Japāna kā sena kultūra ir parādījusi savu mākslu visus šos gadus, uzziniet ar mums, izmantojot šo interesanto rakstu, visu par seno. Māksla Japānas, kas laika gaitā attīstījās dažādos periodos un stilos. Nepalaid garām!
japāņu māksla
Runājot par japāņu mākslu, mēs runājam par to, ko šī civilizācija laika gaitā vēstīja dažādos posmos un stilos, kas uz laiku tika izritināti līdz ar japāņu tautas sociālo un kultūras attīstību.
Variācijas, ko māksla piedzīvo Japānā, ir tās tehnoloģiskās attīstības sekas, kur mēs varam realizēt valsts izejvielu izmantošanu tās mākslinieciskajās izpausmēs. Tāpat kā tā sauktā Rietumu māksla, tās simboliskākās izpausmes bija reliģijas un politiskā spēka ietekmē.
Viena no galvenajām japāņu mākslas iezīmēm ir tās eklektisms, kas nāk no dažādām tautām un kultūrām, kas laika gaitā ieradās tās krastos: pirmie ieceļotāji, kas apmetās uz dzīvi Japānā, pazīstami kā Ainu, piederēja Ziemeļkaukāza atzaram un Austrumāzijai, iespējams. ieradās, kad Japāna vēl bija pievienota cietzemei.
Šo kolonistu izcelsme ir neskaidra, un vēsturnieki apsver dažādas hipotēzes, sākot no Urālu-Altaja rases līdz iespējamai indonēziešu vai mongoļu izcelsmei. Jebkurā gadījumā šķita, ka viņu kultūra atbilst augšējam paleolīta vai mezolīta laikmetam.
Pēc tam dažādas malajiešu rases grupas no Dienvidaustrumāzijas vai Klusā okeāna salām ieradās Japānas krastos, kā arī Korejā un dažādās Ķīnas daļās, pakāpeniski introducējot no dienvidiem, izspiežot ainu. uz ziemeļiem no Japānas, savukārt vēlākā vilnī Japānā ieradās dažādas vienas etniskās grupas no Ķīnas un Korejas.
Šim rasu sajaukumam jāpievieno arī citu kultūru ietekme: savas izolētības dēļ Japāna lielu daļu savas vēstures ir bijusi izolēta, taču dažkārt to ir ietekmējušas kontinentālās civilizācijas, īpaši Ķīna un Koreja, īpaši kopš V gadsimta.
Tādējādi japāņu senču kultūra, kas radās no secīgiem imigrācijas priekšposteņiem, pievienoja svešu ietekmi, veidojot eklektisku mākslu, kas bija atvērta jauninājumiem un stilistiskajam progresam.
Interesanti ir arī atzīmēt, ka liela daļa Japānā ražotās mākslas ir balstīta uz reliģiju: reģionam raksturīgajai šintoistu reliģijai, kas izveidojās ap XNUMX. gadsimtu, budisms tika pievienots aptuveni XNUMX. gadsimtā, veidojot reliģisku saplūšanu, kas joprojām pastāv. savu atspulgu atstājis arī mākslā.
Japāņu māksla ir šo atšķirīgo kultūru un tradīciju sekas, kas savā veidā interpretē no citām valstīm ievestos mākslas veidus, ko tā sasniedz atbilstoši savai dzīves un mākslas koncepcijai, veicot izmaiņas un vienkāršojot savas īpatnības.
Tāpat kā sarežģītie ķīniešu budistu tempļi, kas Japānā ir piedzīvojuši metamorfozi, kad nācies pamest noteiktus savas mākslas elementus un apvienot tos ar citiem, tas pauž šīs mākslas vienotības raksturu, tā ka tā vienmēr ir dabiski pārņēmusi kaut ko no citas kultūras. no citām valstīm.
Japāņu mākslai Japānas kultūrā piemīt lieliska meditācijas izjūta un cilvēka un dabas savstarpējās attiecības, kas atspoguļotas arī objektos, kas to ieskauj, sākot no greznākajiem un izteiksmīgākajiem līdz visvienkāršākajiem un ikdienišķākajiem.
Tas ir redzams nepilnībām piešķirtajā vērtībā, lietu īslaicīgajā dabā, humanitārajā izjūtā, ko japāņi iedibina ar savu vidi. Tāpat kā tējas ceremonijā, viņi augstu vērtē šī apceres stāvokļa mierīgumu un klusumu, ko viņi panāk ar vienkāršu rituālu, kura pamatā ir vienkārši komponenti un asimetriskas un nepabeigtas telpas harmonija.
Viņiem miers un līdzsvars asociējas ar siltumu un komfortu, īpašībām, kas savukārt patiesi atspoguļo viņu skaistuma jēdzienu. Pat ēdienreizes laikā svarīgs nav ēdiena daudzums vai noformējums, bet gan ēdiena maņu uztvere un estētiskā nozīme, ko tas piešķir jebkurai darbībai.
Tāpat šīs valsts māksliniekiem un amatniekiem ir augsta saikne ar savu darbu, materiālus izjūtot kā būtisku savas dzīves un komunikācijas ar apkārtējo vidi sastāvdaļu.
Japāņu mākslas pamati
Japāņu māksla, tāpat kā pārējā tās filozofija vai, vienkārši, dzīves redzes veids, ir pakļauta intuīcijai, racionalitātes trūkumam, emocionālai izpausmei un darbību un domu vienkāršībai. bieži izteikts simboliski.
Divas no japāņu mākslas raksturīgajām iezīmēm ir vienkāršība un dabiskums: mākslinieciskās izpausmes ir dabas atspoguļojums, tāpēc tās neprasa izsmalcinātu ražošanu, tas viss noved pie tā, ka mākslinieki vēlas, lai tas, kas ir iezīmēts, ierosināts, tiktu vēlāk atšifrēts. ko skatītājs.
Šī vienkāršība glezniecībā radījusi tieksmi uz lineāru zīmējumu, bez perspektīvas, ar tukšu vietu pārpilnību, kas tomēr harmoniski iekļaujas veselumā. Arhitektūrā tas materializējas lineāros veidos, ar asimetriskām plaknēm, dinamisku un statisku elementu kombinācijā.
Savukārt šī vienkāršība japāņu mākslā ir saistīta ar iedzimtu vienkāršību mākslas un dabas attiecībās, kas ir daļa no viņu savdabības, kas atspoguļojas viņu dzīvē, un viņi to piedzīvo ar smalku melanholijas sajūtu, gandrīz skumjām.
Kā gadalaiku maiņa viņiem rada īslaicīguma sajūtu, kur var redzēt evolūciju, kas pastāv dabā, pateicoties dzīves īslaicīgajai dabai. Šī vienkāršība galvenokārt atspoguļojas arhitektūrā, kas harmoniski iekļaujas savā apkārtnē, par ko liecina dabisko materiālu izmantošana, bez darba, parādot savu raupjo, nepabeigto izskatu. Japānā daba, dzīve un māksla ir nesaraujami saistītas, un mākslinieciskie sasniegumi ir visa Visuma simbols.
Japāņu māksla cenšas panākt vispārēju harmoniju, pārsniedzot matēriju, lai atrastu dzīvības ģenerējošo principu. Japāņu ornamentika cenšas atrast dzīves jēgu caur mākslu: Japāņu mākslas skaistums ir sinonīms harmonijai, radošumam; tas ir poētisks impulss, sajūtu ceļš, kas ved uz darba realizāciju, kam nav pašmērķa, bet kas sniedzas tālāk.
Tas, ko mēs saucam par skaistumu, ir filozofiska kategorija, kas atsaucas uz esamību: tā slēpjas jēgas sasniegšanā ar veselumu. Kā izteicies Suzuki Daisetsu: "skaistums nav ārējā formā, bet gan tādā nozīmē, kādā tas tiek izteikts."
Māksla nesākas ar savu saprātīgo raksturu, bet ar tās suģestējošajiem atribūtiem; Tam nav jābūt precīzam, bet parādiet dāvanu, kas ved uz veselumu. Tā mērķis ir tvert būtisko caur šo daļu, kas liecina par veselumu: tukšums ir papildinājums esošajai japāņu valodai.
Austrumu domās pastāv vienotība starp matēriju un garu, kas valda kontemplācijā un kopībā ar dabu, caur iekšēju pieķeršanos, intuīciju. Japāņu mākslai (gei) ir daudz pārpasaulīgāka nozīme, kas ir nemateriālāka nekā Rietumu lietišķās mākslas jēdziens: tā ir jebkura prāta izpausme, kas tiek saprasta kā vitāla enerģija, kā esence, kas dod dzīvību mūsu ķermenim, kas faktiski attīstās un attīstās, apzinoties vienotību starp ķermeni, prātu un garu.
Japāņu mākslas izjūta ir attīstījusies laika gaitā: no tās pirmsākumiem, kur bija pirmās mākslas un skaistuma pēdas, tās aizsākās senatnē, kad tika kaldināti japāņu kultūras radošie principi un tie, kas izpaudās svarīgākajos literatūras darbos. valsts:
Kojiki, Nihonshoki un Man 'yōshū, iepriekš minētās ir publikācijas, pirmās divas ir par Japānas vēstures pirmajiem darbiem un pēdējā ir par dzejoļiem, kas rakstīti pirmajā tūkstošgadē, tolaik dominēja Sajaši doma ("tīrs, protams, svaigs"), atsaucoties uz sava veida skaistumu, ko raksturo vienkāršība, svaigums, zināms naivums, kas rodas, izmantojot vieglus un dabiskus materiālus, piemēram, Haniwa Figure Land vai koku arhitektūrā.
Izes svētnīcu varam klasificēt kā vislabāko šī stila reprezentāciju, kas izgatavota no ciprese, kas kopš XNUMX. gadsimta tiek atjaunota ik pēc divdesmit gadiem, lai saglabātu tās vaļsirdību un svaigumu. No šī jēdziena izriet viena no japāņu mākslas konstantēm: vērtība, kas tiek piedēvēta īslaicīgam, īslaicīgam, īslaicīgam skaistumam, kas attīstās laika gaitā.
Man 'yōshū sakaakeši izpaužas kā uzticīgam un pārbaudītam pieķeršanās, kā arī aprakstā par to, kā tādas sastāvdaļas kā debesis un jūra deva viņam diženuma sajūtu, kas pārņem cilvēku.
Sajakeši ir saistīts ar Naru ("kļūšanas") jēdzienu, kurā laiks tiek novērtēts kā vitāla enerģija, kas saplūst tapšanā, visu darbību un visu dzīvju kulminācijā.
Novietojot sevi Nara un Heian periodos, mākslas mākslinieciskais aspekts strauji attīstījās, pateicoties pirmajai saskarsmei ar ķīniešu kultūru, kā arī budisma ienākšanai. Šī laikmeta galvenais jēdziens bija sirdsapziņa, emocionāla sajūta, kas pārņem skatītāju un noved pie dziļas līdzjūtības vai žēluma.
Tas ir saistīts ar citiem terminiem, piemēram, okaši, kas piesaista ar savu prieku un patīkamo raksturu; oshiroi, mirdzošu lietu īpašība, kas piesaista uzmanību ar savu spožumu un skaidrību; yūbi, žēlastības, elegances jēdziens; juga, skaistuma izsmalcinātības īpašība; lv, šarma pievilcība; karalis, miera skaistums; jasaši, diskrētuma skaistums; un ushin, dziļa mākslinieciskā izjūta.
Murasaki Shikibu stāsts par Genji, kas iemiesoja jaunu estētisku koncepciju, ko sauc par mono-no-apzināšanās — terminu, ko ieviesa Motōri Norinaga —, kas rada melanholijas sajūtu, apcerīgas skumjas, kas izriet no lietu īslaicīguma, īslaicīgu skaistumu, kas ilgst mirkli un paliek atmiņā.
Bet pāri visam tā ir maigas melanholijas sajūta, kas var novest pie dziļām skumjām, dziļi izjūtot visu dabas būtņu izelpoto skaistumu.
Šī filozofija par "ideālu tiekšanos pēc skaistuma", par meditatīvu stāvokli, kurā satiekas doma un jutekļu pasaule, ir raksturīga japāņu iedzimtajai skaistuma delikatesei, un tā ir acīmredzama Hanami festivālā, ķiršu koka svinībās. uzziedēt.
Japānas viduslaikos, Kamakura, Muromachi un Momoyama periodos, kur raksturīga militārā kundzība visā valsts feodālajā sabiedrībā, radās jēdziens dō ("ceļš"), kas radīja tā laika mākslas attīstību. , tiek parādīta sabiedrisko rituālu ceremonijas praksē, par ko liecina shodō (kaligrāfija), chadō (tējas ceremonija), kadō vai ikebana (ziedu kārtošanas māksla) un kōdō (vīraks).
Praksēm nav nozīmes rezultātam, bet gan evolūcijas procesam, evolūcijai laikā - atkal naru -, kā arī talantam, kas parādīts nevainojamā rituālu izpildē, kas apzīmē prasmi, kā arī garīgu apņemšanos tiekšanās pēc pilnības.
Izšķiroša ietekme uz šiem jaunajiem jēdzieniem bija budisma variantam, ko sauc par dzen, kas uzsver noteiktus "dzīves noteikumus", kuru pamatā ir meditācija, kad cilvēks zaudē pašapziņu. Tādējādi viss ikdienas darbs pārsniedz savu materiālo būtību, lai apzīmētu garīgu izpausmi, kas atspoguļojas laika kustībā un rituālajā rituālā.
Šis jēdziens atspoguļojas arī dārzkopībā, kas sasniedz tādu svarīguma pakāpi, ka dārzs ir kosmosa vīzija ar lielu tukšumu (jūru), kas ir piepildīts ar objektiem (salām), kas iemiesojas smiltīs un akmeņos. , un kur veģetācija atsauc atmiņā laika ritējumu.
Dzen ambivalence starp pārpasaulīgās dzīves vienkāršību un dziļumu iedveš "vienkāršas elegances" (wabi) garu ne tikai mākslā, bet arī uzvedībā, sociālajās attiecībās un citos ikdienas dzīves aspektos. . Meistars Sešū teica, ka "Zen un māksla ir viens."
Šis dzen ir attēlots septiņos dekoratīvos faktos: fukinsei, veids, kā noliegt optimizāciju, lai sasniegtu dabā esošo līdzsvaru; kanso , izņemiet to, kas paliek pāri, un tas, ko izņemsiet, liks jums atklāt dabas vienkāršību.
Kokō (vientuļa cieņa), īpašība, ko cilvēki un priekšmeti iegūst laika gaitā un piešķir tiem lielāku būtības tīrību; shizen (dabiskums), kas saistīts ar sirsnību, dabiskais ir īsts un neiznīcīgs; yūgen (dziļums), lietu īstā būtība, kas pārsniedz to vienkāršo materialitāti, to virspusējo izskatu.
Datsuzoku (atslāņošanās), brīvība mākslu praksē, kuras misija ir atbrīvot prātu, nevis to kontrolēt – tātad māksla iztiek bez visa veida parametriem un noteikumiem -; seiyaku (iekšējais mierīgums), klusuma situācijā, mierīgs, nepieciešams sešu iepriekšējo principu plūsmai.
Īpaši tā ir tējas ceremonija, kurā meistarīgi tiek sintezēts japāņu mākslas un skaistuma jēdziens, radot autentisku estētisku reliģiju: "teismu". Šī ceremonija pārstāv skaistuma kultu pretstatā ikdienas eksistences vulgaritātei. Viņa filozofija, gan ētiskā, gan estētiskā, pauž vienotu priekšstatu par cilvēku un dabu.
Tās vienkāršība saista sīkumus ar kosmisko kārtību: dzīve ir izpausme, un darbības vienmēr atspoguļo domu. Laicīgais ir līdzvērtīgs garīgajam, mazais ir lielais. Šis jēdziens ir sastopams arī tējnīcā (sukiya), īslaicīgā, poētiskā impulsa būvdarbā, bez ornamentiem, kur tiek cienīts nepilnīgais un vienmēr kaut ko atstāj. nepabeigts, kas papildinās iztēli.
Simetrijas trūkums ir raksturīgs, pateicoties Zen domām, ka tiekšanās pēc pilnības ir svarīgāka par sevi. Skaistumu var atklāt tikai tie, kas ar savu argumentāciju pabeidz to, kas trūkst.
Visbeidzot, mūsdienu laikmetā, kas sākās ar Edo periodu, lai gan saglabājas iepriekšējās idejas, tiek ieviestas jaunas mākslas nodarbības, kas ir saistītas ar citu sociālo pasūtījumu rašanos, kas rodas, Japānai modernizējoties: sui ir zināma garīga delikatese. galvenokārt Osakas literatūrā.
Iki doma ir cienīga un tieša žēlastība, īpaši kabuki; Karumi ir jēdziens, kas aizstāv vieglumu kā kaut ko pirmatnīgu, zem kura tiek iegūts lietu "dziļums", kas īpaši atspoguļojas haiku dzejā, kur Šiori ir nostalģisks skaistums.
"Nekas ilgst, nekas nav pilnīgs un nekas nav ideāls." Šīs būtu trīs atslēgas, uz kurām balstās "Wabi Sabi", japāņu izteiciens (vai estētiskā redzējuma veids), kas attiecas uz nepilnīgā, nepilnīgā un mainīgā skaistumu, lai gan tas attiecas arī uz pieticīgo un pazemīgo, netradicionālo skaistums. "Wabi sabi" filozofija ir baudīt tagadni un rast mieru un harmoniju dabā un mazās lietās, kā arī mierīgi pieņemt dabisko izaugsmes un pagrimuma ciklu.
Visu šo elementu pamatā ir ideja par mākslu kā radošu procesu, nevis kā materiālu realizāciju. Okakura Kakuzō rakstīja, ka "tikai mākslinieki, kas tic savas dvēseles iedzimtajai deformācijai, spēj radīt īstu skaistumu".
Japāņu mākslas periodizācija
Šajā rakstā mēs izmantosim segmentāciju lielos periodos, ņemot vērā ievērojamas mākslinieciskās pārmaiņas un politiskās kustības. Izlase parasti atšķiras atkarībā no autora kritērijiem, un daudzus no tiem var arī iedalīt sīkāk. Tomēr pastāv arī atšķirības attiecībā uz dažu šo periodu sākumu un beigām. Mēs ņemsim arheologa Čārlza T. Kellija izgatavoto, kas ir šāds:
Japāņu māksla plastiskajā mākslā
Mezolīta un neolīta periodā tas palika izolēts no kontinenta, tāpēc visa tā produkcija bija viņa paša ražotne, lai gan tai nebija lielas nozīmes. Tās bija daļēji mazkustīgas sabiedrības, kas dzīvoja mazos ciematos ar zemē ieraktām mājām, pārtikas resursus galvenokārt iegūstot no meža (brieži, mežacūkas, rieksti) un jūras (zivis, vēžveidīgie, jūras zīdītāji).
Šīm biedrībām bija sarežģīta darba organizācija, un tās nodarbojās ar laika mērīšanu, par ko liecina vairākas Oju un Komakino apļveida akmens izkārtojumu paliekas, kas darbojās kā saules pulksteņi. Viņiem acīmredzot bija standartizētas mērvienības, par ko liecina vairākas ēkas, kas celtas pēc noteiktiem modeļiem.
Atsevišķās vietās, kas atbilst šim periodam, ir atrasti slīpēti akmens un kaula artefakti, keramikas un antropomorfas figūras. Jāpiebilst, ka Džomona keramika ir vecākā mākslīgā keramika: senākās rudimentārās keramikas pēdas datētas ar 11.000 XNUMX. gadu pirms mūsu ēras, mazos, ar rokām darinātos traukos ar pulētiem sāniem un lielu interjeru. , ar funkcionālu sajūtu un askētisku apdari.
Šīs paliekas atbilst laika posmam, ko sauc par "predžomonu" (11000 7500-7500 p.m.ē.), kam seko "arhaiskais" vai "agrākais" Džomons (2500-XNUMX p.m.ē.), kur tiek izgatavota tipiskākā Džomona keramika, kas izgatavota ar rokām un dekorēta. ar iegriezumiem vai virves pēdām, uz sava veida dziļu burkveida trauku pamatnes. Pamata rotājumu veidoja nospiedumi, kas izgatavoti ar augu šķiedru auklām, kas tika uzspiesti uz keramikas pirms apdedzināšanas.
Vairākās jomās šie iegriezumi ir sasnieguši augstu izstrādes pakāpi, ar perfekti noslīpētām malām, zīmējot virkni ļoti sarežģītu abstraktu līniju. Retos gadījumos ir atrastas figurālu ainu paliekas, parasti antropomorfi un zoomorfi zīmējumi (vardes, čūskas), izceļot medību ainu, kas atrodas vāzē, kas atrasta Hirakubo, uz ziemeļiem no Honšū.
Visbeidzot, "Vēlajā Džomonā" (2500.–400. g. p.m.ē.) trauki ieguva dabiskāku, mazāk izstrādātu formu ar apaļdibeniem un traukiem, amforām ar šauru kaklu un bļodām ar rokturiem, bieži vien ar stieņiem. vai paaugstināta bāze. Džomona keramikas orientieri ir: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo un Okinohara Honšū salā; Sobata Kjūšu salā; un Hamanasuno un Tokoro Hokaido salā.
Bez vāzēm keramikā ir izgatavotas dažādas figūriņas cilvēka vai dzīvnieka formā, kas izgatavotas vairākās daļās, tāpēc veselu gabalu atlieku ir atrasts maz. Tiem, kuriem ir antropomorfā forma, var būt vīrišķās vai sievišķās īpašības, un ir atrastas arī dažas androgīnas zīmes.
Dažiem ir pietūkuši vēderi, tāpēc tie varētu būt saistīti ar auglības pielūgsmi. Ir vērts atzīmēt detaļu precizitāti, ko parāda daži skaitļi, piemēram, rūpīgās frizūras, tetovējumi un dekoratīvās kleitas.
Šķiet, ka šajās sabiedrībās ķermeņa rotājums bija ļoti nozīmīgs, galvenokārt ausīs, ar dažādu ražojumu keramikas auskariem, kas rotāti ar sarkanīgām krāsvielām. Čiamigaito (Honšū salā) ir atrasti vairāk nekā 1000 šo rotājumu, kas liecina par vietējo darbnīcu šo izstrādājumu izstrādei.
No šī perioda datētas arī dažādas maskas, kas apzīmē individualizētu darbu uz sejām. Tādā pašā veidā tika izgatavotas dažāda veida zaļās jadeīta krelles, un viņi bija pazīstami ar laku darbu, par ko liecina vairāki Torihamā atrastie stiprinājumi. Ir atrastas arī zobenu, kaulu vai ziloņkaula ragu paliekas.
Yayoi periods (500. g. p.m.ē.–300. g. p.m.ē.)
Šis periods nozīmēja galīgu agrārās sabiedrības izveidošanos, kas izraisīja lielu teritorijas paplašinājumu atmežošanu.
Šī transformācija ir izraisījusi Japānas sabiedrības evolūciju tehnoloģiskajā, kultūras un sociālajā jomā ar lielāku sociālo noslāņošanos un darba specializāciju, kā arī ir izraisījusi bruņotu konfliktu pieaugumu.
Japānas arhipelāgs bija izraibināts ar maziem štatiem, kas veidojās ap klaniem (uji), starp kuriem dominēja Jamato, kas radīja imperatora ģimeni. Tad parādījās šintoisms, mitoloģiska reliģija, kas nogalināja Amaterasu imperatoru, saules dievieti.
Šī reliģija veicināja japāņu mākslas patieso tīrības un svaiguma sajūtu, dodot priekšroku tīriem materiāliem un bez dekorācijām, ar integrācijas sajūtu ar dabu (kami vai virsapziņa). No XNUMX. gadsimta pirms mūsu ēras. C. sāka ieviest kontinentālo civilizāciju, pateicoties attiecībām ar Ķīnu un Koreju.
Yayoi kultūra parādījās Kyūshū salā aptuveni 400-300 pirms mūsu ēras. C., un pārcēlās uz Honšū, kur tā pakāpeniski aizstāja Džomonu kultūru. Šajā periodā tika paplašināts sava veida liels apbedījums ar kameru un pilskalnu, kas dekorēts ar terakotas cilindriem ar cilvēku un dzīvnieku figūrām.
Ciemus ieskauj grāvji, parādījās dažādi lauksaimniecības darbarīki (arī pusmēness formas akmens darbarīks, ko izmantoja ražas novākšanai), kā arī dažādi ieroči, piemēram, loki un bultas ar pulēta akmens galiem.
Keramikā īpaši tika ražoti šādi priekšmeti: burkas, vāzes, šķīvji, krūzes un pudeles ar noteiktām īpatnībām. Tiem bija pulēta virsma, ar vienkāršu rotājumu, pārsvarā iegriezumi, punktoti un zigzaga seriāli, visvairāk izmantotais priekšmets bija glāze, kuras nosaukums bija Tsubo.
Viņš izcēla darbu ar metāliem, galvenokārt bronzu, piemēram, tā sauktos dotaku zvanus, kas kalpoja kā ceremonijas priekšmeti, rotāti ar spirālēm (ryusui) tekoša ūdens formā vai dzīvniekus reljefā (galvenokārt brieži, putni, kukaiņi un abinieki), kā arī medību, makšķerēšanas un lauksaimniecības darbu ainas, īpaši tās, kas saistītas ar rīsiem.
Šķiet, ka briežiem ir bijusi īpaša nozīme, iespējams, saistīta ar kādu dievību: daudzās vietās ir atrasts liels daudzums briežu lāpstiņu ar iegriezumiem vai ar uguni izdarītām pēdām, kas esot saistītas ar kādu rituālu.
Citi Yayoi vietnēs atrastie dekoratīvie priekšmeti ir: spoguļi, zobeni, dažādas krelles un magatama (kešriekstu formas nefrīta un ahāta gabali, kas kalpoja kā auglības dārgakmeņi).
Kofun periods (300-552)
Šis laikmets iezīmēja Centrālās imperatora valsts konsolidāciju, kas kontrolēja svarīgus resursus, piemēram, dzelzi un zeltu. Arhitektūra attīstījās vēlams kapsētā ar tipiskām kambaru un eju kapenēm, ko sauc par kofun ("vecās kapenes"), uz kurām tika uzcelti lieli zemes uzkalni.
Uzkrītoši ir imperatoru Ōjin (346-395) un Nintoku (395-427) apbedījumi, kur atrasti ļoti dažādi priekšmeti, starp kuriem bija; rotaslietas, figūriņas no dažādiem materiāliem, īpaši terakotas figūras.
Šīs statuetes bija apmēram sešdesmit centimetrus garas, praktiski bez izteiksmes, tikai dažas spraugas acīs un mutē, lai gan tās ir ļoti aktuāls šī laika mākslas paraugs.
Pēc apģērba un piederumiem šajos tēlos izceļas dažādi arodi, piemēram, zemnieki, miliči, mūki, provinces sievietes, sludinātājas utt.
Šī perioda beigās parādījās arī dzīvnieku figūras, tostarp brieži, suņi, zirgi, kuiļi, kaķi, vistas, aitas un zivis, kas norāda uz tā laika militārās apmetnes nozīmi, kuras stilistiskās iezīmes ir saistītas ar Sillas kultūru. no Korejas, kā arī keramikas veidu, ko sauc par Sueki, kas ir tumšs un ļoti smalks, ar šķindošiem piederumiem.
Sociālā diferenciācija ir novedusi pie valdošo šķiru izolācijas ekskluzīvos pilsētu rajonos, piemēram, Jošinogari, un galu galā ir pastāvīgi nošķirti izolētos rajonos, piemēram, Mitsudera vai Kansai, Ikarugas un Asuka-Itabuki pils kompleksos.
Kas attiecas uz reliģisko arhitektūru, agrīnie šintoistu tempļi (džindzjas) bija izgatavoti no koka, uz paaugstinājuma un atklātām sienām vai bīdāmām starpsienām, ar pamatnēm, kas balstīja slīpo jumtu.
Viena no tās raksturīgajām sastāvdaļām ir torii, ieejas arka, kas iezīmē ieeju svētā vietā. Piezīme Ises svētnīca, kas kopš XNUMX. gadsimta tiek pārbūvēta ik pēc divdesmit gadiem.
Galvenajai ēkai (Shoden) ir paaugstināta grīda un divslīpju jumts, ar deviņām pamatnēm, uz kuru var piekļūt pa ārējām kāpnēm. Tas ir shinmei zukuri stilā, kas atspoguļo vēlo šinto stilu, pirms budisma ienākšanas Japānā.
Vēl viens mītisks templis ar nenoteiktu izcelsmi ir Izumo Taisha, kas atrodas netālu no Matsue, leģendārais templis, kuru dibināja Amaterasu. Tas ir taisha zukuri stilā, tas tiek uzskatīts par vecāko starp svētnīcām, galvenā atrakcija ir ēkas paaugstinājums uz pilastriem, ar kāpnēm kā galveno piekļuvi un vienkāršu koka apdari bez krāsojuma.
Saskaņā ar atrastajiem rokrakstiem sākotnējā svētnīca bija 50 metru augstumā, bet ugunsgrēka dēļ tā tika pārbūvēta ar 25 metru augstumu. Ēkas bija Honden ("iekšējā svētnīca") un Hayden ("ārējā svētnīca"). Šim periodam pieder arī Kinpusen-ji, galvenais shugendō templis, askētiska reliģija, kurā apvienoti šinto, budisma un animistu uzskati.
Šajā periodā mēs atrodam pirmos glezniecības paraugus, piemēram, Otsukas karaliskās bēres un Kjušu dolmenveida kapenes (XNUMX.-XNUMX.gs.), kas dekorētas ar notverto upuru, kauju, zirgu, putnu un kuģu ainām vai ar spirālēm. un koncentriskiem apļiem.
Tie bija sienu gleznojumi, kas izgatavoti no hematīta sarkanā, ogļmelnā, okera dzeltenā, kaolīna balta un hlorīta zaļā. Viens no šī perioda raksturīgajiem dizainparaugiem ir tā sauktais čokomons, ko veido taisnas līnijas un arkas, kas novilktas uz diagonālēm vai krustiem, un atrodas uz kapu sienām, sarkofāgiem, Hanivas statujām un bronzas spoguļiem.
Asukas periods (552-710)
Jamato bija iecerēta centralizēta karaļvalsts pēc Ķīnas parauga, kas ietverta Shōtoku-Taishi (604) un Taikas likumos 646. Budisma ieviešana Japānā radīja lielu māksliniecisku un estētisku ietekmi ar lielu ķīniešu mākslas ietekmi.
Tad nāca prinča Šotoku (573-621) valdīšana, kurš atbalstīja budismu un kultūru kopumā un bija auglīgs mākslai. Arhitektūra bija pārstāvēta tempļos un klosteros, tā lielākoties ir zudusi, pieņemot vienkāršu šinto līniju aizstāšanu ar krāšņumu, kas nāk no cietzemes.
Par šī perioda izcilāko celtni jāmin Kudara stila pārstāvja Horyū-ji (607) templis (Paekche Korejā). Tas tika izgatavots uz Wakakusaderas tempļa, kuru uzcēla Šotoku un sadedzināja viņa pretinieki 670. gadā.
Būvēts ar aksiālo planimetriju, tas sastāv no ēku kopas, kur atrodas pagoda (Tō), Yumedono ("sapņu zāle") un Kondō ("zelta zāle"). Tas ir ķīniešu stilā, pirmo reizi izmantojot keramisko dakstiņu jumtu.
Viena no šī neparastā parauga iezīmēm ir Itsukushima svētnīca (593), kas celta uz ūdens, Seto, kur ir atzīmēti Gojūnotō, Tahōtō un dažādi hondeni. Skaistuma dēļ ANO 1996. gadā to nosauca par Pasaules mantojuma vietu.
Budisma tematikas skulptūra tika veidota no koka vai bronzas: pirmās Budas figūras tika ievestas no kontinentālās daļas, bet vēlāk liela daļa ķīniešu un korejiešu mākslinieku apmetās uz dzīvi Japānā.
Kanona tēls, bodhisatvas Avalokitešvaras (ķīniešu valodā saukts par Guaņ Iņ) japāņu valodā, ir izplatījies ar nosaukumu Bodhisattva Kannon, korejiešu Tori darbs; Kannons, kas atrodas Yumedono templī Hōryū-ji; un Kanons no Kudaras (623. gs.), ko veidojis nezināms mākslinieks. Vēl viens nozīmīgs darbs ir Sâkyamuni triāde (XNUMX) bronzā, ko autors Tori Buši uzstādīja Horyū-ji templī.
Kopumā tie bija smaga, stūraina un arhaiska stila darbi, kurus iedvesmojis korejiešu Koguryŏ stils, kā tas redzams Šibas Tori darbā, kas iezīmēja Asukas perioda "oficiālo stilu": Lielo Asukas Budu (Hoko templis - ji, 606), Jakuši Buda (607), Kanons Guze (621), Triāde Šaka (623).
Vēl viens mākslinieks, kurš sekoja šim stilam, bija Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, grāmatas “Četri debesu sargi” (shitenno) autors Hōryū-ji Zelta zālē (645), kas, neskatoties uz ļoti veco stilu, piedāvā noapaļotāku tilpuma attīstību, ar vairāk izteiksmīgas sejas.
Glezna ķīniešu motīvu ietekmē, veidota ar tinti vai minerālkrāsām, kas izmantotas uz zīda vai papīra, uz pergamenta ruļļiem vai piekārtas pie sienas. Tas apzīmē lielisku zīmēšanas sajūtu ar ļoti oriģināliem darbiem, piemēram, Tamamushi relikviju (Hōryū-ji), kampara un ciprese kokā, ar bronzas filigrānām joslām, kas attēlo dažādas ainas eļļā uz lakota koka, tehnikā, ko sauc par mitsuda -i no Persijas un saistīts ar Veju dinastijas ķīniešu glezniecību.
Relikvija pamatnē ir jataka (pārskats par Budas pagātnes dzīvēm), kurā redzams, kā princis Mahasatva svētī savu miesu izsalkušam tīģerienei. Ap šo laiku kaligrāfija sāka iegūt lielāku nozīmi, tai tika piešķirts tāds pats mākslinieciskais līmenis kā figurāliem attēliem.
Tika atzīmēti arī zīda gobelēni, piemēram, Mandala Tenkoku, kas izgatavots Shōtoku (622). Keramika, ko varēja glazēt vai nē, vietējā ražojuma bija maz, jo tā ir visvērtīgākā Ķīnas importa prece.
Naras periods (710-794)
Šajā periodā galvaspilsēta tika izveidota Narā (710), pirmajā mikado pamatkapitālā. Šajā laikā budisma māksla bija pašā kulminācijā, ar lielu intensitāti turpinot ķīniešu ietekmi: japāņi ķīniešu mākslā saskatīja harmoniju un pilnību, kas līdzīga Eiropas gaumei pēc klasiskās grieķu-romiešu mākslas.
Daži šī perioda arhitektūras piemēri ir monumentālas ēkas, piemēram, Austrumu Jakushi-ji pagoda, Tōshōdai-ji, Tōdai-ji un Kōfuku-ji tempļi un Shōso-in imperatora noliktava Narā, kurā glabājas daudzi māksla no imperatora Šomu laika (724-749), ar darbiem no Ķīnas, Persijas un Vidusāzijas. Naras pilsēta tika uzcelta saskaņā ar režģa izkārtojumu, kas veidots pēc Čanaņas, Tanu dinastijas galvaspilsētas, parauga.
Imperatoriskajai pilij tika piešķirta tāda pati nozīme kā galvenajam klosterim Tōdai-ji (745-752), kas tika uzcelts pēc simetriska plāna lielā iežogojumā ar dvīņu pagodām un kurā bija Daibutsuden, "lielā Budas zāle". «. ar lielu 15 metrus augstu bronzas Budas Vairocanas statuju (japāņu valodā Dainichi), ko 743. gadā dāvināja imperators Shōmu. Daibutsuden ir pārbūvēta 1700. gadā, un tā ir lielākā koka celtne pasaulē.
Vēl viens nozīmīgs templis ir Hokkedō, kurā atrodas vēl viena lieliska statuja Kanons Fukukenjaku, astoņu roku lakota bodhisatva, kas stāv četrus metrus gara. augsta un Tanga ietekme, kas manāma sejas vaibstu rāmumā un klusumā.
Turpretim East Yakushi-ji pagoda bija japāņu arhitektu mēģinājums atrast savu stilu, attālinoties no Ķīnas ietekmes. Tas izceļas ar savu vertikalitāti, ar mainīgiem dažāda izmēra vākiem, kas tai piešķir kaligrāfiskas zīmes izskatu.
Savā struktūrā izceļas dzegas un balkoni, ko veido savstarpēji savienoti koka stieņi, baltā un brūnā krāsā. Tā iekšpusē atrodas Yakushi Nyorai ("Medicīnas Budas") attēls. Tas ir iekļauts Pasaules mantojuma sarakstā ar nosaukumu Senās Naras vēsturiskie pieminekļi.
Tōshōdai-ji (759) bija tāda pati nacionālās asimilācijas pakāpe, parādot skaidru kontrastu starp Kondō ("zelta zāli") ar ķīniešu ietekmēto stabilitāti, simetriju un vertikāli, un Kodō ("lekciju zāle"). .”), ar lielāku vienkāršību un horizontāli, kas apzīmē aborigēnu tradīciju.
Vēl viens izstādes dalībnieks bija Kiyomizu-dera (778), kuras galvenā ēka izceļas ar milzīgajām margām, ko atbalsta simtiem stabu, kas izceļas kalnā un piedāvā iespaidīgus skatus uz Kioto pilsētu. Šis templis bija viens no kandidātiem Jauno septiņu pasaules brīnumu sarakstam, lai gan tas netika izvēlēts.
Savukārt Rinnō-ji ir slavena ar Sanbutsudō, kur atrodas trīs Amida, Senjūkannon un Batōkannon statujas. Kā šintoistu svētnīca izceļas Fushimi Inari-taisha (711), kas veltīta Inari garam un īpaši nosaukta par tūkstošiem sarkano toršu, kas iezīmē ceļu gar kalnu, uz kura atrodas svētnīca.
Budas atveidojums ir guvis lielu attīstību tēlniecībā, un tās ir skaistas statujas: Šo Kanons, Tačibanas Buda, Bodhisatva Gakko no Tōdai-ji. Hakuho periodā (645-710) Soga klana apspiešana un impērijas konsolidācija noveda pie Korejas ietekmes beigām un tās nomainīšanas ar ķīniešu (Tang dinastija), radot virkni darbu ar lielāku krāšņumu un reālismu, ar apaļākiem un graciozākas formas.
Šīs izmaiņas ir pamanāmas daļā Jakuši-dži apzeltīto bronzas statuju, ko veido sēdošs Buda (Jakuši), ko pavada bodhisatvas Nikko ("Saules gaisma") un Gakko ("Mēness gaisma"), kuri uzrāda lielāku dinamismu savā kontrapposto pozīcijā, un lielāka sejas izteiksme.
Hōryū-ji turpinājās korejiešu izcelsmes Tori stils, tāpat kā Kannon Yumegatari un Lady Tachibana medaljona Amida triāde. Tōshōdai-ji templī ir virkne lielu statuju, kas izgatavotas no dobas žāvētas lakas, izceļot centrālo Budu Rušānu (759), kura augstums ir 3,4 metri. Šeit ir arī aizbildņu garu (Meikira Taisho), karaļu (Komokuten) u.c. Tie ir darbi no koka, bronzas, neapstrādāta māla vai sausas lakas, ar lielu reālismu.
Gleznu attēlo Hōryū-ji sienas apdare (XNUMX. gadsimta beigas), piemēram, Kondō freskas, kurām ir līdzības ar Ajantā Indijā. Ir parādījušās arī dažādas tipoloģijas, piemēram, kakemono ("karājošā glezna") un emakimono ("rullīšu glezna"), stāsti, kas gleznoti uz papīra vai zīda ruļļa, ar tekstiem, kas izskaidro dažādas ainas, ko sauc par sūtrām.
Nara Shōso-in ir vairākas laicīgās tēmas gleznas ar dažādiem veidiem un tēmām: augi, dzīvnieki, ainavas un metāla priekšmeti. Perioda vidū modē nāca Tangu dinastijas glezniecības skola, kā tas redzams Takamatsuzukas kapa gleznojumos, kas datēti ar aptuveni 700. gadu.
Ar Taiho-ryo dekrētu 701. amatniecības sabiedrībās krāsotāja profesiju regulē. ko kontrolē Iekšlietu ministrijas pakļautībā esošais Gleznotāju departaments (takumi-no-tuskasa). Šīs asociācijas bija atbildīgas par piļu un tempļu dekorēšanu, un to struktūra pastāvēja līdz Meiji laikmetam. Keramika ir ievērojami attīstījusies, izmantojot dažādas no Ķīnas ievestas tehnikas, piemēram, māliem uzklājot spilgtas krāsas.
Heiana periods (794-1185)
Šajā periodā notika Fujiwara klana valdība, kas izveidoja centralizētu valdību, ko iedvesmoja Ķīnas valdība, ar galvaspilsētu Heianā (tagad Kioto). Radās lielie feodāļi (daimyō) un parādījās samuraju figūra.
Aptuveni šajā laikā parādījās grafoloģija ar nosaukumu Hiragana, kas pielāgoja ķīniešu kaligrāfiju Japānā izmantotajai daudzzilbju valodai, zilbju fonētiskajām vērtībām izmantojot ķīniešu rakstzīmes. Attiecību pārrāvums ar Ķīnu radīja skaidrāku japāņu mākslu, kas līdzās reliģiskajai mākslai parādījās laicīgā māksla, kas būtu uzticams imperatora galma nacionālisma atspoguļojums.
Budistu ikonogrāfija piedzīvoja jaunu attīstību, no kontinentālās daļas importējot divas jaunas sektas, Tendai un Shingon, kuru pamatā ir Tibetas tantriskais budisms, kas ietvēra šintoisma elementus un radīja šim laikam raksturīgu reliģisku sinkrētismu.
Arhitektūra piedzīvoja izmaiņas klosteru plānojumā, kas tika uzcelti izolētās vietās, kas paredzēti meditācijai. Nozīmīgākie tempļi ir Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) un Murō-ji pagoda-svētnīca. Enryaku-ji, kas atrodas Hiei kalna tuvumā, ir viens no senās Kioto vēsturiskajiem pieminekļiem, kas 1994. gadā tika pasludināts par Pasaules mantojuma vietu.
To 788. gadā dibināja Saičo, kurš Japānā iepazīstināja ar Tendai budistu sektu. Enryaku-ji bija aptuveni 3.000 tempļu, un tas savā laikā bija lielisks varas centrs, un lielāko daļu tā ēku iznīcināja Oda Nobunaga 1571. gadā.
No saglabājušās daļas šodien izceļas Saitō ("rietumu zāle") un Tōdō ("austrumu zāle"), kurā atrodas Konpon chūdō, reprezentatīvākā Enryaku ji celtne, kur tiek glabāta Budas statuja. ., ko veidojis pats Saičo, Yakushi Nyorai.
Skulptūra ir piedzīvojusi nelielu lejupslīdi, salīdzinot ar iepriekšējām reizēm. Atkal Budas attēlojums (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai no Jingo-ji tempļa Kioto; Amida Nyorai no Byōdō-in klostera), kā arī dažas šinto dievietes (Kichijoten, laimes dieviete, līdzvērtīga Lakšmī Indijai) .
Budisma reliģijas pārmērīgā stingrība ierobežo mākslinieka spontanitāti, kurš aprobežojas ar stingriem mākslas kanoniem, kas grauj viņa radošo brīvību. 859. un 877. gadā tika radīts Jogan stils, kas izceļas ar gandrīz biedējošas gravitācijas attēliem ar zināmu introspekciju un noslēpumainu gaisu, piemēram, Shaka Nyorai no Murō-ji.
Fudživaras periodā Džočo dibinātā skola Byodo-in ieguva slavu ar elegantāku un slaidāku stilu nekā Jogana skulptūra, paužot perfektas ķermeņa formas un lielisku kustību sajūtu.
Džočo darbnīcā tika ieviestas yosegi un warihagi metodes, kas sastāvēja no figūras sadalīšanas divos blokos, kas pēc tam tika savienoti kopā, lai tos veidotu, tādējādi izvairoties no turpmākas plaisāšanas, kas ir viena no galvenajām problēmām ar lielām figūrām. Šīs metodes nodrošina arī sērijveida montāžu, un tās ar lieliem panākumiem tika izstrādātas Kamakura perioda Kei skolā.
Yamato-e glezna īpaši plaukst ar roku rakstītiem ruļļiem, ko sauc par emaki, kas apvieno gleznas ainas ar elegantu Katakana kaligrāfiju. Šajos ruļļos bija aprakstīti vēsturiski vai literāri fragmenti, piemēram, XNUMX. gadsimta beigās radītais Murasaki Šikibu romāns “Stāsts par Gendži”.
Lai gan teksts bija slavenu rakstu mācītāju darbs, attēlus parasti izpildīja galma kurtizānes, piemēram, Ki no Tsubone un Nagato no Tsubone, pieņemot sievišķās estētikas paraugu, kam būtu liela nozīme mūsdienu japāņu mākslā.
Šajā laikā sākās gleznu klasifikācija pēc dzimuma, kas iezīmēja jūtamu atšķirību starp publiku, kur vīrišķais bija Ķīnas ietekmē, un sievišķais un estētiskākais mākslinieciski bija japāņu.
Onna-e bez Genji vēstures izceļas Heike Nogyo (Lotus Sutra), ko Taira klans pasūtījis Itsukušimas svētnīcai, kur tie ir iemiesoti dažādos tīstos par dvēseļu glābšanu, ko pasludināja budisms.
No otras puses, šis The otoko-e bija stāstošāks un enerģiskāks nekā ona-e, vairāk darbības pilns, ar lielāku reālismu un kustību, kā Shigisan Engi ruļļos par mūka Myoren brīnumiem; Ban Danigon E-kotoba, par karu starp konkurējošiem klaniem XNUMX. gadsimtā; un Chōjugiga, dzīvnieku ainas ar kariķētu zīmi un satīrisku toni, kritizējot aristokrātiju.
Kamakura periods (1185-1392)
Pēc vairākiem strīdiem starp feodālajiem klaniem tika uzspiests Minamoto, kas izveidoja šogunātu — valdības formu ar militāro tiesu. Šajā laikā Japānā tika ieviesta dzen sekta, kas spēcīgi ietekmēja figurālo mākslu. Arhitektūra bija vienkāršāka, funkcionālāka, mazāk grezna un grezna.
Zen valdīšana radīja tā saukto Kara-yo stilu: dzen lūgšanu vietās tika izmantota ķīniešu aksiālās planimetrijas tehnika, lai gan galvenā ēka nebija templis, bet gan lasītava, un goda vietu neaizņēma statuja. Buda, bet pie neliela troņa, kur abats mācīja savus mācekļus.
Pieci lielie Sanjūsangen-dō tempļu kompleksi Kioto (1266), kā arī klosteri Kennin-ji (1202) un Tōfuku-ji (1243) Kioto un Kenchō-ji (1253) un Engaku-ji (1282) ) Kamakurā.
Kōtoku-in (1252) ir slavena ar savu lielo un smago bronzas Amida Budas statuju, padarot to par otro lielāko Budu Japānā pēc Tōdai-ji.
1234. gadā tika uzcelts Chion-in templis, Džodo šu budisma mītne, kas izceļas ar kolosālajiem galvenajiem vārtiem (Sanmon), kas ir lielākā šāda veida celtne Japānā.
Viens no pēdējiem šī perioda pārstāvjiem bija Hongan-ji (1321), kas sastāv no diviem galvenajiem tempļiem: Nishi Hongan-ji, kurā ietilpst Goei-dō un Amida-dō, kā arī tējas paviljons un divi tempļi Noh teātris, no kuriem viens apgalvo, ka ir vecākais joprojām esošais teātris; un Higashi Hongan-ji, kur atrodas slavenā Shosei-en.
Skulptūra ieguva lielu reālismu, atklājot māksliniekam lielāku radīšanas brīvību, par ko liecina muižnieku un karavīru portreti, piemēram, Uesugi Shigusa (anonīms mākslinieks), četrpadsmitā gadsimta militārpersona, portreti.
Zen darbu centrā ir viņu meistaru atveidojums, sava veida statujā, ko sauc par šinzo, piemēram, meistara Muji Ichien statujā (1312, anonīms autors), polihromā kokā, kas attēlo dzena meistaru sēžam tronī. meditācijas attieksme atvieglota.
Darbu kvalitātei īpaši svarīga bija Heiana perioda Džočo skolas mantiniece Kei Nara skola, kur arī tēlnieks Unkei, mūku Mučaku un Sešina (Nara Kōfuku-ji) statuju autors. kā Kongo Rikiši (aizbildņu garu) attēli, piemēram, divas kolosālas statujas, kas atrodas pie 8 metrus augstā Tōdai-ji tempļa ieejas (1199).
Unkei stils, ko ietekmējis Songu dinastijas ķīniešu skulptūras, bija ļoti reālistisks, vienlaikus tverot visdetalizētāko fiziognomisko pētījumu ar attēlotā indivīda emocionālo izteiksmi un iekšējo garīgumu.
Acīs pat tika iestrādāti tumši kristāli, lai piešķirtu lielāku izteiksmīgumu. Unkei darbs iezīmēja japāņu portretēšanas sākumu. Viņa dēls Tankei, grāmatas Kannon Senju autors Sanjūsangen-dō, turpināja savu darbu.
Gleznu raksturoja paaugstināts reālisms un psiholoģiska pašsajūta. Ainavas dizains (Nachi ūdenskritums) un portrets Monk Myoe in Contemplation, autors Enichi-bo Jonin; portretu komplekts no Jingo-ji tempļa Kioto, Fudživara Takanobu; Galvenokārt tika izstrādāts Gošina imperatora Hanazono portrets.
Yamato-e režīms turpinājās, un attēli tika izskaidroti ruļļos, daudzi no tiem vairākus metrus gari. Šajos manuskriptos bija attēlotas ikdienas dzīves detaļas, pilsētas vai lauku ainas vai ilustrēti vēsturiski notikumi, piemēram, 1159. gada Kioto karš starp konkurējošām imperatora ģimenes atzariem.
Tie tika prezentēti nepārtrauktās ainās, ievērojot stāstījuma secību, ar paaugstinātu panorāmu, taisnā līnijā. Izceļas ilustrētie Heidži laikmeta notikumu ruļļi (Heiji monogatari) un Enichi-bo Jonin Kegon Engi ruļļi.
Gleznā, kas saistīta ar Zen organizāciju, bija tiešāka ķīniešu ietekme, izmantojot vienkāršu ķīniešu tintes līniju paņēmienu, kas seko Zen diktam, ka "pārāk daudz krāsu padara acis".
Muromači periods (1392-1573)
Šogunāts atrodas Ašikagas rokās, kuru iekšējās cīņas veicina augošo daimyō spēku, kas sadala zemi. Arhitektūra bija elegantāka un būtībā japāņu, un tajā bija iespaidīgas savrupmājas, klosteri, piemēram, Zuihoji, un tempļi, piemēram, Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji vai Zelta paviljons (1397) un Ginkaku-ji. o Sudraba paviljons (1489), Kioto.
Kinkaku-ji tika uzcelta kā Shogun Ashikaga Yoshimitsu atpūtas ciemats kā daļa no viņa domēna ar nosaukumu Kitayama. Viņa dēls pārveidoja ēku par Rinzai sektas templi. Tā ir trīsstāvu ēka, no kurām pirmās divas pārklātas ar tīru zelta lapu. Paviljons darbojas kā šeridens, kas aizsargā Budas relikvijas.
Tajā ir arī dažādas Budas un Bodhisatvas statujas, un uz jumta stāv zelta fenhuangs. Tai ir arī skaists blakus dārzs ar dīķi Kyōko-chi ar daudzām salām un akmeņiem, kas atspoguļo budistu radīšanas stāstu.
Savukārt Ginkaku-ji uzbūvēja šoguns Ašikaga Jošimasa, kurš centās atdarināt sava senča Jošimitsu celto Kinkaku-ji, taču diemžēl viņš nevarēja apklāt ēku ar sudrabu, kā bija plānots.
Šī perioda arhitektūrai raksturīgs arī tokonomas izskats — telpa, kas paredzēta gleznas vai ziedu kompozīcijas apcerei, ievērojot dzen estētiku. Tāpat tika ieviests no rīsu salmiem izgatavots paklājiņa veids tatami, kas padarīja japāņu mājas interjeru patīkamāku.
Šajā laikā īpaši attīstījās dārzkopības māksla, ieliekot japāņu dārza mākslinieciskos un estētiskos pamatus. Radās divi galvenie veidi: tsukiyama, ap kalnu un ezeru; un hiraniwa, līdzens grābtu smilšu dārzs ar akmeņiem, kokiem un akām.
Visbiežāk veģetāciju veido bambuss un dažāda veida ziedi un koki, vai nu mūžzaļi, piemēram, japāņu melnā priede, vai lapu koki, piemēram, japāņu kļava, tiek novērtēti arī tādi elementi kā papardes un putas.
Bonsai ir vēl viens tipisks dārzkopības un interjera dizaina elements. Dārzos bieži ir ezers vai dīķis, dažāda veida paviljoni (parasti tējas ceremonijai) un akmens laternas. Viena no japāņu dārza, tāpat kā pārējā mākslā, raksturīgajām iezīmēm ir tā nepilnīgais, nepabeigtais un asimetrisks izskats.
Ir dažādi dārzu veidi: “staigājošie”, kurus var redzēt ejot pa taciņu vai ap dīķi; no "dzīvojamās istabas", kas redzama no noteiktas vietas, parasti paviljona vai machiya tipa būdiņas.
Te (rōji), ap taciņu, kas ved uz tējas istabu, ar bakdosīna flīzēm vai akmeņiem, kas iezīmē ceļu; un "kontemplācija" (karesansui, "kalnu un ūdens ainava"), kas ir tipiskākais dzen dārzs, skatoties no platformas, kas atrodas Zen klosteros.
Labs piemērs ir gleznotāja un dzejnieka Sōami (1480) tā sauktā Ryōan-ji dārza Kioto bezūdens ainava, kas attēlo jūru, kas veidota no grābtām smiltīm, pilna ar salām, kas ir klintis. , veidojot veselumu, kas apvieno realitāti un ilūzijas un kas aicina nomierināties un pārdomāt.
Tika atzīmēta glezniecības atdzimšana, kas ierāmēta dzen estētikā, kas saņēma juaņu un Ming dinastiju ķīniešu ietekmi, kas galvenokārt atspoguļojās dekoratīvajā mākslā.
Tika ieviesta guaša tehnika, perfekta dzen doktrīnas transkripcija, kuras mērķis ir atspoguļot ainavās to, ko tās nozīmē, nevis to, ko tās attēlo.
Izcēlās bunjinso figūra, "intelektuālais mūks", kurš radīja savus darbus, zinātnieki un ķīniešu tehnikas sekotāji ar vienkrāsainu tinti, īsos un izkliedētos otas triepienos, kurš savos darbos atspoguļoja dabas elementus, piemēram, priedes, niedres, orhidejas, bambusus. , akmeņi, koki, putni un cilvēku figūras iegrimušas dabā, meditācijas attieksmē.
Japānā šo ķīniešu tintes tehniku sauca par sumi-e. Pamatojoties uz septiņiem dzena estētiskajiem principiem, sumi-e centās atspoguļot visintensīvākās iekšējās emocijas, izmantojot vienkāršību un eleganci, vienkāršās un pieticīgās līnijās, kas pārsniedz to ārējo izskatu, lai apzīmētu kopības stāvokli ar dabu.
Sumi-e bija līdzeklis (dō) iekšējā garīguma atrašanai, to izmantoja mūki. Tintes smalkās un izkliedētās īpatnības ļāva māksliniekam tvert lietas būtību vienkāršā un dabiskā iespaidā, bet tajā pašā laikā dziļā un pārpasaulīgā iespaidā.
Tā ir instinktīva ātras izpildes māksla, ko nav iespējams retušēt, fakts, kas vieno to ar dzīvi, kur nav iespējams atgriezties pie padarītā. Katrs zīmējums nes dzīvības enerģiju (ki), jo tas ir radīšanas akts, kurā prāts tiek iedarbināts un process ir svarīgāks par rezultātu.
Nozīmīgākie sumi-e pārstāvji bija: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei un, galvenais, Sesshū Tōyō, portretu un ainavu autors, pirmais mākslinieks, kurš gleznojis, būdams dzīvs. Sešū bija Gaso, mūks-gleznotājs, kurš no 1467. līdz 1469. gadam ceļoja uz Ķīnu, kur studēja mākslu un dabas ainavu.
Viņa ainavas sastāv no lineārām struktūrām, ko izgaismo pēkšņa gaisma, kas atspoguļo dzen konceptu par pārpasaulīgo mirkli. Tās ir ainavas ar anekdotisku elementu klātbūtni, piemēram, tempļiem tālumā vai mazām cilvēku figūriņām, kas ierāmētas nomaļās vietās, piemēram, klintīs.
Ir radies arī jauns poētiskās glezniecības žanrs shinjuku, kur ainava ilustrē naturālistiski iedvesmotu dzejoli. Pieminēšanas vērta ir arī Kanō Masanobu dibinātā Kanō skola, kas guašas tehniku pielieto tradicionālajos mācību priekšmetos, ilustrējot sakrālās, nacionālās un ainavas tēmas.
Mazgāšana tika uzklāta arī uz fusuma bīdāmo durvju krāsotajiem ekrāniem un paneļiem, kas ir Japānas interjera dizaina iezīmes. Keramikā izceļas setu skola, populārākā tipoloģija ir tenmoku. Laka un metāla priekšmeti ir arī ievērojami piemēri no šī perioda.
Azuchi–Momoyama periods (1573–1603)
Līdz tam laikam Japānu atkal apvienoja Oda Nobunaga, Tojotomi Hidejosi un Tokugava Iejasu, kas likvidēja daimjo un nāca pie varas.
Viņa mandāts sakrita ar portugāļu tirgotāju un jezuītu misionāru ierašanos, kuri ieviesa valstī kristietību, lai gan sasniedza tikai mazākumu.
Šī laika mākslinieciskā produkcija attālinājās no budisma estētikas, akcentējot tradicionālās japāņu vērtības, ar eksplozīvu stilu. Korejas iebrukums 1592. gadā izraisīja daudzu korejiešu mākslinieku piespiedu pārvietošanu uz Japānu, kuri dzīvoja keramikas ražošanas centros, kas bija izolēti no pārējiem.
Tāpat šajā periodā tika saņemtas pirmās Rietumu ietekmes, kas atspoguļotas Namban stilā, izstrādātas miniatūrisma tēlniecībā, ar laicīgu tēmu, dekoratīvi porcelāna priekšmeti un salokāmi ekrāni, kas dekorēti Yamato-e stilā, spilgtās krāsās un zelta lapās, ainās, kas stāsta par eiropiešu ierašanos Japānas piekrastē.
Perspektīvajām tehnikām, kā arī citiem Eiropas glezniecības variantiem, piemēram, eļļas glezniecības izmantošanai, Japānas mākslas formā nebija pamata.
Arhitektūrā īpaši izceļas lielo piļu celtniecība (shiro), kuras nostiprināja Rietumu izcelsmes šaujamieroču ieviešana Japānā. Labi piemēri ir Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō un Fushimi-Momoyama pilis.
Himeji pils, viena no lielākajām tā laika būvēm, apvieno masīvus nocietinājumus ar vertikāla izskata konstrukcijas eleganci, piecos koka un ģipša stāvos ar maigi izliektām jumta formām, kas ir līdzīgas tradicionālajiem japāņu tempļiem.
Ir izplatījušies arī lauku stila tējas ceremoniju ciemati, kas sastāv no nelielām villām vai pilīm un lieliem dārziem, un dažās pilsētās ir uzcelti koka teātri kabuki izrādēm.
Glezniecības jomā Kanō skola uzņem lielāko daļu oficiālu pasūtījumu, izstrādājot galveno Japānas piļu sienu gleznojumus, bija nozīmīgas personas, vārdā Kanō Eitoku un Kanō Sanraku.
Pilīm, kas bija vāji apgaismotas ar šaurajām aizsardzības atverēm, tika izveidotas savdabīgas starpsienas ar zeltainu fonu, kas atspoguļoja gaismu un izkliedēja to pa visu telpu, ar lieliem sienas gleznojumiem, kas dekorēti ar varonīgām ainām, piemēram, dzīvniekiem. piemēram, tīģeri un pūķi, vai ainavas ar dārzu, dīķu un tiltu klātbūtni, vai četros gadalaikos, kas tajā laikā bija diezgan izplatīta tēma.
Ievērojami attīstījusies arī sietspiede, parasti ar nolietotām tintēm, ievērojot sumi-e stilu, kā tas redzams Hasegawa Tōhaku (priežu mežs) un Kaihō Yūshō (priede un plūme mēness gaismā) darbos. Tika izcelta arī Tawaraya Sōtatsu, liela dinamisma darbu autora, figūra manuskriptu ruļļos, ekrānos un vēdekļos.
Viņš radīja lirisku un dekoratīvu stilu, iedvesmojoties no Heiana laikmeta waka skripta, ko sauca par rinpu, radot darbus ar izcilu vizuālo skaistumu un emocionālu intensitāti, piemēram, Gendži stāsts, Efejas ceļš, pērkona un vēja dievi. utt.
Keramikas ražošana sasniedza liela uzplaukuma brīdi, izstrādājot produktus tējas ceremonijai, iedvesmojoties no korejiešu keramikas, kuras zemnieciskums un nepabeigtais izskats lieliski atspoguļo dzen estētiku, kas caurstrāvo tējas rituālu.
Parādījās jauni dizaini, piemēram, nezumi šķīvji un koganas ūdens krūzes, parasti ar baltu korpusu, kas ieliets laukšpata slānī un dekorēts ar vienkāršiem dizainiem, kas izgatavoti no dzelzs āķa. Tā bija bieza keramika ar glazētu izskatu, ar nepabeigtu apstrādi, kas radīja nepilnības un ievainojamības sajūtu.
Seto palika galvenais ražotājs, savukārt Mīno pilsētā radās divas nozīmīgas skolas: Shino un Oribe. Tika atzīmēta arī Karatsu skola un divi oriģinālie keramikas veidi:
Iga, ar raupju tekstūru un biezu glazūras kārtu, ar dziļām plaisām; un Bizen, neglazēti sarkanbrūni māla trauki, joprojām mīksti, noņemti no riteņa, lai radītu nelielas dabiskas plaisas un iegriezumus, kas piešķīra tai trauslu izskatu, joprojām ievērojot Zen nepilnības estētiku.
Viens no šī laika labākajiem māksliniekiem bija Honami Kōetsu, kurš izcēlās ar glezniecību, dzeju, dārzkopību, lakām utt. Apmācīts Heiana perioda mākslinieciskajās tradīcijās un Šoreņina kaligrāfijas skolā, viņš nodibināja amatnieku koloniju Takagamine pilsētā netālu no Kioto ar zemi, ko dāvināja Tokugava Iejasu.
Apmetni uzturējuši Nichiren budistu skolas amatnieki, un tajā ir tapuši vairāki augstas kvalitātes darbi. Viņi specializējās lakotajos izstrādājumos, galvenokārt biroja aksesuāros, kas dekorēti ar zelta un perlamutra inkrustācijām, kā arī dažādiem tējas ceremonijas piederumiem un traukiem, izceļot pilnvērtīgo fujisan bļodu. sarkanīgi pārklātas ar melnām biksītēm un virsū necaurspīdīgs ledains baltums, kas rada sniegputeņa efektu.
Edo periods (1603-1868)
Šis mākslas periods atbilst Tokugavas vēsturiskajam periodam, kad Japāna bija slēgta visiem ārējiem kontaktiem. Galvaspilsēta tika izveidota Edo, nākotnes Tokijā. Kristieši tika vajāti, un Eiropas tirgotāji tika padzīti.
Neraugoties uz vasaļu sistēmu, tirdzniecība un amatniecība ir izplatījusies, izraisot buržuāzisko šķiru, kas pieauga savā varā un ietekmēja sevi un veltīja sevi mākslas, īpaši apdrukas, keramikas, lakas izstrādājumu un izstrādājumu popularizēšanai. tekstilizstrādājumi.
Visreprezentatīvākie darbi ir Katsura pils Kioto un Tōshō-gū mauzolejs Nikko (1636), kas ir daļa no Nikkō svētnīcām un tempļiem, kurus 1999. gadā UNESCO pasludināja par Pasaules mantojuma vietām.
Kaut kāds šinto-budistu savienības žanrs ir šoguna Tokugawa Ieyasu mauzolejs. Templis ir stingri simetriska struktūra ar krāsainiem reljefiem, kas aptver visu redzamo virsmu. Izceļas tās krāsainās konstrukcijas un pārslogotie ornamenti, kas atšķiras no tā laika tempļu stiliem.
Interjerus rotā detalizēti laku grebumi košās krāsās un meistarīgi krāsoti paneļi. Katsura pils (1615-1662) tika uzcelta pēc dzena iedvesmota asimetriska plāna, kur ārējās fasādes taisnās līnijas kontrastē ar apkārtējā dārza līkumainību.
Tā kā villa bija imperatora ģimenes atpūtas vieta, tā sastāvēja no galvenās ēkas, vairākām piebūvēm, tējas istabām un 70000 XNUMX metru parka. Galvenā pils, kurai ir tikai viens stāvs, ir sadalīta četrās piebūvēs, kas satiekas stūros.
Visai ēkai ir noteiktas iezīmes, ka tā ir celta uz pīlāriem, un virs tiem ir vairākas telpas ar sienām un durvīm, dažās ar Kanō Tan'yū gleznām.
Šim periodam raksturīgas arī tējas namiņi (chashitsu), parasti mazas koka ēkas ar salmu jumtiem, ko ieskauj dārzi šķietami pamestā stāvoklī, ar ķērpjiem, sūnām un kritušām lapām, ievērojot Zen koncepciju. pārpasaulīgu nepilnību.
Mākslas un intelektuālās attīstības sākums
Šajā periodā Japāna pakāpeniski pētīja Rietumu metodes un zinātnes sasniegumus (sauktu par rangaku), izmantojot informāciju un grāmatas, kas tika saņemtas no holandiešu tirgotājiem Dedžimā.
Visvairāk pētītās jomas bija ģeogrāfija, medicīna, dabaszinātnes, astronomija, māksla, valodas, fizikālie jēdzieni, piemēram, elektrisko un mehānisko parādību izpēte. Notika arī liela matemātikas attīstība, kas bija pilnīgi neatkarīga no Rietumu pasaules. Šo spēcīgo straumi sauca par wasan.
Neokonfūcisma uzplaukums bija šī perioda lielākā intelektuālā attīstība. Budistu garīdznieki konfūcismu pētīja jau ilgu laiku, taču šajā periodā šī uzskatu sistēma piesaistīja lielu uzmanību cilvēka un sabiedrības koncepcijai.
Ētiskais humānisms, racionālisms un konfūciānisma vēsturiskā perspektīva tika uzskatīta par sociālo modeli. XNUMX. gadsimta vidū konfūcisms kļuva par dominējošo tiesību filozofiju un tiešā veidā veicināja nacionālās izglītības sistēmas, kokugaku, attīstību.
Viņa galvenais tikums šogunālajam režīmam bija uzsvars uz hierarhiskām attiecībām, padevību. uz augšu. un paklausība, kas attiecas uz visu sabiedrību un veicina feodālās iekārtas saglabāšanos.
Tekstilmāksla ieguva lielu nozīmi, galvenokārt zīds, kas sasniedza augstākās kvalitātes līmeni, tāpēc telpās bieži tika karinātas zīda kleitas (kimono) košās krāsās un izsmalcinātā dizainā. atdalīti, it kā tie būtu ekrāni.
Ir izmantotas dažādas tehnikas, piemēram, krāsošana, izšūšana, brokāts, reljefs, aplikācijas un roku apgleznošana. Zīds bija pieejams tikai augstākajām klasēm, savukārt cilvēki, kas bija ģērbušies kokvilnā, izgatavoti, izmantojot Indonēzijas ikat tehniku, vērpti pa daļām un krāsoti indigo, mainot balto.
Vēl viens nekvalitatīvāks paņēmiens bija dažādu krāsu kokvilnas diegu aušana ar paštaisītām krāsvielām batikas stilā, izmantojot rīsu pastu un vārītas un aglomerētas rīsu klijas.
Jāpiebilst, ka tāpat kā japāņu mākslu XNUMX. gadsimtā ietekmēja Rietumu māksla, to ietekmēja arī japāņu mākslas eksotika un dabiskums. Tā Rietumos dzima tā sauktais japonisms, kas galvenokārt attīstījās XNUMX. gadsimta otrajā pusē, īpaši Francijā un Lielbritānijā.
Tas atklājās tā sauktajās Japonerijās, priekšmetos, kas iedvesmojušies no japāņu apdrukas, porcelāna, lakas, vēdekļiem un bambusa priekšmetiem, kas kļuvuši moderni gan mājas dekorācijās, gan daudzos personīgos apģērbos, kas atspoguļo japāņu kultūras fantāziju un dekorāciju.Japāņu estētika .
Glezniecībā ukiyo-e skolas stils tika uzņemts ar entuziasmu, un Utamaro, Hiroshige un Hokusai darbi tika augstu novērtēti. Rietumu mākslinieki atdarināja japāņu glezniecības vienkāršoto telpisko konstrukciju, vienkāršas kontūras, kaligrāfisko stilu un naturālistisko jūtīgumu.
Mūsdienu laiki (kopš 1868. gada)
Meiji periodā (1868-1912) Japānā sākās dziļa kultūras, sociālā un tehnoloģiskā renesanse, kas vairāk pavērās ārpasaulei un sāka ietvert jaunus sasniegumus, kas gūti Rietumos. 1868. gada harta atcēla feodālās privilēģijas un šķiru atšķirības, kas neveicināja nabadzīgo proletāriešu šķiru uzlabošanos.
Sākās spēcīga imperiālistiskā ekspansionisma periods, kas noveda pie Otrā pasaules kara. Pēc kara Japānā notika demokratizācijas un ekonomiskās attīstības process, kas padarīja to par vienu no pasaules vadošajām ekonomikas lielvarām un vadošo rūpnieciskās ražošanas un tehnoloģisko inovāciju centru. Meiji laikmetam sekoja Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) un Heisei (1989-) laikmets.
Kopš 1930. gada progresīvā militarizācija un ekspansija Ķīnā un Dienvidāzijā, līdz ar to militārajam budžetam piešķirto resursu palielināšanās, ir izraisījusi mākslas mecenātisma samazināšanos. Taču līdz ar pēckara ekonomikas uzplaukumu un ar valsts industrializāciju sasniegto jauno uzplaukumu māksla atdzima, kultūras globalizācijas procesa dēļ jau pilnībā iegrimusi starptautiskajās mākslas kustībās.
Tāpat ekonomiskā labklājība veicina kolekcionēšanu, daudzu muzeju un izstāžu centru izveidi, kas palīdzēja izplatīties un saglabāt Japānas un starptautisko mākslu. Reliģiskajā jomā šintoisma kā vienīgās oficiālās reliģijas (Shinbutsu bunri) izveidošanās Meiji laikmetā noveda pie budistu tempļu un mākslas darbu pamešanas un iznīcināšanas, kas būtu bijis nelabojams bez Ernesta Fenollosas, filozofija. no Tokijas Imperiālās universitātes.
Kopā ar magnātu un mecenātu Viljamu Bigelovu viņš saglabāja lielu skaitu darbu, kas audzināja budistu mākslas kolekciju Tēlotājmākslas muzejā Bostonā un Frīras mākslas galeriju Vašingtonā, divas no labākajām Āzijas mākslas kolekcijām. pasaule..
Arhitektūrai ir divkāršs virziens: tradicionālais (Yasukuni svētnīca, Heian Jingu un Meiji tempļi Tokijā) un Eiropas ietekmētais, kurā tiek integrētas jaunas tehnoloģijas (Yamato Bunkakan muzejs, Iso Hachi Yoshida, Narā).
Westernizācija izraisīja jaunu ēku, piemēram, banku, rūpnīcu, dzelzceļa staciju un sabiedrisko ēku celtniecību, kas celtas ar Rietumu materiāliem un tehnikām, sākotnēji imitējot angļu Viktorijas laikmeta arhitektūru. Japānā strādājuši arī daži ārvalstu arhitekti, piemēram, Frenks Loids Raits (viesnīca Imperial, Tokija).
Arhitektūra un urbanistika saņēma lielu stimulu pēc Otrā pasaules kara, jo bija nepieciešams atjaunot valsti. Tad parādījās jauna arhitektu paaudze.
Kenzo Tange vadībā, tādu darbu autors kā Hirosimas Miera memoriālais muzejs, Svētās Marijas katedrāle Tokijā, Olimpiskais stadions 1964. gada Tokijas olimpiskajām spēlēm u.c.
Tanges studenti un sekotāji radīja arhitektūras jēdzienu, kas tiek saprasts kā "vielmaiņa", redzot ēkas kā organiskas formas, kas jāpielāgo funkcionālajām vajadzībām.
Kustība, kas dibināta 1959. gadā, domāja izveidot apdzīvotības centru, kura priekšnoteikums bija izveidot virkni ēku, kas mainās atkarībā no ārējām izmaiņām, it kā tas būtu organisms.
Tās dalībnieki bija Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe un Kiyonori Kikutake. Vēl viens pārstāvis bija Maekawa Kunio, kurš kopā ar Tange ieviesa vecās japāņu estētiskās idejas stingrās mūsdienu ēkās.
Atkal izmantojot tradicionālās metodes un materiālus, piemēram, tatami paklāju un pīlāru izmantošanu, tradicionālu būvniecības elementu Japānas tempļos vai dārzu un skulptūru integrāciju viņa darbos. Neaizmirstu izmantot vakuuma tehniku, to pētīja Fumihiko Maki telpiskajās attiecībās starp ēku un tās apkārtni.
Kopš 1980. gadiem postmodernā māksla Japānā ir stingri nostiprinājusies, kopš seniem laikiem raksturīga populārā elementa saplūšana ar formu izsmalcinātību.
Šo stilu galvenokārt pārstāvēja Kitakjušu mākslas muzeja un Kioto koncertzāles autors Arata Isozaki. Isozaki mācījās pie Tanges un savā darbā sintezēja rietumu koncepcijas ar Japānai raksturīgām telpiskām, funkcionālām un dekoratīvām idejām.
No savas puses Tadao Andō ir izstrādājis vienkāršāku stilu, ļoti rūpējoties par gaismas un atvērto telpu ieguldījumu ārējā gaisā (Kapela uz ūdens, Tomanu, Hokaido; Gaismas baznīca, Ibaraki, Osaka; muzejs Bērni, Himeji).
Šigeru Banu raksturoja netradicionālu materiālu, piemēram, papīra vai plastmasas, izmantošana: pēc Kobes zemestrīces 1995. gadā, kuras rezultātā daudzi cilvēki palika bez pajumtes, Bans sniedza savu ieguldījumu, izstrādājot Delo, kas kļuva pazīstams kā Papīra māja un Papīra baznīca, visbeidzot, Toyō Itō pētīja pilsētas fizisko tēlu digitālajā laikmetā.
Tēlniecībā ir arī tradīciju un avangarda dualitāte, izceļot Joši Kimuči un Romorini Toyofuku vārdus, papildus abstraktajiem Masakazu Horiuchi un Yasuo Mizui, pēdējais dzīvo Francijā. Isamu Noguchi un Nagare Masayuki ir apvienojuši savas valsts bagātās tēlniecības tradīcijas darbos, kas pēta kontrastu starp materiāla raupjumu un slīpējumu.
Glezniecība arī sekoja diviem virzieniem: tradicionālajam (nihonga) un rietumu (yōga), neskatoties uz abu pastāvēšanu, Tomioka Tessai figūra saglabājās 20. gadsimta sākumā. Savukārt nihonga stils tika pastiprināts beigās no Mākslas kritiķa Okakura Kakuzo un pedagoga Ernesta Fenollosa 19. gs.
Tradicionālā māksla meklē japāņu jūtīguma arhetipisku izpausmes veidu, lai gan šis stils ir saņēmis arī zināmu Rietumu ietekmi, īpaši no prerafaelīta un romantisma. Viņu galvenokārt pārstāvēja Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison un Kobayashi Kokei.
Eiropas stila glezniecību pirmo reizi audzināja XNUMX. gadsimta beigās Eiropā lietotās tehnikas un tēmas, kas galvenokārt saistītas ar akadēmismu, piemēram, Kuroda Seiki, kurš vairākus gadus studēja Parīzē, bet pēc tam turpināja. dažādas straumes, kas notika Rietumu mākslā:
Hakuba Kai grupa pārņēma impresionisma ietekmi; abstraktajā glezniecībā bija Takeo Yamaguchi un Masanari Munay kā galvenie varoņi; Starp figurāliem māksliniekiem bija Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen un Higashiyama Kaii. Daži mākslinieki ir apmetušies uz dzīvi ārpus savas valsts, piemēram, Dženičiro Inokuma ASV un Tsuguharu Foujita Francijā.
Taišo yōga stils, kas visvairāk ietekmēja nihongas, lai gan arvien plašākā gaismas izmantošana un Eiropas perspektīva mazināja atšķirības starp abām strāvām.
Tāpat kā nihonga lielā mērā pārņēma postimpresionisma jauninājumus, yōga izrādīja tieksmi uz eklektismu, kas radās no dažādām atšķirīgām mākslas kustībām.
Šim posmam tika izveidota Japānas Tēlotājmākslas akadēmija (Nihon Bijutsu In). Shōwa laikmeta glezniecību iezīmēja Yasuri Sotaro un Umehara Ryuzaburo darbi, kuri Nihonga tradīcijās ieviesa tīrās mākslas un abstraktās glezniecības jēdzienus.
1931. gadā tika nodibināta Neatkarīgā mākslas asociācija ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ), lai veicinātu avangarda mākslu.
Jau Otrajā pasaules karā valdības tiesību aktos skaidri tika uzsvērtas patriotiskās tēmas. Pēc kara mākslinieki atkal parādījās lielajās pilsētās, īpaši Tokijā.
Radīt urbāno un kosmopolītisku mākslu, kas veltīta starptautiski radītajām stilistiskajām inovācijām, īpaši Parīzē un Ņujorkā. Pēc sešdesmito gadu abstraktajiem stiliem septiņdesmitie atgriezās pie reālisma, ko iecienījis popārts, ko apzīmē Šinoharas Ušio darbi.
Pārsteidzoši, ka 1970. gadu beigās notika kas interesants, tas ir, ka notika atgriešanās pie tradicionālās japāņu mākslas, kurā viņi saskatīja lielāku ekspresivitāti un emocionālo spēku.
Grafikas tradīcijas turpinājās XNUMX. gadsimtā, izmantojot "radošo izdruku" (sosaku hanga) stilu, ko zīmējuši un veidojuši mākslinieki, vēlams nihonga stilā, piemēram, Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi un Munakata Shiko.
Starp jaunākajām tendencēm Gutai grupai bija laba reputācija tā sauktajā darbības mākslā, kas Otrā pasaules kara pieredzi ar ironijas pārņemtām darbībām pielīdzināja ar lielu spriedzes sajūtu un latentu agresivitāti.
Gutai grupa sastāvēja no: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto un Katsuō Shiraga. Saistīti ar postmoderno mākslu, vairāki mākslinieki, iesaistījušies nesenajā globalizācijas fenomenā, ko raksturo māksliniecisko izpausmju multikulturālisms.
Šigeo Toija, Jasumasa Morimura. Citi ievērojami mūsdienu japāņu mākslinieki ir: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 un Takashi Murakami.
Ja šis raksts jums šķita interesants, mēs aicinām jūs izbaudīt citus: