Tussen het einde van de XNUMXe eeuw en het begin van de XNUMXe eeuw ontstond in de Zuidelijke Nederlanden een groep getalenteerde kunstenaars, genaamd Primitieve Flamingo's, die de geschiedenis van de mensheid eindeloze culturele bijdragen gaf. Vandaar het belang om er kennis over te hebben, dus blijf bij ons en geniet van dit informatieve artikel.
Wat zijn primitieve flamingo's?
Schilderijen gemaakt tussen de XNUMXe en XNUMXe eeuw door een grote groep kunstenaars uit de Zuidelijke Nederlanden staan bekend als de Vlaamse Primitieven. Een van de meest transcendentale punten in de kunstgeschiedenis wordt aan zo'n periode toegeschreven.
Met andere woorden, als we naar deze denominatie verwijzen, hebben we het historiografisch over de meesters van de Vlaamse schilderschool in de eerste eeuwen, van Jan van Eyck in de eerste helft van de vijftiende eeuw tot Pieter Brueghel de Oude in het midden van de vijftiende eeuw van de XNUMXe eeuw.
Binnen deze groep, bestaande uit Dieric Bouts, Hans Memling, Rogier van der Weyden, Jan van Eyck zelf, woonden en werkten de exponenten voornamelijk in de welvarende steden die deel uitmaken van de regio, zoals: Antwerpen, Brugge, Brussel , Gent en Leuven.
De Vlaamse schilderkunst werd gesticht door verschillende scholen: de Italianen en de reactionairen in de XNUMXe en XNUMXe eeuw, en de colorist of naturalist van de Antwerpse School, die tot de XNUMXe eeuw behoorde. De eerste twee maken deel uit van de Nederlandse kunst, ontstaan ten tijde van de Europese Renaissance.
In het algemeen was het een groep kunstenaars die enigszins geïsoleerd was van wat de renaissancerevolutie was en, voor sommigen, zoals degenen die tot de reactionaire school behoorden, tegen de komende Italiaanse artistieke invloeden.
Dankzij het meesterschap dat werd geboren als resultaat van het nieuwe medium olieverf, en zijn visie op detail, kon de beeldende kunst worden voortgestuwd tot een nooit eerder gezien punt, waar de loop van de kunstgeschiedenis voor altijd veranderde. .
Het was gewoon een tijd waarin opdrachten niet alleen afkomstig waren van de hogere sociale lagen en religieuze organisaties van die tijd, maar ook van gewone burgers en steden ver van de hoofdsteden. Voor het eerst in vele jaren kregen schilders een belangrijke plaats in de samenleving.
In die tijd behielden de kunstenaars nog enkele originele kenmerken van de gotische stijl, zowel technisch, zoals het gebruik van een paneel in plaats van een canvas, als thematisch, over het algemeen religieus en spiritueel. Er was echter ook een toename in detailvaardigheden, zoals eerder vermeld.
Deze belangen bevorderden met name het empirisch onderzoek en de ontdekking van perspectief, evenals de rechtvaardiging van het landschap als een picturaal onderwerp, en de verbetering van de portrettechniek, die een indrukwekkende psychologische diepte en rechtvaardiging van het landschap als een thema verschafte.
Vandaag kan je nog steeds het prachtige artistieke erfgoed van de Vlaamse Primitieven bewonderen. In Vlaanderen vinden we bijvoorbeeld de belangrijke Koninklijke Musea voor Schone Kunsten in Antwerpen en Brussel en het Groeningemuseum in Brugge. Evenzo zijn er het Gentse Museum voor Schone Kunsten, de M van Leuven, de Mayer van den Bergh en het Sint-Janshospitaal.
Evenzo vinden we in Spanje ook talloze werken, aangezien de koningen grote bewonderaars waren van dit soort schilderkunst. De afzettingen van het Museo Nacional del Prado vallen verreweg op, waar het schilderij van de getalenteerde Rogier van der Weyden, "De afdaling van het kruis" (1438), wordt beschermd.
Historisch-geografische context van de primitieve Vlaamse
Vaak wordt dit type schilderij aangeduid met de uitdrukking Vlaamse Primitieven, waardoor de indruk wordt gewekt dat het een nogal grove en eenvoudige artistieke beweging is, die nooit zijn volledige potentieel heeft weten te bereiken. Deze term is ontstaan toen renaissancekunst in het algemeen als referentiepunt werd genomen, naast het feit dat de middeleeuwen lange tijd als een tijd van duisternis werd beschouwd.
Niets is natuurlijk minder waar, want toen deze prachtige school ontstond, had de schilderkunst in Nederland al een uitgebreide en robuuste geschiedenis achter de rug, met uitzonderlijke momenten met stijlen als de romaanse en de internationale gotiek.
Aan de andere kant wordt het nog steeds "Vlaams" genoemd, ondanks het feit dat het Vlaamse Gewest van België, beter bekend als Vlaanderen, precies dat is, een klein stukje Nederland. Dit is te wijten aan het feit dat er gedurende de XNUMXe eeuw vrij gunstige omstandigheden waren die de oprichting van een transcendente schilderschool in dit noordwestelijke deel van Europa beïnvloedden.
De economische voorspoed was opmerkelijk in Vlaanderen, deze was nauw verbonden met de industrie en de handel in lakens en zorgde dus voor een uitzonderlijke stedelijke ontwikkeling door de groeiende opkomst van de bourgeoisie.
De bloeitijd van de hele samenleving en burgerlijke waarden waren een bepalende factor in de krachtige ontwikkeling van een nieuwe mentaliteit en artistieke gevoeligheid. Eye, maar die voor het overige nooit afstand deed van zijn diepgewortelde religieuze toewijding.
Voor die tijd waren Gent, Brugge en Ieper de meest bekende steden op het grondgebied, die elk verbindingsknooppunten vormden tussen de commerciële netwerken die verantwoordelijk waren voor het verenigen van Noord-Europa met de rest van het bekende Westen. Dit gebied maakte deel uit van het hertogdom Bourgondië, met heersers die de rol van beschermheer van de gotische kunst hadden gespeeld.
Bovendien had het een hoge bevolkingsdichtheid, een van de hoogste in heel Europa, waarvan de stedelijke concentratie ook hoger was dan het Europese gemiddelde. Er waren verschillende prominente steden met grote rijkdom, belangrijke kooplieden en tal van ambachtslieden.
In feite was de interne cohesie van de samenleving zo groot dat deze zeer snel werd geprojecteerd in een vreedzaam en georganiseerd leven. De samenleving werd gedomineerd door burgerlijke klassen: kooplieden, fabrikanten, bankiers, enz.
Daarbij komt dat omstreeks 1380, als gevolg van de Honderdjarige Oorlog, Parijs niet meer werd beschouwd als de artistieke hoofdstad van de wereld, zoals tot dan toe het geval was. Daarom begonnen de sociale groepen die vroeger emigreerden in hun land te blijven en te werken voor de bourgeoisie en de grote kooplieden van het continent.
Dit werd meer dan wat dan ook gezien in de Spaanse en Italiaanse samenleving die hun eigen kunst steeds meer waardeerde. Alle werken stonden in dienst van het burgerlijke publiek, zeer gevoelig en rijk aan cultuur, samen met de katholieke kerk en honderden mecenassen van kunstenaars.
De clientèle was meer dan verlangend om de weerspiegeling van hun gezichten en wereld te kunnen observeren in de schilderijen die ze bestelden. Bovendien maakte stadsontwikkeling de oprichting mogelijk van de eerste universiteiten die, samen met de uitvinding van de boekdrukkunst, een waardevolle bron van verspreiding en cultuurschepper werden.
In die periode werd de bruikbaarheid meer en meer gewaardeerd, zelfs religie kreeg een pragmatische betekenis. Daarom staat het bekend als een volledig realistische periode. Vanaf het jaar 1420 zorgde de opvatting dat de goddelijke geest in elk klein ding belichaamde, ervoor dat de voorstellingen een hogere transcendentie kregen.
Zowel de zintuiglijke als de tastbare werkelijkheid had een grotere populariteit. De objecten waren niet langer secundaire elementen om als protagonisten naar voren te komen. Toen dit gebeurde, woonde de Vlaamse primitieve schilder Robert Campin in de stad Doornik.
Tegelijkertijd zag de hoofdstad van de provincie Oost-Vlaanderen, Gent, Hubert van Eyck opgroeien met zijn jongere broer, en met meer erkenning, Jan van Eyck. Historische studies beweren dat de drie de grootste vertegenwoordigers van de schilderrevolutie waren.
Ieder heeft op zijn eigen manier het gebruik van olie geperfectioneerd met opmerkelijke gevolgen voor het eindresultaat, door gebruik te maken van kleuren van uitstekende kwaliteit, ongelooflijke effecten te verkrijgen met glazuren, enz. Met de eeuwwisseling, van de XV tot de XVI, begonnen alle kunstenaars de gevolgen van de Italiaanse Renaissance te begrijpen.
In deze eeuw, met name in 1477, werd het hertogdom dat een totale waardering had voor zijn economische relevantie, de Habsburgse Oostenrijkse kroon. Het huis Habsburg had een Spaanse tak sinds de tijd van Carlos I van Spanje, de Habsburgse dynastie.
Hierdoor hadden de Spaanse renaissance- en barokkunst een nauwe relatie met Vlaamse vormen. Ondanks de progressieve acceptatie van de Renaissance, bleven schilders trouw aan de rijkdom van het traditionele, omdat het iets was dat nog leefde en met de mogelijkheid van creatie.
Er waren er maar weinig die het goede ambacht niet verloochenden, die smaak voor detail, het realisme in de portretten en het landschap vormden vooral de hoofdrolspelers in zijn werken. De portretten, de groepsschilderijen en de costumbrista-sfeer gaan probleemloos samen met de religieuze thema's.
Technische kenmerken op primitieve flamingo's
Over het algemeen heeft de Vlaamse schilderkunst geen precedenten in grote formaten, met uitzondering van glas in lood. Wel in de miniaturen, waarop wel een uitgebreide traditie van buitengewone kwaliteit.
Hierdoor werden enkele kenmerken van de Vlaamse kunst bepaald, zoals het gebruik van zeer opvallende kleuren die dienen om de pigmenten te herinneren die gebruikt werden bij de verlichting van de miniaturen. Ook de toepassing van detail op kleine meesterwerken wordt toegevoegd, die ze overbrengen op de verschillende schilderijen op groot formaat.
Deze eigenschap bevoordeelt grotendeels de technische vooruitgang ten opzichte van olie, waarvan de ontdekking al was gedaan, maar die nog steeds een extreem langzaam droogproces had dat niet veel praktisch was.
Om deze reden is het essentieel om te benadrukken dat de primitieve Vlaamse schilders van de vijftiende eeuw de olietechniek niet hebben uitgevonden, alleen dat ze verantwoordelijk waren voor de systematische toepassing ervan, wat heeft bijgedragen tot de consolidatie en verspreiding ervan in deze en de volgende eeuw.
Hiervoor werden vloeibare en transparante inkten gebruikt, aangebracht door middel van glazuren om de lichten, de delicate schaduwen en de nuance van de kleur van de achtergronden te verkrijgen. De schilders van de regio gebruikten een gemengde techniek tussen tempera en olie.
De eerste laag was vroeger tempera, om de tekening en het modelleren met zijn lichten te definiëren, evenals een lichte aanduiding van kleur. De volgende laag, die van olie, had als belangrijkste functie dat de kunstenaar zich uitsluitend toelegde op de weergave van het chromatische effect.
Ondanks het feit dat in andere gebieden, zoals Venetië, het gebruik van canvas geleidelijk populair werd, bleef het paneel altijd behouden als de primaire drager, die tijdens de late middeleeuwen de belangrijkste van allemaal was. Een duidelijke indicatie van de innige verbondenheid die de begrippen kunstenaar en ambachtsman toen nog bezaten.
Relatie tussen de Vlaamse School en de Renaissance
De Vlaamse schilderschool uit de Renaissance wordt door geleerden en kunstcritici vaak "Ars Nova" genoemd, in het Spaans vertaald als Arte Nueva. Een dergelijke naam moet echter niet worden verward met zijn muzikale naamgenoot.
De naam komt van een technische en ambachtelijke vooruitgang die niets te maken heeft met het intellectuele en reflectieve karakter van de eerste benaderingen van de Renaissance, die parallel plaatsvonden in de regio Toscane.
De kunstenaars van de Vlaamse School namen de Klassieke Oudheid niet als model van herstel, op geen enkel moment werd het ambachtelijke concept van het vak op tafel gelegd. Deze hadden, naast het verrichten van werkzaamheden voor het hof, ook cliënten die deel uitmaakten van de bourgeoisie en inwonende kooplieden van invloedrijke steden.
Zijn belangrijkste voorlopers hadden niet de neiging om te theoretiseren over hun verschillende bevindingen, of over hun persoonlijkheden, zoals Italiaanse tijdgenoten ooit deden. Evenzo ging het werk verder binnen bepaalde laatmiddeleeuwse kaders, met uitzondering van enkele schilders zoals Jan van Eyck.
van Eyck, samen met andere collega's, begonnen een veel duidelijker bewustzijn te krijgen van hun specifieke kunst en creëerde de trend om de werken te signeren. Voor die tijd waren er geen Vlaamse schildertraktaten, noch biografieën van de belangrijkste exponenten.
Het eerder genoemde gebrek aan theoretische uitwerking kan voortkomen uit een puur spirituele roeping. Terwijl de Italiaanse auteurs alle kennis van de wereld probeerden te vernieuwen door menselijke metingen, gebruikmakend van de wetenschappen en de rede, was het voor de primitieve Vlamingen genoeg om te leven in het aangezicht van een opmerkelijk religieus experiment van het zichtbare.
Neemt het perspectief in van primitieve flamingo's
In dezelfde volgorde van ideeën, punctuele vergelijkingen makend entre los Italianen en Vlamingen, het is essentieel op te merken dat beide gelijktijdig lineair en luchtperspectief ontdekten, alleen de laatste op een empirische manier en niet volgens een wiskundige of optische ontwikkeling specifiek.
Over het algemeen verliep het transitieve proces van planisme naar het lineaire perspectief van het Quattrocento vrij traag, aangezien de laatste eeuwen van de Middeleeuwen een tijd waren waarin veel beproevingen, tastbare en onnauwkeurige experimenten werden uitgevoerd, met als hoofddoel het doorbreken van de vlak picturaal en keer terug naar de derde dimensie.
Een van deze verschillende pogingen is het representatiesysteem dat gebruik maakt van de schuine parallelle projectie, genaamd "Knight's Perspective" of "A bird's eye view", dat in feite bestaat uit het weergeven van scènes waarin het lijkt alsof de schilder zich in een specifiek gezichtspunt bevindt. verheven, zoals iemand die op een paard rijdt.
Op deze manier worden de objecten die zogenaamd het dichtst bij de kijker staan, in het onderste deel van de compositie op de voorgrond geplaatst, van daaruit wordt al het andere verticaal over elkaar heen geplaatst, aangezien ze verondersteld worden verder weg te zijn, waardoor het schilderij wordt geschaald naar het hoogste punt waar de horizonlijn wordt vaak getekend.
Van hieruit begon de suggestie van de derde dimensie heel schuchter, met een herstel van de schilderkunst naar de natuurlijke wereld. Deze essays van «gentleman perspectief» werden veralgemeend in de periode van de gotische schilderkunst, waaraan de naam internationale of hoofse gotiek werd toegeschreven.
Elk van deze technieken geeft een duidelijke naturalistische weergave van de wereld, doordrenkt met spirituele symbolen. Tegen de vijftiende eeuw gebruikten zowel Vlaamse als Duitse schilders experimenteel allerlei perspectiefsystemen, in combinatie met empirische methoden zoals de bolle spiegel, die Van Eyck gebruikte in zijn werk "The Arnolfini Marriage".
Zo werden ze weergegeven als een groothoek die een veel grotere ruimte besloeg. Een van de theoretische teksten die de noordse perspectiefsystemen bundelt, is Jean Pelegrin's "De artificiali perspectief", die bekend staat als Viator en wordt beschouwd als het equivalent van Alberti's verhandeling over renaissanceschilderkunst.
Daarnaast wordt de verzameling van andere systemen toegevoegd, zoals het "cornuta-perspectief", algemeen bekend als hoekig of schuin perspectief, waarvan de functie een procedure was die door primitieve Vlaamse schilders gedurende een groot deel van de vijftiende eeuw werd gebruikt.
De representatie die echter de meeste interesse wekt in deze verhandeling is degene die het systeem behandelt met een afstandspunt, zeer vergelijkbaar met het Albertiaanse lineaire perspectief, behalve dat, met een meer vereenvoudigde formule met gemakkelijke en duidelijke uitvoering, en dat het gaat voort uit de praktijk van Scandinavische schilderworkshops.
In tegenstelling tot Italiaanse renaissanceschilderijen, waar licht verantwoordelijk is voor het zichtbaar maken van objecten en architecturen in een poging om volumetrische waarden te benadrukken, ligt het perspectief in de Vlaamse schilderkunst dichter bij het natuurlijke zicht.
Daarin is de lucht zintuiglijk voelbaar, alsof het een individuele werkelijkheid is en nog een element dat in de compositie aanwezig is. Evenzo kiezen kunstenaars voor het gebruik van kleurgradaties naar iets meer blauwgrijze tinten voor verre objecten, zoals Leonardo da Vinci doet in zijn studies naar luchtperspectief.
thematisch
Net als in voorgaande perioden overheersen ook in deze fase religieuze thema's, waarvan eindeloze recreaties van bijbelpassages of verwijzingen naar het leven van heiligen of kluizenaars zouden kunnen worden genoemd.
Sommige kunstenaars, zoals Bosch of Brueghel de oude, waren verantwoordelijk voor het maken van schilderijen die de zonden illustreerden en wat hun respectievelijke gevolgen waren. Evenzo kunnen deze ook worden beschouwd als eenvoudige filosofische opvattingen over de wereld op basis van meerdere overtuigingen of populaire uitspraken.
Voor de realisatie van deze magnifieke creaties werden ze geholpen door een talrijke fantasie van elementen en composities die erin slagen een boodschap over te brengen via een zeer symbolische en verfijnde taal. Het gebruik ervan was echter heel gepast, als men er rekening mee houdt dat het uiteindelijke publiek de bourgeoisie van de regio en religieuze instellingen was.
landschap rechtvaardiging
In Vlaamse schilderijen zie je de belangstelling voor werkelijk alles, want met dezelfde precisie en zorg wordt een menselijk kenmerk geschilderd, een dier, een object en zelfs een plant geschilderd. Het is opmerkelijk hoe het landschap in die tijd steeds belangrijker wordt.
Op die manier weerspiegelden de primitieve Vlaamse kunstenaars getrouw de omgeving die deel uitmaakte van hun omgeving, alleen dat het een bepaald symbolisch karakter aan dat realisme verleent. Daardoor draagt het bij aan de allegorische betekenis van de gebruikte kleuren en de meerdere afgebeelde secundaire objecten.
Wat gebruikelijk was in de gotische stijl, gouden en neutrale achtergronden, verdwijnen geheel en worden vervangen door allerlei naturalistische landschappen. Het licht houdt op grillig te zijn en elk object begint zijn eigen specifieke schaduw te krijgen, net zoals elke kamer zijn verlichtingsframe heeft, elk landschap zijn veilige tonaliteit en elk element zijn punctuele kwaliteit.
Kortom, elk Vlaams schilderij verwijst altijd op de een of andere manier naar het landschap, hetzij door een raam, hetzij omdat het zich zeker buiten afspeelt. Deze landschappen zijn gemaakt zonder hints van de natuur, dus hun elementen waren erg stereotiep.
Met dit punt zouden we de vorm van zijn rotsen kunnen noemen, puntig en zonder vegetatie, de steden in de verte, torenhoog en gekleurd, de bomen met de vorm van een veer, met dunne en lange stammen, onder anderen. De karakters waren evenwichtig verdeeld, in het midden als er maar één was en symmetrisch als er veel waren.
Handelingen waren vaak bedoeld om ingehouden te worden en beweging werd zelden toegestaan. Hoewel de deelnemers met elkaar konden delen, mochten ze nooit de schijnwerpers stelen van de hoofdpersoon, het landschap.
Over het algemeen werden de werken op klein formaat gemaakt met behulp van het bord als ondersteuning, omdat ze waren ontworpen om zich in de grote burgerlijke en aristocratische woningen te bevinden, huiselijke interieurs die het schilderij met groot gemak een vroomheid intiem en burgerlijk maakten.
Bovendien bestaan de planken vaak uit drie bladen, vandaar de naam Triptiek, de twee zijden zijn scharnierend en sluiten bovenop de middelste. De buitenkant van zijn kant is meestal beschilderd met grijstinten en de grisaille-techniek om het gevoel te creëren een sculpturaal reliëf te zijn.
Het portret
Opgemerkt moet worden dat Vlaanderen wordt gecrediteerd met de titel van een van de voorlopersregio's wat betreft het maken van portretten met psychologische penetratie van het model. Traditionele Vlaamse portretten, die later door velen met groot succes in Spanje werden geadopteerd, zijn portretten die hun hoofdrolspelers vastleggen op een medium shot.
Echter, niet zoals het momenteel frontaal bekend is, maar eerder met een lichte kromming die naar zichzelf draait, altijd op een neutrale achtergrond met een donkere kleur en het gezicht en de handen met een symbolisch object opnemend.
Het feit dat het personage licht geroteerd is afgebeeld, bevordert de totale betrokkenheid bij de ruimte, zodat voorstellingen niet worden gemaakt door middel van trucjes van meubels of architecturale achtergronden. Pas met de aanwezigheid van een plechtige figuur, op een verloren achtergrond, wordt het bestaan van het volume en de ingenomen ruimte geïnsinueerd.
Met het verstrijken van de tijd, al in de XNUMXe eeuw, in de Antwerpse school, toen de stad het artistieke fort van de Vlaamse barok werd, slaagde dit soort portret erin om tot zijn maximale glorie te evolueren in een veel meer naturalistische en kleurrijke stijl.
belangrijkste exponenten
Voor de oprichting van de Vlaamse Primitieven waren er bepaalde voorgangers zoals de getalenteerde leraar Melchior Broederlam, en de Gebroeders, Broeders, Paul en Johan van Limburg. De eerste kunstenaars die deze innovaties in een schilderij vastlegden, waren echter Robert Campin en Jan en Hubert van Eyck.
Deze worden beschouwd als de formele grondleggers van de primitieve Vlaamse school aan het begin van de XNUMXe eeuw. We kunnen onder zijn belangrijkste werken de "Triptych of the Annunciation", "The Mass of Saint Gregory", "Seilern Triptych", "Maagd van kanunnik Van der Paele en Maagd van kanselier Rolin", "Portret van het huwelijk met Arnolfini" noemen. , onder andere.
Zoals hij al zei, werd in hen afstand gedaan van de gouden achtergrond en begonnen de techniek en het olieverfschilderij als het belangrijkste beeldmateriaal te worden gebruikt. Evenzo is de modaliteit van het schilderen van de ezel gecreëerd in zijn moderne concept, zodat het werd ontworpen om van dichtbij te worden gezien.
Zijn factuur was uiterst nauwgezet en gedetailleerd, met een karakter dat in belangrijke mate heeft bijgedragen tot de intense ontwikkeling die de miniatuur van codices heeft verworven aan het hof van de hertogen van Bourgondië, om een voorbeeld te geven aan wie deze staten in deze eeuw toebehoren.
Het is essentieel om te benadrukken dat, ten dienste van een dergelijke nauwgezette techniek, een fijn gevoel voor observatie werd gekenmerkt en daarom een inherente naturalistische neiging, en daarom werd een perfectie bereikt die zeer moeilijk te overwinnen is met betrekking tot de interpretatie van de kwaliteiten van stoffen, goudsmidstukken (metalen, glas, leer, enz.) en in genres zoals portret en landschap.
Daarnaast vinden we onder de schilders die in het tweede derde deel van de vijftiende eeuw werkten en hielpen om veel van de kenmerken van de Vlaamse School te concretiseren, de opmerkelijke Rogier van der Weyden, ook gewoon bekend als Rogier de la Pasture.
Deze Belg maakte zeer belangrijke en majestueuze schilderijen zoals "De afdaling van het kruis", "Diptiek van Felipe de Croÿ met de Maagd en Kind", "Bewening en begrafenis van Christus", "Madonna Medici", "Polyptiek van het laatste oordeel ”, “San Lucas die de Maagd tekent” en nog veel meer.
Reeds aan het einde van de eeuw en het begin van de XNUMXe vielen andere primitieve Vlaamse kunstenaars op die erin slaagden enkele karakteristieke kenmerken van hun werken, zoals het landschap, te evalueren en te accentueren. Hierdoor worden op een bepaalde manier vormen en composities herhaald die in het verleden al gemaakt waren.
Dit punt is terug te vinden in de kunst van Hans Memling en Gerard David, hoewel er ook enkelen waren die deze trend vermeden met een duidelijk verlangen om hun originaliteit weer te geven, zoals Bosch deed. Gedurende deze eeuw, op het hoogtepunt van de Renaissance, viel het werk van Pieter Bruegel de Oude en Joachim Patinir op.
Grote bijdragen aan de Vlaamse schilderkunst werden ook geleverd door Hugo van der Goes, Petrus Christus, Dieric Bouts, Ambrosius Benson en Pieter Coecke. Voor Frankrijk, Jean Fouquet, Enguerrand Quarton, Nicolas Froment en de Meester van Moulins. Voor Duitsland, Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein de Oude en Michael Wolgemut. Portugal had alleen de bijdragen van Nuno Gonçalves.
In het geval van Spanje waren de kunstenaars verdeeld volgens hun kroon. Die uit Aragon met Luis Dalmau, Jaume Huguet, Jaume Vergós, Rafael Vergós, Pau Vergós, Jacomart, Joan Reixach, Bertomeu Baró, Pere Nisart en Bartolomé Bermejo. En dat van Castilië met onder meer Jorge Inglés, Meester van Sopetrán, Juan Rodríguez de Segovia, Sancho de Zamora, Meester van de Katholieke Koningen.
Als dit artikel je beviel, ga dan niet weg zonder eerst te lezen: