В этой статье мы представляем вам всю необходимую информацию о Характеристики краски, мы расскажем вам обо всем значении, которое живопись имела в мировой истории, ведь она оставила много следов и много историй, поэтому при наблюдении за ценной картиной приходится думать о разных характеристиках живописи. настоящая статья, которая вам понравится!
Характеристики краски
Искусство изображения графики с использованием пигментов, смешанных с различными синтетическими или органическими связующими веществами, называется живописью.Чтобы использовать искусство живописи, необходимо обладать обширными знаниями в области теории цвета и живописной композиции, а также различные характеристики используемой краски.
Чтобы иметь возможность заниматься живописью и рисунком, необходимо постоянно заниматься рисованием, и это состоит в использовании определенной поверхности, такой как лист бумаги, холст, кусок ткани, кусок ткани. дерево, стена, в которой она будет окрашена, с использованием определенной техники для получения композиции цветов, форм, рисунков, текстур среди прочего, таким образом придавая дизайну произведения искусства выполнение некоторых эстетических принципов.
Таким образом, в XVII веке архитектор и теоретик французского происхождения Андре Фелибьен в одной из своих лекций во Французской академии пришел к утверждению об иерархии жанров, существующих в классической живописи, которые «рассказ, портрет, пейзаж, море, цветы и фрукты»
В изобразительном искусстве живопись является одним из старейших художественных выражений, существующих из семи существующих, в науке теории искусства и в эстетике живопись считается универсальной категорией и, в свою очередь, включает в себя все художественные творения, созданные на поверхностях. . Одной из категорий, которые используются в различных характеристиках живописи, является тип используемой поддержки или используемый материал, а также в настоящее время поддержка или различные цифровые методы.
Важно отметить, что в истории живописи какое-то время доминировала религия или религиозное искусство. Есть много примеров этого типа живописи, начиная от работ, в которых подчеркиваются мифологические и религиозные персонажи, и заканчивая сценами, описанными в Библии, такими как потолок Сикстинской капеллы, расположенной в Ватикане, Рим. Даже те же нарисованные сцены из жизни Будды, а также различные нарисованные изображения, перекликающиеся с восточной религиозной тематикой.
Определение живописи
Чтобы определить живопись и рассказать о ее основных характеристиках живописи, можно сказать, что это графическое изображение с использованием ряда пигментов в сочетании с другими веществами, органическими или синтетическими, для выполнения художественного выражения. Но хорошо известно, что искусство живописи немного сложное, поскольку оно требует многих техник и методов рисования, а также рисунка и визуальной композиции художника и того, как он использует теорию цвета.
Используя эти техники, художник может использовать методы фресковой живописи или метод масляной живописи. Но картина может соответствовать различным тематическим критериям, а также различным характеристикам исторической живописи или различным жанрам, упомянутым выше.
Вы также найдете различные стили живописи, такие как доисторическая и готическая живопись, и любой период живописи, на который делается ссылка. Но картины — это произведения искусства, как говорит Эрнст Ганс Йозеф Гомбрих, британский искусствовед австрийского происхождения:
«Нет ничего плохого в том, чтобы восхищаться пейзажем, потому что он напоминает нам о нашем доме, или портретом, потому что он напоминает нам о друге, поскольку мы, люди, когда смотрим на произведение искусства, подвергаемся память о множестве вещей, которые, к лучшему или к худшему, влияют на наши вкусы.
Гомбрих, История искусства (2002)».
Точно так же Арнольд Хаузер, искусствовед венгерского происхождения, всю жизнь проучившийся между Германией и Италией, определяет понятие живописи, утверждая следующее:
«Мы интерпретируем их (картины) в соответствии с нашими собственными целями и стремлениями, мы переносим на них смысл, происхождение которого находится в нашем образе жизни и умственных привычках»
Философ немецкого происхождения Эрнст Блох в своей книге, написанной в 1918 г. Дух утопии, выставляет напоказ свой ум для защиты нефигуративного искусства и соотносится с концепцией утопического человека, имеющего нераскрытую судьбу, но бессознательно присутствующего в глубинах человеческого существа, и в своей книге приходит к утверждению следующего:
«Если бы задача живописи заключалась в том, чтобы поставить перед глазами воздух и драгоценную безбрежность пространства и все остальное, то лучше было бы идти прямо и свободно наслаждаться всем этим»
Для других историков, и особенно для г-на Эрвина Панофски, они изучили содержание нескольких картин через их форму и содержание, которое они представляли, они провели несколько исследований, пытаясь понять, что картина представляет для общества, а затем значение, которое эта картина имела для общества. наблюдателя и, наконец, указывает на значение, которое живопись имела для культуры и религии.
история живописи
В этой статье, озаглавленной «Характеристики живописи», мы расскажем вам немного об истории живописи. Чтобы у вас были необходимые знания, поскольку, говоря об истории, мы должны вернуться к доисторическим временам и достичь современной эпохи, которая включает в себя все изображения, выполненные с помощью различных техник, используемых в живописи и художественном рисунке.
Все это совпадает с историей искусства в культурно-историческом контексте, при попытке проанализировать историю живописи мы должны вернуться к картинам, выполненным в виде росписей в различных пещерах, которые можно найти в пиренейских регионах, относятся к странам Испании и Франции и части побережья Средиземного моря в так называемом левантийском искусстве.
Чуть ниже есть другие картины, выполненные в других частях Европы, которые находятся в следующих странах: Португалия, Италия, в части Восточной Европы и в Северной Африке. Есть и другие очень важные картины в истории живописи, такие как наскальные рисунки, и они являются самыми древними из известных человеку.
В истории живописи находится пещера Шове, расположенная во Франции, согласно исследованиям, проведенным в этой пещере историками, ей более 32 тысяч лет, и она относится к ориньякскому и граветтскому периодам. Особенностью росписи, сделанной в этой пещере, было то, что художники использовали охристую глину, красную окись железа и черную двуокись марганца.
В других пещерах, которые также отличаются наличием различных картин, являются картины Альтамиры и Ласко, на этих картинах нарисованы носороги, мамонты, львы, буйволы, лошади или люди в охотничьем отношении к животным. Также изображения, найденные в папирусах и в различных стенах египетских гробниц, датируемых 5 тысячами лет до нашей эры, представляют собой сцены повседневной жизни этого населения, а также их мифологию и верования.
Он также будет символизировать характеристики и черты этого общества, используя размер фигур как ранг общества. Как и в Древнем Риме, украшать или красить стены домов и дворцов было обычным делом, в настоящее время в наилучшем состоянии сохранности находятся античные города Помпеи и город Геркуланум.
Придя в палеохристианскую эпоху, катакомбы стали украшать, рисуя сцены из Нового Завета и изображая Иисуса в образе доброго пастыря, рисовали фигуры с большими глазами, создавая иллюзию того, что они смотрят на зрителя. Этот стиль вызвал большое восхищение, и его продолжали использовать в византийской школе, расположенной в Константинополе.
Затем романтическая живопись развивается между двенадцатым и тринадцатым веками в самых интересных районах Европы, расположенных на юге Франции и в районах Каталонии, хотя картины, которые были сделаны на различные религиозные темы, были сделаны в самой высокой части церкви и на большие стены, чтобы люди могли их наблюдать, одним из наиболее часто используемых изображений был образ пантократора, который представляет собой образ Иисуса из Назарета и Девы Марии.
Они также начали делать картины, изображающие жития святых. В готической живописи была также религиозная живопись, но представляющая темы светского происхождения, но она была более распространена в странах Италии и Франции, где наиболее важной фигурой был художник Джотто, работавший художником-монументалистом и архитектором флорентийского происхождения.
В эпоху Возрождения классическая живопись сыграла большую роль во влиянии на прогресс общества, в это время развивалась линейная перспектива и изучалась анатомия человека, используя живопись как точку опоры. Одна из важнейших характеристик живописи использовалась масляная техника.
В это время были великие художники, которые были признаны за свои знания и методы рисования, которые они использовали, среди самых выдающихся были Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль Санцио и Тициан. По характеристикам картины они выделяются в работе, проведенной Леонардо да Винчи при создании Мона Лиза, который также известен как Мона Лиза, Ну, я использую методы светотени и сфумато.
Архитектор и скульптор Мигель Анхель выполнил одну из самых важных работ при росписи потолка Сикстинской капеллы, известной как одно из великих произведений эпохи Возрождения, кроме того, многие художники использовали символические темы, среди которых есть и северная Европа. в том числе братья Ян ван Эйк и Хуберт ван Эйк. В Германии выделялся живописец и гуманист Дюрер.
В то время как так называемая контрреформационная церковь или реформа католической церкви, которой он хотел противостоять протестантизму, стремилась использовать религиозное искусство, и для достижения этого он использовал искусственные условности маньеристов, господствовавших в искусстве между XVI и XVII веков, но в это время особенности живописи, которые они использовали, заключались в отказе от правил и свободы композиции форм и цветов, но использовалась новизна караваджистов.
Они использовали радикальный натурализм, где они использовали комбинацию физического наблюдения, чтобы детализировать все, что нужно было выделить, и придали картине театральное и драматическое искусство, основанное на использовании техники светотени. Что ж, он использовал тень и свет, в этом искусстве выделяются Караваджо и Аннибале Карраччи, два художника, которые были современными и очень важными в живописной форме искусства барокко.
Одной из самых выдающихся характеристик живописи барокко является динамизм композиций художников Рубенса Рембрандта и Веласкеса. В XNUMX-й половине XNUMX в. развивалось художественное направление рококо, более праздничное и жизнерадостное, чем искусство барокко, получившее широкое распространение в странах Франции и Германии.
Культурное движение романтизма, зародившееся в начале XNUMX века, выражало настроения и сильные чувства, но во Франции самым выдающимся художником был Делакруа, в Соединенных Штатах выдающимся художником был Томас Коул, а в Соединенном Королевстве «Юнайтед» представляли Констебль и Тернер, а в Испании — художник Франсиско де Гойя.
В середине девятнадцатого века была изобретена фотография, и живопись начала терять историческую цель, которую она имела до этого, предоставляя наиболее реалистичные изображения, в то время появилось художественное движение импрессионизма, представленное художником французского происхождения по имени Эдуард Мане. кто был предшественником этого движения, кто сделал возможным на основе своих свободных мазков и соотношения цветов, которые он использовал, чтобы сделать построение более реалистичного изображения, но не уделяя особого внимания самым конкретным деталям.
В XNUMX веке особенности живописи выделяются в большей степени из-за разнообразия живописных течений, среди которых мы имеем фовизм, который также известен как фовизм и является живописным движением, которое зародилось во Франции, а затем распространилось на несколько стран и было характеризуется отказом от традиционных цветов и использованием ярких или ярких цветов.
Культурное движение под названием экспрессионизм также зародилось, но в Германии, но отразилось в различных областях изобразительного искусства, таких как пластика, архитектура, литература, музыка, кино, театр, танец, фотография и т. д. И для него было характерно заставлять чувства чувствовать больше, чем создавать верный продукт реальности.
Точно так же кубизм родился как художественное движение между 1907 и 1924 годами, созданное Пабло Пикассо и Жоржем Браком, за которым последовали художники Жан Метцингер, Альберт Глез, Робер Делоне, Хуан Грис, Мария Бланшар и Гийом. основывался на изготовлении картин в виде маленьких кубиков. Превращение трехмерных изображений в двухмерные картины.
Абстрактная живопись унаследована от этого культурного движения кубизма, который представляет собой форму абстрактного экспрессионизма, развитого в Нью-Йорке между 1940-ми и 1950-ми годами.
Затем в Соединенном Королевстве появляется поп-арт, художественное движение, вдохновленное эстетикой повседневной жизни и потребительскими товарами, использовавшимися в то время. Ну, реклама была сделана, рекламируя какой-то напиток или еду. Являясь его главным представителем Энди Уорхолом.
Наконец, в XNUMX веке появляется минимализм, тенденция, при которой все сводится к самому необходимому или избавлению от лишних элементов и созданию характеристик картин с использованием минимума эстетических ресурсов. В то время как в XNUMX веке создается идея плюрализма, и сегодня используется большое разнообразие стилей и эстетик.
Художественные жанры, используемые в живописи
Среди художественных жанров, которые существуют и будут классифицироваться по темам, которые, в свою очередь, были классифицированы в истории живописи, которые повлияли на технику, размеры, стиль и выражение, которые создают произведение искусства. Такие авторы, как Платон (427–347 до н. э.), Аристотель (384–322 до н. э.) и Гораций (65–8 до н. э.), пришли к утверждению, что искусство – это мимесис.
«Концепция, используемая этими авторами, таким образом называя подражание природе основной целью искусства».
Для этой концепции достоинство заключается в использовании дидактической ценности, которую она имеет и дает хорошее представление, но она не должна делать различия между портретом, созданным воображением, и реальным портретом. Архитектор Марко Витрувио Полион в середине XNUMX-го века, который начал украшать столовые, где наблюдались изображения с различными блюдами, а в других комнатах были сделаны пейзажи и мифологические сцены.
В эпоху Возрождения у архитектора Леона Баттиста Альберти возникла идея поднять степень художника-живописца до степени либерального художника, даже заявив, что самая важная работа художника - это история, но архитектор, используя слово история относится к повествовательной живописи, изображающей эпические или религиозные сцены, то сказать следующее:
Тот, который изображает достойные памяти великие дела великих людей, отличается от того, который описывает нравы частных лиц, от того, который изображает жизнь крестьян. Первая имеет величественный характер, ее следует отводить под общественные здания и резиденции вельмож, а другая подойдет для садов».
В XNUMX веке появилась масляная живопись, и коллекционирование, хотя факт создания больших повествовательных фресок не был утерян, также породило коммерческие картины и различные более удобные форматы. Таким образом, различные живописные жанры и специализация каждого художника стали классифицироваться.
В Италии продолжается историческая живопись, и художники, которые были в северной части Италии, делали портреты, в то время как художники, которые были в Нидерландах, начали делать жанровые картины, но в небольшом масштабе, рисуя произведения крестьянской жизни, помимо натюрморта. и пейзаж.
Таким образом, в 1667 году архитектор и теоретик по имени Андре Фелибьен пришел к определенному ранжированию жанров классической живописи, а именно истории, портрета, пейзажа, моря, цветов и фруктов.
Жанровая картина: Эта картина, также называемая жанровой сценой, основана на личных привычках людей в их повседневных и современных сценах художника, она также известна как костюмная живопись. Самые популярные картины этого жанра были созданы в Нидерландах в начале XNUMX века.
Среди наиболее выдающихся художников этого жанра — Питер Брейгель Старший и Вермеер. Хотя доподлинно неизвестно, были ли они сделаны для изображения действительности или с целью отвлечь внимание зрителей от картин, которые иногда были очень комичными. Возможно, они преследовали морализирующую цель через различные примеры, которые они приводили со зрителями.
Но нет сомнения, что в жанровой живописи XVIII века имели в виду всю сатирическую или нравоучительную направленность ситуации в различных произведениях живописцев Уильяма Хогарта или Жана-Батиста Грёза, в то время как в Испании живописец Диего Веласкес культивировал жанровую картину, исполняя свою работу «Старуха, жарящая яйца» и водонос Севильи, таким образом, художник Франсиско Гойя.
Портрет: В иерархии жанров, используемых в живописи, портрет занимает важное, но неоднозначное положение, так как с одной стороны вы представляете людей в подобии Божием, а с другой стороны пытаются прославить человека за его тщеславие и то, что он сделал исторически. , потому что всегда были представлены богатые и самые влиятельные люди.
Но со временем средний класс нанимал художников, чтобы изобразить всех людей, составлявших семью, сегодня есть портреты, которые делаются между семьями тех, кто управляет, корпорациями, ассоциациями и отдельными лицами.
Когда художник делает портрет самого себя, это называется автопортретом, одним из самых известных художников в этом отношении был Рембрандт, написавший более семидесяти автопортретов. В целом художник делает его более представительный автопортрет, как заявил Эдвард Бёрн-Джонс, английский художник и дизайнер, утверждающий, что:
«Единственное выражение, которое можно допустить в великой портретной живописи, — это выражение характера и нравственных качеств, ничего временного, эфемерного или случайного».
В масляной технике, которую использовал один из лучших художников Северной Европы XV века по имени Ян Ван Эйк, который был одним из тех, кто пропагандировал искусство автопортрета, важным примером этого было то, что художник нарисовал Брак Арнольфини, на этой картине художник изображен со своей беременной женой в полный рост.
В эпоху Возрождения это представлялось как социальный статус и как имеющие большой личный успех изображаемые люди, таким образом выделялись многие художники, среди которых выделяются Леонардо да Винчи, Рафаэль Санцио и Дюреро.В Испании выделяются Сурбаран, Веласкес и Франсиско де Гойя.
К этим группам также добавились французские импрессионисты, которые также практиковали этот жанр, Дега, Моне, Ренуар, Винсент Ван Гог, Сезанн и т. д., а в XNUMX веке Матисс, Густав Климт, Пикассо, Модильяни, Макс Бекманн, Умберто Боччони, Люциан Фрейд, Фрэнсис Бэкон или Энди Уорхол.
Историческая картина: Другой характеристикой живописи является историческая живопись, которая считается большим жанром в религиозных, мифологических, исторических, литературных и аллегорических картинах. В этом типе живописи они демонстрировали личную и интеллектуальную или нравственную жизнь человека, которого рисовали. В одной из своих речей г-н сэр Джошуа Рейнольдс, приезжавший на выставку в Королевскую академию художеств между 1769 и 1790 годами, утверждал следующее:
«Великая цель искусства — пробуждать воображение… По обычаю я называю эту часть искусства Исторической Живописью, но следует сказать Поэтической. (...) Он должен иногда отклоняться от пошлости и строгой исторической правды в поисках величия для своего произведения»
Тогда художник по имени Николас Пуссен французского происхождения был первым живописцем, который сделал жанр исторической живописи в меньшем формате, но это нововведение не имело такого успеха. В то время как художник Диего Веласкес в 1656 году закончил свою работу под названием Las Meninas, где он описывает семью Филиппа IV, на большой картине, где символически показано, что это портрет королевской семьи в жанре исторической живописи.
После этого и с течением времени художник Пабло Пикассо в 1937 году закончил свою знаменитую работу под названием Герника, чтобы сделать эту картину, он использовал большое измерение в жанре исторической живописи.
Пейзаж: В XNUMX веке н.э. картины с жанром или тематикой пейзажей встречаются в странах Китая и Японии, так как в Европе появляются пейзажи, но с акцентом на повествовательные сцены или трактаты по фармации и ботанике.
Но эта тема действительно начинается в XNUMX веке нашей эры, когда стали требовать появления коллекционирования и различных тем, посвященных деревенской живописи, а художники Северной Европы были обозначены как специалисты в этой области, таким образом Таким образом, жанр голландских пейзажей продвигался более конкретно. Что я был сосредоточен на изображении низкого горизонта и затянутого облаками неба.
Кроме того, в этом жанре были написаны типичные голландские ветряные мельницы, крупный рогатый скот и различные рыбацкие лодки. В венецианских пейзажах, расположенных в Италии, которые были написаны Джорджо Барбарелли да Кастельфранко и его учениками, эти картины выполнены с лирическим видом и имеют красивую цветовую обработку.
Этот тип живописи развивался в восемнадцатом веке, но его также называли ведутизмо, так как это был итальянский жанр, развившийся в Венеции, где городские виды города изображаются аналогично картографическому стилю, поскольку изображения представляют собой панорамы город.
Там описаны каналы, памятники и наиболее типичные места Венеции, иногда они были написаны отдельно или с человеческими фигурами, самыми важными представителями этого жанра были Каналетто, Бернардо Беллотто, Франческо Гварди, Микеле Мариески и Лука Карлеварис.
В Барбизонской школе, где было названо место, где находятся художники-пейзажисты, так как это были первые персонажи, которые рисовали на открытом воздухе и изучали, как работать на открытом воздухе, а основой этого жанра является свет и его многочисленные варианты особенно оказал влияние на живопись импрессионистов.
Натюрморт: Это более представительный жанр подражания природе и неодушевленным предметам, которые представлены в быту: фруктам, цветам, продуктам питания, кухонной утвари, посуде, книгам, украшениям и т. д. Но одной из характеристик живописи этого жанра является то, что она менее литературна.
Начало жанра натюрморта относится к древности, где он использовался для украшения больших залов для особых событий, таких как римские фрески в Помпеях, писатель Плиний старший сообщил, что художники греческого происхождения прошлых веков были самый искусный в портретной живописи и натюрморте.
Этот жанр живописи был очень важен в западном искусстве XNUMX века нашей эры.Важным примером этого жанра является картина под названием Мясной цех Работа испанского художника Иоахима Бекелаера. В том же веке художники Караваджо и Аннибале Карраччи создали великолепные натюрморты.
В семнадцатом веке нашей эры К. в Нидерландах развивает тип винодельни, который называется тщеславие, Там стали выставляться всевозможные вещи, такие как музыкальные инструменты, стекло, серебро и посуда, а также украшения и символы, такие как книги, черепа или песочные часы, которые служили нравоучительным посланием эфемерных удовольствий чувств.
В то время как Французская академия квалифицировала это место как последнее место живописной иерархии. Но приход художественного движения импрессионизма вместе со многими характеристиками живописи, натюрморт снова стал нормальной темой среди художников и общества, картины Ван Гога «Подсолнухи» - одна из самых распространенных картин этого жанра.
Художники-кубисты также начали сочинять натюрморты, среди которых выделяются следующие Пабло Пикассо, Жорж Брак, Мария Бланшар и Хуан Грис.
ню: в этом предмете это художественный жанр, в котором будет выделяться изображение человеческого тела, а также одна из характеристик живописи в обнаженном виде. Он считается одной из академических классификаций произведений искусства. Но некоторые интеллектуалы склонны ассоциировать это с эротизмом.
Но жанр обнаженной натуры всегда имеет различные интерпретации и множество значений, начиная от мифологии и заканчивая религией и подчеркивая анатомические исследования или как представление красоты и эстетического идеала совершенства, как это было сделано в Древней Греции.
В художественном предмете изучение совершенства и представления человеческого тела всегда было постоянным в истории искусства, от предыстории со скульптурой Венеры Виллендорфской до наших дней. Тема наготы стала более представительной в Древней Греции, где нагота воспринималась как совершенство и абсолютная красота.
Эта концепция сохранилась в классицистическом искусстве и дошла до наших дней и во многом обусловлена восприятием западного общества в отношении обнаженной натуры и искусства. В Средние века их влияние достигло религии, так как в их основе лежали религиозные темы и библейские сцены, дававшие оправдание этому жанру.
В эпоху Возрождения появилась новая культура, называемая гуманистической, и она была более антропоцентрической, ставя человека в центр всех вещей, и с этой новой доктриной он активизировал возвращение жанра обнаженной натуры в искусство, но на основе исторических и мифологических темы. . Стойкость в религиозных вопросах.
В XNUMX веке н.э. жанр обнаженной натуры стал терять свой иконографический характер в связи с возникновением культурного течения импрессионизма и должен был быть представлен по своим эстетическим качествам как образ чувственно-эротический, но вполне референтный.
техника рисования
Чтобы объяснить характеристики красок, мы должны основываться на наиболее часто используемых методах, поскольку пигменты разбавляются и закрепляются на поверхности, где они будут окрашиваться, потому что, если пигменты не растворяются в используемом связующем. , они остаются рассеянными в нем. Среди наиболее важных техник у нас есть:
Масло: Одной из характеристик живописи является использование масла, так как различные типы масел используются для фиксации пигмента и растворителя, называемого скипидаром, чтобы сделать его более прозрачным, поскольку это очень летучая жидкость. Масляная живопись в основном выполняется с помощью пигментов, измельченных в порошок, а затем смешанных с соответствующей вязкостью растительного масла, которое будет использоваться, поскольку есть масла, которые высыхают медленнее, чем другие, и делают это за счет окисления, а не испарения.
При этой технике образуются слои пигментов, которые внедряются в поверхность, и именно поэтому время высыхания необходимо контролировать очень тщательно, чтобы краска правильно закреплялась в каждом слое краски, наносимой на произведение искусства.
Процесс окисления придает произведению богатство и глубину цветов, которые используются из-за используемого сухого пигмента, и художник сможет варьировать используемые масла, а также растворитель, чтобы качество краски могло быть различным. цвета и качества от непрозрачного до очень прозрачного или от матового до глянцевого.
По этой и многим другим причинам художники стремятся использовать самые лучшие масла, а это самый гибкий носитель, всегда используя его наиболее удобным способом, так как масляная краска практически не меняется в процессе высыхания, но со временем она начинает превращаться. желтоватый, если он не поддерживается должным образом для выполняемой работы.
Хотя масляная живопись может выдерживать множество последовательных слоев, позволяя художнику реализовать живописную концепцию, созданную в несколько слоев, например, художник Илер-Жермен-Эдгар де Га назвал этот процесс как хорошо работать но медленное время высыхания позволяет художникам удалять излишки краски и прокрашивать целые области.
В испытаниях, проведенных на различных картинах с помощью рентгеновских лучей, они позволили нам заметить, что великие мастера живописи вносили множество изменений в процессе создания произведения искусства.
Воск: С этой техникой, которая почти всегда используется в горячем виде, также называемой энкаустикой, что означает гравировку в огне, это техника, которая используется с использованием воска в качестве связующего пигмента, при смешивании с этим материалом он имеет больше покрывающих эффектов, поскольку воск более плотный и кремообразный.
Восковая картина наносится шпателем или горячей кистью, после того как произведение искусства готово, его необходимо отшлифовать, нанеся мазки льняными тканями на уже нанесенный слой воска.
Что в данном случае он будет выступать не связующим, а защищать произведение искусства, эта операция называется в каустизации, и эта техника описана Марко Витрувио Полионом, который при жизни был архитектором и художником, жившим между 75 г. до н.э. и 25 г. н.э., который, согласно тому, что пришел, подтвердил следующее:
«Вы должны нанести слой горячего воска на краску, а затем отполировать ее сухими льняными тряпками»
акварель: Это картина, выполненная на бумаге или картоне, но одной из характеристик акварельной живописи является то, что она разбавляется водой, и цвета становятся более прозрачными или светлыми в зависимости от количества используемой воды. Кроме того, вы перестаете видеть фон бумаги, если он белый.
Этот тип росписи состоит из агглютинированных пигментов и гуммиарабика или с медом, в этой процедуре росписи используются несколькими прозрачными слоями, чтобы добиться наибольшей яркости и легкости композиции, которая делается для дизайна росписи. .
Чтобы использовать эту технику, художник должен иметь большую уверенность в мазках, которые он делает, и большую спонтанность при выполнении мазков, поскольку эта техника имеет в качестве своей основной характеристики живописи прозрачность и свежесть цветов. которые используются.
Существует также гиперреалистичная акварель, которая идет вразрез с предыдущим постулатом, и лаки используются для удаления первых слоев для нанесения последующих глазурей, и благодаря этому в произведении искусства будет достигнута очень специфическая светотень, но с небольшой прозрачностью. используется классическая акварельная техника.
Темпера: также известный, как гуашь Эта техника очень похожа на акварель, но отличается тем, что содержит промышленный тальк, который намеренно добавляется, чтобы пигмент был немного более непрозрачным и не прозрачным в темпере, что делает его одной из основных характеристик темперной живописи. ...и этим она отличается от акварели.
Таким способом можно наносить различные оттенки от самых темных до самых светлых, и этот прием в акварели считается неправильным, темпера является очень прекрасным средством для нанесения ее на разные рисунки и для возможности делать сухие или пастозные мазки.
Так же, как и акварель, темперу следует агглютинировать с гуммиарабиком, но в настоящее время многие темперы помещают в пластик, потому что его легче достать и он дешевле.
С помощью техники темперы французский художник Франсуа Буше создал великие шедевры, а художники XNUMX века нашей эры, используя темперу вместе с акварелью, смогли выделить определенные области в произведении искусства, выполненном акварелью. Вот почему художник Поль Синьяк, французский живописец, прославившийся выполнением техники разделения, пришел к утверждению следующего:
«Определенные пурпурно-розовые оттенки неба Тернера, определенные оттенки зелени в акварелях Йохана Йонгкинда не могли быть достигнуты без добавления гуаши»
Акрил: использование акриловой краски в качестве техники. Характеристики краски были высоко оценены современными художниками из-за ее очень быстрого высыхания, поскольку пигменты содержатся в полимерной эмульсии, которая обычно представляет собой виниловый клей, хотя их можно легко удалить или разбавлять водой, после высыхания они очень устойчивы к воде.
Что больше всего выделяется в этой технике, так это простота и скорость высыхания, но когда она высыхает, цветовой тон имеет тенденцию изменяться лишь немного, иногда становясь темнее или светлее в зависимости от используемого цвета. Акриловая живопись относительно нова, она возникла в XNUMX веке нашей эры.
Акриловая техника развивалась в США и Германии, но параллельно художник американского происхождения Джексон Поллок использовал акриловую краску, поскольку она поставляется в контейнерах, чтобы добиться новых текстур и сделать их более густыми. В то время как художник Моррис Луис, тоже из той же страны, использовал акриловую краску, но разбавлял ее водой для окраски больших полотен и придавал ей эффект крашения вместо окрашенного.
Пирог: Техникой большого значения в живописи является техника пастели, так как она состоит в использовании цветных полос, в которых пигменты находятся в виде порошков, смешанных с каучуком или смолой, так что они могут агглютинировать и образовывать сухую и очень плотную пасту.
Вот почему слово «пастель» подчеркивает слово «паста», потому что это паста, и они моделируются в форме палочки толщиной примерно в один палец и могут использоваться непосредственно на поверхности, на которой должно быть создано произведение искусства. без использования кистей или шпателей, а также растворителей.
Для работы в технике пастели в качестве поверхности используется бумага очень хорошего качества с хорошей плотностью, белая или нейтрального цвета, не влияющая на краску, кроме того, имеющая небольшую шероховатость, хотя техника пастели очень гибкий и в то же время универсальный, так как его можно использовать на различных поверхностях, таких как дерево или пластик.
Хотя используемые цвета могут быть очень сильными и непрозрачными, трудность заключается в прилипании пигмента к окрашиваемой поверхности, поэтому в конце для улучшения художественной работы и нанесения фиксатора рисунка распылителями ( спрей), которые являются специальными для этой техники.
Но обычно мы знаем технику пастели как мелки, ее наиболее часто используемым ресурсом является линия, на которой может быть сформирована серия кадров, еще один способ ее использования - превратить ее в порошок, поскольку пастель имеет тенденцию выделять много цветного порошка.
Многие художники используют эту технику использования цветного порошка, чтобы придать креативность своим произведениям искусства, среди них Леонардо да Винчи, который был одним из первых художников, применивших эту технику в рисунке, который он сделал для Изабель де Эсте, а также другие. таких как Ганс Гольбейн Младший, Корреджо, Фрагонар или Дега.
Храм: При технике росписи темперой в качестве связующего используется раствор, приготовленный из воды и яичного белка и специального масла.Первое, что нужно сделать, это смешать яичный белок с маслом до получения однородной пасты. , после этого добавляйте воду, пока не получите эмульсию или среду темперной техники.
Используемая пропорция - это часть целого яйца плюс то же самое в масле плюс три части воды, но это зависит от текучести, которую хочет достичь художник, есть много художников, которые добавляют немного лака, чтобы заменить льняное семя. масло, которое чаще всего используется. При выполнении этой процедуры техника темперирования обеспечивает большую твердость и лучшее сцепление, а также более быстрое высыхание.
Но после высыхания отделка, которую он дает, более непроницаема для новых глазурей.Есть и другие художники, которые вместо воды используют обезжиренное молоко или латекс фигового дерева или воск, но всегда связаны с водой.
Итальянский художник и архитектор Джорджио Вазари также использовал слово темпера, чтобы иметь возможность делать лаковое масло, с использованием этой техники были созданы великие шедевры, например, Сандро Боттичелли выделяется, когда он сделал Рождение Венеры, Как объяснил Д. В. Томпсон:
«Хорошо выполненная роспись яиц — одна из самых прочных форм росписи, изобретенных человеком. Под грязью и лаком многие средневековые работы яичной темперой выглядят такими же свежими и яркими, как когда они были написаны. Обычно картины темперой за пятьсот лет изменились меньше, чем картины маслом за тридцать».
краска: в этой статье о характеристиках рисования с использованием техники чернил, также известной как китайские чернила, эти чернила, как правило, жидкие, хотя они также выпускаются в твердом бруске, но для их использования их необходимо измельчить и разбавить, это почти всегда используется на бумаге, и наиболее часто используемыми цветами являются сепия и черный, но в настоящее время существует несколько цветов.
Китайские чернила можно наносить различными способами, но одним из наиболее распространенных является использование пера или пера, которые более практичны для рисования или каллиграфии, для пера используются разные наконечники, и они загружаются чернилами. делать линии и с их помощью писать или рисовать, но не рисовать картины.
Другой способ или средство, позволяющее использовать китайские чернила, — это кисть, но они будут использоваться как акварель и называются гуашью, то есть смешивают китайские чернила с водой, спиртом и используемым цветом. Эта техника похожа на древнюю технику, используемую в Японии, где они делали свою японскую каллиграфию, которая также была основана на чернилах и бумаге.
Другой способ его использования — рисовальное перо, которое представляет собой зарядное устройство для чернил или так называемый рапидограф, но эта техника вместе с графитом больше подходит для рисования, чем для рисования.
Фреска: эта техника является современной техникой рисования, поскольку она основана на химическом изменении пигментов земли, смешанных с чистой водой, ее можно наносить на раствор, содержащий известь и песок внутри, в то время как известь находится в в виде гидроксида кальция. Поскольку углекислый газ находится в атмосфере, известь превращается в карбонат кальция.
Таким образом, пигмент будет кристаллизоваться внутри стены. Техника росписи фреской очень проста, но очень трудоемка, а приготовление смеси занимает много времени. Эта техника имеет свойство живописи быть очень прочной с течением времени.
Но он имеет тенденцию к повреждению из-за физических, химических или бактериологических причин, одной из основных причин будет влажность, которая будет иметь в качестве основного повреждения изменение цвета из-за растворения карбоната кальция, и работа имеет тенденцию развивать то, что они называют плесень.
Гризайль: еще одна из техник, используемых в живописи, но она основана на монохроматической живописи в том, что они называют светотенью, или светом и тенью, как заявил художник Джорджио Вазари итальянского происхождения. Цвет создается смесью оксидов железа и добавляется немного меди и флюса, это создает ощущение скульптурной рельефности в произведениях искусства.
В четырнадцатом веке нашей эры эта техника использовалась для подготовительных набросков, которые скульпторы используют для достижения эффекта рельефа, делая различные гравюры одного цвета. Во времена правления Карла V во Франции техника гризайль использовалась в витражах и миниатюрной живописи.
Его использование будет одной из главных характеристик фламандской живописи, так как на задней части конюшен изображение возвещение в технике гризайль. Испанский художник Хосеп Мария Серт применил эту технику, но вместо ее монохроматического развития.
Он использовал его, опираясь на золотой монохром, поскольку этот художник использовал широкий спектр хроматических цветов, где он использовал такие металлы, как золото, серебро, медь, поджаренную землю, с оттенками кармина, используя в качестве фона богатую подготовку в металле, серебро и хлеб из золота.
Пуантилизм: Это одна из техник, появившихся в неоимпрессионизме, потому что художник Жорж Сёра изучал и практиковал ее, но техника состоит в размещении маленьких сферических точек чистых цветов вместо выполнения техники мазка на желаемой поверхности краски.
Поскольку существуют физические отношения между различными цветами, существует взаимодействие между основными и дополнительными цветами, что обеспечивает отличное сочетание цветов для наблюдателя.
Эта смесь видна наблюдателю на определенном расстоянии от картины и способна произвести на наблюдателя сильное впечатление при соединении различных точек.
Капает: Это техника автоматического рисования, для сюрреалистов эта техника может быть достигнута путем создания случайной живописи, это делается каплями и брызгами различных красок, это техника, которую также называют американской живописью действия (action painting). ).
Техника выполняется, когда художник ходит по окрашиваемой поверхности большими кистями или такой же баночкой с краской. И он роняет цветные капли, которые делает фигура, это делается с помощью эмали, которая представляет собой пятна, оставшиеся на подставке, которую использует художник.
Граффити: Этот метод используется с красками, которые упакованы и имеют очень заметные характеристики краски. Именно поэтому его называют аэрозолем и он используется, когда художник нажимает кнопку на верхней части, через которую краска выбрасывается в виде брызг, с помощью этой техники можно рисовать на больших поверхностях.
Обычно эту технику используют люди, которые разрисовывают стены и улицы, этот тип рисования называется граффити. В конце 70-х урбанистические художники начали рисовать свои граффити на всех стенах, какие только попадались, и с опытом создавали настоящие произведения искусства.
Для этих художников в настоящее время производятся аэрозольные краски, а у некоторых уже есть свои собственные шаблоны, чтобы иметь возможность разграничить поверхность, которую они хотят отметить, своим произведением искусства, конечно, шаблоны разных моделей и букв уже можно найти на рынке. с которым менее опытные артисты смогут репетировать.
Смешанные техники: При реализации произведений искусства некоторые художники используют разные характеристики картины в рамках одной работы, чтобы привлечь внимание наблюдателя. Например, некоторые художники используют то, что называется коллажем, который будет художественной техникой, которая не является изобразительной, поскольку она не нарисована, но становится смешанной техникой, когда художник использует какую-либо технику, такую как акварель, темпера или тушь.
Но, в конце концов, художник должен решить, в чем разница между изобразительным приемом и изобразительной техникой, поскольку понимается, что изобразительный прием состоит в объединении нескольких элементов в одном и том же произведении. А то, как его применяет художник, составляет живописную технику.
Материалы, использованные в картинах
Чтобы иметь возможность посвятить себя живописи, существует бесконечное количество материалов, которые художники используют в виде письменных документов и заметок, адресованных разным художникам, а еще одним источником является проведение технической и научной экспертизы произведения искусства. Некоторые из этих экзаменов предназначены для подкрепления документальных свидетельств произведений, чтобы удостоверить, являются ли они оригинальными или нет.
Так как должно быть важно, что материалы, используемые художником в настоящее время, разнообразны, и в XXI веке мы собираемся составить для вас большой список материалов, которые могут быть использованы для создания произведения искусства. Среди которых у нас есть:
Поддерживает: Этот материал имеет функцию поддержки фона и различных слоев краски, используемых художником, но следует помнить, что в характеристиках картины есть очень разные модели на выбор, наиболее часто используются те, которые сделаны из бумаги, картон, дерево, холст и стены города. Но вы также можете добавить металл, стекло, пластик и кожу и многое другое.
Но все опоры нуждаются в специальной грунтовке, которая должна подготовить поверхность, чтобы художник мог создать свое произведение искусства, и все они имеют разные процедуры для материала, который будет использоваться.
Деревянная доска: Это одна из наиболее часто используемых опор с самого начала живописи, когда в египетскую эпоху художники уже использовали деревянную доску в качестве саркофагов, а в средние века для изготовления алтарей использовались запрестольные образы, и их грунтовка была очень легкой, поскольку они нанесите на него только один слой клея.
А если древесину нужно было позолотить, используйте грунтовку с позолотой, которая характерна для краски, но перед нанесением на нее сусального золота следует сделать еще одну грунтовку со слоем клея и еще один слой гипса или глины для придания более сильное прикосновение к деревянной доске.
К XNUMX веку нашей эры в качестве основной опоры стал использоваться европейский мольберт, так как твердая древесина, использовавшаяся в прошлом, была покрыта полосами льняной ткани, склеенными так, что их не было видно вместе. Древесина должна быть в хорошем состоянии и избегать возможных трещин, которые могут быть на них.
Затем его стали использовать в качестве доски из фанеры и ДСП. Деревянные доски стали изготавливаться заранее и обладали прекрасными свойствами покраски; они могли быть гладкими, а стыки не были видны, как это было с так называемой доской. таблекс, что он был очень легкий и удобный в обращении, к тому же художник всегда мог носить его с собой и он имел две стороны, гладкую и шероховатую и доски очень важны в характеристике картины.
Холст: Согласно писателю и солдату Плинию Старшему, римскому императору Нерону сказали, что у него есть его портрет, написанный на холсте размером 36,5 метра в длину и 12 метров в ширину, философ Гераклит в своей рукописи под названием From Coloribus et Artibus Romanorum из XNUMX века до н.э. он описал, как следует подготовить льняной холст, чтобы украсить и расписать его.
Он также написал, как именно ее натянуть и как подготовить ткань с клеем, чтобы она была отличной как пергамент. Краска, нанесенная на холст, стала использоваться в Северной Европе, а затем и в Италии из-за ее большой легкости и множества способов ее использования.
В XNUMX веке нашей эры он стал очень часто использоваться на кулисах, а в начале XNUMX века нашей эры стал выпускаться серийно. Чаще всего использовались холсты из растительных волокон, таких как конопля, лен, тонкотканый джут или хлопок, что также является одной из характеристик живописи.
Все эти холсты были сделаны с грубым или мелким зерном, в зависимости от результата, который художник хотел получить в работе, которую он хотел сделать, также есть документация о том, что они использовали холст из полиэстера.
В настоящее время все полотна можно приобрести в том количестве метров, которое пожелает художник, и установить на раму, которую он хочет, поскольку на рынке представлены разные модели, типы и форматы. Но, конечно же, существует международная нумерация размеров ширины и длины рамы, в зависимости от характеристик картины, которая будет написана на холсте.
В настоящее время было создано три разных формата, каждый из которых имеет характеристики картины, которую художник хочет выполнить, такие как фигура, пейзаж и морской пейзаж. С одной стороны он всегда имеет одинаковую величину, а с другой будет уменьшаться, оставаясь следующим образом:
- Тот, что на рисунке, будет иметь размеры 100 см на 81 см.
- Размеры пейзажа 100 см на 73 см.
- У темно-синего будут следующие размеры: 100 см на 64 см.
Это соглашения, которые были достигнуты на международном уровне, но, зная художников, они не регулируются этими мерами и выполняют свои произведения искусства с мерами, которые, по их мнению, должны быть в их работе, на большинстве полотен, найденных на рынке. для продажи их готовят с льняным маслом и наполнителем пор.
Но есть и такие, которые готовятся на основе эмульсий, наиболее подходящих для работы с масляной краской, или с акриловой краской, таким образом упрощается грунтование холстов под разные характеристики краски, которую предстоит использовать художника и таким образом получить ожидаемый результат с наилучшим качеством.
Медь: Одним из наиболее важных материалов в использовании характеристик живописи является медь, так как она использовалась с пятнадцатого века нашей эры, она использовалась в очень тонких листах художниками, которые жили к северу от европейского континента. Художник немецкого происхождения Адам Эльшаймер. Я использовал их, но небольшого размера, и это навело исследователей на мысль, что старые гравюры использовали их для повторного использования.
Стекло: другим средством, которое широко использовалось разными художниками для рисования, было стекло, также было изготовлено бесчисленное множество предметов, таких как банки, стаканы, контейнеры, квадраты, треугольники и многие другие, где художник делал свою эмаль, и когда он украсил их холодным способом, был представлен в нагревать печь с температурой ниже температуры плавления стекла, изготавливая большие и красивые произведения искусства.
В XNUMX веке нашей эры их стали использовать в качестве подставок для витражей, так как это очень важная опора для характеристик росписи в различных церквях и великих соборах, туда стали помещать большие цветные кристаллы и роспись по стеклу с религиозными изображениями и многочисленными сюжетами из Библии.
Благодаря использованию техники гризайль, одной из характеристик живописи, было достигнуто, что с одной стороны она была в одном цвете, а с другой была украшена каким-либо религиозным художественным произведением, подчеркивающим святого или сцену из Библии. Также были сделаны многие лики святых.
Бумага: Согласно данным, имеющимся у исследователей, и найденным находкам, бумага, которая использовалась для изготовления произведений искусства, пришла из Китая примерно в 200 году до нашей эры, а изобретателем этого материала является китаец по имени Цай Лунь между в 50 г. н.э. и в 121 г. н.э.
Который служил имперским евнухом, потому что улучшил формулу бумаги и сделал ее лучшей альтернативой папирусу и пергаменту. Что в то время они были наиболее часто используемыми альтернативами для письма и создания характерных произведений искусства живописи.
Поскольку этот персонаж добавлял крахмал, который защищал растительные волокна, бумага была материалом, очень хорошо используемым художниками, поскольку она использовалась во многих техниках рисования, и наиболее распространенными были акварель, темпера, пастель и китайская тушь и ее различные цвета. но чаще всего используется черный и сепия.
Что касается бумаги, то существует великое разнообразие текстур, весов и цветов, что является одной из важнейших характеристик живописи, и для выбора типа бумаги художнику необходимо иметь представление о том, чего он хочет. сделать среди видов бумаги. найти:
- Бумага горячего прессования: имеет твердую гладкую поверхность, многие художники считают ее слишком скользкой для акварельной живописи.
- Бумага холодного отжима: фактурная, полушерстяная, подходит для широких и гладких смывок.
- Шероховатая бумага: с зернистой поверхностью, при нанесении смывки создается пятнистый эффект от полостей в бумаге.
Также каждый художник должен учитывать вес бумаги, чтобы иметь возможность выбрать ее, так как очень тяжелая бумага не может быть так легко гофрирована, и ее необходимо растягивать, а для применения акварельной техники плотность бумаги должна быть между 120 граммами в квадрате и с аукциона 850 грамм в квадрате.
Кисти: Они являются очень важными инструментами или инструментами для художника, они также очень важны для характеристик живописи, поскольку художник по-разному использует их в своей работе для выполнения художественной работы.
Кисти, будучи очень полезным инструментом для художников, бывают разных размеров, ширины и необходимого качества, поскольку материалы, из которых изготавливаются кисти, могут быть органическими или синтетическими.
Щетка состоит из трех частей: волос, наконечника или альта и фокусника, который может его держать, они больше отличаются волосами и способом их изготовления, некоторые из них называются плоскими кистями или кистями с кошачьим языком. . Щетки также обычно делаются из жесткого ворса, а круглые почти всегда идут с прямым ворсом.
Кисти выбирают разные художники в зависимости от работы, которую они собираются выполнять, и от того, как они собираются использовать краску, которая у них есть. Если художник собирается использовать для выполнения работы большие поверхности, он будет пользоваться кистями вместо кистей.
В кистях они почти всегда имеют пустую внутреннюю часть, чтобы иметь возможность собрать больше краски в момент нанесения мазка, у меньших кистей нет этой центральной пустоты, есть также кисти со щетиной, а есть кисти, у которых она тоже есть и они всегда обычно природного происхождения и происходят от различных животных, таких как лошади, куницы и свиньи среди многих других.
Особенности окраски запятой также сделаны из искусственного синтетического материала. Уход за щетками очень важен для продления срока их службы, их необходимо очищать после использования в дополнение к постоянной очистке, чистка чрезвычайно проста, так как вам нужно только нанести на них мыло и воду.
После мытья их можно сушить влагой или фланелью, затем хранить в горизонтальном положении, не давя на волосы, чтобы они не деформировались. Другое использование, которое дается кистям, - это возможность печатать картины валиком, которые сделаны из разных размеров и материалов.
Среди материалов - шерсть, поролон или волокнистая резина, натуральные или искусственные губки и, наконец, что не менее важно, палитры, ножи и шпатели как еще один вариант характеристик рисования, поскольку они представляют собой инструменты, изготовленные из чрезвычайно легкого и гибкого листа металла или пластик, который можно использовать по-разному и цвета могут быть соединены и окрашены самыми опытными художниками.
Деньги: В различных существующих опорах художники привыкли изменять фон перед началом произведения искусства, это качество имеет характеристики живописи. Обработка грунтовкой выполняется, поскольку фон - это поверхность, которую художник окрашивает цветом и текстурой, с которой он хочет начать свое произведение искусства.
Раньше фоны делались органическим маслом или клеем, а затем смешивались с белилами или цветным тоном, который нравился художнику, который собирался делать работу. Хотя этим клеевым средством служили хвосты разных животных и рыб.
Используются также эмульсии на основе яйца, масла или смолы.Для придания ей цвета ранее применяли известь и пемзу, а также охристую землю. Это зависит от материала, который был использован, это определило, как будет выглядеть визуальный эффект произведения искусства. Также цвет фона, который использовался в качестве поддержки, придавал ему другой оттенок.
По этой причине художники искали белый фон, чтобы отразить различные слои краски, которые они использовали, но если цвет фона был темным, он имел тенденцию снижать оттенок краски, делая ее темнее.
Архитектор итальянского происхождения Джорджио Вазари даже заявил, что преимущество маслянистых фонов заключается в сохранении гибкости полотен, которые были выполнены в больших размерах и могли быть свернуты для перемещения в разные места.
Но недостатком у них было то, что требовалось более длительное время высыхания. Между XNUMX и XNUMX веками чаще всего использовались фоны, окрашенные красноватой землей, при этом некоторые места можно было оставить неокрашенными, но работа приобрела полное единообразие. В настоящее время средства, которые готовятся в коммерческих фирмах, изготавливаются промышленным способом с помощью свинцовых и промокательных белил.
Пигменты: пигменты, которые являются очень фундаментальной характеристикой живописи, имеют тенденцию делиться на неорганические, которые, в свою очередь, происходят из минералов, земли, солей и оксидов, и с их помощью достигаются цвета охры и охры. Также используются органические пигменты, полученные из растений и некоторых животных, которые получают путем варки некоторых семян или путем кальцинирования некоторых частей животных.
Есть и другие, которые получают синтетическим путем, такие как анилины, а также органические соединения. Органические пигменты, как правило, менее опасны, чем неорганические. Пигмент, используемый вместе со связующими, образует то, что мы называем краской, а связующее — это то, что позволяет пигменту быть жидким и, таким образом, обеспечивать сцепление поверхности краски с фоном.
Хотя иногда она может стать водянистой, а также может быть жирной, все зависит от того, как она приготовлена, растворитель является важным фактором в характеристиках краски, поскольку его задача заключается в разбавлении или растворении типа связующего, используемого для ее изготовления. , пьеса.
Также используется жидкий растворитель, называемый скипидаром, это очень летучий и бесцветный растворитель, который смешивается и разбавляется маслом и смолой, он имеет тенденцию растворяться, так же как и с водой, поскольку он также растворяется, в том же таким образом, он используется с каучуком, который также растворяется и может таким образом еще больше ослабить характеристики краски.
Вы должны знать индексы укрывистости используемой краски, так как с годами вы сможете лучше уловить фон картины и сожаления художника во время выполнения произведения искусства.
В картинах, которые были выполнены до XNUMX века, частицы используемых пигментов можно наблюдать под микроскопом, и это привело к выводу, что чем грубее зерно пигмента, тем ниже качество краски.
В девятнадцатом веке ученые начали синтезировать красители, которые использовались в качестве пигментов, среди них были синий кобальт, желтый цинк и оксид хрома, наиболее часто используемые художниками. И в настоящее время количество пигментов растет очень быстро, цветов великое множество и все пигменты отличного качества.
Если вы нашли эту статью о характеристиках краски важной, я приглашаю вас посетить следующие ссылки: