كثقافة الألفية ، أظهرت اليابان فنها طوال هذه السنوات ، تعلم معنا من خلال هذه المقالة الشيقة ، كل شيء عن الألفية فن اليابانية، تطورت بمرور الوقت في فترات وأنماط مختلفة. لا تفوتها!
الفن الياباني
عندما نتحدث عن الفن الياباني فإننا نتحدث عن ما أبلغت به هذه الحضارة بمرور الوقت في مراحل وأنماط مختلفة ، والتي كانت غير مرتبطة مؤقتًا بالتطور الاجتماعي والثقافي للشعب الياباني.
الاختلافات التي يمر بها الفن في اليابان هي نتائج لتطوره التكنولوجي ، حيث يمكننا أن ندرك استخدام المواد الخام للبلاد في تعبيراته الفنية. بالإضافة إلى ما يسمى بالفن الغربي ، تأثرت أكثر تعابيره الرمزية بالدين والسلطة السياسية.
إحدى السمات الرئيسية للفن الياباني هي انتقائيته ، التي تأتي من مختلف الشعوب والثقافات التي وصلت إلى شواطئها بمرور الوقت: كان المستوطنون الأوائل الذين استقروا في اليابان - المعروفين باسم آينو - ينتمون إلى فرع شمال القوقاز وشرق آسيا ، على الأرجح وصل عندما كانت اليابان لا تزال مرتبطة بالبر الرئيسي.
أصل هؤلاء المستوطنين غير مؤكد ، ويفكر المؤرخون في فرضيات مختلفة ، من عرق الأورال-ألتيا إلى أصل إندونيسي أو منغولي محتمل. على أي حال ، يبدو أن ثقافتهم تتوافق مع العصر الحجري القديم الأعلى أو العصر الحجري الوسيط.
بعد ذلك ، وصلت مجموعات مختلفة من عرق الملايو من جنوب شرق آسيا أو جزر المحيط الهادئ إلى الشواطئ اليابانية ، وكذلك في كوريا وأجزاء مختلفة من الصين ، حيث تم إدخالها تدريجياً من الجنوب ، مما أدى إلى تشريد الأينو. شمال اليابان ، بينما في موجة لاحقة ، جاءت مجموعات عرقية مختلفة من الصين وكوريا إلى اليابان.
يجب أن يضاف إلى هذا المزيج العرقي تأثير الثقافات الأخرى: نظرًا لانعزالها ، كانت اليابان معزولة في معظم تاريخها ، ولكنها تأثرت على فترات زمنية بحضارات البر الرئيسي ، وخاصة الصين وكوريا ، خاصة منذ القرن الخامس.
وهكذا ، فإن ثقافة الأجداد اليابانية التي نشأت من البؤر الاستيطانية المتتالية للهجرة أضافت تأثيرًا أجنبيًا ، وصاغت فنًا انتقائيًا مفتوحًا للابتكار والتقدم الأسلوبي.
من المثير للاهتمام أيضًا ملاحظة أن الكثير من الأعمال الفنية المنتجة في اليابان قائمة على أساس ديني: بالنسبة لديانة الشنتو النموذجية في المنطقة ، والتي تشكلت في القرن الأول تقريبًا ، تمت إضافة البوذية في القرن الخامس تقريبًا ، مما أدى إلى اندماج ديني لا يزال قائما. كما ترك انعكاسه في الفن.
الفن الياباني هو نتيجة لهذه الثقافات والتقاليد المختلفة ، حيث يفسر بطريقته الخاصة أشكال الفن المستوردة من البلدان الأخرى ، والتي يحققها وفقًا لمفهومه للحياة والفن ، وتنفيذ التغييرات وتبسيط خصائصه الخاصة.
مثل المعابد البوذية الصينية المتقنة ، والتي مرت في اليابان بتحول من الاضطرار إلى التخلي عن عناصر معينة من فنها والانضمام إليها مع الآخرين ، فإن هذا يعبر عن الطابع الموحد لهذا الفن ، بحيث أنه دائمًا ما أخذ شيئًا من ثقافة أخرى بشكل طبيعي. من البلدان الأخرى.
يتمتع الفن الياباني في الثقافة اليابانية بإحساس كبير بالتأمل والعلاقة المتبادلة بين الإنسان والطبيعة ، والتي يتم تمثيلها أيضًا في الأشياء التي تحيط به ، من الأكثر زخرفة وتأكيدًا إلى أبسط الأشياء اليومية.
يتضح هذا في القيمة المعطاة للعيوب ، والطبيعة المؤقتة للأشياء ، والحس الإنساني الذي يؤسسه اليابانيون مع بيئتهم. تمامًا كما هو الحال في حفل الشاي ، فإنهم يقدرون الهدوء والسكينة في حالة التأمل هذه التي يحققونها من خلال طقوس بسيطة ، تعتمد على مكونات بسيطة وتناغم مساحة غير متكافئة وغير مكتملة.
بالنسبة لهم ، يرتبط السلام والتوازن بالدفء والراحة ، وهما صفات تعد بدورها انعكاسًا حقيقيًا لمفهومهم عن الجمال. حتى في وقت الوجبة ، ليست كمية الطعام أو طريقة عرضها هو المهم ، ولكن الإدراك الحسي للطعام والمعنى الجمالي الذي يعطيه لأي فعل.
وبالمثل ، فإن الفنانين والحرفيين في هذا البلد لديهم درجة عالية من الارتباط بعملهم ، ويشعرون بالمواد كجزء أساسي من حياتهم ومن تواصلهم مع البيئة المحيطة بهم.
أسس الفن الياباني
يخضع الفن الياباني ، مثل بقية فلسفته - أو ببساطة طريقة رؤيته للحياة - للحدس ونقص العقلانية والتعبير العاطفي وبساطة الأفعال والأفكار. غالبا ما يتم التعبير عنها بشكل رمزي.
اثنان من السمات المميزة للفن الياباني هما البساطة والطبيعية: التعبيرات الفنية هي انعكاس للطبيعة ، لذلك فهي لا تتطلب إنتاجًا متقنًا ، كل هذا يؤدي إلى حقيقة أن ما يريده الفنانون هو أن ما يتم تحديده ، واقتراحه ، يتم فك رموزه لاحقًا. بواسطة المشاهد.
تسببت هذه البساطة في رسم ميل إلى الرسم الخطي ، بدون منظور ، مع وفرة من المساحات الفارغة ، والتي مع ذلك تتكامل بانسجام في الكل. في الهندسة المعمارية ، يتجسد في تصميمات خطية ، مع مستويات غير متماثلة ، في مزيج من العناصر الديناميكية والثابتة.
في المقابل ، ترتبط هذه البساطة في الفن الياباني بالبساطة الفطرية في العلاقة بين الفن والطبيعة ، والتي تعد جزءًا من خصوصياتهم ، والتي تنعكس في حياتهم ، ويختبرونها بإحساس رقيق من الكآبة ، والحزن تقريبًا.
كيف يمنحهم مرور الفصول إحساسًا بالزوال ، حيث يمكنك رؤية التطور الموجود في الطبيعة بسبب الطبيعة المؤقتة للحياة. تنعكس هذه البساطة قبل كل شيء في العمارة ، التي تتكامل بانسجام مع محيطها ، كما يتضح من استخدام المواد الطبيعية ، بدون عمل ، مما يظهر مظهرها الخشن غير المكتمل. في اليابان ، ترتبط الطبيعة والحياة والفن ارتباطًا وثيقًا ، والإنجاز الفني هو رمز للكون بأسره.
يسعى الفن الياباني إلى تحقيق الانسجام العالمي ، وتجاوز الأمر للعثور على مبدأ توليد الحياة. تسعى الزخرفة اليابانية إلى إيجاد معنى للحياة من خلال الفن: جمال الفن الياباني مرادف للتناغم والإبداع ؛ إنه دافع شعري ، مسار حسي يقود إلى تحقيق العمل ، والذي ليس له غاية في حد ذاته ، بل يذهب أبعد من ذلك.
ما نسميه الجمال هو تصنيف فلسفي يحيلنا إلى الوجود: إنه يكمن في الوصول إلى المعنى مع الكل. كما عبر عن ذلك سوزوكي دايسيتسو: "الجمال ليس في الشكل الخارجي ، ولكن بالمعنى الذي يتم التعبير عنه".
لا يبدأ الفن بطابعه المعقول ، بل بصفاته الإيحائية ؛ ليس من الضروري أن تكون دقيقة ، ولكن يجب أن تظهر هدية تؤدي إلى الكمال. يهدف إلى التقاط الأساسي من خلال هذا الجزء ، الذي يشير إلى الكل: الفراغ مكمل لما هو ياباني.
في الفكر الشرقي ، هناك وحدة بين المادة والروح تسود في التأمل والشركة مع الطبيعة ، من خلال التقيد الداخلي بالحدس. الفن الياباني (gei) له معنى أكثر تعاليًا ، وغير ملموس أكثر من مفهوم الفن التطبيقي في الغرب: إنه أي مظهر من مظاهر العقل ، يُفهم على أنه طاقة حيوية ، باعتباره الجوهر الذي يعطي الحياة لجسمنا الذي يتطور في الواقع و يتطور ويدرك الوحدة بين الجسد والعقل والروح.
تطور الشعور بالفن الياباني بمرور الوقت: فمنذ بداياته حيث وجدت الآثار الأولى للفن والجمال ، يعود تاريخها إلى العصور القديمة عندما تم صياغة المبادئ الإبداعية للثقافة اليابانية وتلك التي تم التعبير عنها في أهم الأعمال الأدبية من البلاد:
Kojiki و Nihonshoki و Man 'yōshū ، ما ورد أعلاه عبارة عن منشورات ، أول كتابين يدوران حول الأعمال الأولى في تاريخ اليابان والآخر عن القصائد المكتوبة خلال الألفية الأولى ، في ذلك الوقت ساد فكر ساياشي ("نقي ، بالتأكيد ، منعش ") ، في إشارة إلى نوع من الجمال يتسم بالبساطة والنضارة والسذاجة التي تأتي مع استخدام الضوء والمواد الطبيعية مثل Haniwa Figure Land أو الخشب في العمارة.
يمكننا تصنيف ضريح Ise كأفضل تمثيل لهذا النمط ، المصنوع من خشب السرو ، والذي تم تجديده كل عشرين عامًا منذ القرن الثامن للحفاظ على صراحته ونضارته. من هذا المفهوم ينشأ أحد ثوابت الفن الياباني: القيمة المنسوبة إلى الجمال الزائل الزائل ، سريع الزوال ، الذي يتطور بمرور الوقت.
في Man 'yōshū ، يتجلى sayakeshi في عاطفة كونه أمينًا ومجرّبًا ، وكذلك في وصف كيف أعطته مكونات مثل السماء والبحر إحساسًا بالعظمة يغمر الإنسان.
ترتبط Sayakeshi بمفهوم Naru ("الصيرورة") ، حيث يتم تقييم الوقت على أنه طاقة حيوية تتلاقى في أن تصبح ، تتويجًا لجميع الإجراءات وجميع الأرواح.
بعد أن وضعنا أنفسنا في فترتي نارا وهييان ، تطور الجانب الفني للفن بسرعة بفضل أول اتصال بالثقافة الصينية ، فضلاً عن وصول البوذية. كان المفهوم الرئيسي لهذه الحقبة هو الضمير ، وهو شعور عاطفي يغمر المشاهد ويؤدي إلى إحساس عميق بالتعاطف أو الشفقة.
إنها مرتبطة بمصطلحات أخرى مثل أوكاشي ، التي تجذب بفرحها وطابعها اللطيف ؛ omoshiroi ، خاصية الاشياء المشعة ، والتي تجذب الانتباه من خلال تألقها ووضوحها ؛ اليوبي ، مفهوم النعمة ، الأناقة ؛ اليوجا ، صفة صقل الجمال ؛ إن جاذبية السحر ؛ الملك جمال الهدوء. ياساشي ، جمال التقدير ؛ و ushin ، الحس العميق للفن.
قصة موراساكي شيكيبو عن جينجي ، والتي جسدت مفهومًا جماليًا جديدًا يسمى أحادي عدم الوعي - وهو مصطلح قدمه موتوري نوريناجا- ، والذي ينقل إحساسًا بالحزن والحزن التأملي المستمد من زوال الأشياء ، والجمال العابر الذي يدوم لحظة و لا يزال في الذاكرة.
ولكن قبل كل شيء ، هناك شعور بالحزن الرقيق الذي يمكن أن يؤدي إلى حزن عميق عندما تشعر بعمق بجمال الزفير لجميع كائنات الطبيعة.
إن فلسفة "السعي المثالي" للجمال ، في حالة تأمل حيث يلتقي الفكر وعالم الحواس ، هي سمة من سمات الشهية اليابانية الفطرية للجمال ، وتتجلى في مهرجان هانامي ، الاحتفال بشجرة الكرز في زهر.
في العصور الوسطى اليابانية ، فترات كاماكورا وموروماتشي وموموياما ، حيث كانت السمة هي الهيمنة العسكرية في كامل المجتمع الإقطاعي في البلاد ، ظهر مفهوم dō ("المسار") ، مما أدى إلى تطور الفن في ذلك الوقت. ، يظهر في الممارسة الاحتفالية للطقوس الاجتماعية ، كما يتضح من شودي (الخط) ، تشادو (حفل الشاي) ، كادو أو إيكيبانا (فن تنسيق الزهور) ، وكودو (مراسم البخور).
الممارسات لا تهم النتيجة ، بل العملية التطورية ، التطور في الزمن - مرة أخرى نارو - وكذلك الموهبة التي تظهر في التنفيذ المثالي للطقوس ، والتي تدل على المهارة ، وكذلك الالتزام الروحي في السعي إلى الكمال.
نوع من البوذية يسمى Zen ، والذي يؤكد على بعض "قواعد الحياة" القائمة على التأمل ، حيث يفقد الشخص وعيه الذاتي ، كان له تأثير حاسم على هذه المفاهيم الجديدة. وهكذا ، يتجاوز كل عمل يومي جوهره المادي ليدل على مظهر روحي ينعكس في حركة الوقت وطقوسه.
ينعكس هذا المفهوم أيضًا في البستنة ، والتي تصل إلى درجة من الأهمية حيث تكون الحديقة رؤية للكون ، مع فراغ كبير (بحر) مليء بأشياء (جزر) ، مجسدة في الرمال والصخور. وحيث يستحضر الغطاء النباتي مرور الوقت.
تضارب الزِن بين بساطة وعمق الحياة المتعالية يضفي روح "الأناقة البسيطة" (واب) ليس فقط في الفن ، ولكن أيضًا في السلوك والعلاقات الاجتماعية والجوانب اليومية للحياة. . قال المعلم Sesshū أن "Zen والفن واحد".
يتم تقديم Zen في سبع حقائق تزيينية: fukinsei ، وهي طريقة لإنكار التحسين لتحقيق التوازن الموجود في الطبيعة ؛ كانسو ، أخرج ما تبقى وما تأخذه سيجعلك تكتشف بساطة الطبيعة.
Kokō (الكرامة الانفرادية) ، صفة يكتسبها الأشخاص والأشياء بمرور الوقت وتمنحهم درجة نقاء أكبر من جوهرهم ؛ shizen (الطبيعي) ، المرتبط بالإخلاص ، الطبيعي هو الأصيل وغير القابل للفساد ؛ yūgen (العمق) ، الجوهر الحقيقي للأشياء ، الذي يتجاوز جوهرها المادي البسيط ، مظهرها السطحي.
Datsuzoku (الانفصال) ، الحرية في ممارسة الفنون ، ومهمتها تحرير العقل ، وليس التحكم فيه - وبالتالي ، يستغني الفن عن جميع أنواع المعايير والقواعد - ؛ seiyaku (الصفاء الداخلي) ، في حالة السكون والهدوء ، ضروري لتدفق المبادئ الستة السابقة.
إنه على وجه الخصوص حفل الشاي ، حيث يتم توليف المفهوم الياباني للفن والجمال ببراعة ، مما يخلق دينًا جماليًا أصيلًا: "الإيمان بالله". يمثل هذا الاحتفال عبادة الجمال في مواجهة ابتذال الوجود اليومي. تعبر فلسفته ، الأخلاقية والجمالية ، عن المفهوم المتكامل للإنسان مع الطبيعة.
بساطته تربط الأشياء الصغيرة بالنظام الكوني: الحياة تعبير والأفعال تعكس دائمًا فكرة. الزماني يساوي الروحاني ، والصغير هو الكبير. هذا المفهوم موجود أيضًا في غرفة الشاي (السكية) ، وهو نتاج بناء سريع الزوال من الدافع الشعري ، خالٍ من الزخرفة ، حيث يتم تبجيل الناقص ، ودائمًا اترك شيئًا غير مكتمل ، الأمر الذي سيكمل الخيال.
إن عدم وجود تناسق هو سمة مميزة ، وذلك بسبب اعتقاد الزن أن السعي لتحقيق الكمال أكثر أهمية من نفسه. لا يمكن اكتشاف الجمال إلا من قبل أولئك الذين يكملون من خلال تفكيرهم ما هو مفقود.
أخيرًا ، في العصر الحديث - الذي بدأ مع فترة إيدو - ، على الرغم من استمرار الأفكار السابقة ، تم تقديم فصول فنية جديدة مرتبطة بظهور أنظمة اجتماعية أخرى تظهر مع تحديث اليابان: sui هي طعام روحي معين ، تم العثور عليه بشكل رئيسي في أدب أوساكا.
فكر إيكي هو نعمة كريمة ومباشرة ، خاصة في الكابوكي ؛ الكرومي مفهوم يدافع عن الخفة كشيء بدائي ، يتم بموجبه الحصول على "عمق" الأشياء ، وينعكس بشكل خاص في شعر الهايكو ، حيث شيوري هي جمال حنيني.
"لا شيء يدوم ، لا شيء كامل ولا شيء كامل." ستكون هذه هي المفاتيح الثلاثة التي يستند إليها "Wabi sabi" ، وهي عبارة يابانية (أو نوع من الرؤية الجمالية) تشير إلى جمال ما هو غير كامل ، وغير مكتمل ومتغير ، على الرغم من أنها تشير إلى جمال متواضع ومتواضع وغير تقليدي. فلسفة "وابي سابي" هي التمتع بالحاضر وإيجاد السلام والانسجام في الطبيعة والأشياء الصغيرة ، والقبول السلمي بالدورة الطبيعية للنمو والانحدار.
تكمن وراء كل هذه العناصر فكرة الفن كعملية إبداعية وليس كإدراك مادي. كتب أوكاكورا كاكوزو أن "الفنانين الذين يؤمنون بالتشويه الفطري لأرواحهم هم وحدهم القادرون على توليد جمال حقيقي".
تجسيد الفن الياباني
في هذه المقالة ، سنستخدم التقسيم إلى فترات كبيرة من حيث التغييرات الفنية الملحوظة والحركات السياسية. يختلف الاختيار عمومًا وفقًا لمعايير المؤلف ، ويمكن أيضًا تقسيم العديد منها. ومع ذلك ، هناك أيضًا اختلافات فيما يتعلق ببداية ونهاية بعض هذه الفترات. سوف نأخذ تلك التي صنعها عالم الآثار تشارلز تي كيلي ، وهي كالتالي:
الفن الياباني في الفنون التشكيلية
خلال الفترتين الميزوليتي والعصر الحجري الحديث ، ظلت معزولة عن القارة ، لذلك كان كل إنتاجها خاصًا بها ، على الرغم من قلة الأهمية. كانت مجتمعات شبه مستقرة ، تعيش في قرى صغيرة بها منازل محفورة في الأرض ، ويحصلون على مواردهم الغذائية بشكل رئيسي من الغابة (الغزلان ، الخنازير البرية ، المكسرات) والبحر (الأسماك والقشريات والثدييات البحرية).
كان لهذه المجتمعات تنظيم متقن للعمل وكانت مهتمة بقياس الوقت ، كما يتضح من العديد من بقايا الترتيبات الحجرية الدائرية في Oyu و Komakino ، والتي كانت بمثابة ساعات شمسية. من الواضح أن لديهم وحدات قياس موحدة ، كما يتضح من العديد من المباني المبنية على نماذج معينة.
في بعض المواقع المقابلة لهذه الفترة ، تم العثور على قطع أثرية من الحجر المصقول والعظام وخزف وأشكال مجسمة. وتجدر الإشارة إلى أن فخار جومون هو أقدم فخار من صنع الإنسان: تعود أقدم آثار الفخار البدائي إلى 11.000 قبل الميلاد ، في أواني صغيرة مصنوعة يدويًا بجوانب مصقولة ومساحات داخلية كبيرة. ، بإحساس وظيفي وديكور صارم.
تتوافق هذه البقايا مع فترة تسمى "بريجومون" (11000-7500 قبل الميلاد) ، تليها جومون "القديمة" أو "المبكرة" (7500-2500 قبل الميلاد) ، حيث تُصنع خزفيات جومون الأكثر شيوعًا ، وتصنع يدويًا ومزخرفة. مع شقوق أو آثار حبل ، على قاعدة نوع من الأوعية العميقة على شكل جرة. تتكون الزخرفة الأساسية من طبعات مصنوعة من حبال من ألياف نباتية تم ضغطها على الفخار قبل إطلاقها.
في العديد من المناطق ، وصلت هذه الشقوق إلى درجة عالية من التفصيل ، مع حواف محفورة بشكل مثالي ، ورسمت سلسلة من الخطوط المجردة المعقدة للغاية. في مناسبات نادرة ، تم العثور على بقايا لمشاهد تصويرية ، بشكل عام رسومات مجسمة وحيوانية (ضفادع ، ثعابين) ، تسلط الضوء على مشهد صيد موجود في إناء عُثر عليه في هيراكوبو ، شمال هونشو.
أخيرًا ، في "أواخر Jōmon" (2500-400 قبل الميلاد) ، عادت الأوعية إلى شكل أكثر طبيعية وأقل تفصيلاً ، مع أوعية مستديرة القاع وأواني ، وأمفورا ضيقة العنق ، وأوعية ذات مقابض. غالبًا مع قضبان. أو قاعدة مرتفعة. معالم الفخار جومون هي: تايشاكوكيو ، توريهاما ، توجاري إيشي ، ماتسوشيما ، كامو ، وأكينوهارا في جزيرة هونشو ؛ سوباتا في جزيرة كيوشو ؛ وهاماناسونو وتوكورو في جزيرة هوكايدو.
بصرف النظر عن المزهريات ، تم صنع تماثيل مختلفة على شكل إنسان أو حيواني من السيراميك ، مصنوعة من عدة أجزاء ، لذلك تم العثور على القليل من بقايا القطع الكاملة. يمكن أن يكون لتلك الموجودة في شكل مجسم سمات ذكورية أو أنثوية ، كما تم العثور على بعض العلامات المخنثية.
بعضها منتفخ في البطون ، لذا ربما ارتبطت بعبادة الخصوبة. وتجدر الإشارة إلى دقة التفاصيل التي تظهرها بعض الشخصيات ، مثل تسريحات الشعر الدقيقة والوشم والفساتين الزخرفية.
يبدو أن زينة الجسد في هذه المجتمعات كانت مهمة للغاية ، خاصة في الأذنين ، مع أقراط من السيراميك من مختلف المصنوعات ، مزينة بأصباغ حمراء. في Chiamigaito (جزيرة Honshū) تم العثور على أكثر من 1000 من هذه الزخارف ، مما يشير إلى ورشة عمل محلية لتطوير هذه المنتجات.
تعود أقنعة مختلفة أيضًا إلى هذه الفترة ، مما يدل على العمل الفردي على الوجوه. بالطريقة نفسها ، تم صنع أنواع مختلفة من خرز الجاديت الأخضر ، وكانوا على دراية بأعمال الطلاء ، كما يتضح من العديد من السحابات الموجودة في توريهاما. كما تم العثور على بقايا سيوف أو عظام أو قرون من العاج.
فترة يايوي (500 ق.م - 300 م)
كانت هذه الفترة تعني التأسيس النهائي للمجتمع الزراعي ، مما تسبب في إزالة الغابات من مساحات شاسعة من الإقليم.
أدى هذا التحول إلى تطور المجتمع الياباني في المجالات التكنولوجية والثقافية والاجتماعية ، مع مزيد من التقسيم الطبقي الاجتماعي وتخصص العمل ، وتسبب في زيادة النزاعات المسلحة.
كان الأرخبيل الياباني مليئًا بالدول الصغيرة التي تشكلت حول العشائر (أوجي) ، ومن بينها ياماتو السائدة ، مما أدى إلى ظهور الأسرة الإمبراطورية. ثم ظهرت الشنتوية ، وهي ديانة أسطورية أسقطت إمبراطور أماتيراسو ، إلهة الشمس.
عزز هذا الدين الإحساس الحقيقي بالنقاء والنضارة للفن الياباني ، مع تفضيل المواد النقية وبدون زخرفة ، مع الشعور بالاندماج مع الطبيعة (كامي أو الوعي الفائق). من القرن الأول قبل الميلاد. بدأ C. في إدخال الحضارة القارية ، بسبب العلاقات مع الصين وكوريا.
ظهرت ثقافة Yayoi في جزيرة كيوشو حوالي 400-300 قبل الميلاد. C. ، وانتقلت إلى Honsh ، حيث حلت محل ثقافة Jōmon تدريجياً. خلال هذه الفترة ، تم تمديد نوع من الدفن الكبير مع حجرة وتلة مزينة بأسطوانات الطين ذات الأشكال البشرية والحيوانية.
كانت القرى محاطة بالخنادق ، وظهرت العديد من الأدوات الزراعية (بما في ذلك أداة حجرية على شكل هلال تستخدم في الحصاد) ، بالإضافة إلى أسلحة مختلفة ، مثل الأقواس والسهام ذات الأطراف الحجرية المصقولة.
في الفخار ، تم إنتاج الأشياء التالية بشكل خاص: الجرار ، والمزهريات ، والأطباق ، والأكواب ، والزجاجات بخصائص معينة. كان لديهم سطح مصقول ، مع زخرفة بسيطة ، في الغالب شقوق ، وشرائط منقطة ومتعرجة ، وكان أكثر الأشياء استخدامًا هو الزجاج الذي كان اسمه Tsubo.
سلط الضوء على العمل بالمعادن ، وخاصة البرونز ، مثل ما يسمى بأجراس dotaku ، والتي كانت بمثابة أشياء احتفالية ، مزينة باللوالب (ryusui) على شكل مياه جارية ، أو الحيوانات في الإغاثة (بشكل رئيسي الغزلان والطيور والحشرات و البرمائيات) ، وكذلك مشاهد الصيد وصيد الأسماك والعمل الزراعي ، وخاصة تلك المتعلقة بالأرز.
يبدو أن للغزلان معنى خاصًا ، ربما مرتبطًا بإله معين: في العديد من الأماكن ، تم العثور على العديد من شفرات كتف الغزلان مع شقوق أو علامات مصنوعة بالنار ، والتي يقال إنها مرتبطة بنوع من الطقوس.
تشمل العناصر الزخرفية الأخرى الموجودة في مواقع Yayoi: المرايا والسيوف والخرز المتنوع وماجاتاما (قطع من اليشم والعقيق على شكل كاجو ، والتي كانت بمثابة أحجار كريمة للخصوبة).
فترة كوفون (300-552)
تميزت هذه الحقبة بتوحيد الدولة الإمبراطورية المركزية ، التي كانت تسيطر على موارد مهمة ، مثل الحديد والذهب. يُفضل أن يتم تطوير العمارة في المقبرة ، مع وجود حجرة نموذجية ومقابر ممر تسمى kofun ("القبر القديم") ، حيث تم رفع أكوام كبيرة من الأرض.
مدافن الأباطرة أوجين (346-395) ونينتوكو (395-427) مدهشة ، حيث تم العثور على مجموعة كبيرة ومتنوعة من الأشياء ، من بينها ؛ المجوهرات والأشكال المصنوعة من مواد مختلفة وخاصة أشكال التراكوتا.
كانت هذه التماثيل يبلغ ارتفاعها حوالي ستين سنتيمتراً ، وهي بلا تعبير عملياً ، فقط بضع شقوق في العينين والفم ، على الرغم من أنها مثال وثيق الصلة بالفن في ذلك الوقت.
وفقًا لملابسهم وأوانيهم ، تبرز العديد من الحرف في هذه الشخصيات ، مثل المزارعين ورجال الميليشيات والرهبان ونساء المقاطعات والمغنيات ، إلخ.
في نهاية هذه الفترة ، ظهرت أيضًا أشكال حيوانات ، بما في ذلك الغزلان والكلاب والخيول والخنازير والقطط والدجاج والأغنام والأسماك ، مما يدل على أهمية الاستيطان العسكري في ذلك الوقت ، والتي ترتبط سماتها الأسلوبية بثقافة شيللا. . من كوريا ، بالإضافة إلى نوع من الفخار يسمى Sueki ، وهو غامق ورائع للغاية ، مع إكسسوارات رنين.
أدى التمايز الاجتماعي إلى عزل الطبقات الحاكمة في أحياء حصرية من المدن ، مثل Yoshinogari ، لينتهي بها الأمر إلى الفصل بشكل دائم في أحياء منعزلة مثل ميتسوديرا أو مجمعات قصر كانساي وإيكاروجا وأسوكا إيتابوكي.
أما بالنسبة للعمارة الدينية ، فإن معابد الشنتو المبكرة (جينجا) كانت مصنوعة من الخشب ، على قاعدة مرتفعة وجدران مكشوفة أو فواصل منزلقة ، مع قواعد تدعم السقف المنحدر.
يُعد Torii أحد مكوناته المميزة ، وهو قوس مدخل يمثل مدخل مكان مقدس. لاحظ ضريح Ise ، الذي أعيد بناؤه كل عشرين عامًا منذ القرن الثامن.
للمبنى الرئيسي (شودن) أرضية مرتفعة وسقف جملوني به تسع قواعد يمكن الوصول إليه عن طريق درج خارجي. إنه بأسلوب شينمي زوكوري ، الذي يعكس أسلوب الشنتو المتأخر ، قبل وصول البوذية إلى اليابان.
معبد أسطوري آخر من أصل غير مؤكد هو Izumo Taisha ، بالقرب من Matsue ، وهو معبد أسطوري أسسه أماتيراسو. إنه على طراز taisha zukuri ، ويعتبر الأقدم بين الأضرحة ، عامل الجذب الرئيسي هو ارتفاع المبنى على أعمدة ، مع درج كمدخل رئيسي ، وتشطيبات خشبية بسيطة بدون طلاء.
وفقًا للمخطوطات التي تم العثور عليها ، كان الحرم الأصلي يبلغ ارتفاعه 50 مترًا ، ولكن بسبب حريق أعيد بناؤه بارتفاع 25 مترًا. كانت المباني Honden ("الملاذ الداخلي") و Hayden ("الملاذ الخارجي"). ينتمي Kinpusen-ji ، المعبد الرئيسي لـ shugendō ، وهو دين زاهد يجمع بين المعتقدات الشنتو والبوذية والوثنية ، إلى هذه الفترة أيضًا.
في هذه الفترة ، نجد العينات الأولى من الرسم ، كما هو الحال في جنازة Ōtsuka الملكية ومقابر كيوشو على شكل دولمن (القرنان الخامس والسادس) ، مزينة بمناظر الفرائس المحاصرة والمعارك والجياد والطيور والسفن ، أو مع الحلزونات ودوائر متحدة المركز.
كانت لوحات جدارية مصنوعة من الأحمر الهيماتيت والأسود الكربوني والأصفر المغرة والأبيض الكاولين والأخضر الكلوريت. من التصاميم المميزة لهذه الفترة ما يسمى بـ chokomon ، المكون من خطوط مستقيمة وأقواس مرسومة على أقطار أو صلبان ، وموجودة على جدران المقابر والتوابيت وتماثيل هانيوا والمرايا البرونزية.
فترة أسوكا (552-710)
تصور ياماتو مملكة مركزية على النموذج الصيني ، مجسدة في قوانين Shōtoku-Taishi (604) و Taika لعام 646. كان لإدخال البوذية تأثير فني وجمالي كبير على اليابان ، مع تأثير كبير من الفن الصيني.
ثم جاء عهد الأمير شوتوكو (573-621) ، الذي فضل البوذية والثقافة بشكل عام ، وكان مثمرًا للفن. تم تمثيل العمارة في المعابد والأديرة ، فقد فقدت في الغالب ، على افتراض استبدال خطوط شنتو البسيطة بالروعة القادمة من البر الرئيسي.
كأبرز مبنى في هذه الفترة ، يجب علينا تسمية معبد Hōryū-ji (607) ، ممثل طراز Kudara (Paekche في كوريا). تم صنعه على أرض معبد Wakakusadera ، الذي أقامه Shōtoku وأحرقه خصومه في 670.
تم تشييده بقياس المسطح المحوري ، ويتكون من مجموعة من المباني حيث توجد المعبد (Tō) ، و Yumedono ("قاعة الأحلام")) و Kondō ("القاعة الذهبية"). إنه على الطراز الصيني ، باستخدام سقف من بلاط السيراميك لأول مرة.
إحدى سمات هذا المثال غير العادي هي ضريح إيتسوكوشيما (593) ، الذي تم إنشاؤه على الماء ، في سيتو ، حيث يُشار إلى الغوجنوتي والتاهيتي والعديد من الهندوس. بسبب جمالها ، تم تسميتها كموقع للتراث العالمي في عام 1996 من قبل الأمم المتحدة.
تم صنع المنحوتات ذات الطابع البوذي من الخشب أو البرونز: تم استيراد شخصيات بوذا الأولى من البر الرئيسي ، ولكن فيما بعد استقر عدد كبير من الفنانين الصينيين والكوريين في اليابان.
انتشرت صورة كانون ، الاسم الياباني لبوديساتفا أفالوكيتيفارا (تسمى غوان يين بالصينية) ، تحت اسم بوديساتفا كانون ، عمل كوري كوري ؛ يقع Kannon في معبد Yumedono في Hōryū-ji ؛ و Kannon of Kudara (القرن السادس) ، لفنان غير معروف. عمل مهم آخر هو ثالوث ساكياموني (623) ، من البرونز ، من قبل توري بوشي المثبت في معبد Hōryū-ji.
بشكل عام ، كانت أعمالًا ذات أسلوب حاد وزاوي وعتيق ، مستوحاة من أسلوب Koguryŏ الكوري ، كما يظهر في أعمال Shiba Tori ، التي ميزت "النمط الرسمي" لفترة أسوكا: أسوكا بوذا العظيم (معبد هوكو -جي ، 606) ، ياكوشي بوذا (607) ، كانون جوز (621) ، ترياد شاكا (623).
الفنانة الأخرى التي اتبعت هذا الأسلوب هي آيا نو ياماغوتشي نو أوكوتشي أتاهي ، مؤلفة كتاب The Four Celestial Guardians (shitenno) من Golden Hall of Hōryū-ji (645) ، والذي على الرغم من الطراز القديم جدًا يقدم تطورًا حجميًا أكثر تقريبًا ، مع المزيد وجوه معبرة.
اللوحة متأثرة بالزخارف الصينية ، بالحبر أو الأصباغ المعدنية المستخدمة على الحرير أو الورق ، على لفائف من الرق أو معلقة على الحائط. إنه يدل على إحساس كبير بالرسم ، مع الأعمال ذات الأصالة العظيمة ، مثل مخزون Tamamushi (Hōryū-ji) ، في الكافور وخشب السرو ، مع عصابات برونز تخريمية ، تمثل مشاهد مختلفة في الزيت على الخشب المصقول ، في تقنية تسمى ميتسودا -أنا من بلاد فارس والمتعلق بالرسم الصيني لسلالة واي.
يوجد في قاعدة الذخائر جاتاكا (سرد لحياة بوذا الماضية) ، تظهر الأمير ماهاساتفا وهو يكرس جسده لنمرة جائعة. في هذا الوقت تقريبًا ، بدأ الخط يكتسب شهرة ، حيث تم منحه نفس المستوى الفني مثل الصور التصويرية.
كما لوحظت المفروشات الحريرية ، مثل Mandala Tenkoku المصنوع إلى Shōtoku (622). الخزف ، الذي كان يمكن تزججه أو لا ، لديه القليل من الإنتاج المحلي ، كونه أكثر الواردات الصينية قيمة.
فترة نارا (710-794)
خلال هذه الفترة ، تم إنشاء العاصمة في نارا (710) ، أول عاصمة ثابتة للميكادو. في هذا الوقت ، كان الفن البوذي في ذروته ، واستمر في التأثير الصيني بكثافة كبيرة: رأى اليابانيون في الفن الصيني انسجامًا وكمالًا مشابهًا للذوق الأوروبي للفن اليوناني الروماني الكلاسيكي.
الأمثلة القليلة للهندسة المعمارية من تلك الفترة هي المباني الضخمة ، مثل معبد Yakushi-ji Pagoda الشرقي ، ومعابد Tōshōdai-ji ، و Tōdai-ji ، و Kōfuku-ji ، و Shōso-in Imperial Storehouse في نارا ، والتي تحافظ على العديد من الأشياء من فن من زمن الإمبراطور شومو (724-749) ، مع أعمال من الصين وبلاد فارس وآسيا الوسطى. تم بناء مدينة نارا وفق مخطط شبكي ، على غرار مدينة تشانغآن ، عاصمة سلالة تانغ.
تم منح القصر الإمبراطوري نفس الأهمية التي يتمتع بها الدير الرئيسي ، Tōdai-ji (745-752) ، الذي تم بناؤه وفقًا لخطة متناظرة في سياج كبير به باغودتان ، ويضم الديبوتسودين ، "القاعة الكبرى لبوذا". «. مع تمثال كبير من البرونز يبلغ طوله 15 مترًا لبوذا فايروكانا (Dainichi باللغة اليابانية) ، تبرع به الإمبراطور Shōmu في 743. أعيد بناؤه في 1700 ، Daibutsuden هو أكبر مبنى خشبي في العالم.
معبد آخر مهم هو Hokkedō ، الذي يضم تمثالًا رائعًا آخر ، Kannon Fukukenjaku ، بوديساتفا المطلي بثمانية أذرع ويبلغ ارتفاعه أربعة أمتار. التأثير العالي والتانغ ، والذي يُلاحظ في صفاء وهدوء ملامح الوجه.
في المقابل ، كانت معبد Yakushi-ji Pagoda الشرقي محاولة من قبل المهندسين المعماريين اليابانيين لإيجاد أسلوبهم الخاص ، والابتعاد عن التأثير الصيني. تتميز بعموديتها ، مع أغطية بديلة بأحجام مختلفة ، مما يعطيها مظهر علامة خطية.
في هيكلها ، تبرز الأفاريز والشرفات المكونة من قضبان خشبية متداخلة باللونين الأبيض والبني. يوجد داخلها صورة Yakushi Nyorai ("الطب بوذا"). تم إدراجه كموقع للتراث العالمي تحت اسم الآثار التاريخية لنارا القديمة.
كان Tōshōdai-ji (759) يتمتع بنفس درجة الاستيعاب الوطني ، مما يدل على تناقض واضح بين Kond ("القاعة الذهبية") ، بصلابتها وتناسقها وعموديتها المتأثرة بالصين ، و Kodō ("قاعة المحاضرات") . ") ، ذات قدر أكبر من البساطة والأفقية التي تدل على تقاليد السكان الأصليين.
وكان العارض الآخر هو كيوميزو ديرا (778) ، الذي يتميز مبناه الرئيسي بسور ضخم مدعوم بمئات الأعمدة التي تبرز على التل وتوفر إطلالات رائعة على مدينة كيوتو. كان هذا المعبد أحد المرشحين لقائمة عجائب الدنيا السبع الجديدة ، على الرغم من عدم اختياره.
من جانبها ، تشتهر Rinnō-ji بسانبوتسودو ، حيث توجد ثلاثة تماثيل لأميدا وسينجوكانون وباتوكانون. بصفته ضريحًا لشنتو ، يبرز Fushimi Inari-taisha (711) ، المكرس لروح Inari ، والذي تم تسميته بشكل خاص بآلاف التوريات الحمراء التي تشير إلى الطريق على طول التل الذي يقف عليه الضريح.
حقق تمثيل بوذا تطورًا كبيرًا في النحت ، مع تماثيل ذات جمال رائع: شو كانون ، بوذا تاتشيبانا ، بوديساتفا جاكو من توداي-جي. في فترة Hakuhō (645-710) ، أدى قمع عشيرة Soga والتوحيد الإمبراطوري إلى نهاية النفوذ الكوري واستبداله بالصينيين (أسرة تانغ) ، مما أدى إلى إنتاج سلسلة من الأعمال الرائعة والواقعية ، مع أكثر استدارة و أشكال أكثر رشيقة.
هذا التغيير ملحوظ في جزء من تماثيل Yakushi-ji البرونزية المذهبة ، التي شكلها بوذا الجالس (Yakushi) برفقة bodhisattvas Nikko ("Sunlight") و Gakko ("Moonlight") ، اللذان يظهران ديناميكية أكبر في وضعه المعاكس ، وزيادة تعبيرات الوجه.
في Hōryū-ji ، استمر أسلوب توري من أصل كوري ، كما هو الحال في Kannon Yumegatari و Amida Triad of the Lady Tachibana locket. يوجد في معبد Tōshōdai-ji سلسلة من التماثيل الكبيرة ، المصنوعة من الورنيش المجفف المجوف ، لتبرز وسط بوذا روشانا (759) ، الذي يبلغ ارتفاعه 3,4 مترًا. هناك أيضًا تمثيلات لأرواح الوصي (Meikira Taisho) ، والملوك (Komokuten) ، إلخ. إنها أعمال من الخشب أو البرونز أو الطين الخام أو الورنيش الجاف ذات الواقعية الكبيرة.
يتم تمثيل اللوحة بزخرفة جدارية Hōryū-ji (أواخر القرن السابع) ، مثل اللوحات الجدارية Kond التي تشبه تلك الموجودة في Ajantā في الهند. ظهرت أيضًا أنماط مختلفة ، مثل kakemono ("الرسم المعلق") و emakimono ("الرسم على شكل لفائف") ، وهي قصص مرسومة على لفيفة من الورق أو الحرير ، مع نصوص تشرح المشاهد المختلفة ، تسمى سوترا.
يوجد في Nara Shōso-in عدد من اللوحات ذات الطابع العلماني ، بأنواع وموضوعات مختلفة: نباتات وحيوانات ومناظر طبيعية وأشياء معدنية. في منتصف هذه الفترة ، ظهرت مدرسة الرسم في عهد أسرة تانغ ، كما يمكن رؤيته في جداريات مقبرة تاكاماتسوزوكا ، والتي يعود تاريخها إلى حوالي 700.
بموجب مرسوم تايهو ريو لعام 701 ، يتم تنظيم مهنة الرسام في الشركات الحرفية. يسيطر عليها قسم الرسامين (takumi-no-tuskasa) ، التابع لوزارة الداخلية. كانت هذه الجمعيات مسؤولة عن تزيين القصور والمعابد ، واستمر هيكلها حتى عصر ميجي. تطور الفخار بشكل ملحوظ من خلال تقنيات مختلفة مستوردة من الصين ، مثل استخدام الألوان الزاهية المطبقة على الطين.
فترة هييان (794-1185)
في هذه الفترة ، تشكلت حكومة عشيرة فوجيوارا ، التي أسست حكومة مركزية مستوحاة من الحكومة الصينية ، وعاصمتها هييان (كيوتو حاليًا). نشأ اللوردات الإقطاعيين العظماء (daimyō) وظهرت شخصية الساموراي.
في هذا الوقت تقريبًا ، ظهرت دراسة الخط المسماة Hiragana ، والتي قامت بتكييف الخط الصيني مع اللغة متعددة المقاطع المستخدمة في اليابان ، باستخدام الأحرف الصينية للقيم الصوتية للمقاطع. أدى انهيار العلاقات مع الصين إلى ظهور فن ياباني أكثر وضوحًا ، مع ظهور فن علماني جنبًا إلى جنب مع الفن الديني الذي سيكون انعكاسًا صادقًا لقومية البلاط الإمبراطوري.
خضعت الأيقونات البوذية لتطور جديد مع استيراد طائفتين جديدتين من البر الرئيسي ، Tendai و Shingon ، بناءً على البوذية التانترا التبتية ، والتي أدرجت عناصر الشنتو وأنتجت التوفيق الديني السمة المميزة لهذا الوقت.
خضعت الهندسة المعمارية لتغيير في مخطط الأديرة ، التي أقيمت في أماكن معزولة ، مخصصة للتأمل. أهم المعابد هي Enryaku-ji (788) و Kongōbu-ji (816) و Murō-ji pagoda-shrine. Enryaku-ji ، التي تقع بالقرب من جبل Hiei ، هي واحدة من المعالم التاريخية في كيوتو القديمة ، والتي تم إعلانها كموقع للتراث العالمي في عام 1994.
تأسست في 788 من قبل Saichō ، الذي قدم طائفة Tendai البوذية إلى اليابان. كان لدى إنرياكو-جي حوالي 3.000 معبد ، وكانت مركزًا كبيرًا للقوة في يومها ، حيث دمر أودا نوبوناغا معظم مبانيها في عام 1571.
من الجزء الذي نجا ، يبرز Saitō ("القاعة الغربية") اليوم و Tōdō ("القاعة الشرقية") ، حيث يقع Konpon chūdō ، وهو البناء الأكثر تمثيلاً في Enryaku ji ، حيث يتم الاحتفاظ بتمثال بوذا .نحت بواسطة Saichō نفسه ، Yakushi Nyorai.
عانى التمثال من انخفاض طفيف مقارنة بالأوقات السابقة. مرة أخرى ، تماثيل بوذا (نيويرين-كانون ؛ ياكوشي نيوراي من معبد جينغو-جي في كيوتو ؛ أميدا نيوراي من دير بيودو إن) ، بالإضافة إلى بعض آلهة الشنتو (كيتشيجوتين ، إلهة السعادة ، أي ما يعادل الهند لاكشمي) .
إن الصلابة المفرطة للدين البوذي تحد من عفوية الفنان ، الذي يقصر نفسه على شرائع فنية صارمة تقوض حريته الإبداعية. خلال عامي 859 و 877 ، تم إنتاج أسلوب جوغان ، الذي يتميز بصور ذات جاذبية مخيفة تقريبًا ، مع جو معين من الاستبطان والغموض ، مثل Shaka Nyorai of Murō-ji.
خلال فترة فوجيوارا ، ارتفعت شهرة المدرسة التي أسسها Jōchō في Byōdō-in ، بأسلوب أكثر أناقة ونحافة من منحوتة Jogan ، معبرة عن أشكال الجسم المثالية وإحساس كبير بالحركة.
قدمت ورشة Jōchō تقنيات yosegi و warihagi ، والتي تتكون من تقسيم الشكل إلى كتلتين تم ضمهما معًا لنحتهما ، وبالتالي تجنب التشقق اللاحق ، وهي إحدى المشكلات الرئيسية مع الشخصيات الكبيرة. تسمح هذه التقنيات أيضًا بالتركيب التسلسلي وتم تطويرها بنجاح كبير في مدرسة Kei في فترة كاماكورا.
تزدهر لوحة Yamato-e بشكل خاص على اللفائف المكتوبة بخط اليد والتي تسمى emaki ، والتي تجمع بين المشاهد التصويرية وخط كاتاكانا الأنيق. تروي هذه المخطوطات فقرات تاريخية أو أدبية ، مثل حكاية جينجي ، وهي رواية كتبها موراساكي شيكيبو من أواخر القرن العاشر.
على الرغم من أن النص كان من عمل كتّاب مشهورين ، إلا أن الصور تم تنفيذها عادةً من قبل المحظيات في المحكمة ، مثل كي نو تسوبوني وناغاتو نو تسوبوني ، بافتراض عينة من الجماليات الأنثوية التي سيكون لها أهمية كبيرة في الفن الياباني اليوم.
في هذا الوقت ، بدأ تصنيف اللوحات حسب الجنس ، مما ميز تمييزًا ملموسًا بين الجمهور ، حيث كان المذكر تحت التأثير الصيني ، والأنوثة وأكثر جمالية كانت يابانية فنياً.
في Onna-e ، بالإضافة إلى تاريخ Genji ، تبرز Heike Nogyo (Lotus Sutra) ، بتكليف من عشيرة Taira لضريح Itsukushima ، حيث تتجسد في لفائف مختلفة حول خلاص النفوس التي أعلنتها البوذية.
من ناحية أخرى ، كانت otoko-e أكثر سردًا وحيوية من ona-e ، ومليئة بالحركة ، بمزيد من الواقعية والحركة ، كما في Shigisan Engi Scrolls ، حول معجزات الراهب Myoren ؛ The Ban Danigon E-kotoba ، حول حرب بين العشائر المتنافسة في القرن التاسع ؛ و Chōjugiga ، مشاهد لحيوانات بعلامة كاريكاتورية ونبرة ساخرة تنتقد الطبقة الأرستقراطية.
فترة كاماكورا (1185-1392)
بعد عدة خلافات بين العشائر الإقطاعية ، تم فرض ميناموتو ، الذي أسس الشوغون ، وهو شكل من أشكال الحكومة مع محكمة عسكرية. في هذا الوقت ، تم تقديم طائفة الزن إلى اليابان ، مما سيؤثر بشكل كبير على الفن التصويري. كانت الهندسة المعمارية أبسط وأكثر عملية وأقل فخامة وزخرفة.
أدى حكم زن إلى ما يسمى بأسلوب كارا يو: اتبعت أماكن عبادة الزن تقنية القياس المحوري الصيني ، على الرغم من أن المبنى الرئيسي لم يكن المعبد ، بل غرفة القراءة ، ولم يكن مكان الشرف يحتل مكانة تمثال. بوذا ، ولكن بواسطة عرش صغير حيث علم رئيس الدير تلاميذه.
مجمع المعابد الخمسة الكبرى في سانجوسانجين-دو ، في كيوتو (1266) ، وكذلك الأديرة كينين جي (1202) وتوفوكو-جي (1243) في كيوتو ، وكنشو-جي (1253) وإنجاكو-جي (1282) ) في كاماكورا.
يشتهر Kōtoku-in (1252) بتمثاله البرونزي الكبير والثقيل لأميدا بوذا ، مما يجعله ثاني أكبر بوذا في اليابان بعد Tōdai-ji.
في عام 1234 ، تم بناء معبد Chion-in ، مقر البوذية Jōdo sh ، وتميزت ببوابة رئيسية ضخمة (Sanmon) ، وهي أكبر مبنى من نوعه في اليابان.
كان أحد آخر ممثلي هذه الفترة هو Hongan-ji (1321) ، والذي يتكون من معبدين رئيسيين: Nishi Hongan-ji ، والذي يضم Goei-dō و Amida-d ، جنبًا إلى جنب مع جناح الشاي ومرحلتين من مسرح نوح ، أحدها يدعي أنه أقدم مسرح لا يزال على قيد الحياة ؛ و Higashi Hongan-ji ، موطن Shosei-en الشهير.
اكتسب التمثال قدرًا كبيرًا من الواقعية ، حيث وجد الفنان حرية أكبر في الإبداع ، كما يتضح من صور النبلاء والجنود ، مثل صورة أوسوجي شيجوسا (لفنان مجهول) ، وهو رجل عسكري من القرن الرابع عشر.
ركزت أعمال Zen على تمثيل أسيادهم ، في نوع من التمثال يسمى shinzo ، مثل تمثال السيد Muji Ichien (1312 ، بواسطة مؤلف مجهول) ، في الخشب متعدد الألوان ، والذي يمثل سيد Zen جالسًا على العرش ، في استرخاء الموقف من التأمل.
كانت مدرسة كي في نارا ، وريثة مدرسة جوتشو في فترة هيان ، ذات أهمية خاصة لجودة أعمالها ، حيث كان النحات أونكي ، مؤلف تماثيل الرهبان موشاكو وسيشين (كوفوكو-جي من نارا) ، أيضًا كصور للكونغو ريكيشي (أرواح الوصي) ، مثل التمثالين الهائلين الواقعين عند مدخل معبد توداي-جي الذي يبلغ ارتفاعه 8 أمتار (1199).
كان أسلوب أونكي ، المتأثر بالنحت الصيني لأسرة سونغ ، واقعيًا للغاية أثناء التقاط أكثر الدراسات الفيزيولوجية تفصيلاً مع التعبير العاطفي والروحانية الداخلية للفرد المصور.
بل تم دمج بلورات داكنة في العينين لإعطاء قدر أكبر من التعبير. كان عمل Unkei بمثابة بداية للصور اليابانية. واصل ابنه تانكي ، مؤلف كتاب Kannon Senju لـ Sanjūsangen-d ، عمله.
تميزت اللوحة بالواقعية المتزايدة والاستبطان النفسي. المناظر الطبيعية (شلال ناتشي) وصورة الراهب موي في التأمل ، بواسطة إنيشي بو جونين ؛ مجموعة صور من معبد Jingo-ji في كيوتو ، بواسطة Fujiwara Takanobu ؛ تم تطوير صورة Goshin للإمبراطور Hanazono بشكل أساسي.
استمر وضع yamato-e وتم شرح الصور في مخطوطات ، يبلغ طول العديد منها عدة أمتار. تصور هذه المخطوطات تفاصيل الحياة اليومية ، والمشاهد الحضرية أو الريفية ، أو الأحداث التاريخية المصورة ، مثل حرب كيوتو عام 1159 بين الفروع المتنافسة من العائلة الإمبراطورية.
تم تقديمهم في مشاهد متواصلة ، باتباع ترتيب سردي ، مع بانوراما مرتفعة ، في خط مستقيم. تبرز اللفائف المصورة لأحداث عصر هيجي (Heiji monogatari) ولفائف Kegon Engi من Enichi-bo Jonin.
كانت اللوحة المرتبطة بمنظمة Zen أكثر تأثرًا بالصينية بشكل مباشر ، مع تقنية أكثر من خطوط الحبر الصيني البسيطة التي تتبع مقولة Zen التي "العديد من الألوان تغمر العين".
فترة موروماتشي (1392-1573)
الشوغونية في أيدي Ashikaga ، الذين يؤيد قتالهم الداخلي القوة المتزايدة للدايميو ، الذين يقسمون الأرض. كانت الهندسة المعمارية أكثر أناقة وجوهرية يابانية ، وتضم القصور الفخمة والأديرة مثل Zuihoji والمعابد مثل Shōkoku-ji (1382) ، Kinkaku-ji أو Golden Pavilion (1397) ، و Ginkaku-ji. o Silver Pavilion (1489) في كيوتو.
تم بناء Kinkaku-ji كقرية راحة لـ Shogun Ashikaga Yoshimitsu ، كجزء من مجاله المسمى Kitayama. حوّل ابنه المبنى إلى معبد لطائفة رينزاي. إنه مبنى من ثلاثة طوابق ، أول طابقين مغطى بورق الذهب الخالص. يعمل الجناح كشيريدن يحمي رفات بوذا.
كما أنه يحتوي على تماثيل مختلفة لبوذا وبوديساتفا ، ويقف فنغهوانغ ذهبي على السطح. كما أن لديها حديقة مجاورة جميلة ، مع بركة تسمى Kyōko-chi ، مع العديد من الجزر والأحجار التي تمثل قصة الخلق البوذي.
من جانبها ، تم بناء Ginkaku-ji من قبل shogun Ashikaga Yoshimasa ، الذي سعى لتقليد Kinkaku-ji الذي بناه سلفه Yoshimitsu ، لكن لسوء الحظ لم يتمكن من تغطية المبنى بالفضة كما هو مخطط له.
ومن سمات العمارة في هذه الفترة أيضًا ظهور tokonoma ، وهي غرفة مخصصة للتأمل في لوحة أو تنسيق زهور ، تمشيا مع جمالية Zen. أيضًا ، تم تقديم حصير التاتامي ، وهو نوع من الحصير المصنوع من قش الأرز ، مما جعل الجزء الداخلي للمنزل الياباني أكثر متعة.
في هذا الوقت ، تطور فن البستنة بشكل خاص ، ووضع الأسس الفنية والجمالية للحديقة اليابانية. ظهرت طريقتان رئيسيتان: تسوكياما ، حول تل وبحيرة ؛ وحيرانيوا ، حديقة منبسطة من الرمال الممتلئة بالحجارة والأشجار والآبار.
يتكون الغطاء النباتي الأكثر شيوعًا من الخيزران وأنواع مختلفة من الزهور والأشجار ، سواء دائمة الخضرة ، مثل الصنوبر الأسود الياباني ، أو المتساقطة ، مثل القيقب الياباني ، كما يتم تقييم عناصر مثل السرخس والرغاوي.
بونساي هو عنصر نموذجي آخر للبستنة والتصميم الداخلي. غالبًا ما تشتمل الحدائق على بحيرة أو بركة وأنواع مختلفة من الأجنحة (عادةً لحفل الشاي) والفوانيس الحجرية. من الخصائص النموذجية للحديقة اليابانية ، كما هو الحال في بقية فنها ، مظهرها غير الكامل وغير المكتمل وغير المتماثل.
هناك أنواع مختلفة من الحدائق: "المشي" ، والتي يمكن رؤيتها وهي تسير على طول مسار أو حول بركة ؛ "غرفة المعيشة" ، والتي يمكن رؤيتها من مكان ثابت ، بشكل عام جناح أو كوخ من نوع الماكيا.
Te (rōji) ، حول ممر يؤدي إلى غرفة الشاي ، مع بلاط أو أحجار bakdosin تحدد المسار ؛ و "التأمل" (karesansui ، "المناظر الطبيعية الجبلية والمائية") ، وهي أكثر حدائق Zen نموذجية ، ويمكن رؤيتها من منصة تقع في أديرة Zen.
وخير مثال على ذلك هو ما يسمى بالمناظر الطبيعية الخالية من الماء في حديقة Ryōan-ji في كيوتو للرسام والشاعر Sōami (1480) ، والتي تمثل بحرًا من الرمال الممتلئة بالجزر ، وهي صخور. ، كلٌّ يجمع بين الواقع والوهم ويدعو إلى الهدوء والتفكير.
لوحظ عودة ظهور اللوحة ، المؤطرة في جمالية زن ، والتي تلقت التأثير الصيني لسلالت يوان ومينغ ، الذي انعكس بشكل رئيسي في الفن الزخرفي.
تم تقديم تقنية الغواش ، وهي نسخ مثالي لعقيدة زن ، التي تسعى إلى عكس ما تعنيه في المناظر الطبيعية بدلاً من ما تمثله.
ظهرت شخصية بنجينسو ، "الراهب الفكري" الذي ابتكر أعماله الخاصة ، والعلماء وأتباع التقنيات الصينية بالحبر الأحادي اللون ، بضربات فرشاة مختصرة ومنتشرة ، عكست في أعماله عناصر طبيعية مثل الصنوبر ، والقصب ، وبساتين الفاكهة ، والبامبو. والصخور والأشجار والطيور والشخصيات البشرية منغمسين في الطبيعة ، في موقف التأمل.
في اليابان ، كانت تقنية الحبر الصيني هذه تسمى سومي إي. استنادًا إلى المبادئ الجمالية السبعة لـ Zen ، سعى Sumi-e إلى عكس المشاعر الداخلية الأكثر حدة من خلال البساطة والأناقة ، في خطوط بسيطة ومتواضعة تتجاوز مظهرها الخارجي للدلالة على حالة التواصل مع الطبيعة.
كانت Sumi-e وسيلة (dō) للعثور على الروحانية الداخلية ، وقد استخدمها الرهبان. سمحت خصوصيات الحبر ، الدقيقة والمنتشرة ، للفنان بالتقاط جوهر الأشياء ، في انطباع بسيط وطبيعي ، ولكن في نفس الوقت عميق ومتسامي.
إنه فن غريزي للتنفيذ السريع ، من المستحيل تنميقه ، حقيقة توحده مع الحياة ، حيث يستحيل العودة إلى ما تم إنجازه. يحمل كل رسم طاقة حيوية (ki) ، لأنه عمل من أعمال الخلق ، حيث يتم وضع العقل موضع التنفيذ وتكون العملية أكثر أهمية من النتيجة.
كان أهم ممثلي السومي إي: موتو شوي ، وجوزيتسو ، وشوبون ، وسيسون شوكي ، وقبل كل شيء ، سيسشو تويو ، مؤلف اللوحات والمناظر الطبيعية ، وهو أول فنان يرسم وهو على قيد الحياة. كان Sesshū رسامًا جاسو ، راهبًا ، سافر إلى الصين بين عامي 1467 و 1469 ، حيث درس الفن والمناظر الطبيعية.
تتكون مناظره الطبيعية من هياكل خطية ، مضاءة بضوء مفاجئ يعكس مفهوم Zen للحظة المتعالية. هذه مناظر طبيعية مع وجود عناصر قصصية ، مثل المعابد في المسافة أو الأشكال البشرية الصغيرة ، المؤطرة في أماكن نائية مثل المنحدرات.
كما ظهر نوع جديد من الرسم الشعري ، shinjuku ، حيث يوضح منظر طبيعي قصيدة مستوحاة من الطبيعة. وتجدر الإشارة أيضًا إلى مدرسة Kan ، التي أسسها Kanō Masanobu ، والتي تطبق تقنية الغواش على الموضوعات التقليدية ، وتوضح الموضوعات المقدسة والوطنية والمناظر الطبيعية.
تم تطبيق الغسل أيضًا على الشاشات والألواح المطلية لأبواب فوسوما المنزلقة ، وهي السمات المميزة للتصميم الداخلي الياباني. تبرز مدرسة سيتو في صناعة الخزف ، وأشهر تصنيف هو Tenmoku. تعتبر الأجسام المعدنية والطلاء أمثلة بارزة أيضًا من هذه الفترة.
فترة أزوتشي - موموياما (1573–1603)
بحلول هذا الوقت ، توحدت اليابان مرة أخرى على يد أودا نوبوناغا ، وتويوتومي هيديوشي ، وتوكوغاوا إياسو ، الذي قضى على الإقطاعيين ووصل إلى السلطة.
تزامنت ولايته مع وصول التجار البرتغاليين والمبشرين اليسوعيين ، الذين أدخلوا المسيحية إلى البلاد ، على الرغم من وصولهم إلى أقلية فقط.
ابتعد الإنتاج الفني في هذا الوقت عن الجمالية البوذية ، مع التركيز على القيم اليابانية التقليدية بأسلوب متفجر. تسبب غزو كوريا عام 1592 في إعادة توطين العديد من الفنانين الكوريين قسريًا إلى اليابان ، الذين عاشوا في مراكز إنتاج الفخار معزولة عن البقية.
أيضًا ، خلال هذه الفترة ، تم تلقي التأثيرات الغربية الأولى ، التي انعكست في أسلوب نامبان ، الذي تم تطويره في منحوتات المنمنمات ، ذات الطابع العلماني ، والأشياء الخزفية المزخرفة والشاشات القابلة للطي المزينة على طراز Yamato-e ، بألوان زاهية وأوراق ذهبية ، في مشاهد تحكي قصة وصول الأوروبيين على الساحل الياباني.
لم يكن لتقنيات المنظور ، بالإضافة إلى الأشكال الأخرى للرسم الأوروبي مثل استخدام الرسم الزيتي ، موطئ قدم في الشكل الفني في اليابان.
في الهندسة المعمارية ، يبرز بناء القلاع العظيمة (شيرو) ، والتي تم تعزيزها من خلال إدخال الأسلحة النارية من أصل غربي في اليابان. تعد قلاع هيميجي وأزوتشي وماتسوموتو ونيجو وفوشيمي موموياما أمثلة جيدة.
تجمع قلعة هيميجي ، وهي واحدة من المباني الرئيسية في ذلك الوقت ، بين التحصينات الضخمة وأناقة الهيكل الرأسي ، على خمسة طوابق من الخشب والجص ، مع أشكال سقف منحنية برفق تشبه تلك الموجودة في المعابد اليابانية التقليدية.
كما انتشرت قرى حفلات الشاي الريفية ، التي تتكون من فيلات صغيرة أو قصور وحدائق كبيرة ، وتم بناء مسارح خشبية لعروض الكابوكي في بعض المدن.
في مجال الرسم ، استحوذت مدرسة Kanō على غالبية اللجان الرسمية ، حيث قامت بتطوير اللوحة الجدارية للقلاع اليابانية الرئيسية ، وكانت هناك شخصيات مهمة تدعى Kanō Eitoku و Kanō Sanraku.
بالنسبة للقلاع ، التي كانت مضاءة بشكل سيئ من خلال فتحاتها الدفاعية الضيقة ، تم إنشاء نوع من الحواجز ذات الخلفية الذهبية التي تعكس الضوء وتنتشر في جميع أنحاء الغرفة ، مع جداريات كبيرة مزينة بمناظر بطولية ، مثل الحيوانات. مثل النمور والتنين ، أو المناظر الطبيعية مع وجود الحدائق والبرك والجسور ، أو في الفصول الأربعة ، كان موضوعًا شائعًا إلى حد ما في ذلك الوقت.
تطورت طباعة الشاشة أيضًا بشكل ملحوظ ، بشكل عام باستخدام الأحبار البالية ، متبعة أسلوب السومي ، كما يتضح من أعمال Hasegawa Tōhaku (غابة الصنوبر) و Kaihō Yūshō (الصنوبر وشجرة البرقوق في ضوء القمر). كما تم تسليط الضوء على شخصية Tawaraya Sōtatsu ، مؤلف الأعمال ذات الديناميكية العظيمة ، في لفائف من المخطوطات والشاشات والمراوح.
ابتكر أسلوبًا غنائيًا وزخرفيًا مستوحى من نص واكا في عصر هيان ، والذي كان يُطلق عليه rinpa ، حيث أنتج أعمالًا ذات جمال بصري رائع وكثافة عاطفية ، مثل قصة جينجي ، ومسار اللبلاب ، وآلهة الرعد والرياح ، إلخ.
وصلت صناعة الخزف إلى لحظة ازدهار كبير ، حيث طورت منتجات لحفل الشاي ، مستوحاة من الخزف الكوري ، الذي يعكس مظهره الريفي وغير المكتمل بشكل مثالي جمالية الزن التي تتخلل طقوس الشاي.
ظهرت تصميمات جديدة ، مثل أطباق نيزومي وأباريق ماء كوجان ، وعادة ما تكون بجسم أبيض مغطى بطبقة من الفلسبار ومزينة بتصميمات بسيطة مصنوعة من خطاف حديدي. كان خزفًا سميكًا ذو مظهر لامع ، مع معالجة غير مكتملة ، مما أعطى إحساسًا بالنقص والضعف.
ظلت سيتو المنتج الرئيسي ، بينما وُلدت في مدينة مينو مدرستان مهمتان: شينو وأوريبي. تمت الإشارة أيضًا إلى مدرسة كاراتسو ونوعين أصليين من الفخار:
Iga ، ذات نسيج خشن وطبقة سميكة من التزجيج ، مع تشققات عميقة ؛ و Bizen ، خزف بني محمر غير مصقول ، لا يزال طريًا ، تم إزالته من العجلة لإنتاج شقوق طبيعية صغيرة وشقوق تعطيها مظهرًا هشًا ، ولا تزال تتماشى مع جمالية النقص في Zen.
كان Honami Kōetsu أحد أفضل الفنانين في ذلك الوقت ، حيث برع في الرسم والشعر والبستنة والورنيش وما إلى ذلك. تدرب على التقاليد الفنية في فترة هيان وفي مدرسة شورين للخط ، أسس مستعمرة للحرفيين في تاكاجامين ، بالقرب من كيوتو ، بأرض تبرع بها توكوغاوا إياسو.
تم الحفاظ على المستوطنة من قبل حرفيين من مدرسة Nichiren البوذية وأنتجت عددًا من الأعمال عالية الجودة. لقد تخصصوا في الأواني المطلية بالورنيش ، ولا سيما إكسسوارات المكاتب ، والمزينة بتطعيمات الذهب وعرق اللؤلؤ ، بالإضافة إلى العديد من الأواني وأدوات المائدة لحفل الشاي ، مما يبرز وعاء فوجيسان الكامل. ضارب إلى الحمرة مغطى بسراويل داخلية سوداء وفوقه أبيض جليدي معتم يعطي تأثير تساقط الثلوج.
فترة إيدو (1603-1868)
تتوافق هذه الفترة الفنية مع فترة توكوغاوا التاريخية ، عندما كانت اليابان مغلقة أمام جميع الاتصالات الخارجية. تأسست العاصمة في مدينة إيدو ، طوكيو المستقبلية. تم اضطهاد المسيحيين وطرد التجار الأوروبيون.
على الرغم من نظام التبعية ، فقد انتشرت التجارة والحرف اليدوية ، مما أدى إلى ظهور طبقة برجوازية نمت في القوة والنفوذ ، وكرست نفسها لتعزيز الفنون ، وخاصة المطبوعات والخزف والورنيش والأواني. المنسوجات.
أكثر الأعمال تمثيلا هي قصر كاتسورا في كيوتو وضريح توشو غو في نيكو (1636) ، وهي جزء من "أضرحة ومعابد نيكو" ، وكلاهما أعلن عن مواقع التراث العالمي من قبل اليونسكو في عام 1999.
شيء ما من نوع اتحاد البوذيين الشنتو ، هو ضريح شوغون توكوغاوا إياسو. المعبد عبارة عن هيكل متماثل بشكل صارم مع نقوش ملونة تغطي السطح المرئي بالكامل. تبرز هياكلها الملونة وزخارفها المحملة ، والتي تختلف عن أنماط المعابد في ذلك الوقت.
تم تزيين الديكورات الداخلية بنقوش مطلية بالورنيش بألوان زاهية وألواح مطلية ببراعة. تم بناء قصر كاتسورا (1615-1662) على مخطط غير متماثل مستوحى من الزن ، حيث يتناقض استخدام الخطوط المستقيمة على الواجهة الخارجية مع انحناء الحديقة المحيطة.
نظرًا لوضعها كمقعد تستريح فيه العائلة الإمبراطورية ، تتكون الفيلا من مبنى رئيسي وعدة ملاحق وغرف شاي وحديقة بطول 70000 ألف متر. القصر الرئيسي ، الذي يتكون من طابق واحد فقط ، ينقسم إلى أربعة ملاحق تتجمع في الزوايا.
يتميز المبنى بأكمله بخصائص معينة لكونه مبنيًا على أعمدة وفوقها سلسلة من الغرف ذات الجدران والأبواب ، بعضها مع لوحات لكاني تانيو.
ومن سمات هذه الفترة أيضًا بيوت الشاي (chashitsu) ، وهي عمومًا مباني خشبية صغيرة ذات أسقف من القش ، وتحيط بها الحدائق في حالة واضحة من التخلي ، مع الأشنات والطحالب والأوراق المتساقطة ، وفقًا لمفهوم Zen. من النقص المتسامي.
بداية التطور الفني والفكري
خلال هذه الفترة ، درست اليابان تدريجياً التقنيات الغربية والتطورات العلمية (تسمى رانجاكو) من خلال المعلومات والكتب الواردة من التجار الهولنديين في ديجيما.
وشملت المجالات الأكثر دراسة الجغرافيا والطب والعلوم الطبيعية وعلم الفلك والفن واللغات والمفاهيم الفيزيائية مثل دراسة الظواهر الكهربائية والميكانيكية. كان هناك أيضًا تطور كبير في الرياضيات ، في تيار مستقل تمامًا عن العالم الغربي. هذا التيار القوي كان يسمى واسان.
كان ازدهار الكونفوشيوسية الجديدة أعظم تطور فكري في تلك الفترة. كانت دراسة الكونفوشيوسية نشطة لفترة طويلة من قبل رجال الدين البوذيين ، ولكن خلال هذه الفترة جذب نظام الاعتقاد هذا اهتمامًا كبيرًا لمفهوم الإنسان والمجتمع.
كان ينظر إلى الإنسانية الأخلاقية والعقلانية والمنظور التاريخي للكونفوشيوسية على أنها نموذج اجتماعي. في منتصف القرن السابع عشر ، أصبحت الكونفوشيوسية هي الفلسفة القانونية المهيمنة وساهمت بشكل مباشر في تطوير نظام التعلم الوطني ، كوكوغاكو.
كانت فضيلته الرئيسية لنظام shogunal التركيز على العلاقات الهرمية ، والخضوع. الى القمة. والطاعة التي تمتد إلى المجتمع بأسره وتسهل الحفاظ على النظام الإقطاعي.
اكتسب فن النسيج أهمية كبيرة ، خاصة في الحرير ، والذي وصل إلى مستويات عالية الجودة ، ولهذا السبب كانت الفساتين الحريرية (الكيمونو) ذات الألوان الزاهية والتصميمات الرائعة تُعلق في الغرف في كثير من الأحيان. منفصلين وكأنهم شاشات.
تم استخدام تقنيات مختلفة ، مثل الصباغة والتطريز والديباج والنقش والتطريز والرسم باليد. كان الحرير متاحًا فقط للطبقات العليا ، بينما كان الناس يرتدون القطن ، ويتم تصنيعهم باستخدام تقنية الإيكات الإندونيسية ، ويتم غزلهم في أقسام وصبغ النيلي بالتناوب مع الأبيض.
هناك تقنية أخرى أقل جودة وهي حياكة خيوط قطنية بألوان مختلفة ، مع صبغات محلية الصنع مطبقة بأسلوب الباتيك باستخدام معجون الأرز ونخالة الأرز المطبوخ والمكتل.
وتجدر الإشارة إلى أنه مثلما تأثر الفن الياباني بالفن الغربي في القرن التاسع عشر ، فقد تأثر أيضًا بغرابة الفن الياباني وطبيعته. هذه هي الطريقة التي ولدت بها ما يسمى بالجابونيزم في الغرب ، وتطورت بشكل رئيسي في النصف الثاني من القرن التاسع عشر ، وخاصة في فرنسا وبريطانيا العظمى.
تم الكشف عن هذا في ما يسمى Japoneries ، وهي أشياء مستوحاة من المطبوعات اليابانية والبورسلين والورنيش والمراوح وأشياء الخيزران ، والتي أصبحت عصرية في كل من ديكور المنزل وفي العديد من الملابس الشخصية التي تعكس الخيال والديكور للثقافة اليابانية. .
في الرسم ، تم استقبال أسلوب مدرسة أوكييو-إي بحماس ، وكانت أعمال أوتامارو وهيروشيغي وهوكوساي موضع تقدير كبير. قلد الفنانون الغربيون البناء المكاني المبسط ، والخطوط البسيطة ، والأسلوب الخطي ، والحساسية الطبيعية للرسم الياباني.
العصور المعاصرة (منذ 1868)
في فترة ميجي (1868-1912) بدأت نهضة ثقافية واجتماعية وتكنولوجية عميقة في اليابان ، والتي انفتحت أكثر على العالم الخارجي وبدأت في دمج التطورات الجديدة التي تحققت في الغرب. ألغى ميثاق 1868 الامتيازات الإقطاعية والاختلافات الطبقية التي لم تؤد إلى تحسين الطبقات البروليتارية الفقيرة.
بدأت فترة من التوسع الإمبريالي القوي ، مما أدى إلى الحرب العالمية الثانية. بعد الحرب ، خضعت اليابان لعملية دمقرطة وتطور اقتصادي جعلتها واحدة من القوى الاقتصادية الرائدة في العالم ومركزًا رائدًا للإنتاج الصناعي والابتكار التكنولوجي. تبع عصر ميجي عصور تايشو (1912-1926) ، وشوا (1926-1989) ، وهايسي (1989-).
منذ عام 1930 ، أدت العسكرة والتوسع التقدميان في الصين وجنوب آسيا ، مع ما ترتب على ذلك من زيادة في الموارد المخصصة للميزانية العسكرية ، إلى تراجع الرعاية الفنية. ومع ذلك ، مع الازدهار الاقتصادي الذي أعقب الحرب والازدهار الجديد الذي تحقق مع التصنيع في البلاد ، ولدت الفنون من جديد ، وهي بالفعل مغمورة بالكامل في الحركات الفنية الدولية بسبب عملية العولمة الثقافية.
كما أن الازدهار الاقتصادي يشجع على جمع وإنشاء العديد من المتاحف ومراكز المعارض التي ساعدت في انتشار الفن الياباني والعالمي والحفاظ عليه. في المجال الديني ، أدى إنشاء الشنتوية في عصر ميجي باعتباره الدين الرسمي الوحيد (شينبوتسو بونري) إلى التخلي عن المعابد البوذية والأعمال الفنية وتدميرها ، والتي كان من الممكن إصلاحها دون تدخل إرنست فينولوسا ، أستاذ فلسفة. من جامعة طوكيو الامبراطورية.
جنبًا إلى جنب مع قطب ورعاية وليام بيجلو ، قام بحفظ عدد كبير من الأعمال التي عززت مجموعة الفن البوذي في متحف الفنون الجميلة في بوسطن ومعرض فرير للفنون في واشنطن العاصمة ، وهما من أفضل مجموعات الفن الآسيوي في الولايات المتحدة. العالم.
الهندسة المعمارية لها اتجاه مزدوج: الاتجاه التقليدي (ضريح ياسوكوني ، معابد هيان جينغو وميجي ، في طوكيو) والآخر المتأثر بأوروبا ، والذي يدمج التقنيات الجديدة (متحف ياماتو بونكاكان ، بواسطة إيزو هاتشي يوشيدا ، في نارا).
أدى التغريب إلى إنشاء مبانٍ جديدة مثل البنوك والمصانع ومحطات السكك الحديدية والمباني العامة ، التي تم بناؤها باستخدام مواد وتقنيات غربية ، وتقليدًا في البداية العمارة الفيكتورية الإنجليزية. عمل بعض المهندسين المعماريين الأجانب أيضًا في اليابان ، مثل فرانك لويد رايت (فندق إمبريال ، طوكيو).
تلقت العمارة والعمران دفعة كبيرة بعد الحرب العالمية الثانية ، بسبب الحاجة إلى إعادة بناء البلاد. ثم ظهر جيل جديد من المهندسين المعماريين.
بقيادة كنزو تانج ، مؤلف أعمال مثل متحف هيروشيما التذكاري للسلام ، وكاتدرائية سانت ماري في طوكيو ، والاستاد الأولمبي لأولمبياد طوكيو عام 1964 ، إلخ.
ابتكر طلاب وأتباع Tange مفهوم العمارة الذي يُفهم على أنه "التمثيل الغذائي" ، حيث ينظرون إلى المباني كأشكال عضوية يجب تكييفها مع الاحتياجات الوظيفية.
تأسست الحركة في عام 1959 ، وفكروا في إنشاء مركز سكاني ، كانت فرضيته هي إنشاء سلسلة من المباني التي تغيرت وفقًا للتغيرات الخارجية ، كما لو كانت كائنًا حيًا.
وكان من بين أعضائها كيشو كوروكاوا ، وأكيرا شيبويا ، ويوجي واتانابي ، وكيونوري كيكوتاكي. ممثل آخر كان Maekawa Kunio الذي قدم ، مع Tange ، الأفكار الجمالية اليابانية القديمة في المباني المعاصرة الجامدة.
مرة أخرى باستخدام التقنيات والمواد التقليدية مثل حصير التاتامي واستخدام الأعمدة ، أو عنصر البناء التقليدي في المعابد اليابانية ، أو دمج الحدائق والمنحوتات في إبداعاته. لا أنسى استخدام تقنية الفراغ ، فقد درسها فوميهيكو ماكي في العلاقة المكانية بين المبنى ومحيطه.
منذ الثمانينيات ، كان لفن ما بعد الحداثة موطئ قدم قوي في اليابان ، فمنذ العصور القديمة أصبح الانصهار بين العنصر الشعبي وتطور الأشكال من السمات المميزة.
تم تمثيل هذا الأسلوب بشكل أساسي بواسطة Arata Isozaki ، مؤلف متحف Kitakyushu للفنون وقاعة كيوتو للحفلات الموسيقية. درس Isozaki مع Tange وفي عمله قام بتجميع المفاهيم الغربية مع الأفكار المكانية والوظيفية والزخرفية النموذجية لليابان.
من جانبه ، طور تاداو أندو أسلوبًا أبسط ، مع اهتمام كبير بمساهمة الضوء والمساحات المفتوحة في الهواء الخارجي (مصلى على الماء ، تومانو ، هوكايدو ؛ كنيسة النور ، إيباراكي ، أوساكا ؛ متحف الأطفال ، هيميجي).
تميزت Shigeru Ban باستخدام مواد غير تقليدية ، مثل الورق أو البلاستيك: بعد زلزال كوبي في عام 1995 ، الذي ترك العديد من الأشخاص بلا مأوى ، ساهم بان بتصميم Delo الذي أصبح يعرف باسم Paper House and the Paper Church ، وأخيراً ، Toyō استكشف الصورة المادية للمدينة في العصر الرقمي.
في النحت ، هناك أيضًا ازدواجية تقليدية - طليعية ، تسلط الضوء على أسماء يوشي كيموتشي وروموريني تويوفوكو ، بالإضافة إلى ماساكازو هوريوتشي المجرد وياسو ميزوي ، المقيم الأخير في فرنسا. جمع Isamu Noguchi و Nagare Masayuki بين تقليد النحت الغني لبلدهم في أعمال تدرس التناقض بين خشونة المواد وصقلها.
اتبعت اللوحة أيضًا اتجاهين: التقليدي (nihonga) والغربي (yōga) ، على الرغم من وجود كليهما ، ظلت شخصية Tomioka Tessai في بداية القرن العشرين. بينما تم تعزيز أسلوب nihonga في النهاية من القرن التاسع عشر من قبل الناقد الفني أوكاكورا كاكوزو والمربي إرنست فينولوسا.
البحث عن الفن التقليدي للشكل البدائي للتعبير عن الحساسية اليابانية ، على الرغم من أن هذا الأسلوب قد تلقى أيضًا بعض التأثير الغربي ، خاصة من قبل الرفائيلية والرومانسية. وقد مثله بشكل رئيسي هيشيدا شونسو ويوكوياما تايكان وشيمومورا كنزان ومايدا سيسون وكوباياشي كوكي.
تمت رعاية الرسم على الطراز الأوروبي لأول مرة من خلال التقنيات والموضوعات المستخدمة في أوروبا في نهاية القرن التاسع عشر ، والتي تتعلق أساسًا بالأكاديمية ، كما في حالة كورودا سيكي ، الذي درس لعدة سنوات في باريس ، لكنه استمر بعد ذلك التيارات المختلفة التي حدثت في الفن الغربي:
استحوذت مجموعة هاكوبا كاي على التأثير الانطباعي. اللوحة التجريدية كان لها تاكيو ياماغوتشي وماساناري موناي كشخصيتين رئيسيتين ؛ ومن بين الفنانين التشكيليين فوكودا هيتشاتشيرو وتوكووكا شينسين وهيجاشياما كايي. استقر بعض الفنانين خارج بلادهم ، مثل Genichiro Inokuma في الولايات المتحدة و Tsuguharu Foujita في فرنسا.
في تايشو ، كان أسلوب اليوجا الذي كان له التأثير الأكبر على نيهونغا ، على الرغم من أن الاستخدام المتزايد للضوء والمنظور الأوروبي قلل من الاختلافات بين التيارين.
تمامًا كما تبنى نيهونجا إلى حد كبير ابتكارات ما بعد الانطباعية ، أظهر يوجا ميلًا للانتقائية ، حيث ظهر من مجموعة واسعة من الحركات الفنية المتباينة.
لهذه المرحلة ، تم إنشاء الأكاديمية اليابانية للفنون الجميلة (Nihon Bijutsu In). تميزت لوحات عصر شووا بأعمال ياسوري سوتارو وأومهارا ريوزابورو ، اللذين قدمًا مفاهيم الفن النقي والرسم التجريدي إلى تقليد نيهونغا.
في عام 1931 ، تأسست الجمعية الفنية المستقلة (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) للترويج للفن الطليعي.
في وقت مبكر من الحرب العالمية الثانية ، أكدت اللوائح القانونية الحكومية بوضوح على الموضوعات الوطنية. بعد الحرب ، عاد الفنانون إلى الظهور في المدن الكبرى ، ولا سيما طوكيو.
ابتكار فن حضري وعالمي ، والذي اتبع بإخلاص الابتكارات الأسلوبية المنتجة دوليًا ، لا سيما في باريس ونيويورك. بعد الأنماط المجردة في الستينيات ، عادت السبعينيات إلى الواقعية التي يفضلها فن البوب ، كما تدل عليها أعمال شينوهارا أوشيو.
من اللافت للنظر أن شيئًا مثيرًا للاهتمام قد حدث في نهاية السبعينيات ، وهو أن هناك عودة للفن الياباني التقليدي ، حيث رأوا فيه قدرًا أكبر من التعبيرية والقوة العاطفية.
استمرت تقاليد الطباعة في القرن العشرين بأسلوب "المطبوعات الإبداعية" (سوساكو هانجا) التي رسمها ونحتها فنانون ويفضل أن يكون ذلك بأسلوب نيهونغا ، مثل كاواسي هاسوي ويوشيدا هيروشي وموناكاتا شيكو.
من بين أحدث الاتجاهات ، كانت مجموعة Gutai تتمتع بسمعة طيبة ضمن ما يسمى بفن الحركة ، والذي ساوى بين تجربة الحرب العالمية الثانية من خلال أفعال مشحونة بالسخرية ، مع إحساس كبير بالتوتر والعدوانية الكامنة.
تألفت مجموعة Gutai من: Jirō Yoshihara و Sadamasa Motonaga و Shozo Shimamoto و Katsuō Shiraga. يرتبط بفن ما بعد الحداثة ، العديد من الفنانين ، المنخرطين في ظاهرة العولمة الحديثة ، والتي تميزت بالتعددية الثقافية لأشكال التعبير الفني.
شيجيو تويا ، ياسوماسا موريمورا. من بين الفنانين اليابانيين المعاصرين البارزين الآخرين: تارو أوكاموتو ، تشوتا كيمورا ، ليكو إيكيمورا ، ميتشيكو نودا ، ياسوماسا موريمورا ، يايوي كوساما ، يوشيتاكا أمانو ، شيجيو فوكودا ، شيجيكو كوبوتا ، يوشيتومو نارا 71 ، وتاكاشي موراكامي.
إذا وجدت هذا المقال مثيرًا للاهتمام ، فنحن ندعوك للاستمتاع بهؤلاء الآخرين: