Cunoașteți câteva trăsături ale picturii moderniste

Inovația este expresia maximă a ceea ce a fost perioada modernă. În sine, această mișcare a adus cu ea una dintre cele mai mari contribuții la arta secolului al XX-lea. Și de aceea am decis să vă facem cunoscute principalele trăsături ale acestei mișcări pe artă, în special pe pictura modernistă și mai mult

PICTURA MODERNISTĂ

Modernismul și pictura modernistă

Arta modernă este un termen folosit pentru a descrie o perioadă a istoriei artei care se întinde aproximativ din anii 1860 până în anii 1970. Termenul denotă stilul și filosofia artei produse în acea perioadă. Rădăcinile sale se află în opera artiștilor de la sfârșitul secolului al XIX-lea, precum Van Gogh, Cezanne și Gauguin, a căror pregătire și cariera timpurie s-au bazat pe un stil tradițional de pictură.

Cu toate acestea, la sfârșitul secolului al XIX-lea, mulți artiști au început să se îndepărteze de narațiunea realistă în materie și stil, îndreptându-se către un stil de pictură mai abstract, care a abordat noile lor idei estetice, aceasta va fi cunoscută mai târziu ca pictură modernistă. Deci termenul de „modernist sau modern” este asociat cu arta, distanțand această expresie artistică de pictura tradițională.

Artiștii moderni s-au jucat cu moduri neexplorate de a-și vedea subiectele și noi moduri de a folosi materialele tradiționale de pictură. Acestea au contestat ideea că arta ar trebui să reprezinte lumea în mod realist, experimentând utilizarea expresivă a culorii, tehnici noi și materiale netradiționale care sunt acum considerate semnul distinctiv al artei și picturii moderniste.

Începutul secolului al XX-lea a adus și mai multe experimente. Artiștii fauvi (fauvism), au început să picteze peisaje „sălbatice” expresive, iar artiștii cubiști au început să deconstruiască subiectele în forme solide, făcându-le aproape abstracte.

Aceste mișcări artistice și cele care le-au urmat în secolul al XX-lea s-au bazat pe noi moduri de a gândi, a vedea și a explora arta, făcând însăși definiția a ceea ce este arta modernă. Acolo unde arta modernă este un termen folosit pentru a descrie o mișcare artistică și o perioadă a istoriei artei, modernismul este numele mișcării filozofice care a apărut în același timp.

PICTURA MODERNISTĂ

Revoluția industrială, creșterea rapidă a zonelor urbane și noile forme de transport au contribuit la dezvoltarea filozofiei modernismului care a respins formele tradiționale de gândire, artă, religie și comportament social. Modernismul și arta modernă sunt interdependente și coexistă: teoriile modernismului hrănesc gândirea artiștilor, iar arta modernă promovează filosofia în practica reală.

Caracteristicile modernului în arte

Deși nu există o singură caracteristică care să definească „arta modernă”, aceasta s-a remarcat printr-o serie de caracteristici importante, cum ar fi următoarele:

Noi tipuri de artă

Artiștii moderni au fost primii care au dezvoltat arta colajului, diverse forme de asamblare, o varietate de artă cinetică (inclusiv telefoane mobile), diverse genuri de fotografie, animație (desen plus fotografie), land art sau terasamente și artă de performanță.

Utilizarea de materiale noi

Pictorii moderni au plantat obiecte cum ar fi tăieturi de ziare și alte obiecte pe pânzele lor. Sculptorii au folosit obiecte găsite, cum ar fi „readymade-urile” ale lui Marcel Duchamp, din care au creat opere de artă junk. Ansamblurile au fost produse cu cele mai comune obiecte de zi cu zi, precum: mașini, ceasuri, valize, cutii de lemn și alte articole.

utilizarea expresivă a culorii

Curentele artei moderne, cum ar fi fauvismul, pictura pe câmpuri de culoare și expresionismul au fost primele care au detonat culoarea într-un mod destul de semnificativ.

PICTURA MODERNISTĂ

Tehnici noi

Cromolitografia a fost concepută de artistul poster Jules Cheret, desenul automat a fost definit de artiștii suprarealiști, la fel ca Frottage și Decalcomania. Pictorii de gesturi au conceput pictura de acțiune. Între timp, artiștii pop au introdus „punctele Benday” și serigrafia în arta plastică. Alte mișcări și școli de artă modernă care au introdus și noi tehnici în execuția și elaborarea picturii.

Mișcări de artă modernistă

Începuturile picturii moderniste nu pot fi limitate, dar există un acord general că ea a început în Franța secolului al XIX-lea. Picturile lui Gustave Courbet, Edouard Manet și impresioniștii reprezintă o respingere din ce în ce mai profundă a moștenirii academice predominante și o căutare a unei reprezentări mai naturaliste a universului vizual.

Succesorii pot fi văzuți ca mai moderni în repudierea practicilor și temelor tradiționale și în exprimarea unei viziuni personale mai abstracte.  Începând cu anii 1890, au apărut o serie de mișcări și stiluri diverse, care se află în centrul artei contemporane și reprezintă unul dintre punctele de vârf ale culturii vizuale occidentale. Aceste mișcări moderne includ:

  • neoimpresionism
  • Simbolism
  • fauvism
  • Cubism
  • Futurism
  • Expresionism
  • Suprematism
  • Constructivismul
  • pictura metafizică
  • Stijl
  • Dada
  • Suprarealism
  • realism social
  • Expresionism abstract
  • Arta pop
  • op art
  • minimalismul
  • neoexpresionism

Indiferent de varietatea extraordinară observată în aceste mișcări, multe dintre ele sunt în mod caracteristic contemporane în investigarea potențialelor inerente însuși mediului pictural de a exprima un răspuns religios la condițiile variate de viață din secolul al XX-lea și nu numai.

Aceste condiții includ accelerarea schimbărilor tehnologice, creșterea cunoștințelor și înțelegerii științifice, aparenta irelevanță a unor surse standard de credințe și valori și creșterea gradului de conștientizare a culturilor non-occidentale.

Cronologie și evoluție

Dezvoltarea artei moderne în toată reprezentarea ei (pictura modernistă și nu numai), a fost prezentată și evoluată în lume prin diferite forme și cauze, care vor fi detaliate cronologic în continuare:

1870-1900

Deși ultima treime a secolului al XIX-lea a fost oarecum dominată de noul stil impresionist de pictură, au existat de fapt mai multe ramuri de pionierat ale artei moderne și picturii moderniste, fiecare cu propria abordare particulară. Acestea au inclus:

  • Impresionism (acuratețe în luarea efectelor luminii solare).
  • Realism (conținut – temă).
  • Artă academică (imagini reale ale stilului clasic).
  • Romantism (stare de spirit).
  • Simbolism (iconografie enigmatică).
  • Artă poster litografică (motive și culori îndrăznețe).

Ultimul deceniu al acestei perioade a văzut o serie de revolte împotriva academiilor și a saloanelor lor sub forma mișcării Secesiunii, în timp ce sfârșitul anilor 1890 a văzut declinul artei bazate pe natură, precum impresionismul, care va duce în curând la o creștere a mai multor artă serioasă bazată pe mesaje.

1900-14

Aproape în toate, acesta a fost cel mai impresionant timp al artei moderne, când totul era încă potențial viabil și când „gadget-ul” era încă vizualizat doar ca un aliat al omului. Artiștii din Paris au produs o serie de stiluri noi, inclusiv: fauvism, cubism și orfism. În timp ce artiștii germani și-au lansat propria școală modernistă expresionistă de pictură.

Toate aceste mișcări progresiste au respins atitudinile tradiționaliste față de artă și au căutat să-și apere propria agendă particulară a modernismului. Astfel, cubismul a vrut să prioritizeze atributele formale ale picturii, în timp ce futurismul a preferat să sublinieze posibilitățile mașinii, iar expresionismul a apărat percepția individuală.

PICTURA MODERNISTĂ

1914-24

Măcelul și distrugerea Marelui Război au schimbat complet lucrurile. În 1916, a fost lansată mișcarea Dada, plină de un impuls nihilist de a submina sistemul de valori care a produs Verdun și Somme. Deodată, arta reprezentativă părea obscenă. Nicio imagine nu putea concura cu fotografiile morților din război. Artiștii se îndreptaseră deja din ce în ce mai mult către arta neobiectivă ca mijloc de exprimare. Mișcările de artă abstractă ale vremii au inclus:

  • Cubismul (1908-40)
  • Vorticism (1914-15)
  • Suprematism (1913-18)
  • Constructivism (1914-32)
  • Stijl (1917-31)
  • Neoplasticism (1918-26)
  • Elementarism (1924-31)
  • Bauhaus (1919-33)
  • Mai târziu, St Ives School

Chiar și puținele mișcări figurative au fost în mod clar avangardiste, așa cum se arată în pictura metafizică (1914-20). 

1924-40

Anii de pace dintre războaie au rămas marcați de dificultăți politice și economice. Pictura și sculptura modernistă abstractă au rămas proeminente, deoarece arta distinctivă a realității a rămas în mare parte demodată.

Chiar și aripa realistă a mișcării suprarealiste, cea mai mare mișcare a perioadei, nu putea face față mai mult decât unui stil de realitate fantezie. Între timp, pe continent se contura o realitate mai sinistră, sub forma artei naziste și a agit-prop sovietic. Doar Art Deco, un stil de design destul de elegant, care vizează arhitectură și artă aplicată, a exprimat orice încredere în viitor.

1940-60

Lumea artei a fost transformată de catastrofa celui de-al Doilea Război Mondial. Pentru început, centrul său de greutate s-a mutat de la Paris la New York, unde a rămas de atunci. Aproape toate prețurile record mondiale viitoare ar fi atinse în sălile de vânzări ale Christie's și Sotheby's din New York. Între timp, fenomenul de nespus de la Auschwitz subminase valoarea tuturor artei realiste, cu excepția artei Holocaustului celor afectați.

PICTURA MODERNISTĂ

Ca o consecință a tuturor acestor lucruri, următoarea mare mișcare internațională, expresionismul abstract, a fost creată de artiștii americani ai școlii din New York. Într-adevăr, în următorii 20 de ani, abstracția va domina, pe măsură ce apar noi mișcări. Acestea au inclus:

  • Artă informală.
  • Pictura de acțiune.
  • Gesturalism.
  • Fumat
  • Pictura câmp color.
  • abstracție lirică.
  • Vopsea Hard Edge
  • COBRA, un grup care se distinge prin iconografia copiilor și liniile sale expresive.

În anii 1950 au germinat alte tipuri de stiluri mai îndrăznețe, precum: arta cinetică, Nouveau Realism și Neo-Dada, toate acestea manifestand o neliniște progresivă față de industria artelor înguste.

1960

Explozia muzicii populare și a televiziunii s-a reflectat în mișcarea Pop-Art, ale cărei reprezentări picturale ale celebrităților de la Hollywood și iconografia culturii populare au celebrat succesul consumismului de masă în Statele Unite. A avut, de asemenea, o senzație proaspătă, modernă, care a ajutat la eliminarea unei parte din întunericul de la începutul anilor 60 asociat cu criza cubaneză din 1962. Ceea ce în Europa alimentase succesul mișcării Fluxus condusă de:

  • George Maciunas
  • Joseph Beuys
  • Num June Paik
  • Lupul tău

Arta pop cu picioarele pe pământ era, de asemenea, un contrapunct binevenit la expresionismul abstract mai erudit, care deja începuse să se estompeze. Dar anii 1960 au văzut, de asemenea, apariția unei alte mișcări de profil cunoscută sub numele de Minimalism, o formă de pictură și sculptură modernistă curățată de toate referințele sau gesturile externe, spre deosebire de limbajul încărcat emoțional al expresionismului abstract.

Modernismul în artele grafice

Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, artiștii s-au săturat de formele de artă tradiționale și conservatoare. La Viena, un grup de artiști condus de Gustav Klimt s-au autointitulat Secesiunea Vienei și s-au desprins de instituțiile de artă ale capitalei austriece la acea vreme.

Grupul a explorat teritorii neexplorate în formă, compoziție și expresie, declanșând experimente similare în alte țări din apropiere, cum ar fi Franța și Germania. Vopsea modernistă bogată și realismul sunt traduse în culori plate și tipografie stilistică, expresii care ar deschide calea artei grafice.

Până la începutul Primului Război Mondial, designul grafic era deja folosit în scopuri comerciale, corporative și estetice. Noul său rol avea să fie politic, folosit în afișe și propagandă în timpul războiului.

Progresele în imprimarea color în masă au permis producerea eficientă de mesaje pentru a strânge fonduri, a încuraja înrolarea și a ridica moralul. Tulburările și provocările cu care se confruntă în ambele războaie mondiale au inspirat în cele din urmă primul val de modernism adevărat în designul grafic.

În Europa și America, designerii grafici s-au inspirat din mișcări artistice mai largi, cum ar fi cubismul, futurismul, De Stijl și suprarealismul. În Germania, mișcarea Bauhaus a avut și un impact semnificativ asupra designului grafic. Cu liniile sale îndrăznețe, culorile primare și spațiul alb deranjant, a fost la fel de izbitor în formatul 2-D ca și în arhitectură sau sculptură.

În cele din urmă, designul modernist a fost definit de expresia abstractă, caracterele îndrăznețe și culorile și formele primare. Acești designeri au abordat munca în mod obiectiv, punând accentul pe rațional asupra expresivului (și subliniind credința modernistă clasică că forma urmează funcției).

Când naziștii au ajuns la putere în anii 1930, experimentele moderniste în toate practicile au fost denunțate și mulți artiști, arhitecți și designeri au emigrat în Statele Unite. Deși designul modernist a fost întrerupt în creșterea sa, acesta rămâne una dintre mișcările cele mai de impact din istoria designului grafic.

Bijuterii Art Nouveau, sticlărie, ceramică, mobilier și fier forjat

Bijutierii moderniști din Statele Unite care și-au practicat meșteșugurile din anii 1930 până în anii 1960 au fost destul de emfatici în respingerea stilurilor care au apărut înainte. Bijuteriile victoriene au fost considerate prea decorative, piesele Art Nouveau au fost considerate prea solicitante, iar estetica Art Deco a fost văzută ca fiind excesiv de rigidă. Acești bijutieri au simțit că au mai multe în comun cu pictorii moderni, sculptorii și alți artiști ai vremii.

Scopul său ambițios a fost să creeze opere de artă unice pe care oamenii să le poată folosi. Unul dintre primii campioni și practicanți ai formei a fost Sam Kramer, care, la fel ca mulți dintre contemporanii săi, a trăit, a lucrat și a vândut creațiile sale în Greenwich Village din New York. Kramer a lucrat în principal în argint, dar a fost, de asemenea, priceput la fabricarea de inele, cercei și ace de cupru și a găsit artefacte, inclusiv dinți de elan, nasturi, fosile și monede antice.

Ocazional, Kramer a folosit pietre semiprețioase precum granate sau opal în piesele sale suprareale, geometrice sau biomorfe. Un alt lider neoficial al mișcării moderniste de bijuterii a fost vecinul lui Kramer, Art Smith. Bijuteriile ei au variat de la simple inele de argint la gât până la piese biomorfe care se bazează pe motive africane.

În timp ce Smith a făcut piese mici precum butoni și cercei, multe dintre cele mai bune lucrări ale sale au fost suficient de mari pentru a învălui corpul, ca și cum forma umană ar fi doar fundalul creațiilor sale.

Brățările sale de cupru de epocă, în special cătușele „jazz” cu note muzicale aplicate pe suprafețele lor exterioare, sunt foarte de colecție. Bumerangurile, liniile drepte care intersectează curbele și formele vârstei atomice caracterizează munca lui Ed Wiener.

Uneori, o pereche de cercei de argint care arătau ca niște clepsidre deformate erau împodobiți cu o singură perlă. Alteori, un agat ochi de pisică era așezat în centrul unei piese, parcă pentru a da obiectelor sale neînsuflețite aspectul unui chip uman.

Un alt satean din Greenwich ale cărui bijuterii moderniste de epocă sunt foarte apreciate a fost Paul Lobel, care a proiectat ace și brățări de argint adorabile, precum și sticlă argintie, mobilier și vesela. În afara New Yorkului era Betty Cooke, care lucra în modul Bauhaus în Baltimore.

Bijuteriile ei erau formate din forme geometrice și erau caracterizate de un puternic simț al ordinii, pe care îl perturba în mod deliberat prin așezarea ascuțită a perlelor, a blocurilor mici de lemn sau chiar a pietrelor nefinisate precum cuarțul.

Un alt acolit Bauhaus a fost Margaret De Patta, a cărei opera a reflectat influența profundă a maestrului Bauhaus László Moholy-Nagy, cu care a studiat. Între timp, în San Francisco, Peter Macchiarini a căutat inspirație la măști africane și cubism. Alama, cuprul și argintul erau materiale comune, împreună cu opale, agate și lemn.

În Scandinavia, în anii 1940 și 1950, avea loc o mișcare paralelă. Henning Koppel și Nanna Ditzel au fost doi designeri remarcabili pentru Georg Jensen, ale căror coliere cu lacrimi de argint și amibe au combinat perfecțiunea orfevării daneze cu interesul pentru formele naturale, chiar și primitive.

Mai târziu, în Finlanda anilor XNUMX, Bjorn Weckstrom s-a căsătorit cu argint solid și bucăți de acril lustruit pentru a crea inele, brățări și pandantive care erau atât din era spațială, cât și organice. Alte domenii explorate de artiștii moderniști au fost producția de ceramică, mobilier, sticlărie și metalurgie. Dintre cei mai de seamă artiști, pot fi amintiți următorii:

  • Louis Comfort Tiffany (designer)
  • Émile Gallé (ceramist și sticlar)
  • Antonin Daum (glaziar)
  • Lluís Masriera (bijutier)
  • Carlo Bugatti (designer de mobilier)
  • Louis Majorelle (designer de mobilier)
  • Gustave Serrurier-Bovy (designer de mobilier)
  • Jacques Grüber (decorator și pictor)
  • Jules Brunfaut (arhitect și decorator)
  • Auguste Delaherche (ceramist)
  • Georges de Feure (pictor și decorator)

pictura modernistă

Perioada modernă a istoriei artei a fost un mare spectator al eruperii limitărilor tradiționale, atât din punct de vedere al formei (apariția artei), cât și al conținutului (subiectul). Acest lucru s-a întâmplat în toate ramurile artei, cu pictura în prim plan. Într-adevăr, pictorii au condus inovația estetică în Europa încă de la sfârșitul antichității.

Cea mai proeminentă inovație în formă a fost ascensiunea stilurilor de pictură din ce în ce mai distorsionate, culminând cu nașterea artei abstracte. Din punct de vedere al conținutului, pictura modernistă tinde să prezinte scene obișnuite, cotidiene, spre deosebire de subiectele „înalte” tradiționale (biblice, mitologice, istorice).

Nașterea picturii moderniste este adesea urmărită până la realism, o mișcare franceză care a descris scene din viața de zi cu zi într-un mod fizic realist. Deși scenele realiste ale vieții de zi cu zi pot fi urmărite până la pictura renascentiste din Țara Joasă, mișcarea Realismului Modern a adoptat o nouă abordare, concentrându-se pe realități dure, inclusiv: sărăcia, lipsa adăpostului și condițiile de muncă.

Această mișcare a fost condusă de Gustave Courbet, ale cărui lucrări cele mai notabile sunt „Spărgătorul de pietre” și „Entierro de Ornans”. Deși distorsiunea, nu realismul, ar deveni tendința dominantă în pictura modernistă, arta realistă a continuat să înflorească până în zilele noastre. O mare parte din această artă este, la fel ca mișcarea franceză originală, conștientă din punct de vedere social.

Următoarea fază majoră a picturii moderniste a fost impresionismul, un stil rapid, schițat, care surprinde impresia generală a unei scene (spre deosebire de detalii precise). În special, impresionismul încearcă să surprindă efectele de moment ale luminii, în primul rând prin pensulele adiacente de culori strălucitoare, contrastante (care sporesc strălucirea ambelor culori, producând astfel un efect strălucitor).

Impresioniștii au fost primul grup de artiști care au pictat în primul rând pe locație, mai degrabă decât să deseneze pe locație și să picteze în atelier. Rădăcinile impresionismului se află în lucrările lui Édouard Manet, care a pictat într-un stil destul de realist. Cu toate acestea, Manet a provocat controverse prin aderarea vag la perspectivă, redarea fundalurilor într-un mod schematic simplificat și aplatizarea suprafețelor obiectelor în zone de culoare solidă (mai degrabă decât modelarea obiectelor cu umbrire netedă).

Aceste tendințe au devenit clar pentru prima dată în Luncheon on the Grass, cea mai faimoasă pictură timpurie a lui Manet. Ele devin mai pronunțate în lucrările sale ulterioare, printre care: „Un bar la Folies-Bergère”, adesea considerată capodopera sa. Extinderea stilului lui Manet a dus la impresionism, deoarece detaliile ascuțite și modelarea realistă au fost abandonate în favoarea pensulei rapide și a stropilor de culoare solidă.

Cel mai proeminent impresionist a fost Claude Monet, care a lucrat în principal la peisaje și peisaje marine. Lucrările sale timpurii includ multe picturi de pe litoral în jurul orașului său natal, Le Havre, inclusiv „Impression, Sun Rising”. Când această lucrare a fost criticată ca o „simple impresie”, numele stilului a fost asigurat.

Uneori, Monet se întorcea la un subiect de mai multe ori, în momente sau anotimpuri diferite, pentru a surprinde o gamă completă de condiții de iluminare. Această abordare a culminat cu celebra serie de nuferi, care prezintă multe tratamente ale iazului cu nuferi din afara casei în care s-a retras Monet.

Impresionismul cuprinde multe dintre cele mai recunoscute nume din pictură. Alături de Monet, pictura impresionistă de peisaj a fost condusă de Sisley și Pissarro. Cei mai proeminenți pictori de figuri ai stilului impresionist au fost:

  • Renoir
  • Morisot
  • De gaz.

Impresionistii, care au estompat si simplificat usor realitatea, au fost urmati de un grup de artisti care au dus distorsiunea mult mai departe: postimpresionistii, care au descoperit ca noi efecte emotionale izbitoare sunt posibile daca formele si culorile realitatii erau transformate mai spectaculos.

Unii postimpresionişti au urmărit distorsiunea geometrică (în care lumea este comprimată în forme geometrice, creând un sentiment de rigiditate şi control), în timp ce alţii au explorat distorsiunea fluidă (în care lumea este denaturată într-un mod fluid şi organic). Ambele tipuri de distorsiuni (în special fluide) prezintă adesea culori dramatic nerealiste.

Principalul pionier al distorsiunii geometrice a fost Paul Cézanne, care a simplificat fără probleme trăsăturile fizice ale unei scene în forme geometrice. Acest lucru a dus la peisaje (subiectul lui preferat) cu un aspect oarecum rigid, blocat.

Cel mai important pionier al distorsiunii fluidelor a fost Vincent van Gogh. (Alte figuri importante includ Gauguin, Munch și Toulouse-Lautrec.) Stilul lui Van Gogh este fluid și colorat, cu un accent deosebit pe galben. Noaptea înstelată poate fi cea mai faimoasă lucrare a sa.

În timp ce Georges Seurat a dezvoltat o formă foarte distinctivă de postimpresionism: punctillismul, în care scenele sunt redate în mai multe puncte dintr-o singură culoare. Cea mai faimoasă lucrare puntilistă este „Sunday Afternoon” care reflectă insula La Grande Jatte.

sculptură modernistă

Sculptura modernă este definită din punct de vedere istoric ca sculptură începând cu opera lui Auguste Rodin și terminând cu apariția artei pop și a minimalismului în anii 1960. Discuția lui Alex Potts din 2001 despre istoriografia sculpturii moderne este cuprinzătoare pentru o înțelegere a mass-media, punct, și metodele folosite de artiștii cheie.

Deși acum este văzut ca un clișeu de a începe mișcarea modernistă în sculptură cu opera lui Rodin, în lucrarea sa se începe să se observe tendințe care vor deveni caracteristice sculpturii moderne, cum ar fi un nou interes pentru fragment, în special pentru trup.

De asemenea, un tratament de suprafață și un detaliu expresiv al suprafeței, o atenție la mișcare, o fuziune simbolică a expresiei interioare a unei figuri și reprezentarea ei exterioară, sau ceea ce Constantin Brâncuși numea „esență”. Și o mai mare considerație a abstracției, fragmentării și nereprezentării în obiectele sculpturale, adică o îndepărtare conștientă de realism și idealismul academic.

Sculptorii din această perioadă au pus, de asemenea, accent pe design, formă și volum în detrimentul reprezentării unui subiect specific. Utilizarea materialelor care nu sunt folosite în mod tradițional în conceptele sculpturale finale a devenit mai evidentă, cum ar fi utilizarea de: îmbrăcăminte, textile și alte tehnici mixte. După cum se vede în „Mica balerină de paisprezece ani” realizată de Edgar Degas între anii 1878-1881, se află în prezent în National Gallery, Washington.

Fuziunea elementelor umane și mecanice se observă în perioada Epocii Mașinilor, ca în lucrările lui Umberto Boccioni și Jacques Lipschitz, pe lângă distorsiunea și fragilitatea care apar în lucrările din perioada interbelică, precum în lucrările lui. Medardo Rosso și Alberto Giacometti.

Influența artei în afara tradiției occidentale, adică europene, a devenit foarte influentă pentru sculptori la începutul secolului și poate fi văzută în sculpturile lui Paul Gauguin și Pablo Picasso. Artiști precum Naum Gabo și Antoine Pevsner au început să folosească materiale care nu fuseseră folosite pentru sculptura artistică în trecutul imediat și materiale nou inventate, cum ar fi plasticul.

Materialele care fuseseră folosite în trecut au devenit mai importante în timpurile moderne, cum ar fi: aluminiu cu Isamu Noguchi, electricitate pentru lumini în sculptură și pentru mișcare motorizată de Camille Claudel, fier de Julio González, condus de Aristide Maillol, oțel și sudură metale de David Smith și Julio González, lemn de Constantin Brancusi și obiecte găsite de Louise Nevelson.

Deși există exemple de sculpturi în mișcare realizate de sculptori anteriori precum: Antonio Canova și Lorenzo Bartolini. Pe care am considera-o astăzi sculptură cinetică, atât sugestia mișcării în sculptură, cât și sculpturile reale în mișcare au devenit mai proeminente în prima jumătate a secolului al XX-lea. Alexander Calder și László Moholy-Nagy au implementat o utilizare mai mare a tehnologiei mișcării în lucrările lor în a doua jumătate a secolului.

Tensiunea și reacția dintre imaginea pozitivă și spațiul negativ din jurul unei opere de artă au jucat, de asemenea, un rol semnificativ, iar acest lucru se poate observa în special în lucrările timpurii și „desenele spațiale” ale lui Giacometti, Picasso și David Smith, precum și în sculptură de Jean Arp, Henry Moore și Barbara Hepworth.

Artiștii mai sus amintiți, alături de mulți alții, printre care: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens și Aristide Maillol, au făcut o ruptură semnificativă cu sculptura trecutului recent, eliberat. aceasta din dependența lor de anatomie și servitutea lor față de arhitectură și au dus mediul mai departe decât orice generație de la sculptorii Renașterii timpurii.

Arhitectura moderna

Arhitectura modernă a apărut din respingerea renașterilor, clasicismului, eclectismului și a tuturor adaptărilor stilurilor anterioare la tipurile de construcție ale societății industrializate la sfârșitul secolului al XIX-lea și al XX-lea. Mai mult, a apărut din încercările de a crea forme și stiluri arhitecturale care să poată utiliza și reflecta tehnologiile de construcție nou disponibile din fier și oțel structural, beton armat și sticlă.

Până la răspândirea postmodernismului, structura modernă a implicat și respingerea ornamentului aplicat și a decorațiunii caracteristice clădirilor premoderne occidentale. Impulsul arhitecturii moderne a fost o concentrare riguroasă asupra clădirilor a căror aranjare ritmică a oamenilor și a formelor stabilește un model geometric în lumină și culoare.

Această dezvoltare a fost strâns legată de noile tipuri de construcție cerute de o societate industrializată, cum ar fi clădirile de birouri care găzduiesc managementul corporativ sau managementul guvernamental. Una dintre cele mai importante tendințe și mișcări ale arhitecturii moderniste sunt:

  • Școala din Chicago
  • funcţionalismul
  • art deco
  • Art Nouveau
  • De Stijl, Bauhaus
  • Stilul International
  • Noul brutalism
  • Postmodernismul

artiști moderni

Istoria artei moderne este istoria celor mai mari artiști și a realizărilor lor. Artiștii moderni au făcut eforturi pentru a-și exprima părerile despre lumea din jurul lor folosind mijloace vizuale. În timp ce unii și-au conectat munca cu mișcările sau ideile anterioare, scopul general al fiecărui artist din epoca modernă a fost de a-și avansa practica către o poziție de originalitate pură.

Anumiți artiști s-au impus ca gânditori independenți, aventurându-se dincolo de ceea ce constituia forme acceptabile de „artă înaltă” la acea vreme, susținuți de academiile tradiționale de stat și de patronii din clasa superioară ai artelor vizuale. Acești inovatori au descris un subiect pe care mulți l-au considerat lasciv, controversat sau chiar de-a dreptul urât.

Primul artist modern care a stat în esență singur în acest sens a fost Gustave Courbet, care la mijlocul secolului al XIX-lea a încercat să-și dezvolte propriul stil distinctiv. Acest lucru a fost realizat în mare parte cu pictura sa din 1849-1850, Înmormântarea la Ornans, care a șocat lumea artei franceze, portretizând înmormântarea unui om obișnuit dintr-un sat țărănesc.

Academia s-a răsuflat la reprezentarea muncitorilor de la fermă murdari în jurul unui mormânt deschis, deoarece doar miturile clasice sau scenele istorice erau subiectul potrivit pentru o pictură atât de mare. Courbet a fost inițial ostracizat pentru munca sa, dar în cele din urmă s-a dovedit extrem de influent pentru generațiile ulterioare de artiști moderni. Acest model general de respingere și influență ulterioară a fost repetat de sute de artiști în epoca modernă.

Mai jos este o listă cu unii dintre cei mai importanți artiști ai formei moderniste de expresie artistică:

  • Eugen Atget
  • hippolyte blancard
  • Paul Cezanne
  • Salvador Dalí
  • Max Ernst
  • Paul Gauguin
  • Vincent van Gogh
  • Hector Guimard
  • Vasili Kandinsky
  • Raoul Francois Larche
  • Jacques-Henri Lartigue
  • Fernand Leger
  • Henri Matisse
  • Joan Miro
  • Edvard Munch
  • Pablo Picasso
  • Piet Mondrian
  • franz klein
  • Paul Klee
  • Frantisek Kupka
  • Paul Strand
  • charles Sheeler
  • Henric de Toulouse
  • Lautrec
  • Edouard Vuillard

Dacă ați găsit interesant acest articol despre pictura modernistă, vă invităm să vă bucurați de acestea:


Fii primul care comenteaza

Lasă comentariul tău

Adresa ta de email nu va fi publicată. Câmpurile obligatorii sunt marcate cu *

*

*

  1. Responsabil pentru date: Actualidad Blog
  2. Scopul datelor: Control SPAM, gestionarea comentariilor.
  3. Legitimare: consimțământul dvs.
  4. Comunicarea datelor: datele nu vor fi comunicate terților decât prin obligație legală.
  5. Stocarea datelor: bază de date găzduită de Occentus Networks (UE)
  6. Drepturi: în orice moment vă puteți limita, recupera și șterge informațiile.