Merkmale japanischer Kunst, Evolution, Typen und mehr

Als tausendjährige Kultur hat Japan all die Jahre seine Kunst gezeigt, erfahren Sie mit uns durch diesen interessanten Artikel alles über das Jahrtausend Arte Japanisch, im Laufe der Zeit in verschiedenen Epochen und Stilen entwickelt. Nicht verpassen!

JAPANISCHE KUNST

Japanische Kunst

Wenn wir über japanische Kunst sprechen, sprechen wir über das, was diese Zivilisation im Laufe der Zeit in verschiedenen Phasen und Stilen mitteilte, die vorübergehend mit der sozialen und kulturellen Entwicklung des japanischen Volkes entrollt wurden.

Die Variationen, denen die Kunst in Japan unterliegt, sind Folgen ihrer technologischen Entwicklung, in der wir die Verwendung des Rohstoffs des Landes in seinen künstlerischen Ausdrucksformen erkennen können. Neben der sogenannten westlichen Kunst wurden ihre emblematischsten Ausdrucksformen von Religion und politischer Macht beeinflusst.

Eines der Hauptmerkmale der japanischen Kunst ist ihr Eklektizismus, der von den verschiedenen Völkern und Kulturen herrührt, die im Laufe der Zeit an ihre Küsten kamen: Die ersten Siedler, die sich in Japan niederließen – bekannt als Ainu – gehörten wahrscheinlich einem nordkaukasischen Zweig und Ostasien an angekommen, als Japan noch mit dem Festland verbunden war.

Der Ursprung dieser Siedler ist ungewiss, und Historiker erwägen verschiedene Hypothesen, von einer Ural-Altaic-Rasse bis zu einem möglichen indonesischen oder mongolischen Ursprung. Jedenfalls schien ihre Kultur dem Jungpaläolithikum oder Mesolithikum zu entsprechen.

Anschließend kamen verschiedene Gruppen der malaiischen Rasse aus Südostasien oder den pazifischen Inseln an die japanische Küste sowie nach Korea und in verschiedene Teile Chinas, wurden nach und nach aus dem Süden eingeführt und verdrängten die Ainu. nördlich von Japan, während in einer späteren Welle verschiedene gleichethnische Gruppen aus China und Korea nach Japan kamen.

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Zu dieser Rassenmischung muss der Einfluss anderer Kulturen hinzugefügt werden: Aufgrund seiner Insellage war Japan während eines Großteils seiner Geschichte isoliert, wurde jedoch von Zeit zu Zeit von Zivilisationen des Festlandes beeinflusst, insbesondere von China und Korea, insbesondere seit dem XNUMX. Jahrhundert.

So fügte die japanische Ahnenkultur, die aus aufeinanderfolgenden Außenposten der Einwanderung hervorging, einen ausländischen Einfluss hinzu und schmiedete eine vielseitige Kunst, die offen für Innovation und stilistischen Fortschritt war.

Es ist auch interessant festzustellen, dass ein Großteil der in Japan produzierten Kunst religiös basiert: Zu der typischen Shinto-Religion der Region, die um das XNUMX. Jahrhundert entstand, wurde der Buddhismus um das XNUMX. Jahrhundert hinzugefügt, wodurch eine religiöse Verschmelzung geschmiedet wurde, die bis heute andauert hat sich auch in der Kunst widergespiegelt.

Die japanische Kunst ist die Konsequenz dieser unterschiedlichen Kulturen und Traditionen, indem sie die aus anderen Ländern importierten Kunstformen auf ihre Weise interpretiert, die sie gemäß ihrer Lebens- und Kunstauffassung erreicht, Veränderungen durchführt und ihre Besonderheiten vereinfacht.

Wie die aufwändigen chinesischen buddhistischen Tempel, die in Japan eine Metamorphose durchlaufen haben, indem sie bestimmte Elemente ihrer Kunst aufgeben und mit anderen verbinden mussten, drückt dies den Einheitscharakter dieser Kunst aus, so dass sie immer natürlich etwas von einer anderen Kultur übernommen hat anderer Länder.

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Japanische Kunst hat in der japanischen Kultur einen großen Sinn für Meditation und die Wechselbeziehung zwischen Mensch und Natur, die sich auch in den Objekten widerspiegelt, die sie umgeben, von den kunstvollsten und nachdrücklichsten bis zu den einfachsten und alltäglichsten.

Dies zeigt sich in der Wertschätzung von Unvollkommenheiten, der Vergänglichkeit der Dinge und dem humanitären Sinn, den die Japaner ihrer Umwelt entgegenbringen. Genau wie bei der Teezeremonie schätzen sie die Ruhe und Gelassenheit dieses Zustands der Kontemplation, den sie mit einem einfachen Ritual erreichen, das auf einfachen Komponenten und einer Harmonie eines asymmetrischen und unfertigen Raums basiert.

Ruhe und Ausgeglichenheit sind für sie mit Wärme und Geborgenheit verbunden, Qualitäten, die wiederum ihren Schönheitsbegriff widerspiegeln. Auch beim Essen kommt es nicht auf die Menge oder die Präsentation der Speisen an, sondern auf die sinnliche Wahrnehmung von Speisen und die ästhetische Bedeutung, die sie jeder Handlung verleiht.

Ebenso haben die Künstler und Kunsthandwerker dieses Landes ein hohes Maß an Verbundenheit mit ihrer Arbeit, empfinden die Materialien als wesentlichen Teil ihres Lebens und ihrer Kommunikation mit der sie umgebenden Umwelt.

Grundlagen der japanischen Kunst

Die japanische Kunst, wie der Rest ihrer Philosophie – oder einfach ihre Art, das Leben zu sehen – unterliegt der Intuition, dem Mangel an Rationalität, dem emotionalen Ausdruck und der Einfachheit der Handlungen und Gedanken. oft symbolisch ausgedrückt.

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Zwei der charakteristischen Merkmale japanischer Kunst sind Einfachheit und Natürlichkeit: Künstlerische Ausdrucksformen spiegeln die Natur wider, erfordern also keine aufwändige Produktion, all dies führt dazu, dass die Künstler wollen, dass das, was skizziert, vorgeschlagen, später entziffert wird vom Betrachter.

Diese Schlichtheit hat in der Malerei eine Tendenz zur linearen Zeichnung hervorgerufen, ohne Perspektive, mit einer Fülle von Leerstellen, die sich dennoch harmonisch in das Ganze einfügen. In der Architektur materialisiert es sich in linearen Designs, mit asymmetrischen Flächen, in einer Kombination aus dynamischen und statischen Elementen.

Diese Schlichtheit der japanischen Kunst wiederum ist verbunden mit einer angeborenen Schlichtheit in der Beziehung zwischen Kunst und Natur, die Teil ihrer Eigenart ist, die sich in ihrem Leben widerspiegelt und von ihnen mit einem zarten Gefühl von Melancholie, fast Traurigkeit erlebt wird.

Wie das Vergehen der Jahreszeiten ihnen ein Gefühl der Flüchtigkeit gibt, wo Sie die Evolution sehen können, die in der Natur aufgrund der Vergänglichkeit des Lebens existiert. Diese Schlichtheit spiegelt sich vor allem in der Architektur wider, die sich harmonisch in ihre Umgebung einfügt, was durch die Verwendung natürlicher Materialien angedeutet wird, ohne zu arbeiten und ihr raues, unfertiges Erscheinungsbild zu zeigen. In Japan sind Natur, Leben und Kunst untrennbar miteinander verbunden, und künstlerische Leistung ist ein Symbol für das gesamte Universum.

Die japanische Kunst strebt nach universeller Harmonie und geht über die Materie hinaus, um das erzeugende Prinzip des Lebens zu finden. Die japanische Ornamentik sucht den Sinn des Lebens durch die Kunst zu finden: Die Schönheit der japanischen Kunst ist gleichbedeutend mit Harmonie, Kreativität; es ist ein poetischer Impuls, ein sinnlicher Weg, der zur Verwirklichung des Werks führt, das keinen Selbstzweck hat, sondern darüber hinausgeht.

Was wir Schönheit nennen, ist eine philosophische Kategorie, die uns auf die Existenz verweist: Sie besteht darin, mit dem Ganzen einen Sinn zu erreichen. Wie Suzuki Daisetsu ausdrückt: "Schönheit liegt nicht in der äußeren Form, sondern in dem Sinn, in dem sie ausgedrückt wird."

Kunst beginnt nicht mit ihrem sinnlichen Charakter, sondern mit ihren suggestiven Attributen; Es muss nicht exakt sein, sondern eine Gabe zeigen, die zur Ganzheit führt. Es zielt darauf ab, das Wesentliche durch diesen Teil einzufangen, der das Ganze suggeriert: Die Leere ist eine Ergänzung zum bestehenden Japanisch.

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Im östlichen Denken gibt es eine Einheit zwischen Materie und Geist, die in der Kontemplation und Verbindung mit der Natur durch inneres Festhalten an der Intuition herrscht. Japanische Kunst (gei) hat eine transzendentere Bedeutung, immateriellere als das Konzept der angewandten Kunst im Westen: Es ist jede Manifestation des Geistes, verstanden als Lebensenergie, als die Essenz, die unserem Körper Leben gibt, der sich tatsächlich entwickelt und entwickelt entwickelt sich und verwirklicht eine Einheit zwischen Körper, Geist und Seele.

Der Sinn für japanische Kunst hat sich im Laufe der Zeit entwickelt: Von ihren Anfängen, wo die ersten Spuren von Kunst und Schönheit existierten, reichen sie bis in die Antike zurück, als die kreativen Prinzipien der japanischen Kultur geschmiedet wurden und diejenigen, die in den wichtigsten Werken der Literatur zum Ausdruck kamen des Landes:

Kojiki, Nihonshoki und Man 'yōshū, die oben genannten sind Veröffentlichungen, die ersten beiden handeln von den ersten Werken der Geschichte Japans und die letzte von Gedichten, die während des ersten Jahrtausends geschrieben wurden, denn damals herrschte der Sayashi-Gedanke vor ("reine , natürlich frisch") und spielt auf eine Schönheit an, die durch Einfachheit, Frische, eine gewisse Naivität gekennzeichnet ist, die mit der Verwendung von Licht und natürlichen Materialien wie Haniwa Figure Land oder Holz in der Architektur einhergeht.

Wir können den Ise-Schrein als die beste Repräsentation dieses Stils aus Zypressenholz klassifizieren, der seit dem XNUMX. Jahrhundert alle zwanzig Jahre renoviert wurde, um seine Offenheit und Frische zu bewahren. Aus dieser Vorstellung ergibt sich eine der Konstanten der japanischen Kunst: der Wert, der der vergänglichen, vergänglichen, vergänglichen Schönheit beigemessen wird, die sich im Laufe der Zeit entwickelt.

In Man 'yōshū manifestiert sich sayakeshi in der Zuneigung, treu und geprüft zu sein, sowie in der Beschreibung, wie die Komponenten wie der Himmel und das Meer ihm ein Gefühl der Größe gaben, das den Menschen überwältigt.

Sayakeshi ist mit dem Konzept von Naru ("Werden") verwandt, in dem Zeit als eine Lebensenergie geschätzt wird, die im Werden, im Höhepunkt aller Handlungen und aller Leben zusammenläuft.JAPANISCHE KUNST

In die Nara- und Heian-Periode versetzt, entwickelte sich der künstlerische Aspekt der Kunst dank des ersten Kontakts mit der chinesischen Kultur sowie der Ankunft des Buddhismus schnell. Das Hauptkonzept dieser Ära war das Gewissen, ein emotionales Gefühl, das den Betrachter überwältigt und zu einem tiefen Gefühl von Empathie oder Mitleid führt.

Es ist verwandt mit anderen Begriffen wie Okashi, das mit seiner Freude und seinem angenehmen Charakter anzieht; omoshiroi, Eigenschaft strahlender Dinge, die durch ihre Brillanz und Klarheit Aufmerksamkeit erregen; das yūbi, Konzept der Anmut, der Eleganz; das yūga, eine Qualität der Verfeinerung der Schönheit; das en, die Anziehungskraft des Charmes; der König, die Schönheit der Ruhe; Yasashi, die Schönheit der Diskretion; und der Ushin, der tiefe Sinn für das Künstlerische.

Murasaki Shikibus Geschichte von Genji, die ein neues ästhetisches Konzept namens Mono-No-Awareness verkörperte – ein Begriff, der von Motōri Norinaga eingeführt wurde –, das ein Gefühl von Melancholie, kontemplativer Traurigkeit vermittelt, die von der Vergänglichkeit der Dinge herrührt, flüchtige Schönheit, die einen Moment andauert bleibt im Gedächtnis.

Vor allem aber ist es ein Gefühl zarter Melancholie, das zu tiefer Traurigkeit führen kann, wenn man die ausgeatmete Schönheit aller Wesen der Natur tief spürt.

Diese Philosophie des „idealen Strebens“ nach Schönheit, eines meditativen Zustands, in dem Gedanken und Sinneswelt aufeinander treffen, ist charakteristisch für die angeborene japanische Zartheit für Schönheit und zeigt sich im Hanami-Fest, dem Fest der Kirschblüte.

Im japanischen Mittelalter, der Kamakura-, Muromachi- und Momoyama-Periode, in der die gesamte feudale Gesellschaft des Landes durch militärische Vorherrschaft gekennzeichnet war, entstand der Begriff des dō ("Pfad"), der eine Entwicklung der Kunst für diese Zeit hervorrief. , wird in der zeremoniellen Praxis sozialer Riten gezeigt, wie durch Shodō (Kalligraphie), Chadō (Teezeremonie), Kadō oder Ikebana (die Kunst des Blumenarrangements) und Kōdō (Weihrauchzeremonie) belegt.

Das Ergebnis der Praktiken ist nicht von Bedeutung, sondern der evolutionäre Prozess, die Evolution in der Zeit - wieder das Naru -, sowie das Talent, das sich in der perfekten Ausführung der Riten zeigt, was sowohl Geschick als auch ein spirituelles Engagement bedeutet Streben nach Perfektion.

Einen entscheidenden Einfluss auf diese neuen Konzepte hatte eine Variante des Buddhismus namens Zen, die bestimmte „Lebensregeln“ auf der Grundlage der Meditation betont, bei denen der Mensch das Selbstbewusstsein verliert. Somit transzendiert alle tägliche Arbeit ihre materielle Essenz, um eine spirituelle Manifestation zu bezeichnen, die sich in der Bewegung und dem rituellen Ablauf der Zeit widerspiegelt.

Dieses Konzept spiegelt sich auch in der Gartenarbeit wider, die eine solche Bedeutung erlangt, wo der Garten eine Vision des Kosmos ist, mit einer großen Leere (Meer), die mit Objekten (Inseln) gefüllt ist, die in Sand und Felsen verkörpert sind. , und wo die Vegetation an den Lauf der Zeit erinnert.

Die Zen-Ambivalenz zwischen der Einfachheit und der Tiefe eines transzendenten Lebens erfüllt nicht nur die Kunst, sondern auch das Verhalten, die sozialen Beziehungen und die alltäglicheren Aspekte des Lebens mit einem Geist „einfacher Eleganz“ (Wabi). . Meister Sesshū sagte, dass „Zen und Kunst eins sind“.

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Dieses Zen wird in sieben schmückenden Tatsachen dargestellt: fukinsei, ein Weg, die Optimierung zu leugnen, um das in der Natur vorhandene Gleichgewicht zu erreichen; kanso, nehmen Sie heraus, was übrig bleibt, und was Sie herausnehmen, lässt Sie die Einfachheit der Natur entdecken.

Kokō (einsame Würde), eine Eigenschaft, die Menschen und Gegenstände im Laufe der Zeit erwerben und ihnen eine größere Reinheit ihrer Essenz verleihen; Shizen (Natürlichkeit), das mit Aufrichtigkeit verbunden ist, das Natürliche ist echt und unbestechlich; yūgen (Tiefe), die wahre Essenz der Dinge, die über ihre einfache Materialität, ihre oberflächliche Erscheinung hinausgeht.

Datsuzoku (Loslösung), Freiheit in der Ausübung der Künste, deren Mission es ist, den Geist zu befreien, nicht ihn zu kontrollieren – daher verzichtet die Kunst auf alle Arten von Parametern und Regeln -; Seiyaku (innere Gelassenheit), in einer Situation der Stille, Ruhe, die notwendig ist, damit die sechs vorherigen Prinzipien fließen können.

Es ist insbesondere die Teezeremonie, in der das japanische Konzept von Kunst und Schönheit meisterhaft synthetisiert wird, um eine authentische ästhetische Religion zu schaffen: "Theismus". Diese Zeremonie repräsentiert den Kult der Schönheit im Gegensatz zur Vulgarität des Alltags. Seine Philosophie, sowohl ethische als auch ästhetische, drückt die ganzheitliche Auffassung des Menschen mit der Natur aus.

Seine Einfachheit verbindet die kleinen Dinge mit der kosmischen Ordnung: Das Leben ist ein Ausdruck und Handlungen spiegeln immer einen Gedanken wider. Das Zeitliche ist dem Spirituellen gleich, das Kleine das Große.Dieses Konzept findet sich auch in der Teestube (sukiya), einem ephemeren Konstruktionsprodukt eines poetischen Impulses, ohne Ornamente, wo das Unvollkommene verehrt wird und immer etwas übrig bleibt unvollendet, was die Fantasie vervollständigen wird.

Der Mangel an Symmetrie ist charakteristisch, da Zen denkt, dass das Streben nach Perfektion wichtiger ist als sich selbst. Schönheit kann nur von dem entdeckt werden, der durch seinen Verstand das Fehlende ergänzt.

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Schließlich werden in der Neuzeit – die mit der Edo-Zeit begann –, obwohl frühere Ideen fortbestehen, neue künstlerische Klassen eingeführt, die mit der Entstehung anderer sozialer Ordnungen verbunden sind, die im Zuge der Modernisierung Japans entstehen: Sui ist eine bestimmte spirituelle Delikatesse, gefunden hauptsächlich in der Osaka-Literatur.

Der Iki-Gedanke ist eine würdevolle und direkte Anmut, die besonders im Kabuki präsent ist; Das Karumi ist ein Konzept, das die Leichtigkeit als etwas Ursprüngliches verteidigt, unter dem die "Tiefe" der Dinge erlangt wird, was sich insbesondere in der Poesie des Haiku widerspiegelt, wo Shiori eine nostalgische Schönheit ist.

"Nichts ist von Dauer, nichts ist vollständig und nichts ist perfekt." Dies wären die drei Schlüssel, auf denen "Wabi sabi" basiert, ein japanischer Ausdruck (oder eine Art ästhetischer Vision), der sich auf die Schönheit des Unvollkommenen, des Unvollständigen und des Wandels bezieht, obwohl er sich auf die Schönheit des Bescheiden und demütig, das Unkonventionelle. Die Philosophie von „wabi sabi“ ist es, die Gegenwart zu genießen und Frieden und Harmonie in der Natur und den kleinen Dingen zu finden und den natürlichen Kreislauf von Werden und Vergehen friedlich anzunehmen.

All diesen Elementen liegt die Vorstellung von Kunst als kreativem Prozess und nicht als materieller Verwirklichung zugrunde. Okakura Kakuzō schrieb, dass "nur Künstler, die an die angeborene Verzerrung ihrer Seele glauben, in der Lage sind, wahre Schönheit zu erzeugen".

Periodisierung der japanischen Kunst

In diesem Artikel verwenden wir eine Segmentierung in große Perioden in Bezug auf bemerkenswerte künstlerische Veränderungen und politische Bewegungen. Die Auswahl variiert in der Regel nach den Kriterien des Autors, viele lassen sich auch untergliedern. Allerdings gibt es auch Unterschiede bezüglich des Beginns und des Endes einiger dieser Perioden. Wir nehmen die des Archäologen Charles T. Kelly, die folgende ist:

Japanische Kunst in der bildenden Kunst

Während des Mesolithikums und Neolithikums blieb es vom Kontinent isoliert, so dass seine gesamte Produktion seine eigene war, obwohl es von geringer Bedeutung war. Sie waren halb sesshafte Gesellschaften, die in kleinen Dörfern mit in den Boden gegrabenen Häusern lebten und ihre Nahrungsressourcen hauptsächlich aus dem Wald (Hirsche, Wildschweine, Nüsse) und dem Meer (Fische, Krebstiere, Meeressäuger) bezogen.

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Diese Gesellschaften hatten eine ausgeklügelte Arbeitsorganisation und befassten sich mit der Zeitmessung, wie mehrere Überreste kreisförmiger Steinanordnungen in Oyu und Komakino belegen, die als Sonnenuhren fungierten. Sie hatten offensichtlich standardisierte Maßeinheiten, wie mehrere Gebäude belegen, die nach bestimmten Modellen gebaut wurden.

An bestimmten Orten, die dieser Zeit entsprechen, wurden polierte Stein- und Knochenartefakte, Keramik und anthropomorphe Figuren gefunden. Es sei darauf hingewiesen, dass Jōmon-Keramik die älteste von Menschenhand hergestellte Keramik ist: Die frühesten Spuren rudimentärer Keramik stammen aus dem Jahr 11.000 v. Chr., in kleinen, handgefertigten Utensilien mit polierten Seiten und großen Innenräumen. , mit funktionalem Sinn und strenger Dekoration.

Diese Überreste entsprechen einer Periode namens „Prejōmon“ (11000–7500 v. Chr.), gefolgt von der „archaischen“ oder „frühen“ Jōmon (7500–2500 v. Chr.), in der die typischste Jōmon-Keramik hergestellt, von Hand gefertigt und dekoriert wird. mit Einschnitten oder Seilspuren, auf einer Basis von einer Art tiefer krugförmiger Gefäße. Die Grunddekoration bestand aus Drucken mit Schnüren aus Pflanzenfasern, die vor dem Brennen auf die Keramik gedrückt wurden.

In mehreren Bereichen haben diese Einschnitte einen hohen Grad an Ausarbeitung erreicht, mit perfekt gemeißelten Kanten, die eine Reihe sehr komplizierter abstrakter Linien zeichnen. In seltenen Fällen wurden Überreste figurativer Szenen gefunden, im Allgemeinen anthropomorphe und zoomorphe Zeichnungen (Frösche, Schlangen), die eine Jagdszene hervorheben, die in einer Vase vorhanden ist, die in Hirakubo nördlich von Honshū gefunden wurde.

Schließlich kehrten die Gefäße im „Late Jōmon“ (2500–400 v. Chr.) zu einer natürlicheren, weniger kunstvollen Form zurück, mit Schalen und Gefäßen mit rundem Boden, schmalhalsigen Amphoren und Schalen mit Griffen, oft mit Stäben. oder erhöhter Sockel. Die Wahrzeichen der Jōmon-Keramik sind: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo und Okinohara auf der Insel Honshū; Sobata auf der Insel Kyūshū; und Hamanasuno und Tokoro auf der Insel Hokkaidō.

Abgesehen von den Vasen wurden verschiedene Figuren in menschlicher oder tierischer Form aus Keramik hergestellt, die in mehreren Teilen hergestellt wurden, so dass nur wenige Reste von ganzen Stücken gefunden wurden. Diejenigen in anthropomorpher Form können männliche oder weibliche Attribute haben, und einige der androgynen Zeichen wurden ebenfalls gefunden.

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Einige haben geschwollene Bäuche, sodass sie möglicherweise mit der Anbetung der Fruchtbarkeit in Verbindung gebracht wurden. Bemerkenswert ist die Präzision der Details, die einige Figuren zeigen, wie die sorgfältigen Frisuren, Tätowierungen und dekorativen Kleider.

Es scheint, dass in diesen Gesellschaften der Schmuck des Körpers sehr wichtig war, hauptsächlich an den Ohren, mit keramischen Ohrringen verschiedener Hersteller, die mit rötlichen Farbstoffen verziert waren. In Chiamigaito (Insel Honshū) wurden mehr als 1000 dieser Ornamente gefunden, was auf eine lokale Werkstatt für die Ausarbeitung dieser Produkte hindeutet.

Aus dieser Zeit stammen auch verschiedene Masken, die individualisierte Gesichtsbearbeitungen bezeichnen. Auf die gleiche Weise wurden verschiedene Arten von grünen Jadeitperlen hergestellt, und sie waren mit Lackarbeiten vertraut, wie mehrere in Torihama gefundene Befestigungselemente beweisen. Auch Überreste von Schwertern, Knochen oder Elfenbeingeweihen wurden gefunden.

Yayoi-Zeit (500 v. Chr. - 300 n. Chr.)

Diese Periode bedeutete die endgültige Gründung der Agrargesellschaft, die die Abholzung großer Gebiete des Territoriums verursachte.

Diese Transformation hat zu einer technologischen, kulturellen und sozialen Entwicklung der japanischen Gesellschaft mit einer größeren sozialen Schichtung und Spezialisierung der Arbeit geführt und zu einer Zunahme bewaffneter Konflikte geführt.

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Der japanische Archipel war übersät mit kleinen Staaten, die um Clans (Uji) herum gebildet wurden, unter denen die Yamato dominierten, aus denen die kaiserliche Familie hervorging. Dann erschien der Shintoismus, eine mythologische Religion, die den Kaiser von Amaterasu, der Sonnengöttin, zu Fall brachte.

Diese Religion förderte den wahren Sinn für Reinheit und Frische der japanischen Kunst, mit einer Vorliebe für reine Materialien und ohne Dekoration, mit einem Gefühl der Integration mit der Natur (Kami oder Überbewusstsein). Aus dem XNUMX. Jahrhundert v. C. begann aufgrund der Beziehungen zu China und Korea mit der Einführung der kontinentalen Zivilisation.

Die Yayoi-Kultur entstand um 400-300 v. Chr. auf der Insel Kyūshū. C., und zog nach Honshū, wo es allmählich die Jōmon-Kultur ersetzte. In dieser Zeit wurde eine Art Großbestattung mit einer Kammer und einem mit Terrakotta-Zylindern mit Menschen- und Tierfiguren geschmückten Hügel erweitert.

Dörfer waren von Gräben umgeben, und verschiedene landwirtschaftliche Geräte (einschließlich eines halbmondförmigen Steinwerkzeugs, das zum Ernten verwendet wurde) sowie verschiedene Waffen, wie Bögen und Pfeile mit polierten Steinspitzen, tauchten auf.

In der Töpferei wurden folgende Gegenstände speziell hergestellt: Krüge, Vasen, Teller, Tassen und Flaschen mit gewissen Besonderheiten. Sie hatten eine polierte Oberfläche mit einer einfachen Dekoration, hauptsächlich Einschnitte, gepunktete und zickzackförmige Luftschlangen, das am häufigsten verwendete Objekt war ein Glas mit dem Namen Tsubo.

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Er hob die Arbeit mit Metallen hervor, hauptsächlich Bronze, wie die sogenannten Dotaku-Glocken, die als zeremonielle Gegenstände dienten, verziert mit Spiralen (Ryusui) in Form von fließendem Wasser oder Tieren im Relief (hauptsächlich Hirsche, Vögel, Insekten und Amphibien) sowie Szenen der Jagd, des Fischfangs und der landwirtschaftlichen Arbeit, insbesondere solche im Zusammenhang mit Reis.

Der Hirsch scheint eine besondere Bedeutung gehabt zu haben, vielleicht verbunden mit einer bestimmten Gottheit: An vielen Stellen wurden eine Vielzahl von Hirsch-Schulterblättern mit Einschnitten oder Brandzeichen gefunden, die mit einer Art Ritual in Verbindung gebracht werden sollen.

Weitere Dekorationsgegenstände, die an Yayoi-Standorten gefunden wurden, sind: Spiegel, Schwerter, verschiedene Perlen und Magatama (Cashew-förmige Stücke aus Jade und Achat, die als Fruchtbarkeitsjuwelen dienten).

Kofun-Zeit (300-552)

Diese Ära markierte die Konsolidierung des kaiserlichen Zentralstaates, der wichtige Ressourcen wie Eisen und Gold kontrollierte. Die Architektur entwickelte sich bevorzugt auf dem Friedhof, mit typischen Kammer- und Ganggräbern namens Kofun ("altes Grab"), auf denen große Erdhügel aufgeschüttet wurden.

Bemerkenswert sind die Bestattungen der Kaiser Ōjin (346-395) und Nintoku (395-427), bei denen eine große Vielfalt an Gegenständen gefunden wurde, darunter; Schmuck, Figuren aus verschiedenen Materialien, insbesondere Terrakottafiguren.

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Diese Statuetten waren etwa sechzig Zentimeter groß, praktisch ausdruckslos, nur ein paar Schlitze in Augen und Mund, obwohl sie ein sehr relevantes Beispiel für die Kunst dieser Zeit sind.

Je nach Kleidung und Utensilien heben sich bei diesen Charakteren verschiedene Berufe hervor, wie Bauern, Milizsoldaten, Mönche, Provinzfrauen, Minnesänger usw.

Am Ende dieser Zeit tauchten auch Tierfiguren auf, darunter Hirsche, Hunde, Pferde, Wildschweine, Katzen, Hühner, Schafe und Fische, die auf die Bedeutung der damaligen Militärsiedlung hinweisen und deren Stilmerkmale mit der Silla-Kultur verbunden sind . aus Korea, sowie eine Art Keramik namens Sueki, die dunkel und sehr fein ist, mit klingendem Zubehör.

Die soziale Differenzierung hat dazu geführt, dass die herrschenden Klassen in exklusiven Stadtteilen wie Yoshinogari isoliert wurden, um schließlich in isolierten Stadtteilen wie Mitsudera oder den Palastkomplexen von Kansai, Ikaruga und Asuka-Itabuki dauerhaft abgesondert zu werden.

Was die religiöse Architektur betrifft, waren die frühen Shinto-Tempel (Jinja) aus Holz, auf einem erhöhten Sockel und freiliegenden Wänden oder verschiebbaren Trennwänden, mit Sockeln, die das schräge Dach stützten.

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Einer seiner charakteristischen Bestandteile ist das Torii, ein Eingangsbogen, der den Eingang zu einem heiligen Ort markiert. Beachten Sie den Ise-Schrein, der seit dem XNUMX. Jahrhundert alle zwanzig Jahre wieder aufgebaut wird.

Das Hauptgebäude (Shoden) hat einen Doppelboden und ein Satteldach mit neun Sockeln, das über eine Außentreppe zugänglich ist. Es ist im Shinmei-Zukuri-Stil gehalten, der den späten Shinto-Stil vor der Ankunft des Buddhismus in Japan widerspiegelt.

Ein weiterer mythischer Tempel ungewisser Herkunft ist der Izumo Taisha in der Nähe von Matsue, ein legendärer Tempel, der von Amaterasu gegründet wurde. Es ist im Taisha-Zukuri-Stil, es gilt als das älteste unter den Schreinen, die Hauptattraktion ist die Erhebung des Gebäudes auf Pilastern, mit einer Treppe als Hauptzugang und einfachen Holzoberflächen ohne Bemalung.

Laut den gefundenen Manuskripten hatte das ursprüngliche Heiligtum eine Höhe von 50 Metern, wurde aber aufgrund eines Brandes mit einer Höhe von 25 Metern wieder aufgebaut. Die Gebäude waren Honden ("inneres Heiligtum") und Hayden ("äußeres Heiligtum"). Zu dieser Zeit gehört auch Kinpusen-ji, der Haupttempel von Shugendō, einer asketischen Religion, die Shintoismus, Buddhismus und animistische Überzeugungen vereint.

In dieser Zeit finden wir die ersten Muster der Malerei, wie bei der königlichen Beerdigung von Ōtsuka und den dolmenförmigen Gräbern von Kyūshū (XNUMX.-XNUMX. Jahrhundert), die mit Szenen von gefangener Beute, Schlachten, Rossen, Vögeln und Schiffen oder mit Spiralen verziert sind und konzentrische Kreise.

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Es waren Wandmalereien aus Hämatitrot, Ruß, Ockergelb, Kaolinweiß und Chloritgrün. Eines der charakteristischen Muster dieser Zeit ist das sogenannte Chokomon, das aus geraden Linien und Bögen besteht, die auf Diagonalen oder Kreuzen gezeichnet sind und an den Wänden von Gräbern, Sarkophagen, Haniwa-Statuen und Bronzespiegeln zu sehen sind.

Asuka-Zeit (552-710)

Yamato konzipierte ein zentralisiertes Königreich nach chinesischem Vorbild, verkörpert in den Gesetzen von Shōtoku-Taishi (604) und Taika von 646. Die Einführung des Buddhismus hatte große künstlerische und ästhetische Auswirkungen auf Japan, mit großem Einfluss auf die chinesische Kunst.

Dann kam die Herrschaft von Prinz Shōtoku (573-621), der den Buddhismus und die Kultur im Allgemeinen bevorzugte und für die Kunst fruchtbar war. Die Architektur war in den Tempeln und Klöstern vertreten, sie ist größtenteils verloren gegangen, vorausgesetzt, die einfachen Shinto-Linien wurden durch die vom Festland kommende Pracht ersetzt.

Als herausragendstes Gebäude dieser Zeit müssen wir den Tempel des Hōryū-ji (607) nennen, der für den Kudara-Stil (Paekche in Korea) repräsentativ ist. Es wurde auf dem Gelände des Wakakusadera-Tempels errichtet, der von Shōtoku errichtet und 670 von seinen Gegnern niedergebrannt wurde.

Es wurde mit axialer Planimetrie erbaut und besteht aus einer Reihe von Gebäuden, in denen sich die Pagode (Tō), die Yumedono ("Halle der Träume") und die Kondō ("goldene Halle") befinden. Es ist im chinesischen Stil und verwendet zum ersten Mal ein Dach aus Keramikziegeln.

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Eines der Merkmale dieses außergewöhnlichen Beispiels ist der auf Wasser errichtete Itsukushima-Schrein (593) in Seto, wo Gojūnotō, Tahōtō und verschiedene Honden verzeichnet sind. Aufgrund seiner Schönheit wurde es 1996 von der UN zum Weltkulturerbe ernannt.

Skulpturen mit buddhistischem Thema wurden aus Holz oder Bronze hergestellt: Die ersten Buddhafiguren wurden vom Festland importiert, aber später ließ sich eine große Anzahl chinesischer und koreanischer Künstler in Japan nieder.

Das Bild von Kannon, der japanische Name des Bodhisattva Avalokiteśvara (auf Chinesisch Guan Yin genannt), hat sich unter dem Namen Bodhisattva Kannon, dem Werk des Koreaners Tori, verbreitet; der Kannon im Yumedono-Tempel von Hōryū-ji; und Kannon von Kudara (623. Jahrhundert) von einem unbekannten Künstler. Ein weiteres wichtiges Werk ist die Triade von Sâkyamuni (XNUMX) in Bronze von Tori Busshi, die im Tempel von Hōryū-ji installiert ist.

Im Allgemeinen handelte es sich um Werke eines strengen, eckigen und archaischen Stils, inspiriert vom koreanischen Koguryŏ-Stil, wie er im Werk von Shiba Tori zu sehen ist, das den „offiziellen Stil“ der Asuka-Zeit prägte: der Große Asuka-Buddha (Hoko-Tempel -ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triade Shaka (623).

Ein anderer Künstler, der diesem Stil folgte, war Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, Autorin von The Four Celestial Guardians (shitenno) of the Golden Hall of Hōryū-ji (645), das trotz des sehr alten Stils eine abgerundetere volumetrische Entwicklung mit mehr präsentiert ausdrucksstarke Gesichter.

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Die von chinesischen Motiven beeinflusste Malerei, die mit Tinte oder Mineralfarben auf Seide oder Papier, auf Pergamentrollen oder an der Wand aufgehängt wird. Es zeigt einen großen Sinn für das Zeichnen mit Werken von großer Originalität, wie das Tamamushi-Reliquiar (Hōryū-ji) aus Kampfer- und Zypressenholz mit filigranen Bronzebändern, die verschiedene Szenen in Öl auf lackiertem Holz darstellen, in einer Technik namens Mitsuda -i aus Persien und verwandt mit der chinesischen Malerei der Wei-Dynastie.

An der Basis des Reliquienschreins befindet sich ein Jataka (Bericht über die vergangenen Leben des Buddha), das den Prinzen Mahasattva zeigt, der sein eigenes Fleisch einer hungrigen Tigerin weiht. Etwa zu dieser Zeit gewann die Kalligrafie an Bedeutung, da ihr das gleiche künstlerische Niveau wie figurativen Bildern zuerkannt wurde.

Es wurden auch Seidenteppiche erwähnt, wie das Mandala Tenkoku für Shōtoku (622). Keramik, die glasiert werden konnte oder nicht, hatte wenig lokale Produktion und war der wertvollste chinesische Import.

Nara-Zeit (710-794)

Während dieser Zeit wurde die Hauptstadt in Nara (710) gegründet, der ersten festen Hauptstadt des Mikado. Zu dieser Zeit war die buddhistische Kunst auf ihrem Höhepunkt und setzte den chinesischen Einfluss mit großer Intensität fort: Die Japaner sahen in der chinesischen Kunst eine Harmonie und Perfektion, die dem europäischen Geschmack für klassische griechisch-römische Kunst ähnelte.

Die wenigen Architekturbeispiele aus dieser Zeit sind monumentale Gebäude wie die Ost-Yakushi-ji-Pagode, die Tempel Tōshōdai-ji, Tōdai-ji und Kōfuku-ji sowie das kaiserliche Shōso-in-Lagerhaus in Nara, in dem viele Artefakte aufbewahrt werden aus der Kunst aus der Zeit des Kaisers Shōmu (724-749), mit Werken aus China, Persien und Zentralasien. Die Stadt Nara wurde nach einem Rasterplan nach dem Vorbild von Chang'an, der Hauptstadt der Tang-Dynastie, erbaut.

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Dem Kaiserpalast wurde die gleiche Bedeutung beigemessen wie dem Hauptkloster Tōdai-ji (745-752), das nach einem symmetrischen Plan in einer großen Umfriedung mit Zwillingspagoden erbaut wurde und den Daibutsuden, die "große Halle des Buddha", beherbergte. «. mit einer großen 15-Meter-Bronzestatue von Buddha Vairocana (Dainichi auf Japanisch), die 743 von Kaiser Shōmu gestiftet wurde. Der Daibutsuden wurde 1700 wieder aufgebaut und ist das größte Holzgebäude der Welt.

Ein weiterer wichtiger Tempel ist Hokkedō, der eine weitere prächtige Statue aufweist, Kannon Fukukenjaku, einen vier Meter hohen achtarmigen, lackierten Bodhisattva. High und Tang-Einfluss, was sich in der Gelassenheit und Gelassenheit der Gesichtszüge bemerkbar macht.

Im Gegensatz dazu war die Ost-Yakushi-ji-Pagode ein Versuch japanischer Architekten, ihren eigenen Stil zu finden und sich vom chinesischen Einfluss zu entfernen. Es zeichnet sich durch seine Vertikalität mit abwechselnden Abdeckungen unterschiedlicher Größe aus, was ihm das Aussehen eines kalligrafischen Zeichens verleiht.

In seiner Struktur heben sich die Traufen und Balkone hervor, die durch ineinandergreifende Holzstäbe in Weiß und Braun gebildet werden. Im Inneren befindet sich das Bild des Yakushi Nyorai ("Medizin-Buddha"). Es ist als Weltkulturerbe unter dem Namen Historical Monuments of Ancient Nara aufgeführt.

Der Tōshōdai-ji (759) hatte den gleichen Grad an nationaler Assimilation und zeigte einen klaren Kontrast zwischen dem Kondō ("goldener Saal") mit seiner chinesisch beeinflussten Solidität, Symmetrie und Vertikalität und dem Kodō ("Hörsaal") . “), von größerer Einfachheit und Horizontalität, die die Tradition der Ureinwohner bezeichnen.

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Ein weiterer Aussteller war das Kiyomizu-dera (778), dessen Hauptgebäude durch sein riesiges, von Hunderten von Säulen getragenes Geländer auffällt, das auf dem Hügel herausragt und einen beeindruckenden Blick auf die Stadt Kyoto bietet. Dieser Tempel war einer der Kandidaten für die Liste der neuen sieben Weltwunder, obwohl er nicht ausgewählt wurde.

Rinnō-ji seinerseits ist berühmt für das Sanbutsudō, wo es drei Statuen von Amida, Senjūkannon und Batōkannon gibt. Als Shinto-Schrein sticht der Fushimi Inari-Taisha (711) hervor, der dem Geist von Inari gewidmet ist, besonders benannt nach den Tausenden von roten Torii, die den Weg entlang des Hügels markieren, auf dem der Schrein steht.

Die Darstellung des Buddha hat eine große Entwicklung in der Bildhauerei erreicht, mit Statuen von großer Schönheit: Sho Kannon, Buddha von Tachibana, Bodhisattva Gakko von Tōdai-ji. In der Hakuhō-Zeit (645-710) führte die Unterdrückung des Soga-Clans und die imperiale Konsolidierung zum Ende des koreanischen Einflusses und seiner Ersetzung durch die Chinesen (Tang-Dynastie), wodurch eine Reihe von Werken von größerer Pracht und Realismus mit runderen und anmutigere Formen.

Diese Veränderung ist in einem Teil der vergoldeten Bronzestatuen von Yakushi-ji erkennbar, die aus dem sitzenden Buddha (Yakushi) bestehen, der von den Bodhisattvas Nikko ("Sonnenlicht") und Gakko ("Mondlicht") begleitet wird, die in seiner Kontrapost-Position eine größere Dynamik zeigen. und größere Gesichtsausdruck.

In Hōryū-ji setzte sich der Tori-Stil koreanischen Ursprungs fort, wie im Kannon Yumegatari und der Amida-Triade des Lady Tachibana-Medaillons. Im Tōshōdai-ji-Tempel gibt es eine Reihe großer Statuen aus hohlem, getrocknetem Lack, die den zentralen Buddha Rushana (759) hervorheben, der 3,4 Meter hoch ist. Es gibt auch Darstellungen von Schutzgeistern (Meikira Taisho), Königen (Komokuten) usw. Es sind Werke aus Holz, Bronze, Rohton oder Trockenlack von großem Realismus.

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Das Gemälde wird durch eine Hōryū-ji-Wanddekoration (spätes XNUMX. Jahrhundert) repräsentiert, wie die Kondō-Fresken, die Ähnlichkeiten mit denen von Ajantā in Indien aufweisen. Es sind auch verschiedene Typologien entstanden, wie Kakemono ("Hängende Malerei") und Emakimono ("Rollenmalerei"), Geschichten, die auf eine Papier- oder Seidenrolle gemalt sind, mit Texten, die die verschiedenen Szenen erklären, Sutras genannt.

Im Nara Shōso-in gibt es eine Reihe weltlicher Gemälde mit unterschiedlichen Arten und Themen: Pflanzen, Tiere, Landschaften und Metallgegenstände. In der Mitte dieser Zeit kam die Malschule der Tang-Dynastie in Mode, wie man an den Grabmalereien von Takamatsuzuka sehen kann, die um 700 datiert werden.

Durch das Taiho-ryo-Dekret von 701 wird der Beruf des Malers in den Handwerkskorporationen geregelt. kontrolliert von der Abteilung für Maler (takumi-no-tuskasa) unter dem Innenministerium. Diese Verbände waren für die Dekoration von Palästen und Tempeln verantwortlich, und ihre Struktur dauerte bis zur Meiji-Ära. Die Töpferei hat sich durch verschiedene aus China importierte Techniken, wie die Verwendung von leuchtenden Farben, die auf Ton aufgetragen werden, bemerkenswert entwickelt.

Heian-Zeit (794-1185)

In diese Zeit fiel die Regierung des Fujiwara-Clans, der eine von der chinesischen Regierung inspirierte Zentralregierung mit Hauptstadt Heian (heute Kyoto) errichtete. Die großen Feudalherren (daimyō) erhoben sich und die Figur des Samurai erschien.

Ungefähr zu dieser Zeit entstand die Graphologie namens Hiragana, die die chinesische Kalligraphie an die in Japan verwendete mehrsilbige Sprache anpasste und chinesische Schriftzeichen für die phonetischen Werte der Silben verwendete. Der Zusammenbruch der Beziehungen zu China brachte eine ausgeprägtere japanische Kunst hervor, wobei eine weltliche Kunst neben religiöser Kunst auftauchte, die den Nationalismus des kaiserlichen Hofes getreu widerspiegelte.

Die buddhistische Ikonographie erfuhr eine neue Entwicklung mit dem Import von zwei neuen Sekten vom Festland, Tendai und Shingon, basierend auf dem tibetischen tantrischen Buddhismus, der shintoistische Elemente einbezog und einen für diese Zeit charakteristischen religiösen Synkretismus hervorbrachte.

Die Architektur erfuhr eine Änderung im Plan der Klöster, die an isolierten Orten errichtet wurden, die für die Meditation bestimmt waren. Die wichtigsten Tempel sind Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) und der Murō-ji-Pagodenschrein. Enryaku-ji, in der Nähe des Berges Hiei gelegen, ist eines der historischen Denkmäler des antiken Kyoto, das 1994 zum Weltkulturerbe erklärt wurde.

Sie wurde 788 von Saichō gegründet, der die buddhistische Tendai-Sekte in Japan einführte. Enryaku-ji hatte etwa 3.000 Tempel und war zu seiner Zeit ein großes Machtzentrum, wobei die meisten seiner Gebäude 1571 von Oda Nobunaga zerstört wurden.

Von dem erhaltenen Teil ragt heute das Saitō ("westliche Halle") und das Tōdō ("östliche Halle") heraus, in dem sich das Konpon chūdō befindet, der repräsentativste Bau von Enryaku ji, in dem eine Buddha-Statue aufbewahrt wird von Saichō selbst geformt, dem Yakushi Nyorai.

Die Skulptur hat im Vergleich zu früher einen leichten Rückgang erlitten. Wiederum Darstellungen des Buddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai aus dem Jingo-ji-Tempel in Kyoto; Amida Nyorai aus dem Byōdō-in-Kloster) sowie gewisser Shinto-Göttinnen (Kichijoten, Glücksgöttin, entspricht Lakshmī India) .

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Die übermäßige Starrheit der buddhistischen Religion schränkt die Spontaneität des Künstlers ein, der sich auf starre künstlerische Kanone beschränkt, die seine kreative Freiheit untergraben. In den Jahren 859 und 877 wird der Jogan-Stil produziert, der sich durch Bilder von fast einschüchternder Ernsthaftigkeit auszeichnet, mit einer gewissen introspektiven und geheimnisvollen Atmosphäre, wie der Shaka Nyorai von Murō-ji.

Während der Fujiwara-Zeit wurde die von Jōchō in Byōdō-in gegründete Schule berühmt, mit einem eleganteren und schlankeren Stil als Jogans Skulptur, die perfekte Körperformen und ein großartiges Bewegungsgefühl ausdrückte.

Jōchōs Werkstatt führte die Yosegi- und Warihagi-Techniken ein, die darin bestanden, die Figur in zwei Blöcke zu teilen, die dann zusammengefügt wurden, um sie zu formen, wodurch ein späteres Reißen vermieden wurde, eines der Hauptprobleme bei großen Figuren. Diese Techniken erlauben auch eine Serienmontage und wurden in der Kei-Schule der Kamakura-Zeit mit großem Erfolg entwickelt.

Die Yamato-e-Malerei lebt besonders von den Emaki genannten handschriftlichen Schriftrollen, die malerische Szenen mit eleganter Katakana-Kalligrafie verbinden. Diese Schriftrollen erzählten historische oder literarische Passagen, wie zum Beispiel The Tale of Genji, einen Roman von Murasaki Shikibu aus dem späten XNUMX. Jahrhundert.

Obwohl der Text das Werk renommierter Schreiber war, wurden die Bilder in der Regel von Kurtisanen des Hofes wie Ki no Tsubone und Nagato no Tsubone ausgeführt, wobei sie ein Muster weiblicher Ästhetik annahmen, das in der zeitgenössischen japanischen Kunst von großer Bedeutung sein würde.

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Zu dieser Zeit begann eine Klassifizierung von Gemälden nach Geschlecht, die eine wahrnehmbare Unterscheidung zwischen der Öffentlichkeit markierte, in der das Männliche unter chinesischem Einfluss stand, und dem Weiblichen und Ästhetischeren, das künstlerisch japanisch war.

In onna-e sticht neben der Geschichte von Genji das Heike Nogyo (Lotus-Sutra) hervor, das vom Taira-Clan für den Itsukushima-Schrein in Auftrag gegeben wurde, wo sie in verschiedenen Schriftrollen über die vom Buddhismus verkündete Errettung der Seelen verkörpert sind.

Andererseits war dieses Das otoko-e erzählerischer und energischer als das ona-e, voller Aktion, mit mehr Realismus und Bewegung, wie in den shigisanischen Engi-Rollen über die Wunder des Mönchs Myoren; das Ban Danigon E-kotoba über einen Krieg zwischen rivalisierenden Clans im XNUMX. Jahrhundert; und die Chōjugiga, Tierszenen mit einem karikierten Zeichen und einem satirischen Ton, die die Aristokratie kritisieren.

Kamakura-Zeit (1185-1392)

Nach mehreren Streitigkeiten zwischen den feudalen Clans wurde die Minamoto auferlegt, die das Shogunat, eine Regierungsform mit Militärgericht, errichtete. Zu dieser Zeit wurde die Zen-Sekte in Japan eingeführt, was die figurative Kunst stark beeinflussen sollte. Die Architektur war einfacher, funktionaler, weniger luxuriös und kunstvoll.

Die Zen-Herrschaft brachte den sogenannten Kara-yo-Stil hervor: Zen-Kultstätten folgten der chinesischen Axialplanimetrie-Technik, obwohl das Hauptgebäude nicht der Tempel, sondern der Lesesaal war und der Ehrenplatz nicht von einer Statue eingenommen wurde. Buddha, aber bei einem kleinen Thron, wo der Abt seine Schüler lehrte.

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Die fünf großen Tempelanlagen von Sanjūsangen-dō, in Kyoto (1266), sowie die Klöster Kennin-ji (1202) und Tōfuku-ji (1243) in Kyoto, sowie Kenchō-ji (1253) und Engaku-ji (1282 ) in Kamakura.

Das Kōtoku-in (1252) ist berühmt für seine große und schwere Bronzestatue des Amida-Buddha, die es nach Tōdai-ji zum zweitgrößten Buddha in Japan macht.

1234 wurde der Chion-in-Tempel, Sitz des Jōdo-shū-Buddhismus, erbaut, der sich durch sein kolossales Haupttor (Sanmon) auszeichnet, das größte Bauwerk seiner Art in Japan.

Einer der letzten Vertreter dieser Zeit war der Hongan-ji (1321), der aus zwei Haupttempeln besteht: dem Nishi Hongan-ji, zu dem der Goei-dō und der Amida-dō sowie ein Teepavillon und zwei Stufen gehören das Noh-Theater, von dem eines behauptet, das älteste noch lebende zu sein; und Higashi Hongan-ji, Heimat des berühmten Shosei-en.

Die Skulptur erlangte einen großen Realismus und fand den Künstler eine größere Gestaltungsfreiheit, wie die Porträts von Adligen und Soldaten belegen, wie das von Uesugi Shigusa (von einem anonymen Künstler), einem Militärangehörigen des XNUMX. Jahrhunderts.

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Zen-Werke konzentrierten sich auf die Darstellung ihrer Meister in einer Art Shinzo-Statue, wie die von Meister Muji Ichien (1312, von einem anonymen Autor), in polychromem Holz, die den auf einem Thron sitzenden Zen-Meister darstellt, in einem Haltung der Meditation entspannt.

Die Kei-Schule von Nara, Erbe der Jōchō-Schule der Heian-Zeit, war besonders wichtig für die Qualität ihrer Werke, wo auch der Bildhauer Unkei, Autor der Statuen der Mönche Muchaku und Sesshin (Kōfuku-ji von Nara), tätig war als Bilder von Kongo Rikishi (Schutzgeistern), wie die beiden kolossalen Statuen am Eingang des 8 Meter hohen Tōdai-ji-Tempels (1199).

Unkeis Stil, beeinflusst von der chinesischen Skulptur der Song-Dynastie, war äußerst realistisch, während er die detaillierteste physiognomische Studie mit dem emotionalen Ausdruck und der inneren Spiritualität des abgebildeten Individuums einfing.

Sogar in die Augen wurden dunkle Kristalle eingebettet, um mehr Ausdruckskraft zu verleihen. Unkeis Arbeit markierte den Beginn der japanischen Porträtmalerei. Sein Sohn Tankei, Autor von Kannon Senju für Sanjūsangen-dō, setzte seine Arbeit fort.

Das Gemälde zeichnete sich durch erhöhten Realismus und psychologische Selbstbeobachtung aus. Landschaftsgestaltung (Nachi-Wasserfall) und Porträt Mönch Myoe in Betrachtung, von Enichi-bo Jonin; eine Reihe von Porträts aus dem Jingo-ji-Tempel in Kyoto von Fujiwara Takanobu; Goshins Porträt von Kaiser Hanazono wurden hauptsächlich entwickelt.

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Der Yamato-e-Modus wurde fortgesetzt und die Bilder wurden in Schriftrollen erklärt, von denen viele mehrere Meter lang waren. Diese Manuskripte zeigten Details des Alltagslebens, städtische oder ländliche Szenen oder illustrierten historische Ereignisse wie den Kyoto-Krieg von 1159 zwischen rivalisierenden Zweigen der kaiserlichen Familie.

Sie wurden in fortlaufenden Szenen präsentiert, einer narrativen Reihenfolge folgend, mit einem erhöhten Panorama, in einer geraden Linie. Hervorzuheben sind die illustrierten Schriftrollen der Ereignisse der Heiji-Ära (Heiji monogatari) und die Kegon-Engi-Schriftrollen von Enichi-bo Jonin.

Die mit der Zen-Organisation verbundene Malerei war direkter chinesisch beeinflusst, mit einer Technik, die eher aus einfachen chinesischen Tuschelinien bestand, die dem Zen-Diktum folgten, dass „zu viele Farben das Auge blenden“.

Muromachi-Zeit (1392-1573)

Das Shogunat ist in den Händen der Ashikaga, deren Machtkämpfe die wachsende Macht des Daimyō begünstigen, der das Land teilt. Die Architektur war eleganter und durch und durch japanisch, mit stattlichen Herrenhäusern, Klöstern wie Zuihoji und Tempeln wie Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji oder dem Goldenen Pavillon (1397) und Ginkaku-ji. o Silberpavillon (1489) in Kyoto.

Kinkaku-ji wurde als Erholungsdorf für Shogun Ashikaga Yoshimitsu als Teil seiner Domäne namens Kitayama erbaut. Sein Sohn baute das Gebäude in einen Tempel für die Rinzai-Sekte um. Es ist ein dreistöckiges Gebäude, die ersten beiden sind mit reinem Blattgold bedeckt. Der Pavillon fungiert als Sheriden, der die Reliquien des Buddha schützt.

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Es enthält auch verschiedene Statuen von Buddha und Bodhisattva, und auf dem Dach steht ein goldener Fenghuang. Es hat auch einen schönen angrenzenden Garten mit einem Teich namens Kyōko-chi, mit vielen Inseln und Steinen, die die buddhistische Schöpfungsgeschichte darstellen.

Das Ginkaku-ji seinerseits wurde von dem Shogun Ashikaga Yoshimasa erbaut, der versuchte, das von seinem Vorfahren Yoshimitsu erbaute Kinkaku-ji nachzuahmen, aber leider konnte er das Gebäude nicht wie geplant mit Silber bedecken.

Ebenfalls charakteristisch für die Architektur dieser Zeit ist das Aussehen des Tokonoma, eines Raums, der der Betrachtung eines Gemäldes oder eines Blumenarrangements im Einklang mit der Zen-Ästhetik vorbehalten ist. Außerdem wurde die Tatami, eine Art Matte aus Reisstroh, eingeführt, die das Innere des japanischen Hauses angenehmer machte.

Zu dieser Zeit entwickelte sich insbesondere die Gartenkunst, die die künstlerischen und ästhetischen Grundlagen des japanischen Gartens legte. Es entstanden zwei Hauptmodi: Tsukiyama, um einen Hügel und einen See herum; und Hiraniwa, ein flacher Garten aus geharktem Sand, mit Steinen, Bäumen und Brunnen.

Die häufigste Vegetation besteht aus Bambus und verschiedenen Arten von Blumen und Bäumen, entweder immergrün, wie die japanische Schwarzkiefer, oder laubabwerfend, wie der japanische Ahorn, Elemente wie Farne und Schaum werden ebenfalls geschätzt.

Bonsai ist ein weiteres typisches Element der Garten- und Innenarchitektur. Zu den Gärten gehören oft ein See oder Teich, verschiedene Arten von Pavillons (normalerweise für die Teezeremonie) und Steinlaternen. Eines der typischen Merkmale des japanischen Gartens, wie auch der übrigen Kunst, ist sein unvollkommenes, unvollendetes und asymmetrisches Erscheinungsbild.

Es gibt verschiedene Arten von Gärten: „Walking“-Gärten, die entlang eines Pfades oder um einen Teich herumgehen; des «Wohnzimmers», das von einem festen Ort aus einsehbar ist, in der Regel ein Pavillon oder eine Machiya-Hütte.

Te (rōji), um einen Weg herum, der zum Teeraum führt, mit Bakdosin-Fliesen oder Steinen, die den Weg markieren; und „Kontemplation“ (karesansui, „Berg- und Wasserlandschaft“), ​​der typischste Zen-Garten, gesehen von einer Plattform in Zen-Klöstern.

Ein gutes Beispiel ist die sogenannte wasserlose Landschaft des Ryōan-ji-Gartens in Kyoto des Malers und Dichters Sōami (1480), die ein Meer aus geharktem Sand voller Inseln, die Felsen sind, darstellt. , die ein Ganzes bilden, das Realität und Illusion verbindet und zur Ruhe und zum Nachdenken einlädt.

Es wurde ein Wiederaufleben der Malerei festgestellt, eingerahmt von der Zen-Ästhetik, die den chinesischen Einfluss der Yuan- und Ming-Dynastien erhielt und sich hauptsächlich in der dekorativen Kunst widerspiegelte.

Die Gouache-Technik wurde eingeführt, eine perfekte Transkription der Zen-Lehre, die versucht, in den Landschaften das widerzuspiegeln, was sie bedeuten, und nicht, was sie darstellen.

Es entstand die Figur des Bunjinso, des "intellektuellen Mönchs", der seine eigenen Werke schuf, Gelehrte und Anhänger chinesischer Techniken in monochromer Tusche, in kurzen und diffusen Pinselstrichen, die in seinen Werken natürliche Elemente wie Kiefern, Schilf, Orchideen, Bambus widerspiegelten , Felsen, Bäume, Vögel und menschliche Figuren, eingetaucht in die Natur, in einer Haltung der Meditation.

In Japan hieß diese chinesische Tintentechnik Sumi-e. Basierend auf den sieben ästhetischen Prinzipien des Zen versuchte Sumi-e, die intensivsten inneren Emotionen durch Einfachheit und Eleganz widerzuspiegeln, in einfachen und bescheidenen Linien, die über ihre äußere Erscheinung hinausgehen, um einen Zustand der Verbindung mit der Natur zu signalisieren.

Sumi-e war ein Mittel (dō), um innere Spiritualität zu finden, dies wurde von Mönchen verwendet. Die Besonderheiten der Tinte, subtil und diffus, ermöglichten es dem Künstler, die Essenz der Dinge in einem einfachen und natürlichen Eindruck einzufangen, aber gleichzeitig tief und transzendent.

Es ist eine instinktive Kunst der schnellen Ausführung, die nicht retuschiert werden kann, eine Tatsache, die sie mit dem Leben verbindet, wo es unmöglich ist, zu dem zurückzukehren, was getan wurde. Jede Zeichnung trägt Lebensenergie (ki), da es sich um einen Schöpfungsakt handelt, bei dem der Geist in Aktion gesetzt wird und der Prozess wichtiger ist als das Ergebnis.

Die wichtigsten Vertreter des Sumi-e waren: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei und vor allem Sesshū Tōyō, Autor von Porträts und Landschaften, der erste Künstler, der zu Lebzeiten malte. Sesshū war ein Gaso, ein Mönch-Maler, der zwischen 1467 und 1469 nach China reiste, wo er Kunst und Naturlandschaft studierte.

Seine Landschaften bestehen aus linearen Strukturen, die von einem plötzlichen Licht beleuchtet werden, das das Zen-Konzept des transzendenten Moments widerspiegelt. Dies sind Landschaften mit anekdotischen Elementen wie Tempeln in der Ferne oder kleinen menschlichen Figuren, die an abgelegenen Orten wie Klippen eingerahmt sind.

Ein neues Genre der poetischen Malerei ist ebenfalls entstanden, Shinjuku, wo eine Landschaft ein naturalistisch inspiriertes Gedicht illustriert. Erwähnenswert ist auch die von Kanō Masanobu gegründete Kanō-Schule, die die Gouache-Technik auf traditionelle Motive anwendet und heilige, nationale und landschaftliche Themen illustriert.

Die Waschung wurde auch auf die lackierten Blenden und Paneele der Fusuma-Schiebetüren aufgetragen, Markenzeichen der japanischen Innenarchitektur. In der Keramik sticht die Seto-Schule hervor, wobei die beliebteste Typologie das Tenmoku ist. Lack- und Metallgegenstände sind ebenfalls bemerkenswerte Beispiele aus dieser Zeit.

Azuchi-Momoyama-Zeit (1573–1603)

Zu diesem Zeitpunkt wurde Japan wieder von Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi und Tokugawa Ieyasu vereint, die die Daimyō beseitigten und an die Macht kamen.

Sein Mandat fiel mit der Ankunft portugiesischer Kaufleute und jesuitischer Missionare zusammen, die das Christentum in das Land einführten, obwohl sie nur eine Minderheit erreichten.

Die künstlerische Produktion dieser Zeit entfernte sich von der buddhistischen Ästhetik und betonte traditionelle japanische Werte mit einem explosiven Stil. Die Invasion Koreas im Jahr 1592 führte zur Zwangsumsiedlung vieler koreanischer Künstler nach Japan, die in Töpferproduktionszentren lebten, die vom Rest isoliert waren.

In dieser Zeit wurden auch die ersten westlichen Einflüsse empfangen, die sich im Namban-Stil widerspiegelten, der sich in der Miniaturskulptur entwickelte, mit einem weltlichen Thema, dekorativen Porzellanobjekten und Paravents, die im Yamato-e-Stil in leuchtenden Farben und Blattgold dekoriert waren. in Szenen, die die Geschichte der Ankunft der Europäer an der japanischen Küste erzählen.

Perspektivische Techniken sowie andere Varianten der europäischen Malerei wie die Verwendung der Ölmalerei hatten in Japan in der Kunstform keinen Fuß gefasst.

In der Architektur sticht der Bau großer Burgen (shiro) hervor, die durch die Einführung westlicher Schusswaffen in Japan verstärkt wurden. Die Burgen Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō und Fushimi-Momoyama sind gute Beispiele.

Himeji Castle, eines der wichtigsten Bauwerke der Zeit, kombiniert massive Befestigungsanlagen mit der Eleganz einer vertikal wirkenden Struktur auf fünf Stockwerken aus Holz und Gips, mit sanft geschwungenen Dachformen, die denen traditioneller japanischer Tempel ähneln.

Rustikale Dörfer für Teezeremonien, bestehend aus kleinen Villen oder Palästen und großen Gärten, haben sich ebenfalls vermehrt, und in einigen Städten wurden hölzerne Theater für Kabuki-Aufführungen gebaut.

Auf dem Gebiet der Malerei nimmt die Kanō-Schule die Mehrheit der offiziellen Aufträge ein und erarbeitet die Wandmalerei der wichtigsten japanischen Burgen, es gab wichtige Persönlichkeiten namens Kanō Eitoku und Kanō Sanraku.

Für die Schlösser, die durch ihre schmalen Verteidigungsöffnungen schlecht beleuchtet sind, wurde eine Art Trennwände mit goldenem Hintergrund geschaffen, die das Licht reflektierten und es im ganzen Raum streuten, mit großen Wandgemälden, die mit Heldenszenen wie Tieren verziert waren. wie Tiger und Drachen oder Landschaften mit Gärten, Teichen und Brücken oder in den vier Jahreszeiten, ein damals ziemlich verbreitetes Thema.

Auch der Siebdruck hat sich bemerkenswert entwickelt, im Allgemeinen mit abgenutzten Tinten, nach dem Sumi-e-Stil, wie in den Werken von Hasegawa Tōhaku (Kiefernwald) und Kaihō Yūshō (Kiefer- und Pflaumenbaum im Mondlicht) zu sehen ist. Die Figur von Tawaraya Sōtatsu, Autor von Werken von großer Dynamik, in Manuskriptrollen, Bildschirmen und Fächern, wurde ebenfalls hervorgehoben.

Er schuf einen lyrischen und dekorativen Stil, der von der Waka-Schrift der Heian-Ära inspiriert war, die Rinpa genannt wurde, und schuf Werke von großer visueller Schönheit und emotionaler Intensität, wie The Story of Genji, The Path of Ivy, die Götter des Donners und des Windes , usw.

Die Herstellung von Keramik erreichte einen Moment großen Aufschwungs und entwickelte Produkte für die Teezeremonie, inspiriert von koreanischer Keramik, deren Rustikalität und unfertiges Aussehen perfekt die Zen-Ästhetik widerspiegeln, die den Teeritus durchdringt.

Es entstanden neue Designs wie Nezumi-Teller und Kogan-Wasserkrüge, normalerweise mit einem weißen Körper, der in eine Schicht Feldspat getaucht und mit einfachen Designs aus einem Eisenhaken verziert war. Es war eine dicke Keramik mit einem glasierten Aussehen, mit einer unvollendeten Behandlung, die ein Gefühl von Unvollkommenheit und Verletzlichkeit vermittelte.

Seto blieb der Hauptproduzent, während in der Stadt Mino zwei wichtige Schulen entstanden: Shino und Oribe. Die Karatsu-Schule und zwei ursprüngliche Arten von Töpferwaren wurden ebenfalls erwähnt:

Iga, mit einer rauen Textur und einer dicken Glasurschicht, mit tiefen Rissen; und Bizen, rotbraunes, unglasiertes Steingut, noch weich, vom Rad entfernt, um kleine natürliche Risse und Einschnitte zu erzeugen, die ihm ein sprödes Aussehen verliehen, das immer noch der Zen-Ästhetik der Unvollkommenheit entspricht.

Einer der besten Künstler dieser Zeit war Honami Kōetsu, der sich in Malerei, Poesie, Gartenarbeit, Lackwaren usw. auszeichnete. Ausgebildet in der künstlerischen Tradition der Heian-Zeit und in der Shorenin-Schule für Kalligrafie, gründete er eine Kolonie von Handwerkern in Takagamine, in der Nähe von Kyoto, mit Land, das von Tokugawa Ieyasu gespendet wurde.

Die Siedlung wurde von Handwerkern der buddhistischen Nichiren-Schule unterhalten und hat eine Reihe hochwertiger Werke hervorgebracht. Sie spezialisierten sich auf Lackwaren, hauptsächlich Büroaccessoires, verziert mit Gold- und Perlmutteinlagen, sowie verschiedene Utensilien und Geschirr für die Teezeremonie, wobei die vollmundige Fujisan-Schale hervorzuheben ist. rötlich bedeckt mit schwarzen Höschen und darüber ein undurchsichtiges eisiges Weiß, das den Effekt von Schneefall erzeugt.

Edo-Zeit (1603-1868)

Diese künstlerische Periode entspricht der historischen Tokugawa-Periode, als Japan für jeden äußeren Kontakt geschlossen war. Die Hauptstadt wurde in Edo, dem zukünftigen Tokio, gegründet. Die Christen wurden verfolgt und die europäischen Kaufleute vertrieben.

Trotz des Vasallensystems haben sich Handel und Handwerk ausgebreitet und eine bürgerliche Klasse hervorgebracht, die an Macht und Einfluss zunahm und sich der Förderung der Künste widmete, insbesondere von Drucken, Keramik, Lackwaren und Waren. Textilien.

Die repräsentativsten Werke sind der Katsura-Palast in Kyoto und das Tōshō-gū-Mausoleum in Nikkō (1636), das Teil der „Nikkō-Schreine und -Tempel“ ist, die beide 1999 von der UNESCO zum Weltkulturerbe erklärt wurden.

Etwas Genre der Vereinigung von Shinto-Buddhisten, ist das Mausoleum des Shoguns Tokugawa Ieyasu. Der Tempel ist eine streng symmetrische Struktur mit farbigen Reliefs, die die gesamte sichtbare Oberfläche bedecken. Auffallend sind seine farbenfrohen Konstruktionen und überladenen Ornamente, die sich von den Stilen der damaligen Tempel unterscheiden.

Die Innenräume sind mit detaillierten Lackschnitzereien in leuchtenden Farben und meisterhaft bemalten Paneelen geschmückt. Der Katsura-Palast (1615-1662) wurde auf einem Zen-inspirierten asymmetrischen Plan erbaut, bei dem die Verwendung gerader Linien an der Außenfassade im Kontrast zu der geschwungenen Form des umliegenden Gartens steht.

Aufgrund ihres Status als Ruhesitz der kaiserlichen Familie bestand die Villa aus einem Hauptgebäude, mehreren Nebengebäuden, Teestuben und einem 70000 Quadratmeter großen Park. Der nur einstöckige Hauptpalast ist in vier Nebengebäude unterteilt, die an den Ecken zusammenlaufen.

Das gesamte Gebäude hat gewisse Merkmale, auf Säulen gebaut zu sein und darüber eine Reihe von Räumen mit Wänden und Türen, einige mit Gemälden von Kanō Tan'yū.

Charakteristisch für diese Zeit sind auch die Teehäuser (Chashitsu), meist kleine Holzbauten mit Strohdächern, umgeben von scheinbar verlassenen Gärten mit Flechten, Moosen und Laub, die dem Zen-Konzept folgen. von transzendenter Unvollkommenheit.

Beginn der künstlerischen und geistigen Entwicklung

Während dieser Zeit studierte Japan nach und nach westliche Techniken und wissenschaftliche Fortschritte (Rangaku genannt) ​​durch Informationen und Bücher, die von niederländischen Kaufleuten in Dejima erhalten wurden.

Zu den am meisten studierten Bereichen gehörten Geographie, Medizin, Naturwissenschaften, Astronomie, Kunst, Sprachen, physikalische Konzepte wie das Studium elektrischer und mechanischer Phänomene. Es gab auch eine große Entwicklung der Mathematik, in einem völlig unabhängigen Trend von dem der westlichen Welt. Diese starke Strömung wurde Wasan genannt.

Die Blüte des Neo-Konfuzianismus war die größte intellektuelle Entwicklung dieser Zeit. Das Studium des Konfuzianismus war lange Zeit von buddhistischen Geistlichen betrieben worden, aber während dieser Zeit erregte dieses Glaubenssystem große Aufmerksamkeit für das Menschen- und Gesellschaftsbild.

Als gesellschaftliches Leitbild galten der ethische Humanismus, der Rationalismus und die historische Perspektive des Konfuzianismus. Mitte des XNUMX. Jahrhunderts wurde der Konfuzianismus zur dominierenden Rechtsphilosophie und trug direkt zur Entwicklung des nationalen Lernsystems, des Kokugaku, bei.

Seine Haupttugend für das Shogunal-Regime war die Betonung hierarchischer Beziehungen, Unterwerfung. an die Spitze. und Gehorsam, der sich auf die gesamte Gesellschaft erstreckt und die Erhaltung des Feudalsystems erleichtert.

Die Textilkunst erlangte große Bedeutung, vor allem in Seide, die höchste Qualität erreichte, weshalb Seidenkleider (Kimono) in leuchtenden Farben und exquisiten Mustern oft in Räumen aufgehängt wurden. getrennt, als wären sie Bildschirme.

Es wurden verschiedene Techniken verwendet, wie Färben, Sticken, Brokat, Prägen, Applizieren und Handbemalen. Seide war nur für die Oberschicht erhältlich, während die Menschen in Baumwolle gekleidet waren, die in der indonesischen Ikat-Technik hergestellt, in Abschnitten gesponnen und im Wechsel mit Weiß indigo gefärbt wurde.

Eine andere Technik von geringerer Qualität war das Weben von Baumwollfäden in verschiedenen Farben, wobei hausgemachte Farbstoffe im Batikstil mit Reispaste und gekochter und agglomerierter Reiskleie aufgetragen wurden.

Es sei darauf hingewiesen, dass die japanische Kunst im XNUMX. Jahrhundert von der westlichen Kunst beeinflusst wurde, aber auch von der Exotik und Natürlichkeit der japanischen Kunst. So entstand im Westen der sogenannte Japonismus, der sich vor allem in der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts vor allem in Frankreich und Großbritannien entwickelte.

Dies zeigte sich in den sogenannten Japoneries, von japanischen Drucken inspirierten Objekten, Porzellan, Lack, Fächern und Bambusobjekten, die sowohl in der Heimdekoration als auch in vielen persönlichen Kleidungsstücken, die die Fantasie und den Dekoralismus der japanischen Kultur widerspiegeln, in Mode gekommen sind.Japanische Ästhetik .

In der Malerei wurde der Stil der Ukiyo-e-Schule begeistert aufgenommen und die Werke von Utamaro, Hiroshige und Hokusai hoch geschätzt. Westliche Künstler ahmten die vereinfachte räumliche Konstruktion, die einfachen Konturen, den kalligraphischen Stil und die naturalistische Sensibilität der japanischen Malerei nach.

Neuzeit (seit 1868)

In der Meiji-Periode (1868-1912) begann in Japan eine tiefgreifende kulturelle, soziale und technologische Renaissance, die sich mehr der Außenwelt öffnete und neue westliche Fortschritte zu integrieren begann. Die Charta von 1868 schaffte feudale Privilegien und Klassenunterschiede ab, was nicht zu einer Verbesserung der verarmten proletarischen Klassen führte.

Es begann eine Periode starken imperialistischen Expansionismus, die zum Zweiten Weltkrieg führte. Nach dem Krieg durchlief Japan einen Prozess der Demokratisierung und wirtschaftlichen Entwicklung, der es zu einer der führenden Wirtschaftsmächte der Welt und zu einem führenden Zentrum der industriellen Produktion und technologischen Innovation machte. Auf die Meiji-Ära folgten die Ären Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) und Heisei (1989-).

Seit 1930 hat die fortschreitende Militarisierung und Expansion in China und Südasien mit der daraus resultierenden Zunahme der dem Militärhaushalt zugewiesenen Ressourcen zu einem Rückgang der künstlerischen Förderung geführt. Mit dem Wirtschaftsboom der Nachkriegszeit und dem neuen Wohlstand, der durch die Industrialisierung des Landes erreicht wurde, wurden die Künste jedoch wiedergeboren, die aufgrund des Prozesses der kulturellen Globalisierung bereits vollständig in internationale Kunstbewegungen eingetaucht waren.

Auch fördert der wirtschaftliche Wohlstand das Sammeln, wodurch viele Museen und Ausstellungszentren geschaffen wurden, die zur Verbreitung und Erhaltung japanischer und internationaler Kunst beigetragen haben. Im religiösen Bereich führte die Etablierung des Shintoismus als einzige offizielle Religion (Shinbutsu bunri) in der Meiji-Ära zur Aufgabe und Zerstörung buddhistischer Tempel und Kunstwerke, die ohne die Intervention von Ernest Fenollosa, Professor für, irreparabel gewesen wären Philosophie. von der Tokyo Imperial University.

Zusammen mit dem Magnaten und Förderer William Bigelow rettete er eine große Anzahl von Werken, die die Sammlung buddhistischer Kunst im Museum of Fine Arts in Boston und der Freer Gallery of Art in Washington DC, zwei der besten Sammlungen asiatischer Kunst in der USA, nährten Welt. .

Die Architektur hat eine doppelte Richtung: die traditionelle (Yasukuni-Schrein, Heian-Jingu- und Meiji-Tempel in Tokio) und die europäisch beeinflusste, die neue Technologien integriert (Yamato Bunkakan Museum, von Iso Hachi Yoshida, in Nara).

Die Verwestlichung führte zum Bau neuer Gebäude wie Banken, Fabriken, Bahnhöfe und öffentlicher Gebäude, die mit westlichen Materialien und Techniken gebaut wurden und zunächst die englische viktorianische Architektur imitierten. Einige ausländische Architekten haben auch in Japan gearbeitet, wie Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokio).

Architektur und Städtebau erhielten nach dem Zweiten Weltkrieg einen großen Aufschwung, da das Land wieder aufgebaut werden musste. Dann entstand eine neue Generation von Architekten.

Unter der Leitung von Kenzō Tange, Autor von Werken wie dem Hiroshima Peace Memorial Museum, der St. Mary's Cathedral in Tokio, dem Olympiastadion für die Olympischen Spiele 1964 in Tokio usw.

Studenten und Anhänger von Tange schufen das Konzept der Architektur, das als "Metabolismus" verstanden wird, und sahen Gebäude als organische Formen, die an funktionale Bedürfnisse angepasst werden müssen.

Bewegung, die 1959 gegründet wurde, dachten sie daran, ein Bevölkerungszentrum zu schaffen, dessen Prämisse darin bestand, eine Reihe von Gebäuden zu schaffen, die sich gemäß äußeren Veränderungen veränderten, als wäre es ein Organismus.

Zu seinen Mitgliedern gehörten Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe und Kiyonori Kikutake. Ein weiterer Vertreter war Maekawa Kunio, der zusammen mit Tange alte japanische ästhetische Ideen in starre zeitgenössische Gebäude einführte.

Wieder unter Verwendung traditioneller Techniken und Materialien wie der Tatami-Matte und der Verwendung von Säulen, einem traditionellen Konstruktionselement in japanischen Tempeln, oder der Integration von Gärten und Skulpturen in seine Kreationen. Ich vergesse nicht, die Vakuumtechnik zu verwenden, sie wurde von Fumihiko Maki in der räumlichen Beziehung zwischen dem Gebäude und seiner Umgebung untersucht.

Seit den 1980er Jahren hat die postmoderne Kunst in Japan stark Fuß gefasst, da seit der Antike die Verschmelzung zwischen dem populären Element und der Raffinesse der Formen charakteristisch ist.

Dieser Stil wurde hauptsächlich von Arata Isozaki, Autor des Kitakyushu Museum of Art und der Kyoto Concert Hall, vertreten. Isozaki studierte bei Tange und synthetisierte in seiner Arbeit westliche Konzepte mit für Japan typischen räumlichen, funktionalen und dekorativen Ideen.

Tadao Andō seinerseits hat einen einfacheren Stil entwickelt, mit großem Augenmerk auf den Beitrag von Licht und offenen Räumen zur Außenluft (Kapelle auf dem Wasser, Tomanu, Hokkaidō; Kirche des Lichts, Ibaraki, Osaka; Museum der Kinder, Himeji).

Shigeru Ban zeichnete sich durch die Verwendung unkonventioneller Materialien wie Papier oder Kunststoff aus: Nach dem Erdbeben von Kobe im Jahr 1995, das viele Menschen obdachlos machte, trug Ban dazu bei, Delo zu entwerfen, das als Paper House und Paper Church bekannt wurde, schließlich Toyō Itō erforschte das physische Bild der Stadt im digitalen Zeitalter.

Auch in der Bildhauerei gibt es eine Tradition-Avantgarde-Dualität, die neben den abstrakten Masakazu Horiuchi und Yasuo Mizui, der in Frankreich lebt, die Namen von Yoshi Kimuchi und Romorini Toyofuku hervorhebt. Isamu Noguchi und Nagare Masayuki haben die reiche bildhauerische Tradition ihres Landes in Arbeiten zusammengeführt, die den Kontrast zwischen der Rauheit und dem Glanz des Materials untersuchen.

Auch die Malerei folgte zwei Strömungen: der traditionellen (nihonga) und der westlichen (yōga), trotz der Existenz beider blieb die Figur von Tomioka Tessai zu Beginn des 20. Jahrhunderts bestehen, während der Nihonga-Stil gegen Ende des 19. Jahrhunderts verstärkt wurde XNUMX. Jahrhundert von dem Kunstkritiker Okakura Kakuzō und dem Pädagogen Ernest Fenollosa.

Suchen Sie in der traditionellen Kunst nach der archetypischen Ausdrucksform japanischer Sensibilität, obwohl dieser Stil auch einige westliche Einflüsse erhalten hat, insbesondere von Präraffaeliten und Romantik. Er wurde hauptsächlich von Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison und Kobayashi Kokei vertreten.

Die Malerei im europäischen Stil wurde zum ersten Mal durch Techniken und Themen genährt, die Ende des XNUMX. Jahrhunderts in Europa verwendet wurden, hauptsächlich im Zusammenhang mit dem Akademismus, wie im Fall von Kuroda Seiki, der einige Jahre in Paris studierte, dann aber weitermachte die verschiedenen Strömungen, die in der westlichen Kunst auftraten:

Die Gruppe Hakuba Kai nahm den impressionistischen Einfluss auf; abstrakte Malerei hatte Takeo Yamaguchi und Masanari Munay als Hauptfiguren; Figurative Künstler waren Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen und Higashiyama Kaii. Einige Künstler haben sich außerhalb ihres Landes niedergelassen, wie Genichiro Inokuma in den Vereinigten Staaten und Tsuguharu Foujita in Frankreich.

Im Taishō, dem Yōga-Stil, der den größten Einfluss auf das Nihonga hatte, obwohl der zunehmende Einsatz von Licht und europäischer Perspektive die Unterschiede zwischen den beiden Strömungen verringerte.

So wie Nihonga die Innovationen des Postimpressionismus weitgehend übernahm, zeigte Yōga eine Vorliebe für den Eklektizismus, der aus einer Vielzahl unterschiedlicher Kunstbewegungen hervorging.

Für diese Phase wurde die Japanische Akademie der Schönen Künste (Nihon Bijutsu In) gegründet. Die Malerei der Shōwa-Ära war geprägt von der Arbeit von Yasuri Sotaro und Umehara Ryuzaburo, die die Konzepte der reinen Kunst und der abstrakten Malerei in die Nihonga-Tradition einführten.

1931 wurde der Unabhängige Kunstverein (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) gegründet, um die Avantgarde-Kunst zu fördern.

Bereits im Zweiten Weltkrieg betonten staatliche gesetzliche Regelungen deutlich patriotische Themen. Nach dem Krieg tauchten die Künstler in den großen Städten, insbesondere in Tokio, wieder auf.

Urbane und kosmopolitische Kunst schaffen, die den international, insbesondere in Paris und New York, entstandenen stilistischen Innovationen treu folgte. Nach den abstrakten Stilen der sechziger Jahre kehrten die siebziger Jahre zu dem von der Pop-Art bevorzugten Realismus zurück, wie er durch die Arbeiten von Shinohara Ushio gekennzeichnet ist.

Auffallend ist, dass gegen Ende der 1970er Jahre etwas Interessantes geschah, nämlich die Rückkehr zur traditionellen japanischen Kunst, in der man größere Ausdruckskraft und emotionale Stärke sah.

Die Druckgrafiktradition setzte sich bis ins XNUMX. Jahrhundert in einem Stil „kreativer Drucke“ (sosaku hanga) fort, die von Künstlern vorzugsweise im Nihonga-Stil wie Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi und Munakata Shiko gezeichnet und geformt wurden.

Unter den neuesten Trends hatte die Gutai Group einen guten Ruf innerhalb der sogenannten Aktionskunst, die die Erfahrung des Zweiten Weltkriegs durch ironische Aktionen mit großer Spannung und latenter Aggressivität gleichsetzte.

Die Gutai-Gruppe bestand aus: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto und Katsuō Shiraga. Mehrere Künstler, die mit der postmodernen Kunst verbunden sind und am jüngsten Phänomen der Globalisierung beteiligt sind, zeichnen sich durch den Multikulturalismus künstlerischer Ausdrucksformen aus.

Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Andere prominente zeitgenössische japanische Künstler sind: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 und Takashi Murakami.

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