte è stato un grande spettatore del crollo dei limiti tradizionali, sia in termini di forma (l'apparenza dell'arte) che di contenuto (l'argomento). Questo è successo in tutti i rami dell'arte, con la pittura in prima linea. In effetti, i pittori avevano guidato l'innovazione estetica in Europa sin dalla fine dell'antichità.
L'innovazione più importante nella forma è stata l'ascesa di stili pittorici sempre più distorti, culminati nella nascita dell'arte astratta. In termini di contenuto, la pittura modernista tende a presentare scene ordinarie e quotidiane, in contrapposizione ai tradizionali soggetti "alti" (biblici, mitologici, storici).
La nascita della pittura modernista è spesso ricondotta al realismo, un movimento francese che raffigurava scene di vita quotidiana in modo fisicamente realistico. Sebbene scene realistiche della vita quotidiana possano essere ricondotte alla pittura del Rinascimento Low Country, il movimento del realismo moderno ha adottato un nuovo approccio concentrandosi su realtà dure tra cui: povertà, senzatetto e condizioni di lavoro.
Questo movimento è stato guidato da Gustave Courbet, le cui opere più importanti sono "The Stone Breakers" e "Entierro de Ornans". Sebbene la distorsione, non il realismo, sarebbe diventata la tendenza dominante nella pittura modernista, l'arte realista ha continuato a prosperare fino ad oggi. Gran parte di quest'arte è, come il movimento francese originale, socialmente consapevole.
La successiva fase importante della pittura modernista fu l'impressionismo, uno stile veloce e abbozzato che cattura l'impressione generale di una scena (in contrapposizione a dettagli precisi). In particolare, l'Impressionismo tenta di catturare gli effetti momentanei della luce, principalmente attraverso pennellate adiacenti di colori luminosi e contrastanti (che migliorano la brillantezza di entrambi i colori, producendo così un effetto luminoso).
Gli impressionisti sono stati il primo gruppo di artisti a dipingere principalmente sul posto, piuttosto che disegnare sul posto e dipingere in studio. Le radici dell'impressionismo risiedono nelle opere di Édouard Manet, che dipinse in uno stile abbastanza realistico. Tuttavia, Manet ha causato polemiche aderendo solo vagamente alla prospettiva, rendendo gli sfondi in modo schematico semplificato e appiattendo le superfici degli oggetti in aree di colore solido (piuttosto che modellare oggetti con ombreggiature uniformi).
Queste tendenze divennero chiaramente evidenti per la prima volta in Luncheon on the Grass, il dipinto più famoso di Manet. Diventano più pronunciati nelle sue opere successive, tra cui: "A Bar at the Folies-Bergére", spesso considerato il suo capolavoro. L'estensione dello stile di Manet portò all'impressionismo, poiché i dettagli nitidi e la modellazione realistica furono abbandonati a favore di pennellate rapide e schizzi di colore solido.
L'impressionista più importante fu Claude Monet, che lavorò principalmente su paesaggi e marine. I suoi primi lavori includono molti dipinti sul mare intorno alla sua città natale di Le Havre, tra cui "Impression, Sun Rising". Quando questo lavoro è stato criticato come una "mera impressione", il nome dello stile è stato assicurato.
A volte Monet tornava su un soggetto più volte, in momenti o stagioni diverse, per catturare una gamma completa di condizioni di illuminazione. Questo approccio culminò nella famosa serie delle ninfee, che presenta molti trattamenti dello stagno delle ninfee fuori dalla casa in cui Monet si ritirò.
L'impressionismo comprende molti dei nomi più riconosciuti nella pittura. Insieme a Monet, la pittura di paesaggio impressionista fu guidata da Sisley e Pissarro. I pittori di figure più importanti dello stile impressionista furono:
- Renoir
- Morisot
- Di gas.
Gli impressionisti, che offuscavano leggermente e semplificavano la realtà, furono seguiti da un gruppo di artisti che portarono la distorsione molto più lontano: i Post-Impressionisti, che scoprirono che erano possibili nuovi sorprendenti effetti emotivi se le forme ei colori della realtà fossero trasformati in modo più spettacolare.
Alcuni post-impressionisti hanno perseguito la distorsione geometrica (in cui il mondo è compresso in forme geometriche, creando un senso di rigidità e controllo), mentre altri hanno esplorato la distorsione fluida (in cui il mondo è distorto in modo fluido e organico). Entrambi i tipi di distorsione (soprattutto fluidi) spesso presentano colori drammaticamente irrealistici.
Il principale pioniere della distorsione geometrica è stato Paul Cézanne, che ha semplificato senza problemi le caratteristiche fisiche di una scena in forme geometriche. Ciò ha portato a paesaggi (il suo soggetto preferito) con un aspetto un po' rigido e a blocchi.
Il più importante pioniere della distorsione fluida fu Vincent van Gogh. (Altre figure importanti includono Gauguin, Munch e Toulouse-Lautrec.) Lo stile di Van Gogh è fluido e colorato, con un'enfasi particolare sul giallo. La notte stellata potrebbe essere la sua opera più famosa.
Mentre Georges Seurat ha sviluppato una forma molto particolare di postimpressionismo: il puntinismo, in cui le scene sono rese in molti punti di un unico colore. L'opera divisionista più famosa è "Sunday Afternoon" che riflette l'isola di La Grande Jatte.
scultura modernista
La scultura moderna è storicamente definita come scultura che inizia con il lavoro di Auguste Rodin e termina con l'avvento della pop art e del minimalismo negli anni '1960. La discussione di Alex Potts del 2001 sulla storiografia della scultura moderna è completa per una comprensione dei media, del periodo, e metodi utilizzati da artisti chiave.
Mentre è ormai considerato un cliché avviare il movimento modernista nella scultura con il lavoro di Rodin, nel suo lavoro si iniziano a vedere tendenze che diventeranno caratteristiche della scultura moderna, come un nuovo interesse per il frammento, in particolare il corpo.
Inoltre, un trattamento superficiale e un dettaglio espressivo della superficie, un'attenzione al movimento, una fusione simbolica dell'espressione interiore di una figura e della sua rappresentazione esteriore, o ciò che Constantin Brancusi chiamava "essenza". E una maggiore considerazione dell'astrazione, della frammentazione e della non rappresentazione negli oggetti scultorei, ovvero un allontanamento consapevole dal realismo e dall'idealismo accademico.
Gli scultori durante questo periodo hanno anche posto l'accento sul design, sulla forma e sul volume rispetto alla rappresentazione di un soggetto specifico. L'uso di materiali che non sono tradizionalmente utilizzati nei concetti scultorei finali è diventato più evidente, come l'uso di: abbigliamento, tessuti e altri media misti. Come si vede nella "Piccola ballerina di quattordici anni" realizzata da Edgar Degas tra gli anni 1878-1881, si trova attualmente alla National Gallery di Washington.
La fusione di elementi umani e meccanici si osserva durante il periodo dell'Età delle Macchine, come nelle opere di Umberto Boccioni e Jacques Lipschitz, oltre alla distorsione e fragilità che compaiono nelle opere del periodo tra le due guerre, come nelle opere di Medardo Rosso e Alberto Giacometti.
L'influenza dell'arte al di fuori della tradizione occidentale, cioè europea, divenne molto influente per gli scultori all'inizio del secolo e può essere vista nelle sculture di Paul Gauguin e Pablo Picasso. Artisti come Naum Gabo e Antoine Pevsner iniziarono a utilizzare materiali che non erano stati utilizzati per la scultura d'arte nell'immediato passato e materiali di nuova invenzione come la plastica.
I materiali che erano stati usati in passato sono diventati più importanti in epoca moderna, come: l'alluminio con Isamu Noguchi, l'elettricità per le luci nella scultura e per il movimento motorizzato di Camille Claudel, il ferro di Julio González, guidato da Aristide Maillol, l'acciaio e i metalli saldati di David Smith e Julio González, legno di Constantin Brancusi e oggetti trovati da Louise Nevelson.
Anche se ci sono esempi di sculture in movimento realizzate da scultori precedenti come: Antonio Canova e Lorenzo Bartolini. Che oggi considereremmo una scultura cinetica, sia la suggestione del movimento nella scultura che le vere sculture in movimento sono diventate più importanti durante la prima metà del XX secolo. Alexander Calder e László Moholy-Nagy implementarono un maggiore uso della tecnologia del movimento nelle loro opere nella seconda metà del secolo.
Anche la tensione e la reazione tra l'immagine positiva e lo spazio negativo che circonda un'opera d'arte ha giocato un ruolo significativo, e questo si può vedere soprattutto nei primi lavori e nei "disegni spaziali" di Giacometti, Picasso e David Smith, così come in scultura di Jean Arp, Henry Moore e Barbara Hepworth.
Gli artisti sopra citati, insieme a molti altri, tra cui: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens e Aristide Maillol, hanno fatto una rottura significativa con la scultura del recente passato, liberando dalla loro dipendenza dall'anatomia e dalla loro servitù all'architettura, e hanno portato il mezzo più lontano di qualsiasi generazione dai tempi degli scultori del primo Rinascimento.
Architettura moderna
L'architettura moderna è nata dal rifiuto dei revival, del classicismo, dell'eclettismo e di tutti gli adattamenti degli stili precedenti ai tipi di costruzione della società industrializzata alla fine del XIX e XX secolo. Inoltre, è nato dai tentativi di creare forme e stili architettonici che potessero utilizzare e riflettere le nuove tecnologie costruttive disponibili di ferro e acciaio strutturale, cemento armato e vetro.
Fino alla diffusione del postmodernismo, la struttura moderna comportava anche il rifiuto dell'ornamento applicato e della decorazione caratteristica degli edifici occidentali premoderni. La spinta dell'architettura moderna è stata una rigorosa concentrazione su edifici la cui disposizione ritmica di persone e forme stabilisce uno schema geometrico di luce e colore.
Questo sviluppo era strettamente legato ai nuovi tipi di costruzione richiesti da una società industrializzata, come gli edifici per uffici che ospitano la gestione aziendale o la gestione del governo. Una delle tendenze e dei movimenti più importanti dell'architettura modernista sono:
- La scuola di Chicago
- funzionalismo
- art Deco
- art nouveau
- De Stijl, il Bauhaus
- Lo stile internazionale
- Il nuovo brutalismo
- Postmodernismo
artisti moderni
La storia dell'arte moderna è la storia dei più grandi artisti e delle loro conquiste. Gli artisti moderni si sono sforzati di esprimere le loro opinioni sul mondo che li circonda usando mezzi visivi. Mentre alcuni hanno collegato il loro lavoro a movimenti o idee precedenti, l'obiettivo generale di ogni artista nell'età moderna era quello di far avanzare la propria pratica a una posizione di pura originalità.
Alcuni artisti si affermarono come pensatori indipendenti, avventurandosi al di là di quelle che all'epoca costituivano forme accettabili di "alta arte", sostenute dalle tradizionali accademie statali e dai mecenati dell'alta borghesia delle arti visive. Questi innovatori hanno descritto un argomento che molti consideravano osceno, controverso o addirittura addirittura brutto.
Il primo artista moderno a rimanere sostanzialmente solo in questo senso fu Gustave Courbet, che a metà del XIX secolo cercò di sviluppare il proprio stile distintivo. Ciò è stato in gran parte ottenuto dal suo dipinto del 1849-1850, Burial at Ornans, che ha scioccato il mondo dell'arte francese ritraendo il funerale di un uomo comune di un villaggio di contadini.
L'Accademia era irritata dalla rappresentazione di lavoratori agricoli sporchi attorno a una tomba aperta, poiché solo i miti classici o le scene storiche erano il soggetto appropriato per un dipinto così grande. Courbet fu inizialmente ostracizzato per il suo lavoro, ma alla fine si dimostrò molto influente per le generazioni successive di artisti moderni. Questo modello generale di rifiuto e successiva influenza è stato ripetuto da centinaia di artisti nell'era moderna.
Di seguito è riportato un elenco di alcuni degli artisti più importanti della forma modernista di espressione artistica:
- E
- Hippolyte blancard
- Paul Cézanne
- Salvador Dalí
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Vincent van Gogh
- Ettore Guimard
- Wassily Kandinsky
- Raoul Francois Larche
- Jacques-Henri Lartigue
- Fernand Léger
- Henri Matisse
- Joan Miró
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- franz klein
- Paul Klee
- František Kupka
- Paul strand
- Charles Sheler
- Enrico di Tolosa
- Lautrec
- Edouard Vuillard
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