Ich lade Sie ein, viele Informationen über die zu erfahren Kinetische Kunst eine künstlerische Bewegung, die im Jahr 1955 auffiel, weil die Künstler etwas Neues für die Werke wollten und beschlossen, den Werken auf unterschiedliche Weise die Bewegung als Hauptziel zu geben. Lesen Sie weiter und lernen Sie ein wenig mehr!
kinetische Kunst
Kinetische Kunst ist eine künstlerische Strömung, bei der die Werke in ständiger Bewegung zu sein scheinen und die Mitte des XNUMX. Jahrhunderts begann, als Gemälde und Skulpturen geschaffen wurden, um beim Betrachter den Eindruck zu erwecken, dass sich die Arbeit in ständiger Bewegung befindet Bewegung. Bewegung. Deshalb basiert die kinetische Kunst zusammen mit der optischen Kunst auf der Bewegung des Werks.
Es muss jedoch klargestellt werden, dass kinetische Kunst in allen Arbeiten zu finden ist, die auf Bewegung basieren, sei es physisch oder virtuell.
Dazu können einige Ausdrucksformen der optischen Kunst gehören. Es muss jedoch klargestellt werden, dass nicht alle optische Kunst kinetische Kunst ist. Denn um ein Kunstwerk zur kinetischen Kunst zu erklären, muss die Bewegung im Werk im Mittelpunkt stehen.
Auf diese Weise können wir bestätigen, dass es mehrere Arten von kinetischer Kunst gibt, da die Werke je nach ihrer Bewegung klassifiziert werden. Da die Arbeiten in zweidimensionale Bewegungen und dreidimensionale Bewegungen gruppiert werden.
Zu den wichtigsten Arbeiten gehören die Arbeiten mit realer Bewegung, die verschiedene Mechanismen verwenden, und die Arbeiten mit virtueller Bewegung, die sich durch die optische Wahrnehmung des Betrachters auszeichnen.
Die kinetische Skulptur und ihre Eigenschaften
Sowohl die optische als auch die kinetische Kunst sind künstlerische Strömungen, die auf der ständigen Bewegung des Werks beruhen, sei es mechanisch oder virtuell. Obwohl kinetische Kunst hauptsächlich in Skulpturen vertreten ist, verwendet sie im Wesentlichen Ressourcen und Stücke, um das Werk vor dem Publikum in Bewegung zu bringen.
Viele Kunstkritiker stützen sich auch darauf, dass kinetische Kunst auf den berühmten optischen Täuschungen beruhen kann und auf der Unmöglichkeit für das Auge des Betrachters, gleichzeitig auf zwei unterschiedlich gefärbte Oberflächen zu blicken.
Auf diese Weise kann bekannt sein, dass die ersten Manifestationen der kinetischen Kunst im Jahr 1910 erscheinen, mit dem Eintritt der futuristischen Bewegung, die in Italien auftritt und vom Schriftsteller und Dichter Filippo Tommaso Marinetti, dem Herausgeber des Manifests, gegründet wurde des Futurismus, der Folgendes hervorhebt:
„Wir bekräftigen, dass die Pracht der Welt um eine neue Schönheit bereichert wurde: die Schönheit der Geschwindigkeit. Ein Rennwagen, dessen Kühler mit dicken Röhren wie Schlangen mit explosivem Atem geschmückt ist … ein Auto, das brüllt, das auf Schrapnell zu laufen scheint, ist schöner als der Sieg von Samothrake.“
Darüber hinaus erscheinen die Werke des Schachspielers und Künstlers französischer Herkunft Marcel Duchamp in der Arena. Der Künstler hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Dadaismus.
Dann leistete Alexander Calder mit seiner großen Erfindung, dem Mobile, einen Beitrag zur kinetischen Kunst. Sehr wichtig in der kinetischen Skulptur. Seit seiner Erfindung bestand das aus viel Draht und verschiedenen Metallstücken, die in der Umgebung aufgehängt und durch die Luft bewegt wurden.
Aber 1954 wurde es als kinetische Kunst bekannt, um Kunstwerken einen Namen zu geben, insbesondere Skulpturen, die vom Wind bewegt wurden, und andere, die durch automatisierte Mechanismen bewegt wurden.
Deshalb hatte die kinetische Kunst zwischen den Jahrzehnten der 60er und 70er Jahre des XNUMX. Jahrhunderts ihre Blütezeit. Und heutzutage erwecken Werke der kinetischen Kunst wie Gemälde und Skulpturen beim Betrachter eher den Eindruck, als würden sie sich bewegen.
Der Name der kinetischen Kunst stammt von der Spezialität des Zweigs der Physik, der die Bewegung zwischen den verschiedenen existierenden Körpern und die auf sie einwirkende Kraft untersucht. Obwohl viele Kunstkritiker bestätigen, dass dieser Name im Jahr 1920 auftauchte, als ein Bildhauer namens Naum Gabo das realistische Manifest schrieb.
Zu dieser Zeit kam er, um zu unterzeichnen, dass es einen Fehler gab, der von der ägyptischen Kunst geerbt worden war, wo man glaubte, dass statische Rhythmen die einzigen Mittel seien, die existierten, um plastische Kunst zu machen, und ersetzte sie durch kinetische Rhythmen, die die Art und Weise sind, wie der Mensch Sein die Wahrnehmung der Welt spüren.
Von diesem Moment an schuf der Künstler seine erste kinetische Arbeit, die auf einer Stahlstange basierte, die von einem Motor bewegt wurde, und den damals verwendeten Begriff der mechanischen Physik aufwertete.
Aber wie bereits gesagt, wurde kinetische Kunst in den 60er Jahren in den Werken von Künstlern eingesetzt und gab den Werken dank der Verwendung verschiedener Ressourcen wie der optischen Täuschung aufgrund des Lichts, das die Skulpturen erhielten, ein Gefühl von Bewegung. B. eine Lichtwarnung und die Bewegung von Skulpturen dank Elektromotoren und Werke, die in zwei- und dreidimensionaler Form hergestellt werden, wurden ebenfalls in die kinetische Kunst aufgenommen. Zu den Hauptmerkmalen, die wir in kinetischen Skulpturen finden können, gehören die folgenden:
- Skulpturen in der kinetischen Kunst sind bewegte Strukturen, die durch Gewicht und Gegengewicht aktiviert werden sollen. Ebenso durch Vibrationen, Trägheit und Wind.
- Einige Künstler adaptierten die menschliche Teilnahme an kinetischer Kunst, da sich der Betrachter, wenn er ein Stück der Skulptur berührt, in einem bestimmten Fall bewegen wird, wie es der venezolanische Künstler Jesús Soto mit seiner Arbeit Los penetrables getan hat.
- Es gibt Skulpturen, die von elektrischen und magnetoelektrischen Systemen angetrieben werden, wie es bei den Maschinen von Francisco Sobrino der Fall ist.
- Ein sehr wichtiges Merkmal, das von den Künstlern der Bewegung verwendet wurde, war die Verwendung von Licht in Skulpturen als Ressource für die Wahrnehmung, ob natürlich oder künstlich.
- Einige Künstler der kinetischen Kunst nutzten die Umgebung, um ihren Kunstwerken Bewegung zu verleihen, wie beispielsweise den sogenannten Tinguely-Brunnen.
Merkmale der kinetischen Kunst
Die kinetische Kunst erwarb die Vorteile des mechanistischen Willens und der futuristischen Bewegung, indem sie sich die philosophische Strömung des Konstruktivismus und den Aufstieg der Technologie zunutze machte, da die Verschmelzung all dieser Elemente es der kinetischen Kunst ermöglichte, mehr als eine Norm, sondern eine sehr reale Realität zu sein und wahrnehmbar, daher ergeben sich daraus folgende Eigenschaften:
Bewegung als Prinzip: Im Gegensatz zum Konstruktivismus und Futurismus in der kinetischen Kunst ist Bewegung nicht vorstellbar, sondern muss materiell und sinnlich wahrgenommen werden. Deshalb wird Bewegung auf drei Arten begriffen: die Bewegung des Betrachters, die optische Bewegung und die eigentliche Bewegung des Kunstwerks.
Wandlungsfähigkeit des Werkes: In jedem kinetischen Kunstwerk muss die Bewegung ein Grundprinzip sein, weshalb das Kunstwerk als eine transformierte Realität gedacht werden muss. Entweder durch einen elektrischen Mechanismus oder durch die Einwirkung des Windes oder eines anderen Umweltphänomens oder dass das Publikum, das das Werk beobachtet, es berührt.
Raum und Licht als „Material“ der plastischen Gestaltung: In der kinetischen Kunst werden sowohl Raum als auch Licht als plastische Materie in jedem Werk der kinetischen Kunst konzipiert, da ein leerer Raum sehr wichtig ist, um Bewegung erzeugen zu können, genauso wie es mit Licht und den Lichtreflexen geschieht, die gehen Auswirkungen auf das Werk haben, was dazu führt, dass es im Laufe der Zeit modifiziert wird.
Studium optischer Wahrnehmungen: Kinetische Kunst tritt auch in die Fußstapfen impressionistischer Künstler, als kinetische Künstler begannen, die verschiedenen Mechanismen zu studieren, um die beste Bewegung für ihre Skulptur zu verwenden. Auf die gleiche Weise studierten sie die verschiedenen abstrakten Formen und visuellen Rhythmen. Sowie die Überlagerung von geometrischen Figuren und die Wahrnehmung von Licht auf dem Kunstwerk.
Spielerische und partizipative Komponente: In fast allen Werken der kinetischen Kunst ist das Spiel in das Kunstwerk des Autors eingebettet. Da das Werk dem Betrachter als Spiel für seine Augen präsentiert wird, muss der Betrachter bei mehreren Gelegenheiten mit dem Kunstwerk interagieren, damit die kinetische Bewegung stattfindet.
Kunst im öffentlichen Raum und in die Umgebung integriert: Wie bereits erwähnt wurde, dass das Spiel ein Teil der kinetischen Kunst ist, wurde es auch in den öffentlichen Raum integriert, da es von Passanten vorgeschlagen wird, die Skulpturen aufstellen, die in den verschiedenen öffentlichen Räumen bewundert werden können, um dem Ort eine magische Note zu verleihen.
Künstler und Werke der kinetischen Kunst
In diesem Artikel über kinetische Kunst werden wir einige Künstler nennen, denen die kinetische Kunst aufgrund der von ihnen geschaffenen Kunstwerke gelungen ist, darunter die folgenden Künstler, die hervorstechen:
Viktor Vasarely: 1906 in Ungarn geboren und 1997 gestorben, ist er einer der herausragendsten Künstler der kinetischen Kunst für seine Beiträge, da seine Werke in der optischen Kunst hervorstechen. Die Gegenüberstellung zweier Sichtsysteme, der Farbzone und des Tonwerts, setzte er im Werk um. Eines der herausragendsten Werke befindet sich in der Universitätsstadt Caracas.
Jesus Rafael Soto: 1923 in der Bolivarischen Republik Venezuela geboren und 2005 im Alter von 82 Jahren verstorben, ließ sich dieser große Künstler der kinetischen Kunst vom Zwölftonmusiksystem und der seriellen Musik inspirieren, um seine großartigen Werke unter Verwendung dieses Systems aufzuführen mehrere Wiederholungen durchzuführen, die eine große Wirkung auf seine Werke und das Publikum erzielten.
Carlos Cruz-Diez: Der 1923 in der Bolivarischen Republik Venezuela geborene und 2019 im Alter von 96 Jahren verstorbene Künstler ist von der farbenfrohen Schwingung inspiriert. Er war bekannt für die Verwendung schmaler Farbstreifen, die rechtwinklig angeordnet sind und während sich der Betrachter bewegt Das Werk geht auf sich bewegende, wechselnde Farben, die das Gefühl vermitteln, dass sich die Arbeit auch mit dem Betrachter bewegt.
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