Concepută de creatorii și adepții săi ca o tendință largă în artă care reflectă căutarea unor noi semnificații de către artiștii contemporani, arta postmoderna este răspunsul în această căutare la criza culturii clasice.
arta postmoderna
Se crede că în secolul al XX-lea a avut loc așa-numita „moartea super-fundamentelor”: Dumnezeu, om și autor. Cu alte cuvinte, baza religioasă a fost zguduită, a apărut o criză de idei umaniste, iar creatorii au trecut de la crearea uneia noi la regândirea celei vechi.
Postmodernismul în artă face parte dintr-o tendință globală care a fost îmbrățișată de cultura și filozofia mondială. Postmodernismul nu este un stil unic, ci un complex de direcții, unite printr-o bază ideologică comună. Mulți dintre ei chiar se luptă între ei.
Postmodernismul este un termen derivat din limba franceză (postmodernisme). Acest nume reflectă sensul direcției care a înlocuit arta epocii modernismului (a nu se confunda cu modernismul). La sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, mișcările moderniste (sau avangardiste) au dat o lovitură grea artei clasice. Dar treptat creatorii au încetat să se mulțumească cu abordările moderniste.
Paralel cu o multitudine de noi dezvoltări tehnologice, postmodernismul a condus la experimente artistice cu noi medii și noi forme de artă timp de aproape cinci decenii, inclusiv artă conceptuală, diferite tipuri de performance și instalații de artă și curente informatice, cum ar fi deconstructivismul și tehnologia. .
Caracteristicile postmodernismului
Jean-François Lyotard și alți teoreticieni descriu fundamentele spirituale ale modernității ca o credință de nezdruncinat într-o progresie constantă a compresibilității tot mai detaliate a lumii și a unei abordări graduale către cunoașterea perfectă. Sistemele totalitare ale secolului XX au discreditat permanent caracterul absolut al unor astfel de modele.
Iată care sunt motivele necesității de a defini postmodernismul ca o ruptură conștientă de modernitate. Postmodernismul respinge nu numai credința modernă în progres, ci și existența unei realități obiective de înțeles. Teoria și estetica postmodernă presupun că toate cunoștințele, toată percepția și fiecare zonă a conștiinței și existenței sunt supuse relativității. Un concept cheie al postmodernismului este pluralitatea.
Dorința modernității de a crea în mod constant ceva nou și mijloacele artistice folosite pentru a-l realiza sunt văzute ca automate, stabilite și învechite în postmodernism. Principiul că nimic nou nu poate fi creat face din utilizarea citatelor o trăsătură stilistică esențială a artei postmoderne.
Cererea de deschidere în conceptul de artă și opera de artă individuală deschide posibilități aproape nelimitate, pe de o parte: postmodernismul deschide o varietate de noi forme de expresie prin depășirea granițelor genurilor.
O tehnică frecvent utilizată a erei postmoderne este colajul. Acest termen, inventat la începutul secolului al XX-lea pentru autocolante Dada, este mult mai larg în epoca postmodernă. Include, de exemplu, instalații la scară largă, tehnici de film sau procese de compoziție muzicală.
Autori precum Umberto Eco (Numele trandafirului), arhitecți precum Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Viena) și artiști precum Keith Haring încearcă să creeze o punte între înțelegerea elitistă a artei și cultura de masă; și acesta este un aspect esențial al esteticii postmoderne.
Multe lucrări postmoderne, în special în artele spectacolului, nu vor să fie înțelese ca un rezultat perfect, ci ca un aranjament experimental. Prezentarea va fi fragmentară (literatură: Roland Barthes, Fragmente de limbaj al iubirii) sau o lucrare în curs de desfășurare (teatru de dans: William Forsythe, piesa lui Scott) în diferite stadii de dezvoltare.
Criticii de artă oferă răspunsuri diferite la întrebarea ce este postmodernismul în pictură, deoarece cultura postmodernă este un fenomen cu mai multe fațete și nu are o platformă ideologică clară. Postmoderniștii nu au creat un canon universal, mai mult, au refuzat să creeze unul în principiu. Poate singura valoare de bază declarată de susținătorii acestei tendințe este libertatea nesfârșită de exprimare.
Postmodernismul nu este o mișcare, ci un mod general de gândire. Prin urmare, nu există o listă unică de caracteristici care definesc „arta postmodernă”. Cu toate acestea, există o serie de caracteristici care sunt caracteristice artei postmoderne:
- Libertate nelimitată și absolută a artistului în alegerea metodelor de auto-exprimare.
- Regândiți imaginile tradiționale, incluzându-le într-un nou context (de aici și răspândirea largă de remake-uri, interpretări, citate artistice, împrumuturi, aluzii).
- Sincretismul, adică fuziunea elementelor eterogene într-un singur tot, care uneori chiar se contrazic între ele (de exemplu, utilizarea stilurilor diferite de către artist într-un tablou, sau chiar o combinație a picturii cu alte tipuri de artă).
- Dialog, adică o privire asupra subiectului din unghiuri diferite, din poziţia diferitelor «voci», care creează în final o «simfonie» polifonică.
- Forma de prezentare a operei, invitație a privitorului de a se alătura lucrării cu semnificații.
- Natura șocantă a creativității.
- Ironia și autoironia autorului. Artiștii sunt acum mult mai sceptici față de „ideile mari” (de exemplu că toate progresele sunt bune).
- Postmodernismul este o expresie a unei dezamăgiri larg răspândite față de viață și puterea sistemelor de valori și/sau tehnologiilor existente de a aduce schimbări pozitive. Drept urmare, autoritatea, experiența, cunoștințele și motivația au căzut în discredit.
- Arta modernă a fost văzută nu numai ca elitist, ci și ca albă (în sensul culorii pielii), dominată de bărbați și dezinteresată de minorități. Acesta este motivul pentru care arta postmodernă susține arta artiștilor din lumea a treia, feminiștilor și minorităților.
Artă postmodernă, contemporană și modernă târzie
De regulă, arta postmodernă și arta contemporană sunt folosite mai mult sau mai puțin sinonim. Totuși, din punct de vedere tehnic, arta postmodernă înseamnă „după modernitate” și se referă la o perioadă fixă care începe în jurul anului 1970, în timp ce arta contemporană se referă în principal la perioada în schimbare de aproximativ cincizeci de ani imediat înaintea anilor XNUMX. Prezent.
În prezent, aceste două perioade coincid. Dar în anul 2050 arta postmodernă (de exemplu, din 1970-2020) ar fi putut fi înlocuită de o altă eră, totuși arta contemporană acoperă atunci perioada până în acel an.
În artele vizuale, termenul de modern târziu se referă la mișcări sau tendințe care resping un aspect al artei moderne, dar în rest rămân în tradiția modernității. Stiluri precum expresionismul abstract (1948-65) au fost practicate de un număr de artiști moderni radicali, inclusiv Jackson Pollock și Willem De Kooning, care s-au opus multor convenții formale ale picturii în ulei.
Și totuși, nici Pollock, nici de Kooning nu ar fi putut produce ceva asemănător Desenului șters de Kooning al lui Rauschenberg, deoarece amândoi erau credincioși puternici în conceptele de autenticitate și sens.
Istoria artei postmoderne
Primul stil de artă semnificativ după Renaștere a fost arta academică, predată de profesori din academii. În arta academică, converg multe stiluri și curente, cum ar fi clasicismul și romantismul. Din 1870, odată cu apariția impresionismului, a apărut arta modernă. Primele trăsături au apărut în jurul anului 1970, care acum este rezumată ca artă postmodernă.
Arta modernă este asociată în mare parte cu secolul 1870-1970, de la impresionism la Pop Art, de exemplu. În ciuda diferitelor dezastre globale (Primul Război Mondial, gripa, prăbușirea de pe Wall Street și Marea Depresiune) care au subminat multe dintre certitudinile morale ale vremii, artiștii moderni și-au păstrat în general credința în legile științifice de bază ale naturii. gând.
În general, ca majoritatea occidentalilor ai vremii, ei credeau că viața are sens. Că progresul științific era automat pozitiv, că Occidentul creștin era superior restului lumii, că bărbații erau superiori femeilor. Modernismul a crezut, de asemenea, în sensul, relevanța și progresul artei, în special al artei plastice și al arhitecturii.
Pe urmele lui Leonardo și Michelangelo, ei au crezut în arta înaltă, artă care înalță și inspiră privitorul educat, și nu în „arta joasă” care doar distrează masele. Au adoptat o abordare progresivă și au văzut arta ca pe ceva care ar trebui să evolueze constant, ghidați de un grup de frunte de artiști de avangardă.
Al Doilea Război Mondial și Holocaustul au dat totul peste cap. Parisul a fost brusc înlocuit de New York ca capitală a lumii artei. În urma atrocităților războiului, toată arta figurativă a părut brusc irelevante, așa că pictorii moderni au apelat la arta abstractă pentru a se exprima.
În mod surprinzător, Școala din New York, cu picturile lui Jackson Pollock și pictura de câmp de culoare mai calmă a lui Mark Rothko, a promovat o renaștere temporară a artei de ambele maluri ale Atlanticului în anii 1950. Pictorii de avangardă au reușit să redefinească limitele abstractului. pictura, dar a rămas în limitele modernității. Ei credeau în crearea de opere de artă autentice, finisate, cu conținut semnificativ.
Dar modernitatea se apropia inevitabil de sfârșit. Dezvăluirile tot mai mari ale Shoah, testele cu bombe atomice, criza rachetelor din Cuba și războiul din Vietnam i-au lăsat pe oameni din ce în ce mai dezamăgiți de viață și artă.
Jasper Johns și Robert Rauschenberg au produs deja primele lucrări postmoderne de neo-dada și artă pop la mijlocul anilor 1950. În curând, arta populară populară avea să introducă arta postmodernă în sine, pe măsură ce rețelele de televiziune americane s-au concentrat în ofensiva Tet din 1968 și în haotică. Convenția Națională Democrată din 1968.
Din această trecere a timpului în istoria artei se poate stabili și atitudinea față de artă din partea artistului și a publicului. Artiștii și spectatorii prezentului nu sunt determinați de vechile idei ale instituțiilor de predare și donatoare cu privire la ce este arta și ce poate fi arta. Posibilitățile și aplicațiile artei au devenit mai diverse fără a fi nevoit să te forțezi într-un anumit corset.
Arhitectura modernă a fost influențată de dorința de a crea un stil complet nou pentru omul modern. Arhitecții au vrut să elimine toate referințele istorice și să creeze ceva complet nou. Acest lucru a condus la International Style (circa 1920-1970), un design minimalist de regularitate.
Din fericire, în jurul anului 1970, arhitecții postmoderni au început să revitalizeze arhitectura secolului al XX-lea prin proiectarea structurilor cu caracteristici interesante extrase din cultura populară și stiluri arhitecturale mai tradiționale. Structurile care par să ocolească gravitația au fost posibile și de noi posibilități controlate de computer în cadrul deconstructivismului.
Mișcarea postmodernistă a luat contur în anii 1960 și 1970, dar precondițiile pentru apariția ei sunt asociate cu o criză a viziunii asupra lumii care a apărut cu mult înainte. Printre acestea: teza lui Spengler despre declinul Europei; colapsul conștiinței publice din cauza Primului Război Mondial; apariția în știință a unor idei despre inconsecvența și ambiguitatea ordinii mondiale (de la geometria non-euclidiană la fizica cuantică).
Termenul postmodern a fost deja folosit la sfârșitul secolului al XIX-lea și apoi din ce în ce mai mult la începutul secolului al XX-lea, dar abia în anii 1950 în sensul actualului său sens. La sfârșitul anilor 1970, doi autori au contribuit în principal la stabilirea termenului ca un fix permanent: Jean-François Lyotard cu lucrarea sa La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, 1979) și Charles Jencks cu eseul The Rise of Postmodern Architecture. .
Odată cu introducerea termenului postmodern, modernismul este definit pentru prima dată ca o epocă istorică închisă (cum ar fi antichitatea sau Evul Mediu înainte de ea). Postmodernul a devenit un termen stilistic, mai ales în arhitectură.
Postmoderniștii au concluzionat că lumea modernă nu poate fi descrisă în cadrul abordărilor clasice ale filosofiei, științei și culturii. În consecință, metodele clasice ale artei nu sunt adecvate pentru a o descrie.
Utilizarea tehnologiei
Epoca artei postmoderne a coincis cu introducerea mai multor tehnologii vizuale noi (cum ar fi televiziunea, videoclipurile, internetul, printre altele) și beneficiind enorm de pe urma acestora. Noua gamă de formate video și fotografie a redus importanța artei de a desen, iar manipularea noilor tehnologii le-a permis artiștilor să scurteze procesele tradiționale de a crea artă, dar totuși să creeze ceva nou.
Mișcări și stiluri de artă postmodernă
Până acum nu au existat mișcări artistice internaționale majore în arta postmodernă. În schimb, epoca a văzut creșterea unui număr de fluxuri înguste, localizate, precum și a mai multor forme de artă complet noi, cum ar fi pictura video și cu cuvinte.
În plus, au existat zeci de facțiuni de artă, precum și un centru anti-postmodern sau două ai căror membri s-au străduit să producă genul de artă de care s-ar fi mândri Michelangelo sau Picasso.
Încă din neodadaism, postmoderniștilor le-a plăcut să amestece lucrurile sau să aducă elemente noi formelor tradiționale, pentru a crea noi combinații. Fernando Botero pictează imagini primitive cu figuri obeze, Georg Baselitz pictează figuri cu susul în jos.
Gerhard Richter a combinat arta camerei și pictura în picturile sale fotografice din anii 1970, în timp ce Jeff Koons a combinat imaginile orientate spre consumator cu tehnici de sculptură sofisticate pentru a-și crea sculpturile din oțel inoxidabil.
Andreas Gursky combină fotografia cu imaginile generate de computer pentru a crea lucrări precum Rhein II, în timp ce Jeff Wall folosește montaje foto prelucrate digital în creațiile sale de imagini postmoderne.
Nu există un consens în rândul criticilor de artă cu privire la stilurile de artă care pot fi clasificate ca artă postmodernă: de exemplu, unele stiluri sunt simultan clasificate ca avangardiste și postmoderne. Cu toate acestea, se poate distinge următoarea listă de mișcări și stiluri de postmodernism:
Dadaism
Dadaiștii credeau că brutalitatea Primului Război Mondial care a zguduit Europa, aducând durere și suferință milioanelor de oameni, a fost produsul logicii și raționalismului. Din acest motiv, au promovat cu creativitatea lor distrugerea canoanelor estetice, cinismul, sistematicitatea, iraționalitatea.
Colajul a devenit principala metodă de creație a artiștilor dadaiști. Pânza sau hârtia au servit drept fundal pe care artistul a creat un colaj folosind bucăți de pânză, bucăți de hârtie și alte materiale.
Dada a existat pentru o perioadă relativ scurtă de timp: din 1916 până în 1923. Acest lucru se datorează faptului că platforma sa ideologică a fost patos pacifist opus realității Primului Război Mondial. În anii 1920, Dada a fuzionat cu expresionismul în Germania și cu suprarealismul în Franța.
Arta pop
Pop art (art pop) este un stil care a transferat cultura consumatorului în domeniul artei și a învățat omenirea să vadă frumusețea în treizeci și trei de cutii de supă. Arta pop nu trebuie confundată cu cultura populară. Autorii au considerat cultura de masă ca un obiect, așa cum un portretist privește un model sau un artist peisagist: în sânul naturii.
Tema culturii de masă, asupra căreia a căzut privirea artistului, s-a transformat în ceva original: un obiect de artă refractat prin interpretarea artistului. Din punct de vedere artistic, acest stil a făcut apel la materialitate, obiectivitate, spre deosebire de o altă tendință populară, abstractionismul. Pop art s-a născut în lupta împotriva creativității abstracționiștilor și a anunțat o revenire la expunerea unor obiecte specifice pe pânză.
În sine, apelul la lucrurile de zi cu zi nu este nou în istoria picturii. Natura moartă este, până la urmă, viziunea unui artist asupra obiectelor din jur. De fapt, nu există mare diferență între vaza lui Caravaggio și sticlele verzi de Coca-Cola ale lui Warhol. Însă arta pop avea propria sa particularitate conceptuală: artiștii luau obiecte și imagini iconice din cultura de masă, pe care acum le-ar numi „meme”.
În plus, au acordat atenție nu numai obiectelor, ci și imaginilor; un exemplu tipic este Dipticul Marilyn al lui Warhol. Nu se poate nega faptul că arta pop a ajutat la afirmarea visului american, la legitimarea societății de consum și a stilului de viață corespunzător. Totodată, a pus bazele unei critici la adresa filozofiei consumului, care mai târziu avea să capete putere.
Word Art
Termenul Word Art descrie o categorie de artă postmodernă bazată pe text de către diverși artiști contemporani prezenți încă din anii 1950. O definiție simplă a artei bazate pe text ar putea fi „artă care include cuvinte sau expresii ca principal componentă artistică”.
Imaginile bazate pe text care conțin cuvinte și expresii au fost publicate într-o varietate de medii, inclusiv pictură și sculptură, litografie și serigrafie, precum și arte aplicate (tricouri, căni). Apare, de asemenea, în cele mai recente forme de artă contemporană, cum ar fi projection mapping.
Arta conceptuală
Conceptualismul (din latinescul conceptus: gândire, reprezentare) este un curent postmodern în artă, care proclamă supremația ideii de operă asupra formei de expresie artistică a acesteia. Adepții conceptualismului sunt convinși că picturile, sculpturile, instalațiile și spectacolele lor ar trebui să evoce privitorului nu emoții, ci dorința de a regândi intelectual ceea ce au văzut.
Conceptualismul nu este o artă comercială, în el obiectele pentru creativitate pot fi orice obiecte de uz casnic, materiale naturale și chiar părți ale mediului uman. Artistul conceptual nu caută să creeze o lucrare terminată, ci încearcă să-și transmită ideile privitorului, să se angajeze într-un fel de joc intelectual.
Lucrările de artă conceptuală au caracteristici distinctive. Aceste lucrări pot fi identificate prin următoarele caracteristici: influențează nu percepția emoțională, ci cea intelectuală a privitorului; utilizarea frecventă a textului explicativ al lucrării; respingerea conștientă de către artist a sensului formei în favoarea importanței sensului (ideei) operei; creați obiecte de artă din orice obiect disponibil autorului.
Arta performanței și întâmplări
Happenings este o formă de artă de avangardă, un tip de expresie creativă, strâns legată de arta performanței, care își are fundamentul în teoriile artei conceptuale ale secolului XX, derivate în mare parte din demonstrațiile reprezentanților Dada, precum și ale lui Tristan. Tzara (1896-1963). În practică, nu este ușor să distingem între Performance Art și Happenings.
Ambele sunt forme de divertisment atent planificate (deși cu elemente de spontaneitate) în care artistul interpretează (sau gestionează) un eveniment teatral artistic. Ceva mai ușor de văzut decât de descris în cuvinte.
În orice caz, un Happenings este o piesă spontană de artă performanță care se situează undeva între dramă și arta vizuală și de obicei invită și declanșează un răspuns puternic din partea publicului.
Datorită stilului său dada de tranziție, a fost conceput inițial ca o alternativă radicală la principiile meșteșugurilor tradiționale și ca un „obiect de artă permanent”. O explicație completă a acestei noi forme de artă postmodernă poate fi citită în cartea lui Michael Kirby „Happenings” (1965).
Acest tip de eveniment de artă a devenit asociat în mod special cu scena de artă din New York în jurul anului 1960 și este încă prezentat în cele mai bune galerii de artă contemporană din întreaga lume.
Artă abstractă
Abstracționismul este un stil de pictură și de artă în general, care respinge reproducerea realistă a lumii înconjurătoare. Adepții săi reprezintă forme simple și complexe, se joacă cu culoarea, folosesc linii, planuri și alte obiecte, combinându-le pentru a crea anumite emoții privitorului. Acesta este modul în care abordarea lui diferă de cea folosită de maeștrii care aderă la clasicism și la multe alte stiluri.
La prima vedere, un tablou realizat de un abstracționist poate părea a fi un amestec haotic de linii, forme și pete. La o examinare mai atentă, devine clar că artistul a creat o compoziție întreagă menită să evoce anumite gânduri sau dispoziții în privitor.
Abstracționismul, pe măsură ce s-a dezvoltat, a fost stratificat în diverse direcții, fiecare dintre ele având propriii reprezentanți. Au existat tipuri de stil, cum ar fi:
- Geometric. În lucrările artiștilor interpretate în acest stil predomină formele și liniile clare, multe dintre ele creând iluzia profunzimii.
- Maeștrii care aderă la această direcție lucrează activ cu culorile și combinațiile acestora; prin ele transmit emoțiile pe care doresc să le creeze publicului.
- Esența acestei direcții de pictură este în absența completă a referințelor la obiecte reale și în utilizarea extrem de restrânsă a culorilor, formelor și liniilor.
- Artiștii care lucrează în această direcție se străduiesc să aducă dinamică, mișcare lucrărilor lor, prin care transmit emoții și senzații. În același timp, umbrele, liniile și formele se estompează în fundal.
Asamblare
Asamblarea este o tehnică de artă decorativă și aplicată în care artistul creează o imagine în relief prin lipirea unor piese sau obiecte tridimensionale pe o bază plană. În tehnica de asamblare este permisă și utilizarea vopselelor pentru un adaos pictural la o compoziție artistică.
Asamblarea, spre deosebire de colajul aferent, este un tip de tehnică pentru atașarea elementelor tridimensionale, mai degrabă decât bidimensionale (plate), pe suprafața frontală a imaginii. Datorită utilizării detaliilor volumetrice, imaginea este cât se poate de realistă și eficientă vizual.
Artiștii profesioniști folosesc adesea resturi menajere și gunoi pentru a-și crea propriile opere de artă originale. În mâinile maestrului, un număr mare de obiecte cotidiene împrăștiate devine o compoziție artistică plină de conținut estetic profund.
Astăzi, lucrările create folosind tehnica de asamblare atrag invariabil atenția cunoscătorilor de artă contemporană. Ele provoacă adesea controverse acerbe în rândul criticilor, dar nu lasă pe nimeni indiferent și, prin urmare, aduc o mare contribuție la dezvoltarea culturii mondiale.
Fluxus
Fluxus a fost un grup de artiști slab organizat care s-a întins pe tot globul, dar a avut o prezență deosebit de puternică în New York City. George Maciunas este considerat istoric principalul fondator și organizator al mișcării, care a descris Fluxus ca o fuziune a lui Spike Jones, Vaudeville, Cage și Duchamp.
La fel ca futuriştii şi dadaiştii înaintea lor, artiştii Fluxus au dezaprobat autoritatea muzeelor de artă de a determina valoarea artei. Ei au mai sugerat că nu este necesar să existe o educație specială pentru a vedea și înțelege o operă de artă.
Fluxus nu a vrut doar ca arta să fie disponibilă maselor, ci și-a dorit ca toată lumea să creeze artă tot timpul. Este adesea dificil de definit Fluxus, deoarece mulți dintre artiștii săi au susținut că însuși actul de a defini mișcarea este deja prea limitativ și reductiv.
Spre deosebire de mișcările artistice anterioare, Fluxus a încercat să schimbe istoria lumii, nu doar istoria artei. Scopul tenace al majorității artiștilor a fost de a eradica orice graniță dintre artă și societate.
Un principiu central al Fluxus a fost să arunce și să ridiculizeze lumea de elită a „artei înalte” și să găsească toate modalitățile posibile de a aduce arta în masă, în conformitate cu climatul social din anii 1960. Artiștii Fluxus au folosit umorul pentru a-și exprima intenția și , alături de Dada, Fluxus a fost una dintre puținele mișcări de artă care a fost capabilă să meargă pe frânghie.
În ciuda comportamentului lor jucăuș, artiștii Fluxus au fost serioși în ceea ce privește dorința lor de a schimba echilibrul de putere în lumea artei. Lipsa de respect pentru arta înaltă a avut un impact asupra autorității percepute a muzeului ca autoritate asupra cine și ce să ia în considerare artiștii.
Fluxus a antrenat privitorul și s-a bazat pe elementul de șansă pentru a modela rezultatul final al operei de artă. Utilizarea hazardului a fost folosită și de Dada, Marcel Duchamp și alți artiști de performanță ai vremii. Artiștii Fluxus au fost puternic influențați de ideile lui John Cage, care credea că ar trebui să abordăm o piesă fără idee despre rezultatul final. Ceea ce a contat a fost procesul de creație, nu produsul final.
arta video
Videoclipul este unul dintre cele mai versatile media disponibile. Un film video poate fi opera de artă în sine și/sau o înregistrare a modului în care a fost realizată opera de artă; poate fi, de asemenea, un element dintr-o instalație și/sau parte a unui aranjament video multiplu. Videoclipul face arta mai dinamică și mai plină de viață. De la sfârșitul anilor 1980, atât videoclipurile, cât și animațiile s-au bazat pe utilizarea unui software de calculator pentru a manipula imaginile.
fotorealism
Fotorealismul este un gen de pictură care a apărut la sfârșitul anilor 1960 ca răspuns la popularitatea tot mai mare a abstracției. De atunci, picturile fotorealiste cu atenția lor enormă pentru detalii au oferit iluzii optice care pot fi constatate doar de aproape ca imagini pictate ale originalului fotografic.
În loc să observe și să reprezinte ceea ce se întâmplă în realitate, fotorealismul a fost inspirat din fotografie. Informațiile vizuale capturate de o cameră sunt folosite pentru a crea picturi iluzioniste, desene și alte opere de artă. Artiștii proiectează adesea fotografii pe pânză, astfel încât imaginile să poată fi redate cu precizie și detalii.
Art Povera
Arte Povera (din expresia italiană pentru „artă săracă” sau „artă sărăcită”) a fost una dintre cele mai importante și proeminente mișcări de artă de avangardă apărute în sudul Europei la sfârșitul anilor XNUMX.
Aceasta a inclus munca a o duzină de artiști italieni a căror principală caracteristică creativă a fost utilizarea materialelor de zi cu zi care aminteau de o epocă preindustrială. Murdăria, pietrele și îmbrăcămintea erau deosebit de populare: „deșeuri” sau materiale ieftine pe care le foloseau pentru arta lor. Această abordare a artei a atacat noțiunile predominante de valoare și corectitudine și a criticat subtil industrializarea și mecanizarea sudului Europei la acea vreme.
Opera sa a marcat o reacție la pictura abstractă a modernismului care controlase arta europeană în deceniul precedent, de la care s-a remarcat prin concentrarea mai mult pe lucrările sculpturale decât pe pictură.
Unele dintre cele mai semnificative lucrări ale grupului au fost create prin contrastul dintre materiile prime și trimiterile simultane la ascensiunea culturii de consum. Convinsă că modernitatea amenință să elimine moștenirea colectivă, Arte Povera a încercat să contrasteze noul cu vechiul.
Pe lângă faptul că au respins concursul tehnologic, artiștii asociați cu Arte Povera au respins ceea ce ei au perceput ca realism științific. Contrar unei abordări metodice a relațiilor spațiale, ei au evocat un mit ale cărui secrete nu erau ușor de explicat.
Artiștii au prezentat juxtapuneri absurde și jucăușe, adesea dintre noul și vechiul sau extrem de prelucrat și preindustrial. Procedând astfel, ei au ilustrat unele dintre efectele modernizării care contribuie la distrugerea locurilor și a amintirilor pe măsură ce se deplasează din ce în ce mai mult în viitor.
Interesul Arte Povera pentru materialele sărace poate fi legat de alte câteva mișcări artistice din anii 1950 și 1960. De exemplu, ei au împărtășit unele tehnici cu mișcări precum Fluxus și Nouveau Réalisme în combinația lor de materiale ușor accesibile cu o decuplare. funcţie.
postminimalism
În arta post-minimalistă, termen folosit pentru prima dată de criticul de artă Robert Pincus Witten, accentul se mută de la puritatea ideii la comunicarea acesteia. Ca exemplu, puteți vedea lucrările artistei germano-americane Eva Hesse.
arta feministă
O mișcare artistică care se ocupă de probleme specific feminine, cum ar fi nașterea, violența împotriva femeilor, condițiile de muncă ale femeilor și multe altele. Printre artiștii participanți se numără Louise Bourgeois și artistul de performanță născut în Japonia Yoko Ono.
deconstructivism
Deconstructivismul este una dintre cele mai impresionante forme de artă concepute vreodată. Stilul său ciudat, dar intens creativ de arhitectură a secolului XX a apărut la sfârșitul anilor 80, în primul rând în Los Angeles, dar și în Europa.
Ca parte a artei postmoderne, posibilă prin utilizarea software-ului de proiectare al industriei aerospațiale, arhitectura deconstructivistă contrastează cu raționalitatea ordonată a geometriei și favorizează o abordare străină a designului care deformează de obicei exteriorul unei structuri, subminând în același timp elementele. .
Unii istorici cred că și filosofia deconstructivistă se opun artei postmoderne, deși consecințele practice ale acesteia sunt neclare. La urma urmei, un arhitect deconstructivist trebuie să urmeze legile moderne și postmoderne ale științei, indiferent dacă îi place sau nu.
Cel mai faimos reprezentant al arhitecturii deconstructivistă este câștigătorul canadian-americanului Pritzker Prize Frank O. Gehry. Alți deconstructiviști cunoscuți includ Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi și Peter Eisenman. Clădirile deconstructiviste extraordinare includ: Casa Dansului (Praga), Muzeul Guggenheim (Bilbao) și Muzeul de Design Vitra din Weil am Rhein.
Arhitectura deconstructivistă este caracterizată de manipularea suprafeței, fragmentare și forme neliniare care distorsionează și suprascriu convențiile arhitecturale ale structurii și suprafeței. Procedând astfel, elementele care par a se contrazice unele pe altele sunt contrastate în mod deliberat pentru a contesta ideile tradiționale de armonie și continuitate.
realism cinic
Mișcare de artă contemporană chineză care a apărut după înfrângerea Pieței Tiananmen (1989). Realiștii cinici au folosit un stil de pictură figurativ cu o narațiune batjocoritoare. Motivele recurente sunt figurile, bărbații cheli și portretele fotografice. Stilul a batjocorit statutul politic și social al Chinei și, deoarece acesta a fost un nou zori pentru artiștii chinezi, a fost bine primit de colecționarii de artă occidentali.
Literatură și cinema postmodern
Caracteristicile literaturii postmoderne includ o manipulare atentă a ceea ce este disponibil sub formă de citări și aluzii și jocul cu genurile literare. Caracteristică este și construcția a numeroase niveluri de acțiune și relații, adesea rupte.
Probabil cel mai cunoscut roman postmodern este Numele trandafirului de Umberto Eco. Cu o structură literară foarte complexă, asemănătoare unui roman polițist, Eco a reușit să creeze o punte între așa-numita cultură înaltă și cultura de masă. Citatele și referințele istorice, literare și de artă fac din carte un roman educațional sau chiar un concurs literar. Dar chiar și cei care nu sunt interesați de ea se pot bucura de munca lui Eco ca un thriller captivant.
În mod similar, Peter Greenaway a combinat genul de film istoric cu thrillerul în filmul său din 1982 The Cartoonist's Contract, dar spre deosebire de Echo, acesta nu rezolvă ghicitoarea. Deși intriga oferă numeroase indicii clasice, toate nu duc nicăieri.
Arte vizuale
Folosirea termenului postmodern este respinsă de mulți teoreticieni și artiști, în special în domeniul artelor vizuale, având în vedere spectrul larg de forme de expresie. Respingerea credinței moderniste în inovare este, de asemenea, unul dintre fundamentele esteticii postmoderne în arta plastică. Postmodernismul este legat de categorii istorice de artă care au fost respinse de modernitate, cum ar fi structurile narative și mitologice.
Acest lucru începe deja cu reprezentările lui Andy Warhol ale icoanelor din secolul al XX-lea, de la Elvis la Jackie Onassis. Arta pop a marcat, de asemenea, ruptura cu modernitatea în anii 1950, luându-și la revedere abstracției. În anii XNUMX, artele vizuale, ca și arhitectura vremii, au subliniat importanța aspectelor senzuale, emoționale și tradiționale față de teorie și concept.
În anii XNUMX, colectivul New Wild (Neue Wilden) a spart dominația avangardei minimaliste și harnice din punct de vedere conceptual cu pictura sa expresivă și reprezentativă. Au existat tendințe similare în Statele Unite și Italia.
După vârtejul care s-a instalat în jurul Noilor Sălbatici, s-au așezat tendințe care s-au concentrat pe reflecția asupra mediului picturii și experimentarea senzuală cu mediile picturale (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), pictura reprezentativă, predominanța avangardelor muncii minimaliste și conceptuale. garde. Au existat tendințe similare în Statele Unite și Italia.
Caracteristici vremii sunt doi artiști a căror operă încorporează estetica subculturii și a culturii de masă: Keith Haring și Jeff Koons. Haring a reușit să combine elemente de artă graffiti, benzi desenate, limbajul semnelor computerizat, desenul pentru copii și pictura timpurie a istoriei într-un limbaj semnelor foarte poetic, care este de înțeles în multe culturi. Jeff Koons și-a făcut un nume la începutul anilor 1990 prin banalitatea provocatoare a subiecților săi.
Materialul folosit este de obicei de înaltă calitate, dar designul suprafeței sale evocă lumea trăsăturilor și kitsch-ului, cum ar fi figurina de porțelan în mărime naturală, parțial placată cu aur, a lui Michael Jackson cu cimpanzeul său Bubbles.
Cererea esteticii postmoderne de pluralism, subiectivitate, îndepărtarea de abstractizare, includerea mass-media, estomparea granițelor de gen și acceptarea citației ca mediu artistic a adus culoare și mișcare peisajului artistic și muzeal.
Eventuala recunoaștere a fotografiei și a filmului ca mediu de artă poate fi văzută ca un rezultat de durată al tendințelor postmoderne. Repere temporară: în vara anului 2002, Muzeul Ludwig din Köln va prezenta toate cele cinci filme din „Cicloul Cremaster” al lui Matthew Barney, recent finalizat, ca parte a unei expoziții majore.
Arhitectură
La mijlocul anilor 1970, Charles Jencks a introdus termenul de postmodernism în discursul arhitectural. În acest fel, discursul postmodern a ajuns pentru prima dată la publicul larg. Principiile stilistice ale arhitecturii postmoderne au apărut deja în mod clar în acest moment.
Era nevoie de un limbaj arhitectural democratic și comunicativ, a cărui estetică să nu se bazeze doar pe funcție, ci și pe conținut semnificativ. S-a cerut și includerea elementelor fictive, precum cea gotică, care vedea în catedrală o imagine a Ierusalimului ceresc.
În același timp, tendința de conservare și reproiectare a clădirilor istorice a crescut. Cel mai proeminent exemplu a fost Gare d'Orsay din Paris, care a fost deschis ca Musée d'Orsay în 1986. Astfel de clădiri istorice au influențat limbajul arhitecturii postmoderne, care de la început a fost puternic determinat de citări.
Pentru a evita un nou istoricism, motto-ul a fost că eclectismul, care a fost exprimat, de exemplu, în folosirea coloanelor, ferestrelor și zăbrelelor, ar trebui să fie spart în mod ironic. Spectrul arhitecturii postmoderne s-a dezvoltat în special în clădirea muzeului din anii XNUMX și XNUMX.
Pe lângă Muzeul Abteiberg al lui Hans Hollein (Mönchengladbach), Galeria de Stat a lui James Stirling (Stuttgart) este considerată un produs de succes și caracteristic postmodernismului. În designul lui Stirling, numeroase aluzii la arhitectura istorică, de la Egipt până la modernismul clasic, sunt îmbinate cu culorile culturii pop și materialele regionale tipice de gresie și travertin pentru a crea o formă coerentă, contemporană.
În ultima vreme, când vine vorba de construcția muzeelor, caracterul experienței a ieșit din ce în ce mai mult în prim-plan decât cerința educațională.
În loc să contemplați arta meditativă, este necesară punerea în scenă, iar arhitectura în sine este pusă în scenă cu priveliști uimitoare și efecte teatrale. Primele vizite publice au loc din ce în ce mai mult înainte ca tablourile să fie agățate pentru ca arhitectura să poată fi experimentată.
Accent postmodern pe cultura populară
Criticii de artă folosesc adesea termenul „cultură înaltă” atunci când încearcă să distingă arta picturii și sculpturii (și alte arte vizuale) de cultura populară a revistelor, televiziunii și a altor produse produse în masă. Modernismul și adepții săi influenți precum Greenberg (1909-94) au considerat aceste forme de cultură ca fiind inferioare. În schimb, postmoderniștii, care preferă o concepție mai democratică despre artă, văd „înalta cultură” ca fiind mai elitist.
Pop art, prima mișcare postmodernă, a transformat bunurile de consum obișnuite în artă. Artiștii pop și alții au mers și mai departe în încercările lor de a democratiza arta prin imprimarea „artei” lor pe căni, pungi de hârtie și tricouri: o metodă care, de altfel, exemplifică dorința postmodernă, originalitatea și autenticitatea subminează arta.
Artiștii postmoderni au abandonat ideea că o operă de artă are un singur sens inerent. În schimb, ei cred că privitorul este o sursă de sens la fel de importantă. Fotografia suprarealistă a lui Cindy Sherman, de exemplu, subliniază ideea că o operă de artă poate fi interpretată în multe feluri.
De fapt, unii artiști, precum artista de performanță Marina Abramovic, chiar permit spectatorilor să participe la arta lor sau chiar solicită contribuția publicului pentru a-și finaliza munca.
Concentrați-vă pe spectacol
În lipsa unui adevărat sens în viață, mai ales atunci când suntem supuși reclamelor la radio și televiziune zi și noapte, artiștii postmoderni au preferat să se limiteze în stil și spectacol, folosind adesea instrumente și tehnici de promovare pentru a obține un impact mai mare. Această abordare este exemplificată în procesul de tipărire comercială care folosește imagini asemănătoare unui afiș ale artiștilor pop precum Roy Lichtenstein și James Rosenquist.
Concentrarea pe suprafață este o trăsătură comună a artei postmoderne și uneori iese în prim-plan cu imagini teatrale, strălucitoare, de mare impact. Din 1980, utilizarea computerelor și a altor tehnologii a revoluționat arta multimedia (ex. animația) și a creat posibilități specifice în domenii precum arhitectura.
Cât de important este să captezi atenția publicului în postmodernism este demonstrat de tactica șoc a unui grup de studenți de la Goldsmiths College, cunoscut sub numele de Young British Artists, din Londra la sfârșitul anilor XNUMX și XNUMX. Făcuți celebri pentru trei spectacole, YBA-urile au fost criticate pentru gustul lor slab, totuși mulți dintre ei au devenit câștigători ai Premiului Turner, în timp ce alții au obținut notorietate și avere considerabile.
Satisfaceti nevoile consumatorilor
Creșterea comportamentului consumatorului și cultura imediată a plăcerii în ultimele decenii ale secolului al XX-lea au avut, de asemenea, o influență puternică asupra artelor vizuale. Consumatorii doresc acum inovație. Ei vor, de asemenea, recreere și distracție. Mulți artiști postmoderni, curatori și alți profesioniști au profitat de ocazia de a transforma arta într-un produs al distracției.
Introducerea de noi forme de artă, cum ar fi spectacole, evenimente și instalații, precum și noi teme, inclusiv rechini morți, sculpturi uriașe de gheață, multe corpuri nude, clădiri care par să fie în mișcare, o colecție de treizeci și cinci de mii. figurile de teracotă, corpurile pictate, proiecțiile înfricoșătoare pe clădiri publice (și multe altele) - au oferit telespectatorilor o mulțime de experiențe noi, uneori șocante.
Dacă aceste noi forme de artă sunt de fapt „artă” rămâne o întrebare care stârnește multe discuții. Conceptualistii postmoderni sustin ca este, in timp ce traditionalistii refuza sa o considere ca atare.
principiile artei postmoderne
Pentru specialiști, arta postmodernă constă din trei principii de bază care o vor guverna într-un mod general fără a fi total limitativ:
sens imediat
Gata cu picturile în ulei decolorate care înfățișează evenimente zdrobitoare din mitologia greacă pentru a atrage un zâmbet cunoscător din partea observatorului cultivat. De la începuturile sale în mișcarea Pop Art, pictura și sculptura postmodernă au fost îndrăznețe, strălucitoare și recunoscute instantaneu.
Temele și imaginile au fost preluate în principal din produse de larg consum, reviste, reclame, televiziune, filme, desene animate și benzi desenate. Pentru prima dată, toată lumea a înțeles arta expusă. Deși postmodernismul a evoluat din arta pop, un obiectiv principal al sensului rămâne imediat evident.
Arta poate fi făcută din orice
Bazându-se pe tradițiile lui Marcel Duchamp, al cărui pisoar cu titlul Fântână (1917) a fost primul exemplu celebru al unui obiect obișnuit transformat într-o operă de artă (un alt exemplu: Povestea celor gata făcut), artiștii de artă postmoderniștii l-au realizat. afacerea lor de a crea artă din cele mai neobișnuite materiale și resturi. Ideea din spatele ei este de a democratiza arta și de a o face mai accesibilă.
Ideea este mai importantă decât opera de artă în sine
Până în anii 1960, artiștii credeau în general că fără un produs finit nu ar exista nimic. O mare atenție a fost acordată calității operei de artă finite și măiestriei necesare pentru aceasta. Astăzi lucrurile stau altfel.
Postmoderniștii tind să creadă mai mult în conceptul din spatele produsului final decât în produsul în sine, motiv pentru care o mare parte din „arta postmodernă” este numită „artă conceptuală” sau „conceptualism”. Alte forme de conceptualism includ instalațiile, artele spectacolului, întâmplările, arta proiecției și câteva altele.
Artiști postmoderni de seamă
Întrucât suntem contemporani ai artei postmoderne, este dificil să distingem numele iconice ale vremii. Numai după un interval de timp se va putea spune care artiști au lăsat o amprentă expresivă în istoria picturii și a căror faimă a fost doar un tribut adus modei. Dar, din moment ce postmodernismul se dezvoltă de mai bine de jumătate de secol, putem numi câteva dintre denumirile deja înscrise în istorie. Acestea includ, de exemplu:
- Dadaist, suprarealist și fondatorul conceptualismului Marcel Duchamp
- Andy Warhol, liderul artei pop
- Pionierul asamblarii César Baldaccini
- Renumitul conceptualist Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (n. 28 iulie 1887 – murit 2 octombrie 1968) a fost un maestru al artei de avangardă, cunoscut pentru operele sale de artă extravagante. Opera lui Marcel Duchamp a sfidat tradițiile consacrate și a fost discutată în repetate rânduri în cronica scandaloasă de pe ambele maluri ale oceanului.
La începutul carierei, a pictat tablouri în stil postimpresionist, aducând un omagiu cubismului și fauvismului, dar apoi a renunțat la pictură și a devenit interesat de realizarea de instalații în care a amestecat tehnici și a folosit materiale de diverse texturi. Ideile revoluționare ale artistului au avut un mare impact asupra dezvoltării artei conceptuale în secolul al XX-lea.
Andy Warhol
Andy Warhol (născut pe 6 august 1928 – murit pe 22 februarie 1987) a fost un artist și galerist american căutat din secolul al XX-lea. A avut o mare contribuție la dezvoltarea artei pop comerciale. Andy Warhol este considerat pe bună dreptate liderul unei astfel de tendințe precum uomo universale.
Robert Rauchenberg
Robert Rauschenberg (născut la 22 octombrie 1925 – decedat la 12 mai 2008), titanul artei americane a secolului al XX-lea, potrivit ziarului The New York Times, a fost un artist și creator remarcabil, reprezentant al impresionismului abstract, al conceptualismului, gata făcut și fondator. a artei pop.
Picturile lui Robert Rauschenberg sunt colaje și instalații, obeliscuri, obiecte de uz casnic și alte obiecte greu de clasificat. Opera maestrului, ca și biografia sa, este șocantă, surprinzătoare, dezgustătoare și fermecătoare, dar nu lasă pe nimeni indiferent. Bisexual înfocat, farmacist frustrat, oponent a tot ceea ce este clasic și obișnuit, s-a provocat în mod constant pe sine și lumea din jurul lui.
Remedii Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (născută la 16 decembrie 1908 – decedată la 8 octombrie 1963) este o artistă spaniolă și mexicană din secolul XX, un reprezentant original al suprarealismului. Opera lui Remedios Varo depășește cadrul picturii clasice: visele, reflecțiile filozofice, magia, mecanica, istoria și ocultismul se împletesc în lucrările suprarealistului.
În același timp, picturile lui Remedios Varo sunt accent lirice și feminine, pline de o atmosferă medievală și trimit privitorul la originile universului. Picturile lui Remedios Varo sunt populate cu personaje extravagante de basm, construcții mecanice și natură. Spre deosebire de suprarealismul clasic, în fiecare dintre lucrările artistului este trasată clar un complot care conduce privitorul la anumite concluzii.
Francis Bacon
Francis Bacon (născut la 28 octombrie 1909 – decedat la 28 aprilie 1992) este un maestru al expresionismului britanic, unul dintre cei mai ambigui și brutali artiști ai secolului XX. Opera lui Francis Bacon este recunoscută pentru că este impresionantă: cele mai terifiante creații ale fanteziei umane prind viață în picturile sale.
Francis Bacon nu a primit studii academice. În același timp, este incredibil de solicitat și popular. Picturile maestrului sunt visul suprem atât pentru galeriile private, cât și pentru cele mai faimoase muzee din lume, care nu sunt deloc contrarii să includă opera sa în colecție. Unele dintre capodoperele artistului valorează zeci de milioane de dolari și sunt incluse în listele celor mai scumpe opere de artă.