El Francis Bacon Maler Er ist bekannt für seine Gemälde nach dem Zweiten Weltkrieg, in denen er das menschliche Gesicht und die Figur in einem ausdrucksstarken und oft extravaganten Stil darstellte. Entdecken Sie mit uns, wer er war und was die Gemälde motivierte, die die Welt in Erstaunen versetzen.
Wer war der Maler Francis Bacon?
Dieser ikonische Künstler aus der irischen Hauptstadt ist ein Nachkomme von Captain Anthony Edward Mortimer und seiner sehr jungen Frau Christina Winifred Firth.
Er lebte sehr harte Jahre unter der Autorität einer herrschsüchtigen und schroffen Vaterfigur. Francis wurde verspottet und misshandelt, weil er schwach und kränklich war, viele Erinnerungen und Geschichten behaupten, dass sein Vater ihn in seiner Jugend viel ausgepeitscht und bestraft hat.
Er war ein Junge mit schwacher Gesundheit aufgrund seines chronischen Asthmaproblems und wurde zu Hause erzogen, wobei er als Kind einen zurückhaltenden, sehr schüchternen und stillen Charakter bewahrte. Mit 17 wurde er für immer aus dem Haus der Familie geworfen, als er dabei erwischt wurde, wie er die Unterwäsche seiner Mutter anprobierte.
Nachdem Francis Bacon als junger Mann nach Deutschland und Frankreich gereist war, ließ er sich in London nieder und begann eine Karriere als autodidaktischer Künstler. Die meisten seiner Gemälde aus den 40er bis 60er Jahren stellen die menschliche Figur in Szenen dar, die Entfremdung, Gewalt und Leid widerspiegeln und gelten als eines der wichtigsten Kunstwerke der Nachkriegszeit.
Aber trotz seiner ständigen Asthmaanfälle und der erlittenen Misshandlungen war Francis Bacon willensstark und belastbar. Er trank, aß, spielte, liebte und malte mit einer solchen Leidenschaft, dass die Zeit zum Schlafen immer kürzer wurde, etwa zwei oder drei Stunden pro Nacht waren die Norm. Durch diesen Schleier aus Ausschweifung, hartem Leben, tiefen Freundschaften und ästhetischen Obsessionen schuf Bacon eine Sammlung von Gemälden, die nicht nur atemberaubend schön, sondern für ihre Zeit auch kühn und originell waren.
Seine beeindruckende Arbeit brachte die Gruppe von Malern um ihn herum im England der Mitte des Jahrhunderts, die als London School bekannt wurde, zusammen und belebte sie und beeinflusste auch mehrere nachfolgende Künstlergenerationen, darunter Damien Hirst, Jenny Saville und Jake und Dinos Chapman eine große Anzahl.
Kindheit, Jugend und künstlerische Anfänge
Der Maler Francis Bacon wurde am 28. Oktober 1909 in Dublin, Irland, als Sohn eines englischen Ehepaars geboren. Er stammt aus der Linie des berühmten Philosophen Francis Bacon aus dem XNUMX. und XNUMX. Jahrhundert. Er wuchs in Irland und England auf und war nicht in der Lage, eine Ausbildung wie jedes andere Kind in seinem Alter aufrechtzuerhalten, also wurde er aus gesundheitlichen Gründen zu Hause unterrichtet.
Sein Vater, Captain Anthony Edward Mortimer Bacon, der den Spitznamen Eddy trug, war Australier und wurde in der Stadt Adelaide im Süden des Landes als Sohn eines englischen Vaters und einer australischen Mutter geboren. Eddy war ein Burenkriegsveteran, Pferdetrainer und Enkel von Anthony Bacon, der behauptete, aus der Familie von Sir Nicholas Bacon zu stammen, dem Halbbruder des elisabethanischen Staatsmanns, Philosophen und Essayisten Sir Francis Bacon.
Die Mutter von Little Francis, Christina Winifred Firth, mit dem Spitznamen Winnie, war Erbin eines Stahlunternehmens und einer Kohlemine in Sheffield, daher war ihre finanzielle Situation recht komfortabel. Bacon hatte eine große Familie, einen älteren Bruder, Harley, zwei jüngere Schwestern, Ianthe und Winifred, und schließlich einen jüngeren Bruder, Edward.
Die Familie zog oft um und wechselte mehrmals zwischen Irland und England, was ein Gefühl der Instabilität und Vertreibung verursachte, das Francis sein ganzes Leben lang begleitete.
Die Familie lebte ab 1911 im Canny Court House in der Grafschaft Kildare, dann in Westbourne Terrace in London, ganz in der Nähe des Land Force Records Office, wo der Vater beschäftigt war und später am Ende des Ersten Weltkriegs nach Irland auswanderte..
Bacon lebte mit seinen Eltern, aber auch seinen Großeltern mütterlicherseits, Winifred und Kerry Supple, in Farmleigh, Abbeyleix, war jedoch immer in der Obhut des Familienmädchens Jessie Lightfoot aus Cornwall, liebevoll bekannt als Kindermädchen Leichtfuß, eine warmherzige und mütterliche Figur, die ihm bis zu ihrem Tod nahe blieb.
Bacon war ein schüchterner Junge, der Kleidung und Kleidung genoss und auch übermäßig zarte und etwas feminine Manieren hatte, Dinge, die zusammen oft seinen Vater wütend machten, der ihn nach einigen späteren Geschichten misshandelte.
Es war 1924, als er noch ein Teenager war, seine Eltern wechselten immer wieder den Wohnsitz und Francis' Persönlichkeit begann sich zu verändern, er zeichnete gerne weibliche Figuren mit gewagten Kleidern und Hüten. Auf einer Kostümparty im Haus eines Freundes der Familie in Cavendish Hall verkleidete sich Francis als Flapper, komplett mit Strasskleid, Lippenstift, High Heels und einer langen Zigarettenspitze.
1926 kehrte die Familie in die Straffan Lodge zurück, und seine Schwester Ianthe, zwölf Jahre jünger als er, erinnerte sich immer an diese Zeichnungen und den unterschiedlichen Geschmack ihres Bruders. Dieses Jahr war entscheidend für Francis, der aus seinem Elternhaus vertrieben wurde, nachdem ihn sein Vater in der Unterwäsche seiner Mutter vor einem großen Spiegel bewundernd fand.
Im Jahr 1927, im Alter von nur 17 Jahren, obdachlos und mit Eltern, die seine Sexualität nicht akzeptierten, reiste Francis Bacon nach Berlin, Deutschland, wo er am schwulen Nachtleben der Stadt sowie in den intellektuellen Kreisen teilnahm. Anschließend zog er nach Paris, Frankreich, wo er sich durch ständige Besuche in Galerien noch mehr für Kunst interessierte. Der spätere Maler kehrte Ende der XNUMXer Jahre nach London zurück und begann eine kurze Karriere als Innenarchitekt, wobei er auch Möbel und Teppiche in einem modernen, vom Art déco beeinflussten Stil entwarf.
Als der Krieg ausbrach, versuchte er sich zu melden, wurde aber wegen schwerer Asthmaerkrankungen abgelehnt, trat aber dem Rettungsteam des Krankenwagens bei.
Dann begann er zu malen, zunächst in einem von Pablo Picasso beeinflussten kubistischen Stil, später in einer surrealeren Manier. Bacons autodidaktische Arbeit erregte Interesse und 1937 wurde er in eine Gruppenausstellung in London mit dem Titel "Young British Painters" aufgenommen.
Herausragende Arbeiten zwischen den 40er und 50er Jahren
Francis Bacon teilte irgendwann mit, dass der eigentliche Beginn seiner künstlerischen Karriere 1944 war, da es die Zeit war, in der er sich voll und ganz der Malerei widmete und die Werke schuf, die ihn berühmt machten und für die er noch heute in Erinnerung bleibt.
Drei Studien für Figuren am Fuße einer Kreuzigung, gilt als wichtiger Wendepunkt. Seine Leinwände zeigen menschliche Figuren, oft war es eine einzelne Figur, völlig isoliert in einem Raum, einem Käfig oder einem schwarzen Hintergrund.
Er schuf eine Reihe von Gemälden, inspiriert von dem Porträt von Papst Innozenz X. von Diego Velázquez aus dem Jahr 1650, wobei er jedem einen eigenen Stil gab, mit den dunklen Farben, die ihn auszeichneten, groben Pinselstrichen und verzerrten Gesichtern. Diese Werke werden oft als Francis Bacon's Screaming Pope Paintings bezeichnet.
Es waren sehr unterschiedliche Themen, auf einer Leinwand sieht man eine stehend gemalte Figur und daneben ein Stück enthäutetes Fleisch, während andere von traditionellen religiösen Themen inspiriert waren. Allen seinen Gemälden war jedoch eines gemeinsam, die eindringliche Betonung universeller Leidens- und Entfremdungserfahrungen des Malers Francis Bacon.
Sein Leben und seine Kunst nach 1960
Auch wenn die moderne Kunst zu einer Zeit von der Abstraktion dominiert war, malte dieser herausragende Maler weiterhin Gesichter und Figuren von Menschen, ohne dem Trend zu erliegen. Sein sehr emotionaler Umgang mit Farben und Pinselstrichen, die Übertreibung von Formen und Gesten brachten ihm das Etikett eines expressionistischen Künstlers ein, obwohl er diesen Begriff ablehnte.
Bacons Werke aus den 1960er Jahren zeigen oft männliche Figuren als Einzelgänger in formellen Geschäftsanzügen, andere als nackte Figuren mit erheblich veränderten Teilen und Gesichtszügen. Es gab Jahre, in denen er zu bestimmten Zeiten einige helle Töne verwendete, aber die Themen Gewalt und Sterblichkeit waren immer noch seine Hauptinspiration und die dunklen und kalten Töne sehr verbreitet.
Er malte auch häufig Porträts von Bekannten, Kollegen, Künstlern und einigen Rivalen in der Gegend, darunter George Dyer, der Francis traf, als er versuchte, sein Haus auszurauben.
Der Maler Francis Bacon traf George Dyer, eines der Modelle, die er malte und am meisten begehrte, als Dyer, ein junger Kleinkrimineller, der in East London lebte, eines Nachts im Jahr 1963 durch das Oberlicht des Hauses des Künstlers fiel, mit der Absicht einen Raub begehen.
Bacon soll ihm gesagt haben, dass er für einen Dieb sehr tollpatschig sei, aber dieser junge Mann erregte definitiv die Aufmerksamkeit des Pintos, der 25 Jahre älter war als er. Bacons unkonventionelle Beziehung zu Dyer dauerte acht Jahre, bis der junge Mann in seinem Pariser Hotelzimmer an einer Überdosis Alkohol und Barbituraten starb.
Dieses Ereignis fand zwei Tage vor der Eröffnung der Bacon-Retrospektive im Grand Palais im Oktober 1971 statt. Zu dieser Zeit war der Künstler weltberühmt und die Preise seiner Werke konkurrierten mit denen von Picasso. Diese Einzelausstellung im Grand Palais in Paris war eine außergewöhnliche Ehre für einen lebenden Künstler und der Tod seiner Geliebten wurde verschwiegen, um diese große Leistung nicht zu überschatten.
George Dyer war eine leidenschaftliche und turbulente Romanze, geprägt von Höhen und Tiefen und Wahnsinn, so sehr, dass Dyer ihn unter anderem des Drogenbesitzes beschuldigte. Viele seiner Erfahrungen wurden im Film dargestellt Liebe ist der Teufel: Studie für ein Porträt von Francis Baconaus dem Jahr 1998 mit Derek Jacobi, Daniel Craig und Tilda Swinton. Bacon, bekannt für seine Ausgelassenheit, seine Liebe zum Trinken und seine Leidenschaft für Kunst, behielt ein notorisch überfülltes Haus und Atelier in London und malte bis an sein Lebensende weiter.
Er starb am 28. April 1992 während eines Urlaubs in Madrid, Spanien, im Alter von 82 Jahren an einem Herzleiden erkrankt, nachdem er nie aufgehört hatte, der britische Gentleman mit einem jugendlichen Gesicht zu sein und trotz eines Lebens voller Ausgelassenheit und weniger Stunden gut umsorgt wurde des Schlafes, der sich elegant und subtil kleidete. Vor allem aber hörte er nie auf zu malen, zu essen, zu trinken, zu lieben und zu lesen. Dieser unersättliche Leser hinterließ eine Bibliothek mit rund XNUMX Büchern, fast alle mit Anmerkungen und Kommentaren.
Vermächtnis des Malers Francis Bacon
Bacon gilt als einer der führenden britischen Maler der Nachkriegsgeneration und als maßgeblicher Einfluss auf eine neue Generation figurativer Künstler in den XNUMXer Jahren.
Seine Arbeiten befinden sich im Besitz der wichtigsten Museen der Welt und wurden in verschiedenen Retrospektiven ausgestellt. Nach seinem Tod wurde sein Arbeitszimmer von der Hugh Lane Gallery gekauft, wo sie einen Raum organisierten, damit die Besucher ihn schätzen konnten.
Drei Studien von Lucian Freud des Malers Francis Bacon brach 2013 den Rekord für das teuerste auf einer Auktion erworbene Werk. Der Endpreis betrug 142,4 Millionen Dollar und die Auktion wurde von Christie's in den Vereinigten Staaten durchgeführt.
Dieser Maler, der 82 Jahre alt wurde, war unter traditionellen Künstlergruppen sehr umstritten, da die kraftvollen Werke, die er mit meisterhaften Pinselstrichen ausführte, oft sehr kontroverse Themen wie Sex, Schmerz, Leiden und Tod behandeln, die von vielen als obszöne Gemälde angesehen werden.
In seiner Arbeit brach Bacon mit allen ernsthaften Standards und Regeln der traditionellen englischen Kunst und neigte zu einer eher europäischen Tradition und einem europäischen Stil. Autodidakt und voller Genie, ohne formale Kunstausbildung, malte er manchmal mit seinen Fingern, benutzte Pinsel oder Lappen und kombinierte Bilder aus verschiedenen Medien, um beeindruckende Kompositionen zu schaffen.
Was hat Sie inspiriert?
Nachdem Bacon aus dem Haus seiner Familie geworfen worden war, unternahm er eine Reihe europäischer Eskapaden, die ihm die Augen für Kunst und Design öffneten, ganz zu schweigen von anderen irdischen Freuden wie Sex und Wein.
Verschiedene Werke, denen er auf seinen Reisen begegnete und die er bewunderte, prägten sein Werk nachhaltig und unauslöschlich und ließen ihn bis zu seinem Tod 1992 nicht mehr los. So stieß er beispielsweise 1927 während seines Französischstudiums in der Nähe von Chantilly auf das große Massacre of the Innocents de Poussin (1628–29), beeindruckt von der in der Szene gezeigten Qual.
Die mit großer Intensität verkörperte Emotion in der Gestalt einer Mutter, deren kleiner Sohn von einer gnadenlosen Gestalt getötet werden soll, erschütterte den Künstler.
Später in diesem Jahr begegnete und sah er Material, das seine Karriere stark beeinflusste: ein Buch über Mundkrankheiten, Sergej Eisensteins Film „Panzerkreuzer Potemkin“ von 1925 und die Szene, in der eine blutüberströmte Krankenschwester heult. Bilder, die für ihn unvergessen waren und als Bild dauerhaft in seinem Kopf eintätowiert blieben.
Ein weiteres entscheidendes Ereignis für den Maler war eine Reise nach Paris gerade in dieser Zeit, die es ihm ermöglichte, die ersten figurativen Zeichnungen von Picasso zu sehen. All dieses Material und seine Wirkung repräsentierten Francis Bacons frühe künstlerische Ausbildung und einen bleibenden Einfluss auf alle seine nachfolgenden Arbeiten, die seinen einzigartigen und originellen Ansatz zeigen.
Es sei darauf hingewiesen, dass der Maler Francis Bacon nie eine formelle Ausbildung erhielt, was ihn jedoch nicht davon abhielt, Werke zu schaffen, in denen der menschliche Körper ein formbarer, grotesker Behälter voller roher Gefühle war. Der weit geöffnete Mund sollte sich später in einigen der großen Gemälde des Malers materialisieren: seiner Serie der Trauerkartoffeln, an der er von 1949 bis 1971 arbeitete und verschwommene, thronende Männer zeigt, die mitten in einem intensiven und scheinbar ewigen Schrei gefangen sind.
Viele vermuten, dass sie gleichzeitig die militaristischen Befehle von Bacons Vater, die wütenden Auseinandersetzungen zwischen dem Maler und seinem gequälten Liebhaber Peter Lacy, einen einfachen Angstschrei oder den Höhepunkt eines schaudernden Orgasmus widerspiegeln. Das war die Kraft der Arbeit dieses Malers, selten und einzigartig, er konnte eine Vielzahl von Referenzen verschmelzen, ein Monster oder eine Bestie, die vor vielfältigen und subtilen Emotionen zitterte, voller Frustration, Anspannung oder Angst.
Bacons Popes-Serie war das Produkt eines anderen großen Einflusses: Velázquez' Porträt von Papst Innozenz X. aus dem Jahr 1650, ein Werk, in das Bacon sich verliebte, und er zögerte nicht, es zuzugeben.
Bei vielen Gelegenheiten überarbeitete Francis seine eigene Version dieses Meisterwerks, obwohl er sich weigerte, das Gemälde persönlich zu sehen, als er nach Rom reiste. Er erklärte, dass er sich schäme, dass er dieses beeindruckende Stück so oft so dumm behandelt habe. Bacon behauptete, dass die Arbeit vieler großer Künstler wie Giacometti, van Gogh und Matisse Einfluss auf seine Werke hatte, aber er hörte nie auf, Schriftsteller und Dichter wie Racine, Baudelaire und Proust um Inspiration und kreative Anleitung zu bitten.
Dabei betonte er stets, dass ihn an der Literatur am meisten die Fähigkeit reizte, die Komplexität der Existenz eines Individuums in wenigen prägnanten Zeilen und Sätzen zusammenzufassen. Etwas, das er mit den vielfältigen und faszinierenden Figuren zu tun versuchte, die auf seinen Leinwänden untergebracht waren.
Irgendwann präzisierte er, dass er den Tod nicht betont, er akzeptiert ihn einfach als Teil der Existenz, da man sich im Leben immer der Sterblichkeit bewusst ist, einfach eine Rose, die blüht und dann stirbt.
Wie war Ihre Arbeitsweise?
Die Reproduktionen, die Bacon als Inspiration dienten, wie z Das Massaker an Unschuldigens, abgenutzte Fotografien von wilden Tieren, ägyptische Talismane, Bücher und mehr, gruppierten sich auf den Böden der Ateliers, in denen er arbeitete, immer als großes Durcheinander, das ihn während seiner gesamten Karriere begleitete.
Das üppige Durcheinander war immer mit Farbe und Spuren der Partys gewürzt, die er gelegentlich nach Nächten in Londons Clubs und Spielhöllen veranstaltete.
Viele beschrieben ihren Arbeitsplatz als chaotisch, wo alles Unerwartete auftauchen konnte. Bei aller Unordentlichkeit und Dekadenz war der Maler Francis Bacon jedoch auch sehr engagiert bei seiner Arbeit und hatte seine ganz eigenen Regeln.
Er bekräftigte, dass man in allem diszipliniert sein müsse, vor allem aber in der Frivolität. Sein leidenschaftliches Interesse an Geselligkeit schien seine Inspiration und seine Arbeit zu nähren, da er selbst erklärte, dass er nach einer Nacht sehr früh am Morgen aufwachen und mehrere Stunden lang mit dem besten Licht des Tages, dem der ersten Stunden, malen konnte nach Sonnenaufgang.
Danach konnte er sich betrunken essen und trinken, durch die Stadt touren und sich unter seine vielen Freunde und Bekannten mischen, zu denen häufig seine Malerkollegen Lucian Freud und Frank Auerbach gehörten. Auch renommierte Londoner Sammler, wie Sainsbury's, einige seiner vielen Liebhaber, wie Lacy oder Eric Hall, unter anderen Persönlichkeiten.
Er war ein extravaganter Künstler, der behauptete, nach einer durchzechten Nacht besser zu arbeiten, weil er wiederholte, dass sein Geist nach diesen endlosen Partynächten lebendig und mit Energie gefüllt wurde, er fühlte, dass ihn das Trinken freier machte. Bekanntlich birgt diese Art von Routine jedoch einige Risiken, wenn nicht sogar viele gefährliche Risiken. Bei mehreren Gelegenheiten kam er nach den Partys spät und sehr betrunken nach Hause, so sehr, dass er beschloss, ein an diesem Tag fertiggestelltes Gemälde zu "perfektionieren".
Dann würde er aufwachen und feststellen, dass das, was er perfektioniert hatte, einfach ruiniert war. Nach mehreren Episoden dieser Art begann seine Galerie, die Werke und Gemälde aus seinem Atelier nach deren Fertigstellung zu sammeln.
Dafür sorgten auch das Kindermädchen, das ihn aufzog und sein Leben lang begleitete, seine Nanny Jessie Lightfoot, die bis zu ihrem Tod 1951 bei dem Maler lebte, und die beiden Hauptvertreiberinnen seiner Werke, Erica Brausen in der Hanover Gallery und später Valerie Beston in der Marlborough Gallery, die ebenfalls eine entscheidende Rolle bei der Organisation und Entwicklung seines Lebens und seiner Karriere spielte.
Der respektlose Künstler, der in seiner Jugend finanzielle Probleme hatte, hatte die Unterstützung von Lightfoot, der ihm half, einige Unternehmen zu gründen oder Liebhaber zu finden, die ihn finanziell unterstützen würden. Brausen wurde eine enge Freundin und Vertraute, verbunden durch die Kunst, ihre gemeinsame Homosexualität und ihre Vorliebe für Risikobereitschaft, Bacon auf der Leinwand und ihre an den Wänden ihrer Galerie.
Ab 1958 organisierte Miss Beston, wie sie liebevoll genannt wurde, während seiner erfolgreichsten Jahre fast die gesamte tägliche Logistik von Bacon, kümmerte sich um die Zahlung seiner Rechnungen, organisierte seinen Zeitplan, sorgte dafür, dass seine Wohnung sauber gehalten wurde, und verwaltete ihn im Zeitplan Arbeit, die der Malerei gewidmet ist. Außerdem achtete er darauf, seine Leinwände nicht in den Mülleimer zu werfen, da er sie bei einigen Gelegenheiten zerstörte.
Warum ist Ihre Arbeit wichtig?
Dieser unglaubliche Künstler verlieh den von ihm gemalten Figuren eine neue emotionale Intensität und stellte seine Motive, seien es seine Freunde, Modelle oder mythologischen Figuren, als eine verdrehte, fleischige, groteske und emotional exponierte Masse dar.
Er versuchte, die Komplexität hinter der Fassade des Menschen, der Energie, des Leidens und der Ekstase aufzuzeigen. Figuren, die mit ihren verschwommenen und verzerrten Gliedmaßen die ursprünglichsten Impulse verrieten, vielleicht deshalb in seinen Inszenierungen der XNUMXer Jahre, weisen die Darstellungen von Affen und Menschen oft eine starke Ähnlichkeit auf.
Der Maler Francis Bacon verkörperte und nährte sich in seinem Leben und seiner Kunst von Extremen und übersetzte sie in erkennbare Bilder, deren Spannung zeigt, dass sie das Produkt eines Lebens am Rande sind.
Themen seiner Werke
Der Maler Francis Bacon war innovativ und hatte einen kraftvollen Arbeitsstil, aber wie wir bereits gesehen haben, hatte er eine gewisse Vorliebe für einige spezifische Themen, um seine Werke auszuführen, was ihm zweifellos großen Erfolg bescherte. Diese schließen ein:
Die Kreuzigung
Die Bilder der Kreuzigung wiegen schwer im Werk von Francis Bacon, da jede Menge Emotionen und Empfindungen daran hängen und reflektiert werden können. Es ist ein Raum, in dem einer Person körperlicher Schaden zugefügt wird und andere sich um sie herum versammeln, um zuzusehen und bestimmte Bereiche des Verhaltens der Person zu untersuchen.
Dieses Thema tauchte in seinen ersten Werken immer wieder auf, als er etwa im Alter von 30 Jahren ernsthaft zu malen begann. Um 1933 beauftragte Eric Hall ihn mit einer Serie von drei Gemälden zu diesem Thema, wobei die ersten Gemälde von frühen Vertretern wie Matthias Grünewald, Diego Velázquez und Rembrandt beeinflusst wurden. Auch für Picassos Werke aus den späten zwanziger und frühen dreißiger Jahren.
Papas
Bacons Serie von Päpsten, die viel von Velázquez' berühmtem Porträt von Papst Innozenz X Studie von drei Figuren am Fuß einer Kreuzigung und wie der offene Mund, der schreit.
Die Figuren der Päpste, bildlich isoliert durch teilweise geschwungene Parallellinien, die auf Kräfte und innere Energie hinweisen, sind anders und wirken von ihrer ursprünglichen Darstellung entfremdet, sie sind im Werk ihrer Macht beraubt und es ist eine Metapher für die leidende Menschheit.
Liegefiguren
Viele von Bacons Gemälden haben unter ihren Bewohnern liegende Figuren, einzeln oder in Triptychen, wo sie mit bestimmten Variationen wiederholt werden. Die Komposition der besonders nackten Figuren ist von Michelangelos bildhauerischem Werk beeinflusst und die mehrphasige Interpretation, die auch auf Porträtmodelle übertragen werden kann, verweist auf die Chronofotografie von Eadweard Muybridge.
der Mund, der schreit
In erster Linie inspiriert durch das Standbild aus Sergei Eisensteins Stummfilm „Panzerkreuzer Potemkin“ aus dem Jahr 1925 ist ein wiederkehrendes Motiv in vielen von Bacons Werken der späten 1940er und frühen 1950er Jahre Werke von Matthias Grünewald, neben den Standbildern der Krankenschwester in der Odessa-Treppe.
Bacon sah den Film „Panzerkreuzer Potemkin“ im Jahr 1935 und hat ihn sich seitdem häufig angesehen, wobei er ein Standfoto der Szene in seinem Studio aufbewahrte, das eine Nahaufnahme des vor Panik und Schrecken schreienden Kopfes der Krankenschwester zeigte, an dem die zerbrochene Brille baumelte sein blutverschmiertes Gesicht. Ein Bild, auf das er sich während seiner gesamten Karriere bezog und das er als Inspirationsquelle nutzte.
Francis Bacon beschrieb den schreienden Mund als Katalysator für seine Arbeit und nahm seine Form in die Malerei der Chimäre auf. Die Verwendung des Motivs ist in einem seiner frühesten erhaltenen Werke, Abstraktion der menschlichen Form, zu sehen.
Es ist ersichtlich, dass es in den frühen 1950er Jahren zu einer obsessiven Sorge wurde, und wenn der Betrachter vielleicht wirklich die Ursprünge und Auswirkungen dieses Schreis erklären könnte, wäre er dem Verständnis der gesamten Kunst dieses Malers näher.
Bedeutende Werke des Malers Francis Bacon
In seinem kleinen Londoner Atelier, wo Quellenmaterial im Überfluss vorhanden war, überall Champagnerflaschen und Gemälde, erweckte der Maler Francis Bacon eine Reihe bahnbrechender und einflussreicher Gemälde des XNUMX. Jahrhunderts zum Leben. Seine Leinwände beherbergen eine Reihe verdrehter Figuren mit dramatischen und verzerrten Gesten, die Persönlichkeiten aus der religiösen und künstlerischen Welt gegenüber Freunden und ungezügelten Liebhabern darstellen.
Seine Arbeit verkörpert eine Reihe kultureller Unbequemlichkeiten und Ängste der Nachkriegszeit sowie die Dämonen und Obsessionen des Künstlers selbst.
Francis Bacon erweckte ikonische Bilder und Figuren zum Leben, die zeigten, wie unglaublich verwundet und traumatisiert die Gesellschaft nach dem Krieg war. Inspiriert vom Surrealismus und Quellen wie Kino, Fotografie und anderen Künstlern gelang es dem Künstler, einen unverwechselbaren Stil zu schmieden, der ihn in den XNUMXer und XNUMXer Jahren zu einem der berühmtesten und am meisten bewunderten Vertreter der figurativen Kunst machte.
Bacon konzentrierte seine Energie auf die Porträtmalerei und stellte die Stammgäste der Bars und Clubs in Soho als gewalttätig verzerrte Subjekte dar, fast als Fleischbrocken, isolierte Seelen, die eingesperrt und von existentiellen Dilemmata gequält wurden.
Aber viele Menschen fragen sich immer noch, was sein Geheimnis war, um diese rätselhaften Bilder und Figuren zu erschaffen. Was hat es so faszinierend und überraschend gemacht? Mit zutiefst bewegenden Gemälden, einer schwefelhaltigen Kraft, die überdauert hat, und Werken, die für exorbitante Beträge versteigert wurden, wird ihr Einfluss definitiv nicht so schnell verblassen.
Der Maler Francis Bacon war ein sehr vielschichtiger Mann, dessen Werk das Gewirr intensiver Beziehungen, historisch-künstlerischer Fixierungen und etlicher Laster widerspiegelt, die er besaß, und wahrhaft faszinierende künstlerische Muster schuf:
Kreuzigung (1933)
Die Kreuzigung ist das Werk, das den Künstler ins öffentliche Rampenlicht rückte und dem weit größere Erfolge der Nachkriegsjahre folgten.
Dieses Triptychon wurde möglicherweise von Rembrandts bekanntem Werk Le Boeuf écorché (Der enthäutete Ochse) von 1655 inspiriert, aber vom surrealistischen Stil von Picasso beeinflusst. Es stellt drei Formen des gewaltsamen Todes nach, besiegte, massakrierte Figuren, die auf Betten liegen und kopfüber hängen.
Das durchscheinende Weiß auf dem Körperrahmen in diesem Werk verleiht eine gewisse gespenstische Atmosphäre und erzeugt eine ziemlich verstörende Komposition, in der Schmerz und Angst als eine der festen und obsessiven Ideen des Malers entlarvt werden.
Die Kreuzigung aus dem Jahr 1933 misst etwa 197,5 x 147 Zentimeter und wurde erstmals zu einer Zeit ausgestellt, als die Traurigkeit, Brutalität und Schrecken des Ersten Weltkriegs noch latent waren, und spiegelte wider, was jeder wusste, wie sich die Grausamkeit und Grausamkeit veränderte die Welt für immer.
Ich weiß, dass für religiöse Menschen, für Christen, die Kreuzigung eine ganz andere Bedeutung hat. Aber als Ungläubiger war es nur das Verhalten eines Mannes gegenüber einem anderen.
Die Figur in der Landschaft (1945)
Figure in a Landscape ist eine in Öl auf Leinwand gewebte Arbeit, die vermutlich von einem Foto von Bacons damaligem Liebhaber Eric Hall inspiriert wurde, der in einem Flanellanzug im Halbschlaf auf einem Sitzplatz im Hyde Park saß.
Ein wesentlicher Teil des Körpers wurde dunkel bemalt, was auf eine Leere hindeutet, mit einem erkennbaren offenen Mund, der etwas an einen Anführer erinnert, der eine Rede hält, und angeblich von Fotografien von Nazis inspiriert wurde, die sich an ihre Anhänger wenden. Dieses Bild, umgeben von einer pastoralen Umgebung, zeigt einen großen Kontrast zwischen Gewalt und Aggression und der täglichen Realität des Künstlers.
Malerei (1946)
Die geschichteten Bilder dieses rätselhaften Gemäldes verschmelzen ineinander und verleihen ihm ein alptraumhaftes Aussehen. Es ist beeindruckend, von oben die ausgebreiteten Flügel eines Vogelskeletts zu sehen, die auf einer hängenden Leiche zu sitzen scheinen, wobei dieses letzte Motiv, wie die Kreuzigung von 1933, von den Werken Rembrandts beeinflusst wurde.
Im Vordergrund sitzt ein gut gekleideter Mann unter einem Regenschirm in einem runden Gehege, das mit weiteren Knochen und einer weiteren Leiche geschmückt werden könnte. Die seltsame Komposition dieses Bildes, das einer Collage gleicht, verrät Bacons Methode für dieses Gemälde. Es war einfach ein Zufall, denn er wollte nur das Bild eines Vogels nachstellen, der auf einem Feld sitzt, sagte der Maler wenig später.
Dieses Öl und Pastell auf Leinen wurde von seinem Schöpfer als eine Reihe von Unfällen katalogisiert, die sich nacheinander anhäuften, und obwohl es in irgendeiner Weise mit den drei vorherigen Formen verwandt war, deuteten die Linien, die er zeichnete, etwas völlig anderes an und als solches das Bild wurde auf eine ganz andere Weise erhoben.
Der Maler erklärte, es sei nicht seine Absicht gewesen, diesen seltsamen Film zu machen, er habe es sich nie so vorgestellt, es sei einfach passiert. Die Wahrheit ist, ob beabsichtigt oder nicht, es war ein Werk, das, wie viele von Bacons anderen, viel Erwartung und Aufsehen erregte.
Drei Studien für Figuren am Fuße einer Kreuzigung (1944)
Diese Arbeit verschafft Bacon Mitte der 1940er-Jahre einfach einen guten Ruf und zeigt die Bedeutung des biomorphen Surrealismus bei der Gestaltung seines frühen Stils. Es ist ein Triptychon im surrealistischen Stil mit den Maßen 74 x 94 Zentimeter für jede Tafel.
Möglicherweise hatte er ursprünglich vor, die Figuren in eine Kreuzigung einzufügen, aber sein Hinweis auf die Basis einer solchen Komposition legt nahe, dass er sie sich als Teil einer Predella vorstellte. Die verdrehten und verzerrten Körper werden durch ihre vage vertrauten menschlichen Formen, die sich mit Schmerz und einem Hauch von Qual und Flehen dem Betrachter entgegenzustrecken scheinen, etwas erschreckender.
Die Figuren basieren auf den Furien, Rachegöttinnen aus der griechischen Mythologie, die in der Orestie, einer dreiteiligen Tragödie von Aischylos, eine wichtige Rolle spielen, und es ist möglich, dass Bacon von den Themen Schuld und Besessenheit des Stücks angezogen wurde. Dieses unglaubliche Stück hat die Körperbilder in der britischen Kunst der Nachkriegszeit tiefgreifend und radikal beeinflusst.
Studie des Porträts von Papst Innozenz X. von Velázquez (1953)
Obwohl die Figur in diesem Bild von einem Porträt von Papst Innozenz X. des Künstlers Diego Velázquez aus dem Jahr 1650 stammt, vermied es der Maler Francis Bacon, das Originalgemälde zu sehen, und arbeitete lieber mit Reproduktionen. Er entfaltet einen käfigförmigen Rahmen, der das Bild, das den Papst verkörpert, umgibt, und führt auch eine vertikale Bürste auf der Oberfläche des Gemäldes ein, ein Element, das er als Vorhang bezeichnete, und die Figur mit einem wertvollen Objekt in Verbindung bringt, das einen geschützten Raum benötigt.
Die linearen Striche sind jedoch destruktiv für das Bild und ähneln eher den Gitterstäben einer Gefängniszelle als einem Vorhang. Die Linien scheinen fast zu vibrieren und die komplementären Violett- und Gelbtöne tragen zur Spannung der Komposition bei.
Der Maler Francis Bacon war kein Mann, der mit dem Christentum verwandt war, er betrachtete sich nie als religiös, jedoch zeigt seine Arbeit eine Anziehungskraft auf Symbole wie die Kreuzigung und den Papst und ließ sich von ihnen inspirieren, um eine breite Palette von Emotionen und Gefühlen zu zeigen.
Mit verzerrtem Gesicht und dem berühmten Schrei versichert der Maler, dass es nicht so war, wie er es wollte, er habe eher an etwas gedacht, das einem Monet-Sonnenuntergang ähnele. Seine rätselhafte Geste voller Brutalität zeigt jedoch etwas unbestreitbar Schönes und Gelassenes.
Dieses Bacon-Gemälde hat diesen besonderen faszinierenden Stil, abscheuliche Motive so darzustellen, dass sie mit den luxuriösen Salons kompatibel sind, in denen viele von ihnen hingen. Dieses 153 x 118 Zentimeter große Ölgemälde, dessen ursprünglicher Name lautet Studie nach Velázquez' Porträt Papst Innozenz X., derzeit im Museum ausgestellt Des Moines Art Center, Iowa (USA).
Porträt von George Dyer in einem Spiegel (1968)
Der Maler Francis Bacon war 60 Jahre alt, als er den jungen George Dyer traf, die Beziehung, obwohl romantisch, hatte immer eher einen Vater-Sohn-Stil, da Dyer ständig Aufmerksamkeit und Bestätigung brauchte.
Inspiriert von den Porträts Picassos aus der Mitte des XNUMX. Jahrhunderts gelingt es dem irischen Maler, die innere Zerrissenheit dieses Menschen, der viele Jahre sein sentimentaler Partner war, überraschend einzufangen. Die Arbeit zeigt George Dyer in einem Drehstuhl sitzend, der wiederum auf ganz besondere Weise einem Spiegel an einem Möbelstück gegenübersteht.
Das im Spiegel reflektierte Bild mit seinem verzerrten Körper und Gesicht wird durch einen Lichtraum in zwei Teile geteilt, die jedoch nicht die gleichen Verzerrungen erleiden, da beide Teile der Reflexion zusammen ein ziemlich realistisches Porträt des Mannes ergeben würden. Dieses Öl auf Leinwand von etwa 200 cm × 150 Zentimetern, dessen Originaltitel lautet Porträt von George Dyer in einem Spiegel Sie gehören derzeit zu einer Privatsammlung.
Porträt von George Dyer beim Sprechen (1968)
Porträt von George Dyer Talking hat im Vergleich zu anderen Werken gedämpfte Farben, obwohl die roten und grünen Highlights auf einen inneren Kampf hindeuten, der vielleicht George Dyers lebenslange Abhängigkeit von Drogen und Alkohol widerspiegelt. Zusammen mit den Farben ist die gemalte Figur, die in einen zentralen Abgrund blickt, vielleicht der beste Ausdruck dieser Qual.
Die Arbeit beherbergt einen George Dyer, der auf einem Drehhocker sitzt, ähnlich wie in einem Büro in einem farbenfrohen Raum, der den Körper und das verzerrte Gesicht ausstellt, wie eine Art Schlangenmensch. Die unteren Gliedmaßen sind eng gekreuzt und der Kopf scheint in einem Rahmen zu sein. Diese menschliche Figur befindet sich unter einer einsam baumelnden Glühbirne und zu seinen Füßen sind anscheinend weggeworfene Blätter um ihn herum verstreut. Der Körper der Figur wird im Vorder- und Hintergrund positioniert,
Zwei Figuren (1953)
Aufgrund ihrer homosexuellen Konnotationen sorgte die Eröffnungsausstellung von Two Figures für Aufsehen. Inspiriert von anatomischen Zeichnungen und der Bewegungsfotografie von Eadweard Muybridge, ist das Gemälde eine Erkundung des Körpers in Aktion durch eine Darstellung des physischen Liebesakts. Die beiden ineinander verschlungenen Figuren auf dem Bett sind von dem gestreiften "Vorhang" des Malers Francis Bacon bedeckt, der die Sicht etwas behindert und die Bewegung der Figuren verstärkt.
Obwohl es den physischen Liebesakt darstellt, ist es jedoch ein Werk, das nicht gerade die Romantik heraufbeschwört, die bei einer Verabredungsnacht auftreten kann, die etwas dunklen Farben lassen uns an einen unheimlichen Moment denken.
Viele interpretieren das Werk als Ausdruck des vermeintlichen masochistischen Geschmacks des Künstlers, der an der Grausamkeit liegen könnte, in der er aufgewachsen ist. Es war üblich, dass einige Gemälde den Missbrauch zeigten, dem er in seinen aggressiven Beziehungen ausgesetzt war. Dieses Öl auf Leinwand ist Teil einer Privatsammlung in London.
Heads-Serie (1948 -1949)
Zwischen den Jahren 1948 und 1949 studierte der Maler Francis Bacon intensiv und schuf eine Gruppe von sechs Gemälden, die als Serie bekannt sind Heads (Köpfe), die einige davon zu den wichtigsten und seltensten Werken des Künstlers zählen und die Serie bilden, die den Grundstein für viele seiner Erkundungen der Porträtmalerei für die kommenden Jahrzehnte legte.
Alle von identischer Größe und mit einer ähnlich ausgewogenen Farbpalette aus kühlen Grau- und Weißtönen, erregten diese Werke so viel Aufsehen, dass Head III, das 1949 geschaffen wurde, 10,442,500 für 2013 £ versteigert wurde, den aktuellen Weltrekord für ein Bacon-Werk aus den XNUMXer Jahren.
Die zweite Hälfte dieses Jahrzehnts stellt eine wichtige Veränderung in der internationalen Anerkennung des Künstlers dar und begann eine erfolgreiche Zusammenarbeit mit Erica Brausen, Inhaberin der Galerie Hannover. Die Londoner Galeristin schenkte Alfred Barr 1948 ein Werk der Künstlerin für das Museum of Modern Art in New York, was als hervorragender Start ihrer Weltkarriere gewertet werden kann.
Bereits ein Jahr später, im November 1949, fand mit dieser bedeutenden Serie von sechs Köpfen die erste Einzelausstellung in der Galerie Hannover statt. Der Künstler erhielt sehr gute Kritiken, die ihn als einen der mächtigsten Künstler Europas betrachteten.
Studie für hockenden Akt (1952)
Studie für Hockenden Akt Es ist eine Arbeit in Öl und Sand auf Leinwand, die 198,1 x 137,2 Zentimeter misst und sich derzeit in zDas Detroit Institute of Arts.
Ein stangenartiger Effekt trennt das eingesperrte Subjekt vom neugierigen Betrachter, eine Szene, die innerhalb imaginärer Glaswände ausgestellt zu sein scheint, die eine Aura des Erstickens erzeugen, die vielleicht von vielen mit dem asthmatischen Zustand des Künstlers in Verbindung gebracht wird.
Die Quellen, die Bacons Bilder inspirierten, sind überraschend vielfältig, darunter Eisensteins Filmstills, Velázquez' Gerichtsszenen und Joyces mäandrierende Schriften sowie medizinische Lehrbücher.
Aber für Study for Crouching Nude, das im Frühjahr 1952 produziert wurde, hat er vielleicht einige Ideen aus der Boulevardzeitung und den Bewegungsfotografie-Experimenten des britischen Fotografen und Forschers Eadweard Muybridge übernommen. Die Arbeit, die eine auf etwas sitzende Figur zeigt, könnte von The Man Jumping Up dieses Briten abgeleitet sein.
Das Gemälde wurde erstmals präsentiert in Aktuelle Trends in der realistischen Malerei, die 1952 von Robert Melville und David Sylvester am Institute of Contemporary Art in London organisiert wurde.
Drei Figuren in einem Raum (1964)
Es ist ein Werk, das aus drei mit Öl bemalten Tafeln von etwa 198 × 147 Zentimetern besteht, die eines seiner berühmten Triptychen bilden. In diesem Werk zeigt sie ihren Geliebten George Dyer zum ersten Mal als Model, aber es sollte nicht das letzte Mal sein. Dyer, den der Maler Francis Bacon 1963 kennenlernte, war das Thema vieler seiner Gemälde.
En Drei Figuren in einem Raum zeigt erneut sein ständiges Interesse daran, ein Motiv aus verschiedenen Blickwinkeln zu zeigen, denn selbst wenn es auf drei separaten Leinwänden gemalt wird, hat jedes Gemälde die gleiche Größe, was einen elliptischen braunen Boden, Wände in einem Gelbton und die Anwesenheit eines einzigen Modells hervorhebt wird in jedem Panel wiederholt, mit krummen Positionen.
Es wird vermutet, dass die Arbeit von verschiedenen Quellen inspiriert wurde, darunter die Zeichnung von Edgar Degas, die Frau nach Bad abtrocknen (Nach dem Bad, Frau, die sich abtrocknet), in der Belvedere Torso. Michelangelos Skulpturen in der Medici-Kapelle und Badegäste mit einer Schildkröte von Henri Matisse.
Three Figures in a Room wurde Ende der 1976er Jahre von der französischen Regierung erworben und ist seit XNUMX Teil der Sammlung des Centre Georges Pompidou.
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