Замишљен од стране његових креатора и следбеника као широк тренд у уметности који одражава потрагу за новим значењима савремених уметника, постмодерна уметност је одговор у овој потрази на кризу класичне културе.
постмодерна уметност
Верује се да се у XNUMX. веку догодила такозвана „смрт супероснова“: Бога, човека и аутора. Другим речима, пољуљана је религиозна основа, настала је криза хуманистичких идеја, а креатори су од стварања нове прешли на промишљање старог.
Постмодернизам у уметности део је глобалног тренда који је пригрлила светска култура и филозофија. Постмодернизам није јединствен стил, већ комплекс праваца, уједињених заједничком идеолошком основом. Многи од њих се чак и међусобно боре.
Постмодернизам је термин изведен из француског језика (постмодернисме). Овај назив одражава значење правца који је заменио уметност ере модернизма (не мешати са модернизмом). Крајем XNUMX. и почетком XNUMX. века модернистички (или авангардни) покрети задали су тежак ударац класичној уметности. Али постепено су креатори престали да се задовољавају модернистичким приступима.
Паралелно са мноштвом нових технолошких развоја, постмодернизам је скоро пет деценија довео до уметничких експеримената са новим медијима и новим уметничким формама, укључујући концептуалну уметност, различите врсте перформанса и уметничких инсталација, и компјутерске струје као што су деконструктивизам и технологија пројекције. .
Карактеристике постмодернизма
Жан Франсоа Лиотар и други теоретичари описују духовне основе модерности као непоколебљиво веровање у постојану прогресију све детаљније стишљивости света и постепеног приближавања савршеном знању. Тоталитарни системи XNUMX. века трајно су дискредитовали апсолутни карактер таквих модела.
Ево разлога за потребу да се постмодернизам дефинише као свесни раскид са модерношћу. Постмодернизам одбацује не само модерно веровање у прогрес, већ и постојање разумљиве објективне стварности. Постмодерна теорија и естетика претпостављају да су сво знање, сва перцепција и свака област свести и постојања подложни релативности. Кључни концепт постмодернизма је плуралност.
Жеља модерне да непрестано ствара нешто ново, као и уметничка средства која се користе да се то постигне, у постмодернизму се виде као аутоматизоване, устаљене и застареле. Принцип да се ништа ново не може створити чини употребу цитата суштинском стилском одликом постмодерне уметности.
Захтев за отвореношћу концепта уметности и појединачног уметничког дела отвара готово неограничене могућности с једне стране: постмодернизам отвара низ нових облика изражавања прелазећи границе жанрова.
Често коришћена техника постмодерне ере је колаж. Овај термин, скован почетком XNUMX. века за дадасте налепнице, много је шири у постмодерној ери. Укључује, на пример, инсталације великих размера, филмске технике или процесе музичке композиције.
Аутори попут Умберта Ека (Име руже), архитеката попут Фриденсрајха Хундертвасера (Хундертвассерхаус, Беч) и уметника попут Кита Харинга покушавају да премосте јаз између елитистичког схватања уметности и масовне културе; ово је такође суштински аспект постмодерне естетике.
Многа постмодерна дела, посебно у извођачким уметностима, не желе да буду схваћена као савршен резултат, већ као експериментални аранжман. Презентација ће бити фрагментарна (литература: Ролан Барт, Фрагменти језика љубави) или дело у току (плесни театар: Вилијам Форсајт, Скотова представа) у различитим фазама свог развоја.
Ликовни критичари дају различите одговоре на питање шта је постмодернизам у сликарству, будући да је постмодерна култура вишеструка појава и нема јасну идеолошку платформу. Постмодернисти нису створили универзални канон, штавише, у принципу су одбили да га створе. Можда је једина основна вредност коју проглашавају присталице овог тренда бескрајна слобода изражавања.
Постмодернизам није покрет, већ општи начин мишљења. Стога не постоји јединствена листа карактеристика које дефинишу „постмодерну уметност“. Међутим, постоји низ карактеристика које су карактеристичне за постмодерну уметност:
- Неограничена и апсолутна слобода уметника у избору метода самоизражавања.
- Размислите о традиционалним сликама, укључујући их у новом контексту (отуда широка дистрибуција римејкова, интерпретација, уметничких цитата, позајмица, алузија).
- Синкретизам, односно спајање хетерогених елемената у јединствену целину, који понекад чак и противрече једни другима (на пример, употреба различитих стилова од стране уметника на слици, или чак комбинација слике са другим врстама уметности).
- Дијалог, односно поглед на предмет из различитих углова, из позиције различитих „гласова“, који на крају стварају полифону „симфонију“.
- Облик презентације дела, позив гледаоца да се укључи у дело са значењима.
- Шокантна природа креативности.
- Иронија и самоиронија аутора. Уметници су сада много скептичнији према „великим идејама“ (нпр. да је сваки напредак добар).
- Постмодернизам је израз широко распрострањеног разочарења животом и моћи постојећих система вредности и/или технологија да донесу позитивне промене. Као резултат тога, ауторитет, искуство, знање и мотивација су пали на лош глас.
- Модерна уметност није виђена само као елитистичка, већ и као бела (у смислу боје коже), у којој доминирају мушкарци и незаинтересована за мањине. Због тога се постмодерна уметност залаже за уметност уметника трећег света, феминисткиња и мањина.
Постмодерна, савремена и касна модерна уметност
Као опште правило, постмодерна и савремена уметност се користе мање-више синоними. Међутим, са техничке тачке гледишта, постмодерна уметност значи „после модерности“ и односи се на фиксни период који почиње око 1970. године, док се савремена уметност углавном односи на период промена од око педесет година непосредно пре XNUMX-их.
Тренутно се ова два периода поклапају. Али 2050. године постмодерна уметност (нпр. од 1970-2020) је можда била замењена другом ером, међутим савремена уметност тада покрива период до те године.
У визуелним уметностима, термин касни модерни се односи на покрете или трендове који одбацују један аспект модерне уметности, али иначе остају у традицији модерности. Стилове као што је апстрактни експресионизам (1948-65) практиковали су бројни радикални модерни уметници, укључујући Џексона Полока и Вилема Де Кунинга, који су се супротстављали многим формалним конвенцијама уљаног сликарства.
Па ипак, ни Полок ни де Кунинг нису могли да произведу ништа попут Раушенберговог избрисаног де Кунинговог цртежа, пошто су обојица снажно веровали у концепте аутентичности и значења.
Историја постмодерне уметности
Први значајнији уметнички стил после ренесансе била је академска уметност, коју су предавали професори на академијама. У академској уметности конвергирају се многи стилови и струје, попут класицизма и романтизма. Од 1870. године, са доласком импресионизма, јавља се модерна уметност. Прве особине су се појавиле око 1970. године, што се данас резимира као постмодерна уметност.
Модерна уметност се углавном повезује са 1870-1970 веком, од импресионизма до поп арта, на пример. Упркос разним глобалним катастрофама (Први светски рат, грип, крах на Волстриту и Велика депресија) које су поткопали многе моралне извесности тог дана, савремени уметници су генерално задржали веру у основне научне законе природе. разум и рационалност мислио.
Генерално, као и већина западњака тог времена, веровали су да живот има смисао. Тај научни напредак је аутоматски био позитиван, да је хришћански Запад био супериорнији од остатка света, да су мушкарци супериорнији од жена. Модернизам је такође веровао у значење, релевантност и напредак уметности, посебно ликовне уметности и архитектуре.
На трагу Леонарда и Микеланђела, веровали су у високу уметност, уметност која подиже и инспирише образованог гледаоца, а не „ниску уметност” која само забавља масе. Заузели су прогресиван приступ и видели уметност као нешто што би требало да се стално развија, вођени водећом групом авангардних уметника.
Други светски рат и Холокауст су све окренули наглавачке. Париз је изненада заменио Њујорк као престоница света уметности. После ратних злочина, сва фигуративна уметност одједном се учинила неважном, па су се модерни сликари окренули апстрактној уметности да би се изразили.
Изненађујуће, њујоршка школа, са сликама Џексона Полока и смиренијом сликом поља у боји Марка Ротка, промовисала је привремени препород уметности са обе стране Атлантика 1950-их. Авангардни сликари успели су да редефинишу границе апстрактног сликарства, али је остала у границама модерне. Веровали су у стварање аутентичних, готових уметничких дела значајног садржаја.
Али модерност се неизбежно ближила крају. Све већа открића Шоа, тестирања атомске бомбе, кубанске ракетне кризе и рата у Вијетнаму остављала су људе све више разочараним животом и уметношћу.
Јаспер Јохнс и Роберт Раусцхенберг су већ произвели прва постмодерна дела нео-даде и поп арта средином 1950-их. Ускоро ће мејнстрим поп арт увести саму постмодерну уметност, пошто су се америчке телевизијске мреже фокусирале на Тет офанзиву 1968. и хаотичну Демократска национална конвенција из 1968.
Из овог протека времена у историји уметности може се утврдити и однос према уметности уметника и јавности. Уметници и гледаоци садашњости нису детерминисани старим идејама наставних и донаторских институција о томе шта уметност јесте и шта она може бити. Могућности и примене уметности постале су разноврсније без потребе да се натерате у одређени корзет.
На модерну архитектуру утицала је жеља за стварањем потпуно новог стила за савременог човека. Архитекте су желеле да уклоне све историјске референце и створе нешто потпуно ново. То је довело до међународног стила (око 1920-1970), минималистичког дизајна регуларности.
На срећу, око 1970. године, постмодерне архитекте су почеле да ревитализују архитектуру XNUMX. века дизајнирајући структуре са занимљивим карактеристикама извученим из популарне културе и традиционалнијих архитектонских стилова. Структуре које изгледају као да избегавају гравитацију такође су омогућене новим компјутерски контролисаним могућностима у оквиру деконструктивизма.
Постмодернистички покрет се уобличио 1960-их и 1970-их, али су предуслови за његов настанак повезани са кризом погледа на свет која је настала много раније. Међу њима: Шпенглерова теза о пропадању Европе; колапс јавне свести услед Првог светског рата; појава у науци идеја о недоследности и двосмислености светског поретка (од нееуклидске геометрије до квантне физике).
Термин постмодерна био је у употреби већ крајем 1950. века, а затим све више почетком 1970. века, али тек 1979-их година у смислу његовог садашњег значења. Крајем XNUMX-их, два аутора су углавном допринела успостављању термина као трајног фиксирања: Жан Франсоа Лиотар са својим делом Ла Цондитион постмодерне (Постмодерно знање, XNUMX) и Чарлс Џенкс са есејем Успон постмодерне архитектуре.
Увођењем појма постмодерна, модернизам се први пут дефинише као затворена историјска епоха (попут антике или средњег века пре ње). Постмодерна се усталила као стилски појам, посебно у архитектури.
Постмодернисти су закључили да се савремени свет не може описати у оквиру класичних приступа филозофији, науци и култури. Сходно томе, класични методи уметности нису адекватни да је опишу.
Употреба технологије
Ера постмодерне уметности поклопила се са увођењем неколико нових визуелних технологија (као што су телевизија, видео записи, интернет, између осталог) и од којих је имала велике користи. Нова палета видео и фотографских формата смањила је значај уметности цртања, а манипулација новим технологијама омогућила је уметницима да скрате традиционалне процесе стварања уметности, али ипак створе нешто ново.
Постмодерни уметнички покрети и стилови
До сада није било великих међународних уметничких покрета у постмодерној уметности. Уместо тога, у ери је дошло до пораста бројних уских, локализованих токова, као и неколико потпуно нових уметничких облика, као што су видео и сликање речи.
Поред тога, постојале су десетине уметничких фракција, као и анти-постмодерни центар или два чији су чланови настојали да произведу врсту уметности којом би се Микеланђело или Пикасо поносили.
Од неодадаизма, постмодернисти су волели да мешају ствари, или уносе нове елементе у традиционалне форме, како би створили нове комбинације. Фернандо Ботеро слика примитивне слике гојазних фигура, Георг Баселиц слика фигуре наопачке.
Герхард Рихтер је комбиновао уметност камере и сликарство у својим фотографским сликама из 1970-их, док је Џеф Кунс комбиновао слике оријентисане на потрошаче са софистицираним техникама вајања да би направио своје скулптуре од нерђајућег челика.
Андреас Гурски комбинује фотографију са компјутерски генерисаним сликама да би створио дела као што је Рхеин ИИ, док Џеф Вол користи дигитално обрађене фото монтаже у својим постмодерним креацијама слика.
Међу ликовним критичарима не постоји консензус о томе који се уметнички стилови могу класификовати као постмодерна уметност: на пример, неки стилови се истовремено класификују као авангардни и постмодерни. Ипак, може се разликовати следећа листа покрета и стилова постмодернизма:
дадаизам
Дадаисти су веровали да је бруталност Првог светског рата који је потресао Европу, доносећи бол и патњу милионима људи, производ логике и рационализма. Због тога су својом креативношћу промовисали рушење естетских канона, цинизма, систематичности, ирационалности.
Колаж је постао главна креативна метода дадаистичких уметника. Платно или папир послужили су као позадина на којој је уметник направио колаж користећи комаде тканине, комаде папира и друге материјале.
Дада је постојала релативно кратко: од 1916. до 1923. То је због чињенице да је њена идеолошка платформа била пацифистички патос који се супротстављао стварности Првог светског рата. Током 1920-их, дада се спојила са експресионизмом у Немачкој и са надреализмом у Француској.
Поп Арт
Поп арт (поп арт) је стил који је пренео потрошачку културу у област уметности и научио човечанство да види лепоту у тридесет три конзерве супе. Поп арт не треба мешати са популарном културом. Аутори су масовну културу сматрали објектом, као што портретиста гледа на модел или пејзажиста: у њедрима природе.
Тема масовне културе, на коју је пао уметников поглед, трансформисана је у нешто оригинално: уметнички објекат преломљен кроз уметникову интерпретацију. Са уметничке тачке гледишта, овај стил је апеловао на материјалност, објективност, за разлику од другог популарног тренда, апстракционизма. Поп арт је рођен у борби против креативности апстракциониста и најавио је повратак излагању конкретних објеката на платну.
Сам по себи, позивање на свакодневне ствари није ново у историји сликарства. Мртва природа је ипак уметников поглед на околне предмете. У ствари, нема велике разлике између Каравађове вазе и Ворхолових зелених боца кока-коле. Али поп арт је имао своју концептуалну необичност: уметници су узимали иконе и слике из масовне културе, које би сада назвали „мемови“.
Осим тога, обраћали су пажњу не само на предмете, већ и на слике; типичан пример је Ворхолов Мерилин диптих. Не може се порећи чињеница да је поп арт помогао да се афирмише амерички сан, легитимише потрошачко друштво и одговарајући начин живота. Истовремено је поставила темеље за критику филозофије потрошње, која ће касније добити снагу.
Уметност речи
Термин Уметност речи описује категорију постмодерне уметности засноване на тексту различитих савремених уметника присутних од 1950-их. Једноставна дефиниција уметности засноване на тексту може бити „уметност која укључује речи или фразе као основну уметничку компоненту“.
Слике засноване на тексту које садрже речи и фразе објављене су у различитим медијима, укључујући сликарство и скулптуру, литографију и сито штампу, као и примењену уметност (мајице, шоље). Појављује се и у најновијим облицима савремене уметности, као што је пројекционо мапирање.
Концептуална уметност
Концептуализам (од латинског цонцептус: мисао, представа) је постмодерна струја у уметности, која проглашава супремацију идеје дела над формом његовог уметничког израза. Следбеници концептуализма уверени су да њихове слике, скулптуре, инсталације и перформанси треба да изазову код гледаоца не емоције, већ жељу да интелектуално преиспита оно што су видели.
Концептуализам није комерцијална уметност, у њему предмети за креативност могу бити било који предмети за домаћинство, природни материјали, па чак и делови човековог окружења. Концептуални уметник не тежи да створи готово дело, већ покушава да пренесе своје идеје гледаоцу, да се упусти у неку врсту интелектуалне игре.
Концептуални радови имају карактеристичне карактеристике. Ова дела се могу идентификовати по следећим карактеристикама: утичу не на емоционалну, већ на интелектуалну перцепцију гледаоца; честа употреба текста објашњења дела; уметниково свесно одбацивање значења форме у корист важности смисла (идеје) дела; креирати уметничке предмете од било ког предмета који је доступан аутору.
Перформанс Арт анд Хапенингс
Хепенингс је авангардна уметничка форма, врста креативног изражавања, уско повезана са перформансом, која има своје утемељење у теоријама концептуалне уметности 1896. века, у великој мери проистекла из демонстрација представника Дада, као и Тристана. Цара (1963-XNUMX). У пракси, није лако направити разлику између уметности перформанса и хепенинга.
Оба су пажљиво планирани облици забаве (иако са елементима спонтаности) у којима уметник изводи (или управља) уметничким позоришним догађајем. Нешто лакше за видети него описати речима.
У сваком случају, Хапенингс је спонтано дело перформанса које спада негде између драме и визуелне уметности и обично позива и изазива снажан одговор публике.
Због свог дада стила пролазности, првобитно је замишљен као радикална алтернатива традиционалним занатским принципима и као „трајни уметнички објекат“. Потпуно објашњење ове нове постмодерне уметничке форме може се прочитати у књизи Мајкла Кирбија „Дешавања“ (1965).
Ова врста уметничког догађаја постала је посебно повезана са уметничком сценом Њујорка око 1960. године и још увек је представљена у најбољим галеријама савремене уметности широм света.
Апстрактна уметност
Апстракционизам је стил сликарства и уметности уопште, који одбацује реалистичну репродукцију околног света. Његови следбеници представљају једноставне и сложене облике, играју се бојом, користе линије, авионе и друге објекте, комбинујући их да створе одређене емоције код посматрача. По томе се његов приступ разликује од оног који користе мајстори који се придржавају класицизма и многих других стилова.
На први поглед, слика апстракционисте може изгледати као хаотична збрка линија, облика и тачака. Након детаљнијег испитивања, постаје јасно да је уметник створио читаву композицију дизајнирану да изазове одређене мисли или расположења код гледаоца.
Како се развијао, апстракционизам је био раслојен у неколико праваца, од којих је сваки имао своје представнике. Постојале су врсте стилова као што су:
- Геометријски. У делима уметника изведених у овом стилу преовлађују јасне форме и линије, многи од њих стварају илузију дубине.
- Мајстори који се придржавају овог правца активно раде са бојама и њиховим комбинацијама; управо кроз њих преносе емоције које желе да створе код публике.
- Суштина овог правца сликарства је у потпуном одсуству референци на стварне објекте и крајње ограниченој употреби боја, облика и линија.
- Уметници који раде у овом правцу настоје да унесу динамику, покрет у своја дела, кроз које преносе емоције и сензације. Истовремено, сенке, линије и облици бледе у позадини.
Скупштина
Асамблаж је техника декоративне и примењене уметности у којој уметник ствара рељефну слику лепљењем тродимензионалних комада или предмета на равну подлогу. У техници асамблажа дозвољена је и употреба боја за сликовни додатак уметничкој композицији.
Склапање, за разлику од сродног колажа, је врста технике за причвршћивање тродимензионалних, а не дводимензионалних (равних) елемената на предњу површину слике. Захваљујући употреби волуметријских детаља, слика је што је могуће реалнија и визуелно ефикаснија.
Професионални уметници често користе кућне остатке и смеће да би створили своја оригинална уметничка дела. У рукама мајстора велики број разбацаних свакодневних предмета постаје уметничка композиција пуна дубоког естетског садржаја.
Данас радови настали техником асемблажа увек привлаче пажњу познавалаца савремене уметности. Често изазивају жестоке контроверзе међу критичарима, али никога не остављају равнодушним, па стога дају велики допринос развоју светске културе.
Флукус
Флукус је била лабаво организована група уметника која се протезала широм света, али је имала посебно снажно присуство у Њујорку. Џорџ Мацјунас се историјски сматра главним оснивачем и организатором покрета, који је описао Флуксус као фузију Спајка Џонса, Водвиља, Кејџа и Дишана.
Као и футуристи и дадаисти пре њих, уметници Флукуса нису одобравали ауторитет музеја уметности да одређују вредност уметности. Такође су сугерисали да није неопходно имати посебно образовање да би се видело и разумело уметничко дело.
Флуксус није желео само да уметност буде доступна масама, они су желели да сви стварају уметност све време. Често је тешко дефинисати Флукус, јер су многи његови уметници тврдили да је сам чин дефинисања покрета већ превише ограничавајући и редуктиван.
За разлику од претходних уметничких покрета, Флуксус је покушао да промени светску историју, а не само историју уметности. Упорни циљ већине уметника био је да се искорени свака граница између уметности и друштва.
Централно начело Флукуса било је да се одбаци и исмеје елитни свет „високе уметности“ и пронађе сваки могући начин да се уметност приближи масама, у складу са друштвеном климом 1960-их. Уметници Флукуса су користили хумор да изразе своју намеру и , заједно са дадом, Флуксус је био један од ретких уметничких покрета који је могао да хода по ужету.
Упркос свом разиграном држању, уметници Флукуса били су озбиљни у својој жељи да промене однос снага у свету уметности. Његово непоштовање високе уметности утицало је на ауторитет музеја који се сматра ауторитетом о томе кога и шта треба сматрати уметницима.
Флуксус је ангажовао гледаоца и ослањао се на елемент случајности да обликује коначни резултат уметничког дела. Кориштење случајности користили су и Дада, Марсел Дишан и други уметници перформанса тог времена. Флукус уметници су били под великим утицајем идеја Џона Кејџа, који је веровао да треба приступити делу без идеје о крајњем резултату. Важан је био процес стварања, а не коначни производ.
Видеоарте
Видео је један од најразноврснијих доступних медија. Видео филм може бити само уметничко дело и/или запис о томе како је уметничко дело направљено; такође може бити елемент у инсталацији и/или део вишеструког видео аранжмана. Видео чини уметност динамичнијом и живахнијом. Од касних 1980-их, и видео и анимација су се ослањали на употребу компјутерског софтвера за манипулацију сликама.
фотореализам
Фотореализам је жанр сликарства који се појавио касних 1960-их као одговор на растућу популарност апстракције. Од тада, фотореалистичке слике са њиховом огромном пажњом посвећеном детаљима пружају оптичке илузије које се могу утврдити само изблиза као насликане слике фотографског оригинала.
Уместо да посматра и представља оно што се дешавало у стварности, фотореализам је инспирисан фотографијом. Визуелне информације снимљене камером користе се за креирање илузионистичких слика, цртежа и других уметничких дела. Уметници често пројектују фотографије на платно тако да се слике могу приказати са прецизношћу и детаљима.
Арте Повера
Арте Повера (из италијанског израза за „сиромашну уметност” или „осиромашену уметност”) био је један од најважнијих и најистакнутијих авангардних уметничких покрета који су се појавили у јужној Европи касних XNUMX-их.
Ово је укључивало рад десетак италијанских уметника чија је главна креативна карактеристика била употреба свакодневних материјала који подсећају на прединдустријско доба. Прљавштина, камење и одећа били су посебно популарни: "отпад" или јефтини материјали које су користили за своју уметност. Овакав приступ уметности нападао је преовлађујуће представе о вредности и исправности и суптилно критиковао индустријализацију и механизацију тадашње јужне Европе.
Његов рад означио је реакцију на апстрактно сликарство модернизма које је контролисало европску уметност у претходној деценији, од које се истакао по томе што се више фокусирао на вајарски рад него на сликарство.
Неки од најзначајнијих радова групе настали су кроз контраст између сировина и истовремених референци на успон потрошачке културе. Убеђен да модерност прети да искорени колективно наслеђе, Арте Повера је покушао да упореди ново са старим.
Осим што су одбацили технолошко такмичење, уметници повезани са Арте Повера одбацили су оно што су сматрали научним реализамом. За разлику од методичког приступа просторним односима, евоцирали су мит чије тајне није било лако објаснити.
Уметници су представљали апсурдне и разигране јукстапозиције, често новог и старог или високо обрађеног и прединдустријског. На тај начин су илустровали неке од ефеката модернизације која доприноси уништавању места и сећања како се креће све даље у будућност.
Интерес Арте Повере за лоше материјале може се повезати са неколико других уметничких покрета из 1950-их и 1960-их. На пример, делили су неке технике са покретима као што су Флукус и Ноувеау Реалисм у њиховој комбинацији лако доступних материјала са подрезом. функција.
постминимализам
У пост-минималистичкој уметности, термину који је први употребио ликовни критичар Роберт Пинкус Витен, фокус се помера са чистоће идеје на њену комуникацију. Као пример можете видети радове немачко-америчке уметнице Еве Хесе.
феминистичка уметност
Уметнички покрет који се бави специфично женским питањима као што су рађање, насиље над женама, радни услови жена и још много тога. Међу уметницима који учествују су Лоуисе Боургеоис и уметница перформанса рођена у Јапану Иоко Оно.
деконструктивизам
Деконструктивизам је један од визуелно најупечатљивијих уметничких облика икада зачетих. Његов необичан, али интензивно креативан стил архитектуре 80. века појавио се касних XNUMX-их, првенствено у Лос Анђелесу, али и у Европи.
Као део постмодерне уметности која је омогућена коришћењем софтвера за пројектовање ваздухопловне индустрије, деконструктивистичка архитектура је у супротности са уређеном рационалношћу геометрије и фаворизује ванземаљски приступ дизајну који типично искривљује спољашњост структуре док поткопава елементе. вредности модерности .
Неки историчари верују да је деконструктивистичка филозофија такође супротстављена постмодерној уметности, иако су практичне последице тога нејасне. На крају крајева, деконструктивистички архитекта мора да следи модерне и постмодерне законе науке, свиђало му се то или не.
Најпознатији представник деконструктивистичке архитектуре је канадско-амерички добитник Притзкерове награде Франк О. Гехри. Други познати деконструктивисти су Даниел Либескинд, Заха Хадид, Бернард Цхуми и Петер Еисенман. Изузетне деконструктивистичке грађевине укључују: Данцинг Хоусе (Праг), Гугенхајм музеј (Билбао) и Музеј дизајна Витра у Вајл на Рајни.
Деконструктивистичку архитектуру карактеришу површинска манипулација, фрагментација и нелинеарне форме које искривљују и надјачавају архитектонске конвенције структуре и површине. При томе, елементи који изгледају као да су у супротности једни са другима намерно се супротстављају како би се довели у питање традиционалне идеје хармоније и континуитета.
цинични реализам
Покрет савремене кинеске уметности који је настао након пораза на Тргу Тјенанмен (1989). Цинични реалисти су користили фигуративни стил сликања са подругљивим наративом. Мотиви који се понављају су фигуре, ћелави мушкарци и фотографски портрети. Стил је исмевао политички и друштвени статус Кине, а пошто је ово била нова зора за кинеске уметнике, наишао је на добар пријем од стране западних колекционара уметности.
Постмодерна књижевност и филм
Карактеристике постмодерне књижевности укључују промишљено руковање оним што је доступно у облику цитата и алузија и поигравање књижевним жанровима. Карактеристична је и изградња бројних нивоа деловања и односа, често нарушених.
Вероватно најпознатији постмодерни роман је Име руже Умберта Ека. Са веома сложеном књижевном структуром у маниру крими романа, Еко је успео да премости јаз између такозване високе културе и масовне културе. Историјски, књижевни и уметнички историјски цитати и референце чине књигу образовним романом или чак књижевним конкурсом. Али и они које то не занима могу уживати у Ековом делу као узбудљивом трилеру.
Слично, Питер Гринвеј је комбиновао жанр историјског филма са трилером у свом филму Уговор цртача из 1982. године, али за разлику од Еха, он не решава загонетку. Иако радња пружа бројне класичне трагове, сви они не воде никуда.
визуелне уметности
Употреба термина постмодерна одбацује многи теоретичари и уметници, посебно у области визуелних уметности, с обзиром на широк спектар облика изражавања. Одбацивање модернистичког веровања у иновацију такође је један од темеља постмодерне естетике у ликовној уметности. Постмодернизам је везан за историјске категорије уметности које је модерна одбацила, као што су наративне и митолошке структуре.
Ово већ почиње са приказима икона из 1950. века Ендија Ворхола, од Елвиса до Џеки Оназис. Поп арт је такође означио раскид са модерношћу XNUMX-их тако што је рекао збогом апстракцији. Током XNUMX-их, визуелна уметност, као и архитектура тог времена, наглашавала је важност сензуалних, емоционалних и традиционалних аспеката у односу на теорију и концепт.
Осамдесетих година прошлог века, Нев Вилд (Неуе Вилден) колектив разбио је доминацију минималистичке и концептуално марљиве авангарде својим експресивним и репрезентативним сликарством. Слични трендови су постојали у Сједињеним Државама и Италији.
Након што се вихор слегнуо око Нових дивљака, завладали су трендови који су се фокусирали на рефлексију сликарског медија и сензуално експериментисање са сликовним медијима (Зигмар Полке, Анселм Кифер, Герхард Рихтер), сликарство репрезентујући превласт минималистичког и концептуалног аванса рада. гарде. Слични трендови су постојали у Сједињеним Државама и Италији.
Карактеристична за то време су два уметника чији рад обухвата естетику субкултуре и масовне културе: Кит Харинг и Џеф Кунс. Харинг је успео да комбинује елементе уметности графита, стрипова, компјутерског знаковног језика, дечјег цртежа и раног историјског сликарства у веома поетичан знаковни језик који је разумљив у многим културама. Џеф Кунс се прославио раних 1990-их провокативном баналношћу својих поданика.
Материјал који се користи је обично високог квалитета, али његов површински дизајн евоцира свет ситница и кича, као што је делимично позлаћена порцеланска фигурица Мајкла Џексона у природној величини са његовом шимпанзом Бубблес.
Захтеви постмодерне естетике за плурализмом, субјективношћу, удаљавањем од апстракције, укључивањем масовних медија, замагљивањем родних граница и прихватањем цитата као уметничког медија донели су боју и покрет у пејзаж, уметнички и музејски.
Евентуално препознавање фотографије и филма као уметничког медија може се сматрати трајним резултатом постмодерних трендова. Привремени врхунац: У лето 2002. Музеј Лудвиг у Келну ће приказати свих пет филмова из недавно завршеног „Цилемастер Цицле“ Метјуа Барнија, као део велике изложбе.
Архитектура
Средином 1970-их, Чарлс Џенкс је у архитектонски дискурс увео термин постмодернизам. На тај начин је постмодерни дискурс први пут доспео у ширу јавност. Стилски принципи постмодерне архитектуре већ су се јасно појавили у овом тренутку.
Захтевао се демократски и комуникативан архитектонски језик, чија естетика не треба да се заснива само на функцији, већ и на значајном садржају. Затражено је и укључивање фиктивних елемената, попут готике, која је у катедрали видела слику небеског Јерусалима.
Истовремено се повећао тренд очувања и редизајнирања историјских зграда. Најистакнутији пример је Гаре д'Орсаи у Паризу, који је отворен као Мусее д'Орсаи 1986. Такве историјске грађевине утицале су на језик постмодерне архитектуре, који је од почетка био снажно одређен цитатима.
Да би се избегао нови историзам, мото је био да се иронично разбије еклектицизам, који је изражен, на пример, у употреби стубова, прозора и решетки. Спектар постмодерне архитектуре посебно се развио у згради музеја XNUMX-их и XNUMX-их.
Поред музеја Абтеиберг Ханса Холлеина (Монцхенгладбацх), Државна галерија Џејмса Стирлинга (Штутгарт) сматра се успешним и карактеристичним производом постмодернизма. У Стирлинговом дизајну, бројне алузије на историјску архитектуру, од Египта до класичног модернизма, спојене су са бојама поп културе и типичним регионалним материјалима од пешчара и травертина како би се створила кохезивна, савремена форма.
У новије време, када је реч о изградњи музеја, карактер доживљаја све више долази до изражаја него образовни захтев.
Уместо размишљања о медитативној уметности, потребно је инсценирање, а сама архитектура је постављена са задивљујућим погледима и позоришним ефектима. Прве јавне посете се све чешће дешавају пре него што се слике окаче како би се архитектура могла доживети.
Постмодерни фокус на популарну културу
Ликовни критичари често користе термин „висока култура“ када покушавају да разликују уметност сликарства и скулптуре (и друге визуелне уметности) од популарне културе часописа, телевизије и других производа масовне производње. Модернизам и његови утицајни следбеници попут Гринберга (1909-94) гледали су на ове облике културе као инфериорне. Насупрот томе, постмодернисти, који преферирају демократскију концепцију уметности, виде „високу културу“ као више елитистичку.
Поп арт, први постмодерни покрет, претворио је обичну потрошну робу у уметност. Поп уметници и други отишли су још даље у својим покушајима да демократизују уметност штампајући своју „уметност” на шољама, папирним кесама и мајицама: метод који, узгред буди речено, осликава постмодерну жељу, оригиналност и аутентичност. подрива уметност.
Постмодерни уметници су напустили идеју да уметничко дело има само једно инхерентно значење. Уместо тога, верују да је гледалац подједнако важан извор значења. Надреална фотографија Синди Шерман, на пример, подвлачи идеју да се уметничко дело може тумачити на много начина.
У ствари, неки уметници, попут уметнице перформанса Марине Абрамовић, чак дозвољавају гледаоцима да учествују у њиховој уметности, или чак захтевају допринос публике да би завршили свој рад.
Фокусирајте се на емисију
У недостатку правог смисла живота, посебно када смо дан и ноћ изложени радио и телевизијским рекламама, постмодерни уметници су радије ограничили себе у стилу и спектаклу, често користећи промотивне алате и технике како би постигли већи утицај. Овај приступ је илустрован у процесу комерцијалног штампања који користи слике налик постерима поп уметника као што су Рој Лихтенштајн и Џејмс Розенквист.
Фокус на површини је уобичајена карактеристика постмодерне уметности и понекад долази до изражаја са театралним, бриљантним, веома упечатљивим сликама. Од 1980. године употреба рачунара и других технологија је револуционирала мултимедијалну уметност (нпр. анимацију) и створила специфичне могућности у областима као што је архитектура.
Колико је важно привући пажњу публике у постмодернизму показује шок тактика групе студената Голдсмитс колеџа, познатих као Млади британски уметници, у Лондону крајем осамдесетих и деведесетих година прошлог века. Прослављени по три емисије, ИБА су критиковани због свог лошег укуса, али су неки од њих постали добитници Тарнерове награде, док су други постигли значајну славу и богатство.
Задовољите потребе потрошача
Пораст потрошачког понашања и непосредна култура уживања у последњим деценијама XNUMX. века такође су имали снажан утицај на визуелну уметност. Потрошачи сада желе иновације. Они такође желе рекреацију и забаву. Многи постмодерни уметници, кустоси и други професионалци искористили су прилику да претворе уметност у производ забаве.
Увођење нових облика уметности као што су перформанси, догађаји и инсталације, као и нове теме, укључујући мртве ајкуле, огромне ледене скулптуре, многа гола тела, зграде које изгледају као да су у покрету, колекција од тридесет пет хиљада фигуре од теракоте, осликана тела, језиве пројекције на јавним зградама (и још много тога) - пружиле су гледаоцима мноштво нових, понекад шокантних, искустава.
Да ли су ови нови облици уметности заправо „уметност” остаје питање које изазива много дискусија. Постмодерни концептуалисти тврде да јесте, док традиционалисти одбијају да је сматрају таквим.
принципи постмодерне уметности
За специјалисте, постмодерна уметност се састоји од три основна принципа који ће њоме управљати на општи начин без потпуног ограничавања:
непосредно значење
Нема више избледелих уљаних слика које приказују догађаје из грчке митологије од којих се диже коса да би измамили осмех културног посматрача. Од својих почетака у Поп Арт покрету, постмодерно сликарство и скулптура су били смели, бриљантни и одмах препознатљиви.
Теме и слике су првенствено преузете из потрошачких производа високог профила, часописа, реклама, телевизије, филмова, цртаних филмова и стрипова. По први пут су сви разумели изложену уметност. Иако је постмодернизам еволуирао из поп-арта, један главни циљ значења остаје одмах очигледан.
Уметност се може направити од било чега
Надовезујући се на традицију Марсела Дишана, чији је писоар са насловом Фонтана (1917) био први познати пример обичног предмета претвореног у уметничко дело (други пример: Прича о готовим), уметници постмодернисти су га направили њихов посао да стварају уметност од најнеобичнијих материјала и крхотина. Идеја иза тога је да демократизује уметност и учини је доступнијом.
Идеја је важнија од самог уметничког дела
До 1960-их, уметници су генерално веровали да без готовог производа неће бити ничега. Велика пажња је посвећена квалитету готовог уметничког дела и занатској вештини која је за то потребна. Данас су ствари другачије.
Постмодернисти имају тенденцију да више верују у концепт који стоји иза коначног производа него у сам производ, због чега се већи део „постмодерне уметности“ назива „концептуалном уметношћу“ или „концептуализмом“. Други облици концептуализма укључују инсталације, извођачке уметности, хепенинге, уметност пројекције и неколико других.
Значајни уметници постмодерне
Пошто смо савременици постмодерне уметности, тешко је разликовати иконична имена тог времена. Тек након протека времена биће могуће рећи који су уметници оставили изражајан траг у историји сликарства, а чија је слава била само омаж моди. Али, пошто се постмодернизам развијао више од пола века, можемо навести нека од имена која су већ уписана у историју. То укључује, на пример:
- Дадаиста, надреалиста и оснивач концептуализма Марсел Дишан
- Вођа поп арта Ендија Ворхола
- Пионир монтаже Цезар Балдачини
- Познати концептуалиста Брус Науман
- Роберт Раушенберг, Ремедиос Варо Уранга, Френсис Бејкон, Дејмијен Херст, Џеф Кунс.
Марцел Дуцхамп
Марсел Дишан (рођен 28. јула 1887 – умро 2. октобра 1968) био је мајстор авангардне уметности, познат по својим екстравагантним уметничким делима. Рад Марсела Дишана пркосио је устаљеним традицијама и о њему се више пута расправљало у скандалозној хроници са обе стране океана.
На почетку каријере сликао је слике у постимпресионистичком стилу, одајући почаст кубизму и фовизму, да би потом одустао од сликарства и заинтересовао се за стварање инсталација у којима је мешао технике и користио материјале различитих текстура. Револуционарне идеје уметника имале су велики утицај на развој концептуалне уметности у XNUMX. веку.
Енди Ворхол
Енди Ворхол (рођен 6. августа 1928 – умро 22. фебруара 1987) је био тражени амерички уметник XNUMX. века и власник галерије. Дао је велики допринос развоју комерцијалне поп-арта. Енди Ворхол се с правом сматра лидером таквог тренда као што је уомо универсале.
Роберт Раусцхенберг
Роберт Раушенберг (рођен 22. октобра 1925. – умро 12. маја 2008.), титан америчке уметности XNUMX. века према новинама Тхе Нев Иорк Тимес, био је изузетан уметник и стваралац, представник апстрактног импресионизма, концептуализма, реади маде и оснивач поп уметности.
Слике Роберта Раушенберга су колажи и инсталације, обелисци, кућни предмети и други предмети које је тешко класификовати. Рад мајстора, као и његова биографија, шокантан је, изненађујући, одвратан и шармантан, али никога не оставља равнодушним. Ватрени бисексуалац, фрустрирани фармацеут, противник свега класичног и обичног, непрестано је изазивао себе и свет око себе.
Ремедиос Варо Уранга
Ремедиос Варо Уранга (рођен 16. децембра 1908 – умро 8. октобра 1963) је шпански и мексички уметник XNUMX. века, оригинални представник надреализма. Рад Ремедиоса Вара излази из оквира класичног сликарства: снови, филозофска размишљања, магија, механика, историја и окултизам преплићу се у делима надреалисте.
Истовремено, слике Ремедиоса Вара су наглашено лирске и женствене, испуњене средњовековном атмосфером и упућују гледаоца на настанак универзума. Слике Ремедиоса Вара пуне су екстравагантних бајковитих ликова, механичких конструкција и природе. За разлику од класичног надреализма, у сваком од уметникових радова јасно се прати заплет који гледаоца наводи на одређене закључке.
Францис Бацон
Френсис Бејкон (рођен 28. октобра 1909 – умро 28. априла 1992) је мајстор британског експресионизма, један од најдвосмисленијих и најбруталнијих уметника XNUMX. века. Рад Френсиса Бекона је познат по томе што је импресиван: на његовим сликама оживљавају најстрашније креације људске фантазије.
Френсис Бекон није стекао академско образовање. Истовремено, невероватно је тражен и популаран. Слике мајстора су крајњи сан како за приватне галерије, тако и за најпознатије светске музеје, који нису нимало несклони уврштавању његовог дела у колекцију. Нека од уметникових ремек-дела вреде десетине милиона долара и уврштена су на листе најскупљих уметничких дела.