Un'opera d'arte considerata dall'umanità universale, è una delle più grandi opere del suo creatore francese, Delacroix. Rappresenta gli ideali ribelli e rinnovatori del popolo durante la Rivoluzione di luglio attraverso gli occhi e le pennellate di un grande artista. Scopri tutto su Libertà che guida le persone!
La libertà guida il popolo
Libertà che guida il popolo, è il titolo di un dipinto a olio del 1830 di Eugène Delacroix, che con la sua opera artistica rese omaggio ai protagonisti della Rivoluzione di luglio a Parigi, evento di grande importanza storica, che causò la rimozione del re Borbone Carlo X e l'ascesa al trono di un altro monarca.
L'eroica scena della ribellione è stata inizialmente accolta con recensioni contrastanti, ma alla fine è diventata uno dei dipinti più popolari di Delacroix, un emblema della Rivoluzione di luglio e giustificata rivolta alla ricerca di libertà e una migliore qualità della vita. .
La storia che circonda l'opera: La rivoluzione del 1830
Delacroix iniziò a dipingere La libertà che guida il popolo dopo aver assistito alla violenta escalation delle proteste in città, ribellandosi a una serie di ordinanze restrittive che l'allora monarca Carlo X emise il 26 luglio 1830.
Per tre giorni, poi conosciuti come les Trois Glorieuses tra il 27 e il 29 luglio, cittadini della classe media e operaia hanno barricato le strade di Parigi e hanno affrontato l'esercito reale, per i loro diritti. Incapace di contenere la diffusa insurrezione, il re Carlo X abdicò presto e Luigi Filippo (Luigi Filippo), il cosiddetto re cittadino, salì al trono e creò una monarchia costituzionale.
Alcuni storici indicano che Delacroix dipendesse dalle commissioni reali, cioè dai contributi di Carlos X, che gli impedirono di partecipare direttamente alla ribellione. Delacroix fu ammirato da Carlo X, che acquistò il massacro di Chios e la morte di Carlo il Temerario. Tra gli amici dell'artista c'erano la duchessa di Berry e la famiglia Orléans, gente di classe agiata.
Gli piaceva attirare l'attenzione nei circoli del potere e lasciare il segno nell'opinione pubblica, ma a quel tempo era considerato il leader del movimento romantico ed era appassionato di libertà.
Non ha potuto fare a meno di commuoversi quando ha visto gli insorti alzare la bandiera nazionale francese, conosciuta come il Tricolore, a Notre Dame, un punto di riferimento durante la ribellione. La sua emozione durante i Tre Gloriosi Giorni fu sincera, catturandola magistralmente per la gloria e l'immortalità dei nobili, belli, coraggiosi e grandi cittadini del suo paese.
Delacroix completò Liberty Leading the People in Ninety Days ed è stato esposto insieme ad altre opere ispirate alla rivoluzione al Salon del 1831, una mostra d'arte francese che si tiene ogni anno al Louvre.
In quell'occasione, l'opera di Delacroix si è distinto tra le altre, perché il suo stile caratteristico che unisce realismo e idealismo a un modo espressivo di dipingere, rappresentava la scena in modo molto moderno, contrastando immediatamente con i concorrenti. A quel tempo, critici e spettatori erano divisi nelle loro opinioni sul fatto che Liberty Leading the People fosse un dipinto con un'aria eroica o piuttosto spiacevole.
Ho intrapreso un soggetto moderno, una barricata, e anche se non ho combattuto per il mio paese, almeno avrò dipinto per esso. Ha ristabilito il mio spirito. (Eugene Delacroix, in una lettera del 28 ottobre al fratello).
Dopo la sua creazione
Dopo l'ascesa al trono di Luigi Filippo, l'opera fu nascosta alla vista del pubblico durante il suo regno ed entrò nel Museo del Lussemburgo solo nel 1863 e al Louvre nel 1874.
Liberty Leading the People è stato acquistato dal governo e brevemente esposto al Museo del Lussemburgo a Parigi, allora un luogo che esponeva opere di artisti ancora in vita, tuttavia, l'opera non ha preso piede tra gli spettatori e ha perso rapidamente popolarità. del nuovo governo, che lo ha ritirato.
Il dipinto trascorse gli anni successivi in deposito e fu poi restituito all'artista prima di essere reclamato dal direttore dei musei nazionali ed essere nuovamente esposto al Lussemburgo. Nel 1874, Liberty Leading the People fu finalmente trasferita al Louvre, dove divenne una delle opere più popolari di Delacroix.
Oggi, Libertà che guida il popolo è considerata un'opera universale, emblema dell'ardore romantico e dell'entusiasmo rivoluzionario, erede della pittura storica del 2008° secolo e precursore del Guernica di Picasso nel XNUMX° secolo. Lo abbiamo potuto apprezzare ai nostri giorni, ispirando le copertine di numerose riviste e nell'album del XNUMX della rock band britannica Coldplay, intitolato Viva La Vida.
Vandalismo al Louvre-Lens
Mentre era in prestito al Louvre-Lens, un'estensione del Louvre nel nord della Francia, nel 2013 il dipinto è stato vandalizzato.
Secondo quanto riferito, una donna ha usato un pennarello per scrivere AE911, un codice associato a una teoria del complotto sull'11 settembre.
Le iniziali erano visibili vicino al fondo della tela, che fu poi completamente restaurata dai restauratori.
Descrizione del lavoro
Nel dipinto a olio di 2.6 × 3.25 metri, puoi vedere una figura femminile che ha rivelato parte del suo busto senza vestiti e che era il centro del dipinto, seguita da una moltitudine di rivoluzionari che hanno lasciato vedere la loro decisione. Questa donna è la personificazione della libertà, simbolo classico usato frequentemente nell'arte.
I suoi vestiti di colore giallastro si arrotolano intorno al suo corpo, appena allacciato con una corda rossa, la sua forma ricorda gli abiti delle sculture greche, eroici e maestosi. Il confronto più accurato è con la Vittoria Alata di Samotracia (Níke tes Samothrákes), un pezzo di origine sconosciuta che si stima sia stato creato nel 190 a.C.
Inoltre indossa un berretto frigio rossastro, una specie di cappuccio o berretto di forma conica che ricorda una calza, usato dalla classe operaia e molto in voga durante la Rivoluzione francese tra il 1787 e il 1799. Era un emblema di libertà, che ha origine in Asia Minore e nell'Europa orientale, molto prima della Rivoluzione francese.
La sua modernità è esaltata dal Tricolore che si issa sopra la testa e dal moschetto a baionetta che tiene nell'altra mano. Tuttavia, alcuni critici hanno ritenuto che la sua pelle sudicia e i presunti peli delle ascelle fossero troppo umani per un ideale personificato.
I combattenti sono anche figure realistiche idealizzate, che rappresentano i diversi tipi di persone che hanno partecipato alla rivoluzione. Ad esempio, sulla sinistra si vede un borghese vestito con il solito cilindro, cravatta e cappotto nero, armato di fucile da caccia.
Un po' più indietro un artigiano o operaio con camicia da lavoro, grembiule e pantaloni da marinaio, ha in mano una sciabola.
Una figura più giovane sulla destra, che indossa un berretto da studente di velluto nero in stile bonapartista dell'epoca, brandisce una pistola in ciascuna mano, con dietro un distaccamento di granatieri in cappotti grigi e uniformi da campo.
Libertad supera una barricata di ciottoli e figure umane cadute, mentre un combattente dal viso stanco la guarda speranzoso.
Un uomo in una camicia da notte bianca lacera, nudo dalla vita in giù, giace nell'angolo in basso a sinistra, dando l'impressione di essere stato picchiato e lasciato lì, è un riferimento mitico, derivato da un classico modello di nudo noto come Ettore, personificazione del Eroe omerico.
Un membro dell'esercito reale, riconoscibile dal suo abbigliamento, giace nell'altro angolo. a destra della scena. Indossa un'uniforme da campo contemporanea, un cappotto grigio-blu con decorazioni rosse sul colletto, leggings bianchi, scarpe basse e uno shako. Entrambe le figure sdraiate a terra occupano il primo piano alla base della struttura piramidale.
Sebbene lo sfondo destro del dipinto presenti sullo sfondo un paesaggio urbano, appare vuoto e distante rispetto alla battaglia che ha allestito sul lato sinistro della scena. Le torri di Notre Dame rappresentano la libertà e il romanticismo, ambientando l'azione a Parigi.
L'ubicazione della Senna è imprecisa e le case fanno parte degli elementi immaginari aggiunti dal pittore. Il bagliore del tramonto misto a fumo avvolge i personaggi, dando luce a tutte le immagini barocche, brillando nel giusto modo attorno alla figura femminile e al tricolore.
Sullo sfondo, la cattedrale di Notre Dame si erge attraverso uno spiazzo di fumo, dove la torre sud quasi oscura la sua compagna e sul tetto appare un tricolore appena percettibile. La cattedrale è l'unica vera struttura che Delacroix ha incluso in un insieme di corpi umani, eppure ha attenuato il caos della scena utilizzando una composizione piramidale e colori sobri e tenui.
I colori sono stati usati abilmente, blu, bianco e rosso sono contrapposti nei toni del grigio, ad esempio la maglia del cadavere a sinistra, la casacca del corpo a destra e ovviamente la bandiera. La pittura storica e politica di Delacroix, un misto di realtà e finzione, realtà e allegoria, testimonia l'agonia dell'Antico Regime.
Quest'opera realistica e innovativa è considerata il simbolo della Libertà e della rivoluzione pittorica, che inizialmente ebbe detrattori, abituati a rappresentazioni più classiche della realtà.
Eugène Delacroix, l'autore dell'opera
Ferdinand-Eugène-Victor Delacroix, conosciuto nel mondo dell'arte semplicemente come Eugène Delacroix, è nato il 26 aprile 1798 a Charenton-Saint-Maurice, in Francia.
Era considerato il più grande pittore romantico francese, il cui uso del colore influenzò lo sviluppo della pittura impressionista e post-impressionista. La sua ispirazione proveniva principalmente da eventi storici o contemporanei o dalla letteratura, tuttavia, le visite a luoghi esotici come il Marocco gli hanno permesso di ampliare i suoi temi e motivi ispiratori.
Infanzia e giovinezza
Delacroix era il quarto figlio di Victoire Oeben, discendente della famiglia Oeben-Riesener, che aveva creato mobili per il re e la corte di Francia nel XVII e XVIII secolo, e di Charles Delacroix, un funzionario del governo che era ambasciatore nei Paesi Bassi .nel 1798 e che morì nel 1805 come Prefetto di Bordeaux.
Tuttavia, alcune storie suggeriscono che il suo vero padre sarebbe lo statista Charles-Maurice de Talleyrand-Périgord, forse perché hanno una certa somiglianza fisica o perché il pittore godeva di un costante e importante mecenatismo da parte del governo francese, nonostante la spiccata indole anticonformista della sua opera art.
Qualunque sia la verità sui suoi genitori, l'infanzia di Delacroix è stata tranquilla e avrebbe sempre nutrito grande affetto e ammirazione per suo padre, Charles Delacroix. Fino all'età di diciassette anni proseguì gli studi classici, sviluppando anche un appassionato gusto per la musica e il teatro, cosa comune all'interno della sua illustre e artistica famiglia.
Nel 1815 divenne allievo di un famoso pittore accademico, il barone Pierre-Narcisse Guérin. Incontrò anche il pittore storico Antoine-Jean Gros e in gioventù visitò il salone del pittore e realista barone François Gérard. Intorno al 1822 ricevette l'appoggio di Adolphe Thiers, lo statista e storico, che, come ministro dell'Interno negli anni '1830 dell'Ottocento, incaricò Delacroix della decorazione architettonica.
Delacroix è stato influenzato dal romanticismo del pittore Théodore Géricault e di amici come il pittore inglese Richard Parkes Bonington, il compositore e pianista polacco Frédéric Chopin e lo scrittore francese George Sand. Tuttavia, non fece parte delle diverse battaglie intraprese dal movimento romantico, guidato tra gli altri da Víctor Hugo e Héctor Berlioz.
Età matura
Il pittore fece il suo esordio al Salon di Parigi del 1822, dove espose il suo primo capolavoro, il noto Barque di Dante, opera che cambiò la pittura romantica francese dell'Ottocento e il suo sviluppo.
Dante's Boat è un olio su tela, realizzato nel 1822 ed è ispirato alla Divina Commedia di Dante. La sua sensazione tragica e la potente modellazione delle figure ricordano Michelangelo e il suo ricco colore mostra la marcata influenza di Peter Paul Rubens.
Importante anche tra i contemporanei di Delacroix fu l'artista Théodore Géricault, uno dei pionieri del Romanticismo e il migliore amico del giovane pittore fino alla sua morte improvvisa nel 1824. I soggetti scelti successivamente da Delacroix dimostrarono la sua affinità con Lord Byron e altri poeti romantici dell'epoca e per il opere di Dante, William Shakespeare e la storia medievale.
Nel 1824, tuttavia, espose un soggetto completamente nuovo Il massacro di Chios, una grande tela raffigurante il drammatico massacro contemporaneo dei greci da parte dei turchi nell'isola di Chios. Dimostrò ancora una volta il suo talento in quest'opera, evidente nell'unità che raggiunse nell'espressione dell'orgoglioso superbo de' conquistatori, nell'orrore e nella disperazione de' Greci innocenti, e nello splendore di un vasto cielo.
Delacroix si era già interessato della tecnica delicata dei suoi amici pittori inglesi Richard Parkes Bonington e dei fratelli Fielding, per non parlare della tecnica usata nei paesaggi di John Constable, che furono esposti a Parigi nel 1824, che secondo alcuni storici e critici ha ispirato in certo modo la tela della Strage di Chios, con i suoi toni luminosi.
Il pittore completò la sua formazione tecnica e culturale a Londra, città dove viaggiò nel 1825. Lì mantenne i contatti con JMW Turner, Constable e Sir Thomas Lawrence, permettendogli di acquisire una grande libertà e flessibilità nella sua tecnica, qualcosa che aveva a lungo cercato e ammirato di altri grandi artisti.
Tra il 1827 e il 1832, Eugène Delacroix produsse diversi capolavori in rapida successione, forse il principale tra questi La morte di Sardanapalus nel 1827, un tema alquanto incoerente in cui i diversi elementi di donne, schiavi, animali, gioielli e tessuti pregiati si combinano in un unico sensuale e scena violenta. Tra i suoi migliori dipinti possiamo citare:
- L'esecuzione del doge Marino Faliero (1826–27)
- La battaglia di Poitiers (1830)
- La battaglia di Nancy (1831)
- Battaglia di Giaour e Pasha (1827)
Come il suo amico Géricault, Delacroix in seguito esplorò la litografia, una tecnica di nuova invenzione, producendo una serie di 17 litografie intorno al 1827, illustrando un'edizione francese del Faust di Johann Wolfgang von Goethe.
Fu intorno al 1830 che questo eccezionale artista dipinse La Libertà che guida il popolo, per commemorare la Rivoluzione di luglio che riuscì a portare Luigi Filippo il Re Cittadino al trono di Francia. Questa grande opera combina la finzione con il realismo, in modo splendido e riuscito, tanto da essere considerato il più popolare di tutti i dipinti di Delacroix.
La forma e la tecnica relativamente contenute di questo dipinto, rispetto alle produzioni precedenti, riflette anche un cambiamento nello stile di Delacroix, diventando un po' più sereno, ma conservando gli elementi di animazione e grandezza. Da gennaio a luglio 1832 Delacroix visitò l'Algeria, la Spagna e il Marocco con il conte di Mornay, scelto come rappresentante diplomatico del re Luigi Filippo presso il sultano.
Questo viaggio in Marocco si è rivelato un'avventura rivelatrice per l'artista, che ha trovato nella città, nella sua gente e nel modo di vivere, la nobiltà e la bellezza omeriche che non ha mai osservato nello stesso neoclassicismo accademico francese. Le vedute di paesaggi lussureggianti, natura esotica, la bellezza dei cavalli, delle persone e dei loro costumi fluidi e curiosi, sarebbero d'ora in poi l'ispirazione della sua memoria visiva.
Delacroix fece numerosi schizzi e appunti durante questo viaggio e li usò con grande effetto al suo ritorno a Parigi. Si può affermare che dopo la sua visita in Marocco, la sua gestione del disegno e della pittura è stata molto più libera e l'uso del colore ancora più sontuoso.
Si possono vedere i primi frutti dell'influenza marocchina nella sua arte Donne di Algeri nel loro appartamento realizzato nel 1834. Opera in cui sono esposte tre donne arabe sontuosamente vestite e il loro ambiente, realizzato in una squisita armonia di colori caldi.
Troviamo anche altre opere che mostrano l'influenza delle sue esperienze in Nord Africa, tra cui Fanatics in Tangeri del 1838 e Jewish Wedding in Morocco del 1839. L'artista continuò a dipingere soggetti con una forte influenza araba quasi fino alla fine della sua vita.
Nell'ultima parte della sua carriera, Delacroix ricevette una serie di importanti commissioni che consistevano principalmente nella decorazione degli edifici governativi. Il primo durò tra il 1833 e il 1836 e consisteva nel dipingere un gruppo di murales per il Salon du Roi nel Palazzo Borbonico. Successivamente ha ricevuto una serie di altre commissioni, tra cui:
- Il soffitto della Biblioteca di Palazzo Borbonico tra il 1838 e il 1847.
- La Biblioteca del Palazzo del Lussemburgo tra il 1840 e il 1847.
- Il soffitto della Galerie d'Apollon del Louvre nel 1850.
- La Sala della Pace nell'Hotel de Ville, 1849-1853.
- La Cappella dei Santi Angeli nella Chiesa di Saint-Sulpice, 1849-1861.
I suoi murales rappresentano l'ultimo grande sforzo di questo tipo, nella tradizione dei pittori di soffitti barocchi. Durante questo periodo Delacroix dipinse anche diverse tele sulla scala più ampia della sua carriera, in particolare due per il museo di storia di Versailles: La battaglia di Taillebourg (1837) e L'ingresso dei crociati a Costantinopoli (1840). Tra i suoi dipinti successivi ci sono alcuni su temi arabi, religiosi, classici e varie scene di animali selvatici e cacce, ad esempio La caccia al leone del 1861.
Inoltre, ha realizzato numerosi autoritratti notevoli nel corso della sua lunga carriera e occasionalmente ha prodotto ritratti di amici come Chopin e Sand, entrambi prodotti intorno al 1838.
Delacroix morì il 13 agosto 1863 a Parigi. L'artista ha lasciato in vendita più di seimila disegni, acquerelli e stampe. I suoi diari sono tra i quaderni d'artista più ammirati, completi e famosi dai tempi di Leonardo da Vinci.
Hubert Wellington pubblicò un'edizione inglese di questi diari con materiale selezionato nel 1951, nota come The Journal of Eugène Delacroix. Delacroix è stato descritto come il pioniere di tecniche audaci e innovative, che hanno contribuito in modo significativo allo sviluppo dell'Impressionismo e dei successivi movimenti modernisti.
Il modo disinvolto di esprimere energia e movimento nelle sue opere, il suo fascino per la violenza, la distruzione e gli aspetti più tragici della vita, nonché aspetti come la sensualità, la virtù e il colore, fanno di lui uno dei più affascinanti e complessi dell'Ottocento.
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