A művész elméje elképzelhetetlen dolgokat képes alkotni, ezt a világ számos irányzata és stílusa bizonyítja, de sokak számára talán egyik sem. expresszionizmus. Merüljön el ebben a lenyűgöző művészeti stílusban, amely a tizenkilencedik század végén született.
Mi az expresszionizmus?
Az expresszionizmus egy olyan művészi stílus, amely nem az objektív valóságot, hanem a szubjektív valóságot kívánja megjeleníteni. A cél az, hogy tükrözze azokat az érzelmeket és válaszokat, amelyeket a tárgyak és események keltenek az emberben. Ezt a szubjektív valóságot a művésznek sikerül megragadnia torzítással, túlzásokkal, primitivizmussal, fantáziával, valamint a formai elemek élénk, megrázó, erőszakos vagy dinamikus alkalmazásával.
Az expresszionizmus egy nagyon személyes és intenzív művészeti forma, ahol az alkotó intim érzéseit, gondolatait igyekszik közölni produkcióiban, eltávolodva a hagyományos valóságábrázolástól. Erre az áramlatra jellemző a festészetre gyakorolt döntő befolyása, amelyben a nézőre gyakorolt maximális hatás elérésére tett kísérletek feláldozzák vagy eltorzítják az ábrázolás pontosságát, általában az erős kontúrok és a markáns színek javára, bár nem minden esetben ez a szabály. .
A kompozíciók általában egyszerűek és közvetlenek, ahol gyakori a sűrű pasztaszerű festék használata, laza ecsetvonásokkal, amelyeket nagyon szabadon alkalmaznak, és alkalmanként szimbolikázik, az üzenet a legfontosabb.
Az expresszionizmus az egyik fő művészeti áramlat, amely a XNUMX. század vége és a XNUMX. század eleje között alakult ki, erősen szubjektív, személyes és spontán önkifejezési tulajdonságokkal, amelyek a modern művészek és művészeti irányzatok széles körére jellemzőek.
Ez legalább az európai középkor óta állandó irányzatnak tekinthető a germán és északi művészetben, különösen a társadalmi változások vagy spirituális válság idején, mivel ebben az értelemben ellentétes a racionalista és klasszicista irányzat, amelyet Olaszországban és máshol is nagyra értékeltek. este Franciaországból
A XNUMX. század elején ez a művészeti irányzat végigsöpört Európán, amelyet a polgári kultúrával szembeni ellenállás és a friss, fiatal kreativitás buzgó keresése táplált. Az expresszionista művészek és az expresszionista művészet az ént, a pszichét, a testet, a szexualitást, a természetet és a szellemet hangsúlyozzák.
Az expresszionizmus, mint a korabeli irányzattól eltérő stílus vagy irányzat német, osztrák, francia és orosz művészek sorozatára fókuszál, akik az első világháború előtti években váltak népszerűvé, és az is maradtak a két háború közötti időszak nagy részében. .
Franciaországban a holland Van Gogh szokatlan, zaklatott és színes pszichéjébe mélyedt és felfedte, másrészt Németországban az orosz Wassily Kandinsky a művészet spiritualitását kutatta a modern világban tapasztalható elidegenedés ellenszereként. Ausztria, Egon Schiele és Oskar Kokoschka a társadalom erkölcsi képmutatása ellen küzdött azáltal, hogy olyan témákkal foglalkozott, mint a szexualitás, a halál és az erőszak.
Edvard Munch végül Norvégiában és Európa-szerte éreztette hatását környezetének, önmagának és pszichéjének vad és intenzív kifejezéseivel. Ezek a művészek együtt nagyon nyers, igaz és időtálló kérdéseket, témákat és küzdelmeket oldottak meg, amelyek a felszín alatt kavarogtak, és még ma is ismerősek számunkra.
Talán ez volt az oka annak, hogy az expresszionizmus a művészetben sokféle köntösben folytatódott még ezek után a művészek és az adott korszak után is, így kijelenthetjük, hogy az expresszionizmus ma is él.
kezdet
A XNUMX. század elején Nyugat-Európában a társadalom gyors ütemben fejlődött, az intenzív iparosodás szinte viharként uralta a kontinenst, a gyártás és a kommunikáció világában az innovációk gyakran rossz közérzetet keltettek a világban. nyilvános.
A technológia szédítő fejlődése és a nagyvárosok urbanizációja az elszigeteltség és a természettől való elszakadás érzését hozta magával. Érthető, hogy ezek az érzelmek és aggodalmak elkezdtek felszínre törni, vagy inkább elvérezni az akkori művészeten keresztül. A két művészcsoport, akik létrehozták a mai expresszionizmust: Die Brucke y Der blaue reiter, mindkettő Németországban alakult ki a XNUMX. század elején.
Négy drezdai építészhallgató közös művészeti csoportot hozott létre A híd (A híd). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff és Ernst Ludwig Kirchner próbált lenni a híd a művészet jövőjébe, intenzív érzelmi reakciókat váltva ki természetellenes formák, színek és kompozíciók segítségével, mindezt a modern világ ihlette.
Művei erősen hasonlítottak a francia fauvizmus mozgalomhoz, amelynek élén Henri Matisse, különösen élénk színek és atipikus formák használatakor, többféle érzelem közvetítésének szándékával. A híd fiatalos és újító szembeállításnak és válasznak szánták a művészet évszázados realizmusára. 1906-ban fametszetben adták ki kiáltványukat, amely a következőket fejezte ki:
„A folyamatos fejlődésbe, az alkotók és értékelők új generációjába vetett hittel minden fiatalt összehozunk. A jövőt hordozó fiatalokként pedig a mozgás- és életszabadságot kívánjuk megszerezni magunknak a régi és jól bevált hatalmakkal szemben. Aki közvetlenül és hitelesen kifejezi azt, ami az alkotásra készteti, az egyikünk.” Kirchner (1906)
Ezzel a cselekvésre való felhívással a fiatal nyugat-európai művészek azt a kihívást jelentő feladatot kapták, hogy építsenek egy új művészeti irányzatot: az expresszionizmust.
A mozgásművészek A híd elsősorban az őket körülvevő új modernitás, iparosodás és urbanizmus hatalmas káoszának ábrázolására koncentráltak. Városi tájakat festettek eltúlzott, szaggatott csúcsokkal, élénk színekkel.
A korlátok túllépése után, sokkal inkább, mint a fauves, A híd az underground német éjszakai klubkultúrát, az alsóbb osztályú dekadenciát és minden érzelmet és kényelmetlenséget beépítette előadásaiba, anélkül, hogy elhanyagolta volna saját személyes elképzelését és jelentését.
Ez az informális szövetség fellázadt az akadémiai impresszionizmus felületes naturalizmusa ellen. Újra be akarták önteni a német művészetet olyan szellemi lendülettel, amelyről úgy érezték, hogy hiányzik, és ezt elemi, rendkívül személyes és spontán kifejezésmóddal igyekeztek elérni. A Die Brücke eredeti tagjaihoz hamarosan csatlakoztak a németek Emil Nolde, Max Pechstein és Otto Müller. Az expresszionistákra az 1890-es évektől hatással voltak elődeik.
Érdekelték még az afrikai fafaragások, valamint olyan észak-európai középkori és reneszánsz művészek munkái, mint Albrecht Dürer, Matthias Grünewald és Albrecht Altdorfer. A fametszetek vastag, szaggatott vonalaikkal és durva hangkontrasztjaival a német expresszionisták kedvenc médiumai voltak.
A Die Brücke művészeinek munkái Európa más részein is ösztönözték az expresszionizmust. Az osztrák Oskar Kokoschka és Egon Schiele átvették elkínzott ecsetvonásait és szögletes vonalait, a franciaországi Georges Rouault és Chaim Soutine pedig olyan festészeti stílusokat dolgozott ki, amelyekre az intenzív érzelmi kifejezés és a figuratív téma erőszakos torzítása jellemző.
Max Beckmann festő, Käthe Kollwitz grafikus, valamint Ernst Barlach és Wilhelm Lehmbruck szobrászok is erős expresszionista hatásokkal dolgoztak. Sok művük frusztrációt, szorongást, undort, elégedetlenséget, erőszakot, és általában egyfajta frenetikus érzést fejez ki, válaszul a csúfságra, az éles banalitásra, valamint a lehetőségekre és ellentmondásokra, amelyeket a modern életben megpillantottak.
A második csoport, az úgynevezett Der blaue reiter (The Blue Rider), 1911-ben Münchenben alakult. A Wassily Kandinsky festményéről elnevezett kollektíva Kandinsky, Alexej von Jawlensky és Marianne von Werefkin orosz emigránsokból, valamint Franz Marc, August Macke és Gabriele Munter német művészekből állt.
Kandinszkij festményét azért választották a csoport névadójának, mert egy lóháton ábrázolt alakot ábrázol a valóságból egy spirituális és érzelmi szférába, és a művészek Der blaue reiter inkább a lelki oldal ábrázolása ragadtatta meg őket, mint a fizikai.
Bár stílusai változatosak voltak, amint azt produkciói is mutatják, a primitivizmus és az érzelmi tájkép iránti érdeklődés uralta műveit. Nagyon eltérő írta Die Brucke, A Kék Lovas nagy erő volt az absztrakt expresszionizmus fejlődésében.
Az expresszionizmus és az absztrakt művészet elutasítja a realizmust, mindenkor érzelmeket próbál közvetíteni, azonban az expresszionizmus megtartja a forma- és szimbolizmusérzéket, míg az absztrakt művészet elhagyja a felismerhető képeket.
Der blaue reiter ezeket a gondolatokat egyesítette, létrehozva az expresszionizmus egy teljesen új ágát, amely máig nagy hatást gyakorol a modern művészetre. Amikor kitört az első világháború, A híd y Der blaue reiter feloszlottak, de örökségük tovább él, miközben az expresszionizmus egyre népszerűbb, és a XNUMX. században is gyakorolják.
A német expresszionista iskola gyökerei Vincent van Gogh, Edvard Munch és James Ensor munkáiban keresendők, akik az 1885-1900 közötti időszakban egy nagyon személyes festészeti stílust alakítottak ki.
Ezek a művészek a színek és vonalak kifejező lehetőségeit használták fel, drámai és érzelmi töltetű témákat tártak fel azzal a szándékkal, hogy a félelem, a horror és a groteszk tulajdonságait közvetítsék, vagy egyszerűen csak a természetet észbontó intenzitással ünnepeljék. Sok sémával szakítottak, nem a szó szoros értelmében a természetet képviselték, hogy szubjektívebb nézőpontokat vagy mentális állapotokat fejezzenek ki.
A német expresszionisták hamarosan kifejlesztettek egy stílust, amely durvaságáról, merészségéről és vizuális intenzitásáról híres. Szaggatott és torz vonalakat, gyors és durva ecsetkezelést használtak, nem is beszélve a megrázó színekről, amelyek segítettek a városi utcaképek és más kortárs témák ábrázolásában mozgalmas, zsúfolt kompozíciókban, amelyek instabilitásukról és érzelmileg feltöltött atmoszférájukról ismertek.
A Der Blaue Reiter néven ismert csoportba tartozó művészeket néha expresszionistának tekintik, bár művészetük általában lírai és elvont, kevésbé nyíltan érzelmes, harmonikusabb, és jobban foglalkoztatja a formai és képi problémákat, mint a Die Brücke művészeké.
Az expresszionizmus Németországban is domináns stílus volt az első világháborút közvetlenül követő években, ahol megfelelt a cinizmus, az elidegenedés és a kiábrándultság háború utáni légkörének. A mozgalom néhány későbbi gyakorlója, például George Grosz és Otto Dix az expresszionizmus és a realizmus élesebb, társadalomkritikusabb keverékét fejlesztette ki, amely Neue Sachlichkeit (Új tárgyilagosság) néven ismert.
Században
Amint az olyan címkékből látható, mint az absztrakt expresszionizmus és a neo-expresszionizmus, az expresszionizmus spontán, ösztönös és erősen érzelmi tulajdonságait a XNUMX. század különböző művészeti irányzatai is megosztották.
Az expresszionizmust inkább nemzetközi irányzatnak tekintik, semmint koherens művészeti mozgalomnak, amely különösen nagy hatást gyakorolt a XNUMX. század elején. Több területet fed le: művészet, irodalom, zene, színház és építészet.
Az expresszionista művészek inkább az érzelmi élményt igyekeztek kifejezni, mint a fizikai valóságot. Híres expresszionista festmények A sikoly Írta: Edvard Munch, A Kék Lovas Wassily Kandinsky és Felemelt bal lábbal ülő nő írta: Egon Schiele.
A mozgás hanyatlása
Az expresszionizmus hanyatlását felgyorsította egy jobb világ utáni vágyának homályos volta, a rendkívül költői nyelvhasználat, és általában az előadásmód intenzíven személyes és megközelíthetetlen volta. Számos expresszionista művész vesztette életét az első világháború során vagy annak következtében trauma és betegség miatt. Ilyen volt az 1916-ban elhunyt Franz Marc és az 1918-as influenzajárvány idején elhunyt Egon Schiele is, sokan mások életüket vesztették, miután összeomlottak a háborús traumák alatt.
A németországi stabilitás 1924 utáni részleges helyreállítása és a nyíltan politikai stílusok erősödése a szocreál hatására felgyorsította a mozgalom hanyatlását az 1920-as évek végén.
Az expresszionizmus végleg elhalt a nácik felemelkedésével, akik 1933-ban hatalomra kerültek, és szinte minden expresszionista munkáját degeneráltnak és vulgárisnak minősítették. Üldöztetésük és zaklatásuk intenzív és túlzott volt, és megtiltotta ezeknek a képviselőknek a kiállítást, publikálást és még munkát is, akiknek többsége drasztikusabb intézkedésként száműzetésbe vonult az Egyesült Államokba és más országokba.
Ezzel véget ért a német expresszionizmus korszaka, amely a náci diktatúrával kihalt, és számtalan korabeli művész megjelöléséért volt felelős, köztük Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent. Van Gogh és Paul Gauguin degenerált művészként eltávolítják expresszionista alkotásaikat a múzeumokból, és visszaélésszerűen elkobozzák azokat.
Az expresszionizmus azonban továbbra is inspirálta és tovább élt a későbbi művészekben és művészeti mozgalmakban. Az absztrakt expresszionizmus például az 1940-es és 1950-es években a háború utáni Amerikában jelentős avantgárd mozgalomként fejlődött ki. Ezek a művészek kerülték a figurációt, és ehelyett a színeket, a gesztusos ecsetkezelést és a spontaneitást vizsgálták művészetében.
Később, az XNUMX-es évek vége és az XNUMX-as évek eleje felé a neo-expresszionizmus kezdett kialakulni a korabeli konceptuális és minimalista művészet elleni reakcióként.
A neo-expresszionisták nagymértékben támaszkodtak az őket megelőző német expresszionizmus képviselőire, és gyakran durván adták le a témákat kifejező ecsetkezeléssel és intenzív színekkel. A mozgalom legikonikusabb művészei közé tartozik Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl és David Salle.
A világon
Az expresszionizmus egy összetett és kiterjedt fogalom, amely különböző időkben mást jelentett. Amikor azonban expresszionista művészetről beszélünk, sokan figyelmüket a franciaországi impresszionizmusra válaszul kibontakozó művészeti irányzatra, vagy a huszadik század elején Németországban és Ausztriában megvilágosodó mozgalomra irányítják. A kifejezés annyira rugalmas, hogy Vincent van Goghtól Egon Schiele-ig és Wassily Kandinskyig olyan művészek számára alkalmas, akik minden országban sajátos módon állítanak ki.
francia expresszionizmus
Franciaországban az expresszionizmushoz gyakran kötődő fő művészek Vincent van Gogh, Paul Gauguin és Henri Matisse voltak. Bár Van Gogh és Gauguin az expresszionizmus fő korszaka (1905-1920) előtti években tevékenykedett, minden bizonnyal expresszionista művésznek tekinthetők, akik nem egyszerűen úgy festették le a körülöttük lévő világot, ahogyan az látszott, hanem mélyen. szubjektív emberi tapasztalat.
Matisse, Van Gogh és Gauguin kifejező színeket és ecsetkezelési stílusokat használt az érzelmek és élmények ábrázolására, eltávolodva alanyaik valósághű ábrázolásától, és arra összpontosítva, hogyan éreznek és érzékelnek.
német expresszionizmus
Németországban az expresszionizmust különösen a fent említett Brücke és Der Blaue Reiter csoportokhoz kötik. A német expresszionista mozgalmat a miszticizmus, a középkor, a primitív kor és Friedrich Nietzsche filozófiája ihlette, akinek eszméi akkoriban rendkívül népszerűek és befolyásosak voltak.
A Der Brücke 1905-ben Drezdában alakult, a németországi burzsoá társadalmi renddel szembehelyezkedő expresszionista művészek bohém kollektívájaként. A négy alapító tag Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel és Karl Schmidt-Rottluff volt, egyikük sem kapott formális művészeti oktatást.
A Der Brücke nevet választották, hogy leírják azt a vágyukat, hogy hidat építsenek múlt és jelen között. A nevet Friedrich Nietzsche Így beszélt Zarathustra című részlete ihlette. A művészek az intenzívebb színhasználat, a közvetlen és leegyszerűsített formaszemlélet, valamint a szabad szexualitás feltárásával próbáltak menekülni a fojtogató modern középosztályi élet elől.
A Der Blaue Reiter-t 1911-ben alapította Wassily Kandinsky és Franz Marc, és szembesülve a világ modernizációja miatt tapasztalt növekvő elidegenedéssel, a művészet spirituális értékének követésével igyekeztek túllépni a hétköznapokon.
Emellett célja volt a határok áttörése, a gyermekművészet, a népművészet és a néprajz keveredése. A Der Blaue Reiter név összefügg Kandinszkij müncheni korszakából a Lovas lovas visszatérő témájával, valamint Kandinszkij és Marc kék szín iránti szeretetével, amely számukra spirituális tulajdonságokkal bírt. A Der Blaue Reiter fő művészei Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin és Macke.
osztrák expresszionizmus
Egon Schiele és Oskar Kokoschka az osztrák expresszionizmus két vezéralakja, és különösen nagy hatással volt rájuk elődjük, Gustav Klimt, aki szintén részt vett pályafutásuk beindításában, és az általa létrehozott kiállítások a kortárs osztrák művészet legjavát mutatják be.
Mindkét expresszionista művész az ellentmondásos Bécs városában élt a tizenkilencedik század végén és a huszadik század elején, ahol az erkölcsi elnyomás és a szexuális képmutatás fontos szerepet játszott az expresszionizmus kialakulásában.
Schiele és Kokoschka kerülte a hazugságnak és erkölcsi képmutatásnak tartott dolgokat, és olyan témákat ábrázoltak, mint a halál, az erőszak, a vágyakozás és a szex. Kokoschka portréiról és alanyai belső természetének felfedésének képességéről vált ismertté, Schiele pedig a szexualitás éles, szinte brutálisan őszinte ábrázolásáról, amelyeket tartózkodónak és kétségbeesettnek tartottak.
norvég expresszionizmus
A kor másik jelentős művésze, aki nagy hatást gyakorolt a német és osztrák expresszionista szcénára, a norvég Edvard Munch volt, akit Bécsben az 1909-es Secession és Kunstschau kiállításokról ismertek.
Őt tartották országa legmagasabb képviselőjének ebben a mozgalomban és kulcsfontosságú előfutárának. A szimbolikához szorosan kapcsolódó Munch a leghíresebb a Sikolyról, ez a festmény, amely egy hídon álló alakot ábrázol, aki mögött a nap lenyugszik, és úgy tűnik, hogy vérfagyasztó, kétségbeesett sikolyt hallat, demonstrálva a művész nyugtalan szellemét.
Ikonikus expresszionista műalkotások
Más művészeti irányzatokhoz hasonlóan az expresszionizmusnak is megvannak a maga fontos alakjai, amelyek a maguk idejében előtte és utána is voltak, egyedi és halhatatlan művészi mintákat hozva létre, például az alábbiakban bemutatottakat:
A sikoly, Edvard Munch (1893)
Ezt a Sikoly (Skrik) néven ismert festménysorozatot egy pillanatnyi élmény ihlette, amelyet alkotója, E. Munch Franciaországban járt, és amelyek közül a leghíresebb jelenleg a Norvég Nemzeti Galériában található, és 1893-ban készült el. A saját szavaival élve:
Két barátommal sétáltam az úton. A nap kezdett lenyugodni. Egy csipetnyi melankóliát éreztem. Hirtelen vérvörös lett az égbolt. Megálltam, hullafáradtan támaszkodtam a korlátra, és néztem a lángoló felhőket, amelyek vérként és kardként lógtak a kék-fekete fjord és a város fölött.
A barátaim tovább sétáltak. Ott álltam, remegtem a félelemtől. És éreztem, hogy egy erős és végtelen sikoly hatolt át a természetbe. Expresszionizmus, Ashley Bassie, 69. o
A figura félelmet, kétségbeesést közvetít, sikolya teljesen körülveszi, és átjárja mind a környezetet, mind a megfigyelők fejét. Az expresszionista stílusban készült festmény olaj, tempera és pasztell színekkel, kartonra festve, 91 x 74 centiméteres méretben.
Wassily Kandinsky Der Blaue Reiter (1903)
A Der Blaue Reiter vagy a kék lovas Kandinszkij egyik első expresszionista alkotása, amelyet a szín és a fény hihetetlen kezeléséért csodálnak, hídnak tartják a posztimpresszionizmus és az expresszionizmus között. Egy kékbe öltözött lovast mutat be, aki a mezőkön vágtat. Ennek a műnek a nevét használták az 1911-ben szerzője és Franz Marc által alapított expresszionista művészcsoport neveként is.
A Kék Lovas Kandinszkij talán legfontosabb művészi kiállítása a XNUMX. század elején, még azelőtt, hogy teljesen kifejlesztette volna absztrakt stílusát. A festmény egy kékbe öltözött lovast ábrázol, aki zöldesbarnán halad át.
A festmény absztrakciója szándékos, és sok művészetelméleti szakembert arra késztet, hogy újraalkossák személyes ábrázolásaikat a festményen, ahol néhányan még gyermeket is láttak a kék lovas karjában. A festő gyakran és sikeresen használta későbbi munkáiban, amely pályafutása előrehaladtával egyre absztraktabbá vált, lehetővé téve a nézők számára, hogy belefoglalják magukat a műalkotásba.
Franz Marc: Kék lovak (1911)
Franz Marc a Der Blaue Reiter egyik alapító tagja volt, egy olyan művész, aki sokak számára érzelmi és pszichológiai jelentést adott a munkái során használt színeknek, így nagyszerű színű és gazdag alkotásokat hozott létre.
A kéket nagyon gyakran használta, főleg a férfiasság és a spiritualitás ábrázolására, az állatok és azok belső világa is lenyűgözte, mélyen érzelmesen bántak egymással.
Ülő nő felemelt lábakkal (1917), Egon Schiele
Egon Schiele 1917-ben festette feleségét, Edith Harms-t, amint a földön ülve, arcát a bal térdén támasztja. Tűzvörös haja markáns kontrasztban van az ing zöld színével, merész és szuggesztív portrénak tekinthető, nagyon jól meghatározott és merész erotikus árnyalatokkal. Az akvarell szerzőjét az jellemezte, hogy munkáinak egyik fő témája az erotika volt.
az expresszionizmus úttörői
Bár a terület sok ismerője azt állítja, hogy az expresszionizmust sehol sem sikerült jobban megvalósítani, mint Németországban, az I. világháborút megelőző évtizedben sok művész alkotott egy sor felejthetetlen képet és úttörő szerepet játszott az expresszionizmusban, amelyre a mai napig emlékeztek:
Van Gogh (1853-90)
Ez a kiváló festő az expresszionizmust testesíti meg, sokféle önéletrajzi munkával, amelyek kompozíción, színeken és minden egyes ecsetvonáson keresztül elmondják a nézőnek elképzeléseit, érzéseit és mindenekelőtt lelki egyensúlyát. Festményei készítése közbeni érzéseit tükrözték, és azóta is kevés olyan művész van, aki önkifejezésében azonos vagy közelítene intenzitásához, eredetiségéhez.
Nagyon vallásos családba született, édesapja protestáns lelkész volt, fiatal korától kezdve lelkes rajztehetséget mutatott, de csak jóval később, körülbelül 27 évesen űzte végre igazi hivatását. művész.
1878-ban kinyilvánította papi hivatását, elkezdett teológiát tanulni, de nem végzett túlzottan misztikus elhatározása miatt, hogy Krisztus nyomdokaiba lépjen. A lelkek megmentése és a szegények megsegítése iránti vágya késztette arra, hogy evangélistaként dolgozzon Belgium egyik legszegényebb bányászati területén, ahonnan 1880-ban kiutasították.
Ugyanakkor elhatározta, hogy festő lesz, ez a pálya bátyja, Theo erkölcsi és gazdasági támogatásával indult, akivel egész életében folyamatos levelezést folytatott. Fő ihletforrásai a Biblia és Émile Zola, Victor Hugo és Charles Dickens művei, valamint Honoré Daumier festményei és mindenekelőtt Jean-Francois Mijo realizmusa voltak. Munkás életét a Goupil Művészeti Galéria alkalmazottjaként kezdte.
Van Gogh fájdalmat és szomorúságot élt át, amelyet az a világ hozott, amelyet nagyon szeretett, de soha nem gondolta, hogy ugyanazt kapta. Erre az állandó érzésre reagálva a művészet segítségével megalkotta saját világát, ahol a szín és a mozgás nem hiányzik, ahol minden érzelmét leleplezi, a XNUMX. század egyik nagy expresszionista festője lett. Egyedülálló expresszionista festészeti stílusa az amszterdami Van Gogh Múzeumban és az otterlói Kroller-Muller Múzeumban tekinthető meg.
Paul Gauguin (1848-1903)
Ha Van Gogh eltorzította a formát és a színt, hogy kifejezze belső érzéseit, ez a francia művész elsősorban érzelmei kifejezésére támaszkodott a színekre. Szimbolikát is alkalmazott, de a festék színe volt az, ami igazán megkülönböztette. Az 1848-as forradalom idején Párizsban született, egy liberális újságíró fia volt, aki az 1851-es puccs után száműzetésbe menekült, és magával vitte családját.
Útközben azonban meghalt, Panamában, amikor a család a perui Lima felé tartott, ahol négy éven keresztül gondoskodnak magukról. Gauguin édesanyja Flora Tristán francia szocialista író és aktivista lánya volt, bár ősei perui nemesek voltak.
Fontos megjegyezni, hogy az ifjú Gauguint gyermekkorától kezdve családi körének fantáziadús és messianisztikus légköre jellemezte, és pályafutása során megmutatta, hogy Peru színei és képei erős hatást gyakorolnak. 7 évesen a család visszatért Franciaországba, és Orléansba költözött a nagyapjához. Fiatalkorában pilótatanoncként dolgozott a kereskedelmi haditengerészetnél, Dél-Amerika és Skandinávia között hajózott Párizsban, keresztapja biztatására Bertin tőzsdeügynöknél kezdett nagyon sikeres karriert.
Gauguint azonban gyerekkora óta érdekelte a művészet, és szabadidejében festeni kezdett. Keresztapja, Arosa valamiféle műgyűjtő volt, és példája, valamint Gauguin és az impresszionista Camille Pissarro barátsága arra ösztönözte ezt a rajongót, hogy látogassa meg a művészeti galériákat, és vásároljon feltörekvő művészek műveit, köztük számos impresszionista festményt.
Meglátogatta a ma már híres impresszionista kiállítást 1874-ben Párizsban, és annyira megihlette, hogy elhatározta, hogy főállású művész lesz, ezért amatőrként kezdett festeni és szobrászni. Bouillot-val dolgozott, és Bonvin és Lepine stílusában festett. 1876-ban egy festményt állított ki a Szalonban.
Különösen Pissarro hatott rá, aki segítette festői kezdeteit, és arra ösztönözte, hogy keresse a temperamentumának megfelelő stílust. Pissarro bemutatta Cézanne-nak, és annyira megragadta a stílusa, hogy Cézanne félni kezdett attól, hogy ellopja az ötleteit.
A három férfi egy ideig együtt dolgozott Pontoise-ban, de művészete előrehaladtával Gauguin úgy döntött, hogy saját műtermébe költözik, és részt vett az 1881-es és 1882-es impresszionista kiállításokon. Sikereik és egy pénzügyi válság miatt pályafutása felhagyott. 1883-ban, hogy teljes mértékben a festészetre összpontosítsanak.
1885-ben a bretagne-i Pont-Avenbe költözött, ahol új stílust kovácsolt, mivel elégedetlen volt az impresszionizmus korlátaival, és inkább a belső állapot kifejezésére törekedett, mint a felszínes megjelenésre.
Ez az új stílus inkább az emlékezetből és a belső képekből, mint a természetből való munkavégzést követelte meg, szakítva az impresszionista elmélettel. Ez lett Gauguin legnagyobb innovációja és hozzájárulása a képzőművészeti festészethez: élénk színpalettát használt az érzelmek kifejezésére, nem pedig a természetes tónus tükrözésére. Pont-Aven-i tartózkodása során az expresszionizmus mellett a szintetizmus és a kloisonnizmus fejlődésére is hatással volt.
Edward Munch (1863-1944)
Az expresszionizmus másik nagy úttörője a temperamentumos és neurotikus norvég festő és nyomdász volt, aki annak ellenére, hogy korai életében nagy érzelmi sebeket szenvedett, sikeresen megélte a 80-as éveit. Legjobb képeinek szinte mindegyike 1908-as idegösszeomlása előtt készült.
A norvégiai Lotenben született, orvos fiaként, élete tele volt nehéz pillanatokkal. Amikor a művész ötéves volt, édesanyja tuberkulózisban halt meg, mely betegségben néhány évvel később nővére is belehalt.
Ezek a korai tragikus események a halált később művészetének szerves részévé tették. A haldokló test emléke a párnán, az ágy mellett a félhomály és az élettelen pohár víz és egy tekintélyelvű apa, aki vég nélkül azt ismételgette gyermekeinek, hogy ha vétkeznek, irgalom nélkül a pokolra ítélik őket. sok év..
Ezzel a forgatókönyvvel és a várakozásoknak megfelelően a család sokat szenvedett. Az egyik fiatalabb nővérnél fiatalon diagnosztizáltak mentális betegséget, és Munch maga is gyakran érezte magát rosszul. Öt testvére közül csak egy házasodott meg, de ő néhány hónappal az esküvő után meghalt.
1881-ben Munch csatlakozott a Kristianind-i Királyi Művészeti és Formatervezői Iskolához, ahol modell- és rajzleckéket vett. Tanárai és korai befolyása Julius Middelthun norvég szobrász és Christian Krohg naturalista festő, író és újságíró voltak.
Bár Munch diákéletében hagyományos tárgyakat festett, gyorsan felfedezte saját egyedi stílusát. 1882-ben saját műtermét bérelte ki néhány másik művésszel, és bár ebből az időszakból nem sok alkotása maradt meg, a közismerteket nagyra értékelik, például a Reggel (1884) című művét.
Ez a művész minden munkáját Oslo városára hagyta, a több mint ezer festményből, tizenötezer metszetből és négyezer rajzból és akvarellből álló gyűjteményt. 1963-ban megnyílt Oslóban a Munch-Museet, egy múzeum, amely minden munkájának otthont ad, és az első nyugati művész lett, aki kiállította festményeit a pekingi Nemzeti Galériában.
2004-ben Munch leghíresebb festményeit, a Sikolyt és A Szűzet fegyveres rablók lopták el a Múzeumból, de néhány évvel később a rendőrség megtalálta őket. A Munch-Múzeum és az oslói Nemzeti Művészeti Galéria mellett számos festménye és grafikája látható Európa legjobb művészeti múzeumaiban.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
Az expresszionista művészet nagyszerű képviselője, a svájci szimbolista festő, Ferdinand Hodler Bernben született 1853-ban, egy szegénységtől súlyosan sújtott családban. Apja bútorasztalos volt, és amikor édesanyja elhunyt, újra feleségül vett egy festőt és mázolót, aki tanítványává tette, majd Thunba küldték, hogy egy helyi művészhez dolgozzon. Első specialitása a hagyományos tájfestészet, a gyönyörű alpesi kilátások voltak, amelyeket turistáknak adott el.
18 évesen úgy döntött, hogy lakóhelyet változtat, és elsétált Genfbe, abba a városba, ahol felnőtt élete nagy részét tölti majd, és ahol elkezdett egy lassú művészi karriert kialakítani. Végül Ferdinand Hodler szülei és testvérei olyan betegségek következtében haltak meg, amelyek jelentős hatással voltak a művész életére és pályájára, tükrözve munkáin a halállal való szoros kapcsolatát.
James Ensor (1860-1949)
A belgiumi Ostendben született festő, kiskereskedők fia, akik már kiskoruk óta hajlamosak voltak a művészetekre. A szüleinek volt egy boltja a piacon, ahol ajándéktárgyakat kínáltak a turistáknak, például farsangi maszkokat és maszkokat, legyezőket, kerámiákat, játékokat és érdekes tárgyakat. Az Ensor által később előadásain használt extravagáns karneváli maszkok és antiarcok a helyi társulatok és felvonulások közös jellemzői voltak húshagyókedden.
Mindössze tizenöt évesen művészeti tanulmányait néhány helyi képviselővel kezdte, emellett a brüsszeli Királyi Képzőművészeti Akadémián tanult, ahol 1877 körül ismerkedett meg Fernand Khnopffal. 1881-ben állított ki először egy művet, majd visszatért otthonába, ahol 1917-ig élt, apai házba. Korai művei egészen klasszikus és kissé sötét stílust mutatnak, amint az a Russian Musicban, az Evezősben és a Drunkardsban is látható.
1887-ben érezhetően kivilágosodott a palettája, ami egybeesett alkoholista apja halálával, témái kissé szürreálisakká váltak, karneválokat, maszkokat, csontvázakat és bábokat választottak, általában élénk és kifejező színű jelmezbe öltözve.
James Ensor munkái hatással voltak a dadaista mozgalomra és a szürrealizmusra, különösen Jean Dubuffet munkásságára. 2009-ben a MoMA néven ismert New York-i Modern Művészetek Múzeuma jelentős retrospektívet szervezett munkáira. Ma festményei a világ legjobb művészeti múzeumaiban láthatók, különösen az antwerpeni Szépművészeti Múzeumban.
Expresszionizmus más művészetekben
Az expresszionizmus egy kulturális mozgalom, amely a XNUMX. század végén indult ki Németországból, és a XNUMX. században érte el csúcspontját. Bár az expresszionizmust a festészetben sokkal jobban értékelték, más tudományágakban is megnyilvánult, mint például az irodalom, a mozi, a zene, a szobrászat, a fényképezés, az építészet stb.
expresszionizmus a zenében
Míg egyesek Arnold Schoenberg zeneszerzőt az expresszionistának minősítik a Blaue Reiter almanachhoz való hozzájárulása miatt, úgy tűnik, hogy a zenei expresszionizmus az operában találta meg a legtermészetesebb kiutat. Az ilyen expresszionista alkotások legkorábbi példái közé tartoznak Paul Hindemith nagyszerű operai bemutatói Kokoschka drámájáról, a Mörderről, a Hoffnung der Frauenről (Gyilkos, a nők reménye) (1919) és August Stramm Sancta Susannájáról (1922), amelyek a szexualitás kérdésével foglalkoztak.
A legfigyelemreméltóbb expresszionista operák azonban Alban Berg két operája: az 1925-ben bemutatott Wozzeck és a Lulu, amelyet teljes egészében csak 1979-ben mutattak be, mindkettő mély és jellegzetes drámai hajlammal.
expresszionizmus a filmben
Az expresszionista színpadi művészet által erősen befolyásolt művészek célja a filmben, dekoráción keresztül közvetíteni a főszereplő szubjektív lelkiállapotát. A filmek közül a leghíresebb Robert Wiene filmje, Dr. Caligari kabinetje (1920), amelyben egy őrült elmondja ötletét és nézőpontját arról, hogyan került a menedékházba. A forgatáson látható eltorzult utcák és épületek saját univerzumukat vetítik, a többi szereplőt pedig sminken és ruházaton keresztül vizuális szimbólumokká absztrahálták.
Ez egy olyan film, ahol a horror, a fenyegetettség, a szorongás és a dráma megidézése, az árnyékok megvilágítása és a furcsa díszletek stílusmodelljévé vált az expresszionista filmekhez több jelentős német rendező számára.
Paul Wegener változata a Golem (1920), F. W. Murnau és Nosferatu: A horror szimfóniája (1922) és Fritz Lang a Metropolis (1927) című némaprodukcióval többek között a társadalmi összeomlás pesszimista vízióit mutatják be, vagy az emberi természet baljós kettősségét és szörnyű személyes rosszra való képességét tárják fel.
expresszionizmus a szobrászatban
A szobrászatban ez elsősorban a hagyományos szobrászat módjának drasztikus megváltoztatásából állt, nem pedig egy sajátos és egységes stílusban. Az expresszionizmus a szobrászatban is népszerű volt, figyelemre méltó képviselői Ernst Barlach és Wilhelm Lehmbruck fafaragó. 1920 körül ez mindennél jobban származott az absztrakcionizmusból, azon formák felszabadítását keresve, amelyek teljességet biztosítanak a művészi kifejezésnek.
Ami az absztrakt expresszionizmus szobrászatát illeti, számos szobrász is szerves része volt a mozgalomnak, köztük David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois és Louise Nevelson, akit szintén a mozgalom fontos tagjának tartottak.
Az absztrakt expresszionista festészethez hasonlóan a mozgalom szobrászati munkásságát is nagymértékben befolyásolta a szürrealizmus és a spontán vagy tudatalatti alkotásra helyezett hangsúly. Az absztrakt expresszionista szobrászatot inkább a folyamat érdekelte, mint a termék, ami megnehezítheti a pusztán esztétikus alkotások vizuális megkülönböztetését, ezért fontos figyelembe venni, hogy a művész mit mond a folyamatról.
Példa erre David Smith szobrai, akik olyan kétdimenziós témákat igyekeztek kifejezni, amelyeket eddig három dimenzióban nem dolgoztak ki. Munkáiról elmondható, hogy elmossák a határokat a szobrászat és a festészet között, gyakran inkább a szép és aprólékos átfestést alkalmazzák, mint a tömör formákat, olyan kétdimenziós megjelenéssel, amely szakít a körben a hagyományos szobrászat gondolatával.
expresszionizmus az irodalomban
Az expresszionizmus az irodalomban innovatív reakcióként jelent meg a materializmus, az önelégült polgári jólét, az első világháború előtti európai társadalomban a családok uralma, valamint a gyors gépesítés és urbanizáció ellen.
Ez volt a domináns irodalmi mozgalom Németországban az első világháború alatt és közvetlenül azt követően. Az expresszionista írók új stílusban próbálták közvetíteni elképzeléseiket és társadalmi tiltakozásukat.
Aggodalmukat az általános igazságok, nem pedig a konkrét helyzetek foglalkoztatták, műveikben inkább a reprezentatív szimbolikus típusok nehézségeit tárták fel, semmint a teljesen kidolgozott, individualizált karaktereket.
Nem a pusztán körvonalazódó, helyen vagy időben alig meghatározott külvilágon volt a hangsúly, hanem a belsőn, az egyén lelkiállapotán, ezért az expresszionista drámában az érdeklődés felidézése. hangulatok.
Az expresszionista alkotások főszereplője gyakran hosszú monológokban fejezi ki gondjait koncentrált, elliptikus és tömör nyelvezetben, amely feltárja a fiatalok lelki rosszullétét, az idősebb generáció elleni lázadásukat és a különféle politikai vagy forradalmi megoldásokat. keresték.mutatják. A főszereplő belső fejlődését egy sor, egymáshoz lazán kapcsolódó tablón keresztül tárják fel, amelyek során fellázad a hagyományos értékek ellen, és egy magasabb spirituális életlátásra törekszik.
August Strindberg és Frank Wedekind az expresszionista dráma jelentős előfutárai voltak, de az első elismert expresszionista alkotás Reinhard Johannes Sorge munkája volt. der Bettler (A koldus), 1912-ben íródott, és először 1917-ben állították színpadra. A tétel további vezető drámaírói Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever és Reinhard Goering voltak, akik mindannyian németek voltak.
Az expresszionista stílus a költészetben drámai megfelelőjével párhuzamosan jelent meg, ugyanabban a nem-referenciális stílusban, és egy emelkedett és csodálatos lírát kutat, hasonlóan egy himnuszhoz. Ez az egyszerűsített költészet nagyszámú főnévvel, néhány melléknévvel és infinitív igével megváltoztatta a narratívát és az érzés lényegére igyekvő leírást.
A legbefolyásosabb expresszionista költők közé tartozik a német Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl és Else Lasker-Schüler, valamint Franz Werfel cseh költő. Az expresszionista versekben leginkább a városi élet borzalma és a civilizáció összeomlásának apokaliptikus víziói voltak a téma.
Egyes költők erősen pesszimisták és megelégedtek a lámpalázas polgári értékekkel, míg mások inkább a politikai és társadalmi reformokkal foglalkoztak, nyíltan kifejezve a közelgő forradalom reményét. Németországon kívül az expresszionista drámai technikákat alkalmazó drámaírók között volt Eugene O'Neill és Elmer Rice amerikai szerző is.
expresszionizmus az építészetben
Az expresszionista építészetet extrém érzések és érzelmek kiváltására tervezték és tervezték. Az ebben a stílusban kialakított épületek akkoriban megszólaltak, és kitűntek a környező építmények közül.
Az építészek gyakran használtak szokatlan, torz formákat, és teljesen eredeti építési technikákat alkalmaztak olyan anyagok felhasználásával, mint a tégla, acél és üveg. Néhányan nagy sikereket értek el és a maguk idejében kiemelkedtek, köztük Walter Gropiust és Bruno Tautot, akik lenyűgöző expresszionista épületeket terveztek.
Sajnos sok építmény soha nem épült meg, és csak papíron létezik. Azok közül, amelyek meg tudtak valósulni, néhány átmeneti volt, mások nem maradtak fenn a mai napig, azonban az expresszionista építészet számos markáns példája látható ma is, különösen Németországban.
Expresszionizmus ihlette stílusok
Az expresszionizmus nem volt éppen egységes irányzat vagy mozgalom, mivel sokféle stílust csoportosított, és sok más, szintén nagyon fontos művészeti és kulturális mozgalmat hozott létre vagy befolyásolt.
Absztrakt expresszionizmus
Ahogy New York felváltotta Párizst a modern művészet innovációjának epicentrumaként, az expresszionista stílus absztrakt expresszionizmusként újjászületett az XNUMX-es évek elején.
Az Egyesült Államokban a Jackson Pollock és Willem De Kooning vezette úgynevezett akciófestőkkel, valamint a színes mezőfestőkkel, mint Mark Rothko, Barnett Newman és Clyfford Still erősödött meg. Ez az új iskola sokkal elvontabb, mint expresszionista, és nem volt kézzelfogható kapcsolata a XNUMX. század elejének expresszionista stílusával.
figuratív expresszionizmus
Bár a háború utáni amerikai és európai művészetet az absztrakció uralta, a reprezentációs expresszionizmus még mindig népszerű volt Ausztráliában az 1940-es és 1950-es években, amint azt Russell Drysdale és Sidney Nolan művészek alkotásai példázzák.
Szoros rokonságban áll az északi és germán világgal, gyökerei a német nemzet ókori világában és a XIX. századi romantikus mozgalomban gyökereznek. Próbáld meg más és személyes perspektívával ábrázolni a valóságot
neo-expresszionizmus
Az expresszionista mozgalom utolsó újjáéledése az 1970-as években következett be az Egyesült Államokban, Nagy-Britanniában, Németországban, Olaszországban és Franciaországban, neo-expresszionizmus néven. Elsősorban az XNUMX-es évek minimalizmusára és konceptuális művészetére adott reakcióként tekintenek, főbb képviselői a következők:
- Philip Guston és Julian Schnabel (USA)
- Paula Rego és Christopher Le Brun (Nagy-Britannia)
- A Neue Wilden (Új fauves) neo-expresszionista iskola, amelybe Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler és mások tartoztak. (Németország)
- Transavanguardia (Túl az avantgárdon) és olyan művészek szerepeltek, mint Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria és Mimmo Paladino. (Olaszország)
- A Figuration Libre-t 1981-ben alapította Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas és Herve de Rosa. (Franciaország)
Ha tetszett ez a cikk, kérjük, olvassa el további nagyon érdekes cikkeket a blogunkon: