예술가의 마음은 상상할 수 없는 것을 창조할 수 있고, 세계의 많은 트렌드와 스타일이 그것을 증명하지만, 많은 사람들에게, 아마도 아무도 없을 뿐만 아니라 표현주의. XNUMX세기 후반에 탄생한 이 매혹적인 예술 스타일에 빠져보세요.
표현주의란?
표현주의는 객관적 현실이 아닌 주관적 현실을 표현하고자 하는 예술적 양식이다. 의도는 대상과 사건이 사람 내부에서 불러일으키는 감정과 반응을 반영하는 것입니다. 작가는 왜곡, 과장, 원시주의, 환상을 통해 이 주관적인 현실을 포착하고 형식적 요소를 생생하고 거슬리며 폭력적이거나 역동적으로 적용합니다.
표현주의는 매우 개인적이고 강렬한 예술 형식으로, 제작자는 현실의 전통적인 표현에서 벗어나 자신의 작품에서 자신의 친밀한 감정과 생각을 전달하려고 합니다. 이 흐름의 특징은 회화에 대한 결정적인 영향으로, 관객에게 최대한의 영향을 미치려는 시도는 일반적으로 강한 윤곽과 눈에 띄는 색상을 선호하여 표현의 정확성을 희생하거나 왜곡하지만 이것이 모든 경우에 적용되는 것은 아닙니다. .
구성은 일반적으로 단순하고 직접적이며 두꺼운 페이스트 페인트가 자주 사용되며 매우 자유로운 방식으로 적용되는 느슨한 붓놀림과 이따금 상징주의를 사용하며 메시지가 가장 중요합니다.
표현주의는 XNUMX세기 말에서 XNUMX세기 초 사이에 발달한 주요 예술 흐름 중 하나이며, 광범위한 현대 예술가와 예술 운동의 전형인 매우 주관적이고 개인적이며 자발적인 자기 표현의 특성을 가지고 있습니다.
이것은 적어도 유럽 중세 이후, 특히 사회 변화나 영적 위기의 시대부터 게르만과 북유럽 예술의 영구적인 경향으로 볼 수 있으며, 이러한 의미에서 이탈리아 등에서 높이 평가되었던 합리주의와 고전주의의 반대 경향이 되었습니다. 프랑스에서 저녁
XNUMX세기 초, 이 예술적 경향은 부르주아 문화에 대한 저항과 신선하고 젊은 창의성에 대한 열렬한 탐색에 힘입어 유럽을 휩쓸었습니다. 표현주의 예술가와 표현주의 예술은 자아, 정신, 신체, 성, 자연 및 정신을 강조합니다.
시대의 경향과 다른 스타일 또는 운동으로서의 표현주의는 XNUMX 차 세계 대전 이전에 인기를 얻었고 그 사이의 많은 기간 동안 인기를 얻은 일련의 독일, 오스트리아, 프랑스 및 러시아 예술가에 중점을 둡니다. .
프랑스에서는 네덜란드인 반 고흐가 그의 이상하고 괴로워하며 다채로운 정신을 탐구하고 드러내고 있는 반면, 독일에서는 러시아인 바실리 칸딘스키가 현대 세계의 소외에 대한 해독제로서 예술의 영성을 탐구하고 있었다. 오스트리아, Egon Schiele 및 Oskar Kokoschka는 섹슈얼리티, 죽음 및 폭력과 같은 문제를 해결함으로써 사회의 도덕적 위선에 맞서 싸웠습니다.
Edvard Munch는 마침내 환경, 자아, 정신에 대한 거칠고 강렬한 표현으로 노르웨이와 유럽 전역에 영향을 미치게 되었습니다. 이 예술가들은 함께 표면 아래에서 휘젓고 있었고 오늘날에도 여전히 우리에게 친숙한 매우 원시적이고 진실하며 시대를 초월한 질문, 주제 및 투쟁을 해결했습니다.
그렇기 때문에 이러한 예술가들과 이 특정한 시기 이후에도 표현주의 미술이 다양한 모습으로 지속되어 오늘날에도 표현주의가 살아있다고 할 수 있다.
처음
XNUMX세기 초 서유럽에서는 사회가 빠른 속도로 진화하고 있었고, 제조업과 통신 분야의 혁신과 함께 강렬한 산업화가 대륙을 거의 폭풍처럼 몰아쳤으며, 종종 세계에 불쾌감을 안겨주었습니다. 공공의.
기술의 눈부신 성장과 대도시의 도시화는 자연 세계로부터의 고립감과 단절감을 가져왔습니다. 이러한 감정과 불안이 그 시대의 예술을 통해 표면화되거나 오히려 피를 흘리기 시작한 것은 이해할 수 있습니다. 오늘날 우리가 알고 있는 표현주의를 창조한 두 그룹의 예술가들: 디 브루크 y Der Blaue Reiter, 둘 다 XNUMX세기 초 독일에서 형성되었습니다.
드레스덴의 XNUMX명의 건축학과 학생들은 디 브뤼케 (다리). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Ernst Ludwig Kirchner 하려고 노력했다 다리 현대 세계에서 영감을 받은 부자연스러운 모양, 색상 및 구성을 사용하여 강렬한 감정적 반응을 불러일으키는 예술의 미래로.
그의 작품은 프랑스의 야수파 운동과 매우 흡사하다. 앙리 마티스, 특히 밝은 색상과 비정형적인 모양을 사용하여 여러 감정을 전달하려는 의도로 사용됩니다. 디 브뤼케 그것은 예술에서 수세기에 걸친 사실주의에 대한 젊고 혁신적인 반대와 반응을 의도했습니다. 1906년에 그들은 다음과 같은 내용을 담은 목판화로 선언문을 만들었습니다.
“지속적인 진화에 대한 믿음으로 새로운 세대의 창작자와 감상자에게 우리는 모든 젊은이들을 하나로 모읍니다. 그리고 미래를 짊어지고 가는 청년으로서 우리는 낡고 굳건한 권력에 맞서 스스로의 이동과 삶의 자유를 얻고자 합니다. 그를 창조하게 한 원동력을 직접적이고 진정성 있게 표현하는 사람이 바로 우리 중 하나입니다.” 키르히너 (1906)
이 행동 촉구를 통해 젊은 서유럽 예술가들은 새로운 예술 운동인 표현주의를 구축하는 도전적인 과제를 받았습니다.
무브먼트 아티스트 디 브뤼케 그들은 주로 그들을 둘러싼 새로운 근대성, 산업화 및 도시주의의 거대한 혼돈을 묘사하는 데 집중했습니다. 그들은 과장되고 들쭉날쭉한 봉우리와 생생한 색상으로 도시 풍경을 그렸습니다.
한계를 넘어 야수보다 훨씬 더, 디 브뤼케 그는 자신의 개인적인 비전과 의미를 무시하지 않고 지하 독일 나이트 클럽 문화, 하류 계급 퇴폐, 모든 감정과 불편을 공연에 통합했습니다.
이 비공식적 협회는 그들이 학문적 인상주의의 피상적 자연주의라고 본 것에 반항했습니다. 그들은 독일 예술에 그들이 부족하다고 느꼈던 영적 활력을 다시 불어넣고 싶었고, 요소적이고 지극히 개인적이고 자연스러운 표현을 통해 그렇게 하려고 했습니다. Die Brücke의 초기 구성원은 곧 독일인 Emil Nolde, Max Pechstein 및 Otto Müller에 합류했습니다. 표현주의자들은 1890년대의 그들의 전임자들에게 영향을 받았습니다.
그들은 또한 아프리카 목각과 Albrecht Dürer, Matthias Grünewald, Albrecht Altdorfer와 같은 북유럽 중세 및 르네상스 예술가들의 작품에 관심이 있었습니다. 두꺼운 들쭉날쭉한 선과 거친 색조 대비가 있는 목판화는 독일 표현주의자들이 가장 좋아하는 매체였습니다.
Die Brücke 예술가의 작품은 유럽의 다른 지역에서 표현주의를 자극했습니다. 오스트리아의 오스카 코코슈카(Oskar Kokoschka)와 에곤 쉴레(Egon Schiele)는 고뇌에 찬 붓놀림과 각진 선을, 프랑스의 조르주 루오(Georges Rouault)와 샤임 수틴(Chaim Soutine)은 강렬한 감정 표현과 비유적 소재의 폭력적인 왜곡이 특징인 회화 스타일을 발전시켰다.
화가 Max Beckmann, 그래픽 아티스트 Käthe Kollwitz, 조각가 Ernst Barlach와 Wilhelm Lehmbruck도 강력한 표현주의적 영향을 받았습니다. 그들의 많은 작품은 좌절, 불안, 혐오, 불만, 폭력, 그리고 일반적으로 그들이 현대 생활에서 흘끗 보았던 추함, 극명한 진부함, 가능성과 모순에 대한 일종의 광적인 감정의 강렬함을 표현합니다.
로 알려진 두 번째 그룹 Der Blaue Reiter (The Blue Rider)는 1911년 뮌헨에서 결성되었습니다. Wassily Kandinsky의 그림을 따서 명명된 이 집단은 러시아 망명자 Kandinsky, Alexej von Jawlensky 및 Marianne von Werefkin과 독일 예술가 Franz Marc, August Macke 및 Gabriele Munter로 구성되었습니다.
칸딘스키의 그림은 말을 타고 현실에서 영적, 감정적 영역으로 이동하는 모습을 묘사하고 있기 때문에 그룹의 이름을 딴 것으로 선택되었으며, Der Blaue Reiter 그들은 육체적인 면보다는 영적인 면을 묘사하는 데 매료되었습니다.
그의 작품이 보여주듯이 그의 스타일은 다양했지만 원시주의와 감정적 풍경에 대한 관심이 그의 작품을 지배했습니다. 매우 다름 디 브루크, 블루 라이더 그는 추상 표현주의의 발전에 큰 힘이 되었습니다.
표현주의와 추상미술은 리얼리즘을 거부하고 항상 감정을 전달하려고 노력하지만 표현주의는 형식과 상징성을 유지하는 반면 추상 미술은 인식 가능한 이미지를 포기합니다.
Der Blaue Reiter 그는 이러한 아이디어를 결합하여 현대 미술에 여전히 큰 영향을 미치는 완전히 새로운 표현주의 분야를 만들었습니다. XNUMX차 세계대전이 발발했을 때, 디 브뤼케 y Der Blaue Reiter 그들은 해산되었지만 표현주의가 계속해서 인기를 얻고 XNUMX세기에도 여전히 실행됨에 따라 그들의 유산은 계속됩니다.
독일 표현주의 학교의 뿌리는 Vincent van Gogh, Edvard Munch 및 James Ensor의 작품에서 찾을 수 있습니다. 각각은 1885-1900년 사이에 매우 개인적인 스타일의 그림을 개발했습니다.
이 예술가들은 공포, 공포 및 그로테스크의 특성을 전달하거나 단순히 자연을 경외할 정도로 강렬하게 축하하려는 의도로 색상과 선의 표현 가능성을 사용하여 극적이고 감정적으로 충전된 주제를 탐구했습니다. 그들은 더 주관적인 관점이나 정신 상태를 표현하기 위해 많은 계획을 깨고 문자 그대로 자연을 나타내지 않았습니다.
독일 표현주의자들은 곧 거칠고 대담하고 시각적인 강렬함으로 유명한 스타일을 개발했습니다. 들쭉날쭉하고 왜곡된 선, 빠르고 거친 붓놀림, 불안정하고 감정적으로 충만한 분위기로 유명한 분주하고 혼잡한 구도에서 도시의 거리 풍경과 기타 현대적 주제를 묘사하는 데 도움이 된 거슬리는 색상은 말할 것도 없고요.
Der Blaue Reiter로 알려진 그룹에 속한 예술가들은 때때로 표현주의적인 것으로 간주되지만 그들의 예술은 일반적으로 서정적이고 추상적이며 덜 명백하게 감정적이며 더 조화로우며 형식 및 그림 문제에 더 관심이 있습니다. Die Brücke 예술가.
표현주의는 제XNUMX차 세계 대전 직후 독일에서 지배적인 스타일이었으며 냉소주의, 소외, 환멸의 전후 분위기에 적합했습니다. George Grosz 및 Otto Dix와 같은 운동의 후기 실천가 중 일부는 Neue Sachlichkeit(새로운 객관성)으로 알려진 표현주의와 사실주의의 더 날카롭고 사회적으로 비판적인 혼합을 개발했습니다.
XNUMX세기에
추상표현주의, 신표현주의 등의 레이블에서 알 수 있듯이 표현주의의 자발성, 본능적, 감성적 특성은 XNUMX세기 이후의 다양한 미술운동에서 공유되어 왔다.
표현주의는 XNUMX세기 초에 특히 영향력이 있었던 일관된 예술 운동보다 더 국제적인 경향으로 간주됩니다. 예술, 문학, 음악, 연극, 건축 등 여러 분야를 다룹니다.
표현주의 예술가들은 물리적 현실보다 감정적 경험을 표현하고자 했습니다. 유명한 표현주의 회화는 비명 소리 에드바르 뭉크, 블루 라이더 바실리 칸딘스키와 왼쪽 다리를 들고 앉아있는 여성 에곤 쉴레.
운동의 쇠퇴
표현주의의 쇠퇴는 더 나은 세계에 대한 열망의 모호함, 고도로 시적인 언어의 사용, 그리고 일반적으로 표현의 강렬하게 개인적이고 접근할 수 없는 특성으로 인해 가속화되었습니다. 많은 표현주의 예술가들이 제1916차 세계 대전 중 또는 그 결과 외상과 질병으로 목숨을 잃었습니다. 1918년에 사망한 Franz Marc와 XNUMX년 인플루엔자 전염병으로 사망한 Egon Schiele의 경우가 그러했으며, 많은 다른 사람들이 전쟁의 트라우마로 쓰러진 후 스스로 목숨을 끊었습니다.
1924년 이후 독일의 부분적인 안정 회복과 사회적 현실주의에 강하게 영향을 받은 명백한 정치적 스타일의 성장은 1920년대 후반에 운동의 쇠퇴를 가속화시켰다.
표현주의는 1933년에 집권하고 거의 모든 표현주의자들의 작품을 퇴폐적이고 천박한 것으로 묘사한 나치의 부상과 함께 완전히 죽었습니다. 그들의 박해와 괴롭힘은 강렬하고 과도하여 이 지수들이 전시, 출판, 심지어 작업조차 하는 것을 금지했으며, 그들 대부분은 보다 과감한 조치로 미국과 다른 나라로 망명했습니다.
그것은 나치 독재와 함께 죽고 파블로 피카소, 파울 클레, 프란츠 마르크, 에른스트 루트비히 키르히너, 에드바르 뭉크, 앙리 마티스, 빈센트를 포함한 당대의 수많은 예술가들에게 이름을 붙이는 책임을 맡은 독일 표현주의 시대의 끝이었습니다. 반 고흐와 폴 고갱은 퇴폐적인 예술가로서 박물관에서 표현주의 작품을 제거하고 학대적으로 압수합니다.
그러나 표현주의는 이후의 예술가들과 예술 운동에 영감을 불어넣고 계속 이어졌습니다. 예를 들어 추상표현주의는 1940년대와 1950년대 전후 미국의 주요 전위 운동으로 발전했는데, 이 예술가들은 조형을 지양하고 대신 그의 예술에서 색채, 제스처 붓놀림, 자발성을 탐구했다.
이후 XNUMX년대 말과 XNUMX년대 초에 이르러 신표현주의는 당시의 개념적, 미니멀리즘적 예술에 대한 반발로 발전하기 시작했다.
Neo-Expressionists는 그들보다 앞선 독일 표현주의의 대표자들에게 크게 의존했으며 종종 표현적인 붓놀림과 강렬한 색상으로 주제를 조잡하게 표현했습니다. 이 운동의 가장 상징적 인 예술가로는 Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl 및 David Salle가 있습니다.
세계에서
표현주의는 시대에 따라 다른 의미를 지닌 복잡하고 방대한 용어입니다. 그러나 표현주의 미술을 이야기할 때 많은 사람들이 XNUMX세기 초 프랑스의 인상주의에 대한 반응으로 등장한 미술적 경향이나 독일과 오스트리아의 빛을 보는 운동으로 시선을 돌린다. 이 용어는 매우 탄력적이어서 Vincent van Gogh에서 Egon Schiele 및 Wassily Kandinsky에 이르기까지 각 국가에서 매우 특정한 방식으로 전시하는 예술가들을 수용할 수 있습니다.
프랑스 표현주의
프랑스에서 종종 표현주의와 관련된 주요 예술가는 Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Henri Matisse였습니다. 반 고흐와 고갱은 표현주의의 전성기(1905-1920년) 이전에 활동했지만, 그들은 단순히 보이는 대로가 아니라 깊이 있는 방식으로 자신을 둘러싼 세계를 그리는 표현주의 예술가로 간주될 수 있습니다. 주관적인 인간의 경험
Matisse, Van Gogh 및 Gauguin은 감정과 경험을 묘사하기 위해 표현적인 색상과 붓놀림 스타일을 사용하여 주제에 대한 사실적인 묘사에서 벗어나 그들이 느끼고 인식하는 방식에 중점을 둡니다.
독일 표현주의
독일에서 표현주의는 특히 위에서 언급한 Brücke 및 Der Blaue Reiter 그룹과 관련이 있습니다. 독일 표현주의 운동은 신비주의, 중세, 원시 시대, 프리드리히 니체의 철학에서 영감을 받아 당시 엄청난 인기와 영향력을 행사했습니다.
Der Brücke는 독일의 부르주아 사회 질서에 반대하는 표현주의 예술가들의 보헤미안 집단으로 1905년 드레스덴에서 결성되었습니다. XNUMX명의 창립 멤버는 Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff였습니다. 그들 중 누구도 정식 미술 교육을 받은 적이 없었습니다.
그들은 과거와 현재를 잇는 다리를 만들고자 하는 그들의 열망을 표현하기 위해 Der Brücke라는 이름을 선택했습니다. 이름은 프리드리히 니체의 『차라투스트라는 이렇게 말했다』의 한 구절에서 영감을 받았습니다. 작가들은 강렬한 색채의 사용, 직접적이고 단순화된 형태의 접근, 자유로운 섹슈얼리티를 작품에서 탐구함으로써 숨막히는 현대 중산층의 삶을 탈출하려고 시도했다.
Der Blaue Reiter는 1911년 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)와 프란츠 마크(Franz Marc)에 의해 설립되었으며, 세계의 근대화로 인한 소외감에 직면하여 예술의 정신적 가치를 추구함으로써 세속적인 것을 초월하고자 했습니다.
또한 그의 목표는 국경을 허물고 어린이 미술, 민속 예술 및 민족지학을 혼합하는 것이 었습니다. Der Blaue Reiter라는 이름은 Kandinsky의 뮌헨 시대부터 되풀이되는 Rider on Horseback 주제뿐만 아니라 Kandinsky와 Marc의 영적 특성을 지닌 파란색에 대한 사랑과 관련이 있습니다. Der Blaue Reiter와 관련된 주요 예술가는 Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin 및 Macke입니다.
오스트리아 표현주의
Egon Schiele와 Oskar Kokoschka는 오스트리아 표현주의의 두 주요 인물이며 특히 그의 전임자 Gustav Klimt의 영향을 받았으며, 그는 현대 오스트리아 미술의 최고를 선보이는 전시회를 통해 자신의 경력을 시작하기도 했습니다.
두 표현주의 예술가들은 XNUMX세기 후반과 XNUMX세기 초반에 모순적인 도시인 비엔나에서 살았으며, 그곳에서 도덕적 억압과 성적 위선이 표현주의의 발전에 중요한 역할을 했습니다.
Schiele와 Kokoschka는 거짓과 도덕적 위선을 피하고 죽음, 폭력, 갈망, 섹스와 같은 주제를 묘사했습니다. Kokoschka는 초상화와 주제의 내면을 드러내는 능력으로 유명해졌으며 Schiele은 냉담하고 절망적인 섹슈얼리티를 거의 잔인할 정도로 정직하게 묘사하여 유명해졌습니다.
노르웨이 표현주의
독일과 오스트리아 표현주의 장면에 큰 영향을 미친 또 다른 중요한 예술가는 1909년 분리파와 쿤스트샤우 전시회로 비엔나에서 잘 알려진 노르웨이의 에드바르 뭉크였습니다.
그는 이 운동에서 조국의 최고 대표자이자 이 운동의 핵심 선구자로 여겨졌습니다. 상징주의와 밀접하게 관련된 Munch는 The Scream으로 가장 유명합니다. 이 그림은 다리 위의 한 인물, 그의 뒤로 해가 지고 피를 응고시키는 절망적인 비명을 내뿜는 것처럼 보이는 이 그림은 예술가의 불안한 정신을 보여줍니다.
상징적 표현주의 작품
다른 예술 운동과 마찬가지로 표현주의에는 시대의 전후를 표시하는 중요한 인물이 있어 아래와 같이 독특하고 불멸의 예술적 샘플을 만듭니다.
에드바르 뭉크의 절규(1893)
Scream(Skrik)으로 알려진 이 일련의 그림은 창시자 E. Munch가 프랑스에 있을 때 겪었던 일시적인 경험에서 영감을 얻었습니다. 그 중 가장 유명한 것은 현재 노르웨이 국립 미술관에 있으며 1893년에 완성되었습니다. 자신의 말로:
나는 두 친구와 함께 길을 걷고 있었다. 해가 지기 시작했습니다. 멜랑콜리한 기운이 느껴졌다. 갑자기 하늘이 핏빛으로 물들었다. 나는 걸음을 멈추고 난간에 기댄 채 지쳐 쓰러져 있었고, 검푸른 피요르드와 도시 위에 피와 칼처럼 매달려 있는 불타는 구름을 바라보았다.
친구들은 계속 걸었습니다. 나는 두려움에 떨면서 거기에 서 있었다. 그리고 나는 자연을 관통하는 강력하고 끝없는 비명을 느꼈다. 표현주의, Ashley Bassie, p.69
그 모습은 두려움과 절망을 전달하고 그의 비명은 그를 완전히 둘러싸고 그를 관찰하는 사람들의 환경과 마음을 관통합니다. 표현주의 스타일에서 그림은 91 x 74cm 크기의 판지에 오일, 템페라 및 파스텔로 만들어집니다.
바실리 칸딘스키의 Blaue Reiter (1903)
Der Blaue Reiter 또는 Blue Rider는 색상과 빛의 놀라운 처리로 찬사를 받은 Kandinsky의 첫 표현주의 작품 중 하나이며, 후기 인상주의와 표현주의 사이의 다리로 간주됩니다. 푸른 옷을 입은 기수가 들판을 질주하는 모습을 보여줍니다. 이 작품의 이름은 1911년 작가와 프란츠 마크가 결성한 표현주의 화가들의 모임 이름으로도 사용되었다.
Blue Rider는 아마도 Kandinsky가 추상 스타일을 완전히 개발하기 전인 XNUMX세기 초반의 가장 중요한 예술적 전시일 것입니다. 이 그림은 푸른 옷을 입은 라이더가 녹색 갈색을 타고 달리는 모습을 보여줍니다.
그림의 추상화는 의도적이며 많은 미술 이론가들이 그림에 자신의 개인적인 표현을 재현하도록 이끕니다. 관객이 작품에 자신을 포함시킬 수 있도록 하는 것은 화가가 그의 후기 작품에서 자주 성공적으로 사용한 기법이었으며, 그의 경력이 진행됨에 따라 더욱 추상적이 되었습니다.
프란츠 마르크의 푸른 말(1911)
Franz Marc는 Der Blaue Reiter의 창립 멤버 중 한 명으로, 많은 사람들에게 그가 작업에 사용한 색상에 정서적, 심리적 의미를 부여하여 뛰어난 색상과 풍부한 작품을 제작했습니다.
파란색은 그에게 특히 남성성과 영성을 나타내기 위해 자주 사용되었으며 동물과 동물의 내면 세계에 매료되어 서로를 깊이 감정적으로 대했습니다.
Egon Schiele의 다리를 들고 앉아있는 여자 (1917)
Egon Schiele은 1917년 그의 아내 Edith Harms를 그렸습니다. 그녀가 바닥에 앉아 왼쪽 무릎에 뺨을 대고 있는 모습을 묘사했습니다. 그의 불타는 빨간 머리는 그의 셔츠의 녹색 색상과 특히 대조되며 대담하고 암시적인 초상화로 간주되며 당시에는 매우 잘 정의되고 대담한 에로틱 뉘앙스가 있습니다. 이 수채화의 작가는 에로티시즘을 작업의 주요 주제 중 하나로 하는 것이 특징입니다.
표현주의의 선구자
이 분야의 많은 감정가들은 표현주의가 독일보다 더 잘 실행된 곳이 없다고 주장하지만, 제XNUMX차 세계 대전이 일어나기까지 XNUMX년 동안 많은 예술가들이 잊을 수 없는 이미지를 만들고 표현주의를 개척하여 우리 시대까지 기억되고 있습니다.
반 고흐 (1853-90)
이 저명한 화가는 구성, 색상 및 각 붓놀림을 통해 감상자에게 자신의 생각, 감정 및 무엇보다도 정신적 균형을 알려주는 다양한 자전적 작품으로 표현주의를 구현합니다. 그의 그림은 그가 그리는 동안의 감정을 반영한 것이었고, 그 이후로 자기 표현의 측면에서 그의 강렬함과 독창성에 동등하거나 접근하는 예술가는 거의 없습니다.
매우 종교적인 가정에서 태어난 그의 아버지는 개신교 목사였으며 어렸을 때부터 그림에 예리한 재능을 보였으나 얼마 지나지 않아 27세쯤 되어서야 비로소 진정한 종교인으로서의 소명을 추구하게 되었습니다. 아티스트.
1878년 사제로서의 소명을 밝히고 신학을 공부하기 시작했지만 그리스도의 발자취를 따르겠다는 지나치게 신비주의적인 결심으로 졸업하지 못했다. 영혼을 구하고 가난한 사람들을 도우려는 그의 열망으로 인해 벨기에에서 가장 가난한 광산 지역 중 한 곳에서 전도자로 일하게 되었고 1880년에 쫓겨났습니다.
동시에 그는 화가가 되기로 결심했고, 그의 형제 테오의 도덕적, 재정적 지원으로 시작하여 평생 동안 계속해서 편지를 주고받았습니다. 그의 주요 영감의 원천은 성경 구절과 Émile Zola, Victor Hugo 및 Charles Dickens의 작품뿐만 아니라 Honoré Daumier의 그림, 그리고 무엇보다도 Jean-Francois Mijo의 사실주의였습니다. 구필미술관 직원으로 직장생활을 시작했다.
반 고흐는 그가 몹시 사랑했지만 그가 같은 것을 받았다고는 생각하지 못한 세계를 가져오는 고통과 슬픔을 경험했습니다. 이러한 끊임없는 감정에 대한 반작용으로 그는 미술을 통해 색채와 움직임이 부족하지 않은 자신만의 세계를 창조하고 자신의 모든 감정을 드러냄으로써 XNUMX세기의 위대한 표현주의 화가 중 한 명이 되었다. 그의 독특한 표현주의 회화 스타일은 암스테르담의 반 고흐 미술관과 오텔로의 크롤러 뮐러 미술관에서 볼 수 있습니다.
폴 고갱 (1848-1903)
반 고흐가 내면의 감정을 표현하기 위해 형태와 색채를 왜곡했다면, 이 프랑스 작가는 주로 색채에 의존하여 자신의 감정을 표현했습니다. 그는 또한 상징주의를 사용했지만 실제로 그를 차별화하는 것은 페인트의 색상이었습니다. 1848년 혁명 기간 동안 파리에서 태어난 그는 1851년 쿠데타 이후 가족을 데리고 망명한 자유주의 저널리스트의 아들이었습니다.
그러나 그는 가족이 페루 리마로 향하던 도중에 파나마에서 사망하며 그곳에서 XNUMX년 동안 생계를 꾸렸습니다. Gauguin의 어머니는 프랑스 사회주의 작가이자 활동가인 Flora Tristán의 딸이었지만 그녀의 조상은 페루 귀족이었습니다.
어린 고갱은 어렸을 때부터 그의 가족 서클의 상상력과 메시아적인 분위기로 특징지어졌으며, 그의 경력 전반에 걸쳐 페루의 색채와 이미지가 강한 영향을 미칠 것임을 보여주었습니다. 7세 때 가족은 프랑스로 돌아와 할아버지와 함께 살기 위해 오를레앙으로 이사했습니다. 젊었을 때 그는 파리에서 남아메리카와 스칸디나비아 사이를 항해하는 상선 도제 조종사로 일했으며 대부의 격려를 받아 주식 중개인 Bertin과 함께 매우 성공적인 경력을 시작했습니다.
그러나 고갱은 어렸을 때부터 미술에 관심이 있었고 여가 시간에 그림을 그리기 시작했습니다. 그의 대부 Arosa는 일종의 미술 수집가였으며 Gauguin이 인상파 화가 Camille Pissarro와 맺은 우정과 그의 모범은 이 애호가가 미술관을 방문하고 수많은 인상파 그림을 비롯한 신진 예술가의 작품을 구매하도록 격려했습니다.
그는 현재 유명한 1874년 파리에서 열린 인상파 전시회를 관람하고 큰 영감을 받아 전업 화가가 되기로 결심하고 아마추어 시절부터 그림과 조각을 시작했습니다. 그는 Bouillot와 함께 작업했고 Bonvin과 Lepine 스타일로 그림을 그렸습니다. 1876년 그는 살롱에 그림을 전시했습니다.
그는 화가로서 초기에 그를 도왔고 그의 기질에 맞는 스타일을 찾도록 격려한 Pissarro의 영향을 특히 받았습니다. Pissarro는 그를 Cézanne에게 소개했고 그는 그의 스타일에 너무 매료되어 Cézanne은 그가 그의 아이디어를 훔칠까 두려워하기 시작했습니다.
세 사람은 퐁투아즈에서 한동안 함께 일했지만 그의 예술이 발전함에 따라 고갱은 자신의 스튜디오로 이사하기로 결정하고 1881년과 1882년의 인상파 전시회에 참여했습니다. 그들의 성공과 재정 위기로 인해 그는 그의 경력을 포기했습니다. 그림에만 전념하기 위해 1883년에 사업을 시작했습니다.
1885년 브르타뉴의 퐁아방으로 가서 인상주의의 한계에 불만을 품고 피상적인 모습보다 내면의 모습을 표현하고자 하여 새로운 양식을 만들어 냈다.
이 새로운 스타일은 인상주의 이론을 깨고 자연보다는 기억과 내부 이미지에서 더 많은 작업을 요구했습니다. 이것은 자연스러운 색조를 반영하기보다 생생한 색상 팔레트를 사용하여 감정을 표현하는 고갱의 가장 큰 혁신이자 순수 미술 회화에 대한 공헌이 되었습니다. 그는 표현주의 외에도 퐁아방에 머무는 동안 합성주의와 칠보주의의 발전에 영향을 미쳤습니다.
에드워드 뭉크(1863-1944)
표현주의의 또 다른 위대한 선구자는 변덕스럽고 신경질적인 노르웨이 화가이자 판화 제작자로 초기 생애에 큰 감정적 상처를 받았지만 80대까지 잘 살았습니다. 그의 최고의 그림은 거의 모두 1908년 신경쇠약 직전에 그린 것입니다.
노르웨이 로텐에서 의사의 아들로 태어난 그는 힘든 순간들로 가득 찬 삶을 살았습니다. 작가가 XNUMX살이 되었을 때 그의 어머니는 결핵으로 돌아가셨고, 그의 누나도 몇 년 후 이 병에 걸렸다.
이러한 초기 비극적 사건은 죽음을 훗날 그의 예술에서 없어서는 안될 부분으로 만들었습니다. 베개에 기대어 죽어가는 시신의 기억, 침대 옆 희미한 조명과 생명 없는 물 한 잔, 그리고 자녀들에게 죄를 지으면 가차 없이 지옥에 떨어질 것이라고 끝없이 반복했던 권위주의적인 아버지와 함께 많은 년.
이 시나리오로 예상대로 가족은 많은 고통을 겪었습니다. 여동생 중 한 명이 어린 나이에 정신병 진단을 받았고 뭉크 자신도 종종 아팠습니다. 그의 다섯 형제 중 단 한 명만 결혼했지만 그는 결혼한 지 몇 달 만에 사망했습니다.
1881년 뭉크는 크리스티아닌드에 있는 왕립 예술 및 디자인 학교에 합류하여 모델링과 드로잉 수업을 받았습니다. 그의 스승이자 초기 영향은 노르웨이 조각가 율리우스 미델툰(Julius Middelthun)과 자연주의 화가, 작가이자 저널리스트인 크리스티안 크록(Christian Krohg)이었다.
뭉크는 학창시절에 전통적인 주제를 그렸지만 금세 자신만의 독특한 스타일을 발견했습니다. 1882년 그는 몇 명의 다른 예술가들과 함께 자신의 작업실을 임대했으며 이 시기의 작품이 많지는 않지만 유명한 작품은 예를 들어 Morning(1884)이라는 제목의 작품이 높이 평가됩니다.
이 예술가는 천 개가 넘는 그림, 1963개의 판화, XNUMX개 이상의 드로잉과 수채화로 구성된 컬렉션인 오슬로 시에 모든 작품을 남겼습니다. XNUMX년 오슬로에 그의 모든 작품을 소장하고 있는 뭉크 뮤지트(Munch-Museet) 박물관이 문을 열었고, 그는 또한 베이징 국립 미술관에 그의 그림을 전시한 최초의 서양 예술가가 되었습니다.
2004년 뭉크의 가장 유명한 그림 중 일부인 절규와 처녀가 무장 강도에 의해 박물관에서 도난당했지만 몇 년 후 경찰에 의해 발견되었습니다. 오슬로의 뭉크 박물관과 국립 미술관 외에도 그의 그림과 판화 중 많은 부분이 유럽 최고의 미술관에 전시되어 있습니다.
페르디난트 호들러(1853-1918)
표현주의 예술의 위대한 대표자, 스위스 상징주의 화가 Ferdinand Hodler는 1853년 베른에서 심각한 빈곤에 시달리는 가정에서 태어났습니다. 그의 아버지는 가구공이었고 어머니가 돌아가시자 화가이자 장식가와 재혼하여 그를 견습생으로 삼은 후 지역 예술가와 함께 일하기 위해 툰으로 보내졌습니다. 그의 첫 번째 특기는 전통적인 풍경화, 아름다운 고산 풍경을 관광객들에게 판매하는 것이었습니다.
18세에 그는 거주지를 변경하기로 결정하고 성인 생활의 대부분을 보낼 도시인 제네바로 걸어가 전문 예술가로서의 느린 경력을 쌓기 시작했습니다. 결국 Ferdinand Hodler의 부모와 형제 자매는 질병으로 사망했으며, 이는 그의 작품에서 죽음과의 긴밀한 관계를 반영하여 예술가의 삶과 경력에 주목할만한 영향을 미쳤습니다.
제임스 엔소르 (1860-1949)
벨기에 오스탕드에서 태어난 화가로 어려서부터 예술에 대한 소질을 느낀 소상인의 아들. 그의 부모는 시장에서 카니발 마스크와 마스크, 부채, 도자기, 장난감 및 호기심 많은 물건과 같은 기념품을 관광객에게 제공하는 상점을 소유했습니다. Ensor가 나중에 그의 공연에서 사용한 화려한 카니발 가면과 얼굴은 참회의 화요일에 열리는 지역 극단과 퍼레이드의 공통된 특징이었습니다.
그가 겨우 1877세였을 때, 그는 몇몇 지역 지수들과 함께 예술 교육을 시작했으며, 또한 브뤼셀의 왕립 미술 아카데미에서 공부했으며, 그곳에서 1881년경 Fernand Khnopff를 만났습니다. 그는 1917년에 처음으로 작품을 전시한 후 그의 집으로 돌아와 XNUMX년까지 살았던 아버지의 집에서 살았습니다. 그의 첫 번째 작품은 러시아 음악, 노 젓는 사람, 술 취한 사람에서 볼 수 있듯이 상당히 고전적이고 다소 어두운 스타일을 보여줍니다.
1887년 그의 팔레트는 눈에 띄게 밝아졌습니다. 그의 알코올 중독자 아버지의 죽음과 일치하는 변화였습니다. 그의 주제는 약간 초현실적이 되어 카니발, 가면, 해골, 인형을 그리기로 선택했으며 대개 밝고 표현력 있는 색상의 의상을 입었습니다.
James Ensor의 작품은 Dadaist 운동과 초현실주의, 특히 Jean Dubuffet의 작품에 영향을 미쳤습니다. 2009년에는 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 그의 작품에 대한 대규모 회고전을 개최했습니다. 오늘날 그의 그림은 세계 최고의 미술관, 특히 앤트워프의 미술관에서 볼 수 있습니다.
다른 예술의 표현주의
표현주의는 XNUMX세기 말 독일에서 시작된 문화 운동으로 XNUMX세기에 절정에 이르렀다. 표현주의는 회화에서 훨씬 더 높이 평가되었지만 문학, 영화, 음악, 조각, 사진, 건축과 같은 다른 분야에서도 나타났습니다.
음악의 표현주의
어떤 사람들은 작곡가 Arnold Schoenberg를 Blaue Reiter 연감에 대한 그의 공헌 때문에 표현주의자로 분류하지만, 음악 표현주의는 오페라에서 가장 자연스러운 출구를 찾은 것 같습니다. 그러한 표현주의 작품의 초기 사례 중에는 코코슈카의 드라마 Mörder, Hoffnung der Frauen(Murderer, Women's Hope)(1919)과 섹슈얼리티 문제를 다룬 August Stramm의 Sancta Susanna(1922)에 대한 Paul Hindemith의 위대한 오페라 프레젠테이션이 있습니다.
그러나 가장 주목할만한 표현주의 오페라는 1925년에 공연된 Alban Berg의 Wozzeck과 1979년까지 완전히 공연되지 않은 Lulu로, 둘 다 드라마에 대한 깊고 독특한 성향을 가지고 있습니다.
영화의 표현주의
표현주의 무대 예술의 영향을 많이 받은 많은 예술가들은 장식을 통해 주인공의 주관적인 마음 상태를 영화로 전달하는 것을 목표로 합니다. 이 영화들 중 가장 유명한 것은 로버트 빈(Robert Wiene)의 영화입니다. 칼리가리 박사의 내각 (1920), 미치광이가 망명에 도달한 방법에 대한 자신의 생각과 관점을 이야기합니다. 세트의 기형적인 거리와 건물은 그들 자신의 우주의 투영이며 다른 캐릭터는 메이크업과 의상을 통해 시각적 상징으로 추상화되었습니다.
공포, 위협, 불안, 드라마가 불러일으키고 그림자의 조명과 이상한 앙상블이 몇몇 독일의 주요 감독들에게 표현주의 영화의 문체 모델이 된 영화입니다.
폴 베게너 버전 골렘 (1920), F. W. Murnau와 Nosferatu: 공포의 교향곡 (1922)와 무성 프로덕션 Metropolis(1927)와 함께한 Fritz Lang은 다른 영화들 중에서도 사회적 붕괴에 대한 비관적인 비전을 제시하거나 인간 본성의 불길한 이중성과 인간 본성의 무시무시한 개인적 악의 능력을 탐구합니다.
조각의 표현주의
조각에서 그것은 주로 특정하고 균일 한 스타일보다는 전통적인 조각이 행해지는 방식의 급격한 변화로 구성되었습니다. 표현주의는 조각에서도 인기가 있었고 주목할만한 지수는 나무 조각가인 Ernst Barlach와 Wilhelm Lehmbruck입니다. 1920년경 이것은 예술적 표현에 충만함을 제공할 형식의 해방을 찾기 위해 추상주의에서 무엇보다도 파생되었습니다.
추상 표현주의의 조각에 관해서는 David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois 및 Louise를 포함한 여러 조각가들도 운동의 필수적인 부분이었습니다. Nevelson은 또한 운동의 중요한 구성원으로 간주되었습니다.
추상 표현주의 회화와 마찬가지로 이 운동의 조각 작업은 초현실주의와 자발적 또는 무의식적 창조에 대한 강조의 영향을 많이 받았습니다. 추상표현주의 조각은 제품보다 과정에 더 관심이 많았기 때문에 미학만으로는 작품을 시각적으로 구분하기 어려웠기 때문에 작가가 작품의 과정에 대해 말하고자 하는 바를 생각해보는 것이 중요하다.
지금까지 XNUMX차원으로 정교화되지 않았던 XNUMX차원적 주제를 표현하고자 하는 데이비드 스미스의 조각품이 대표적이다. 그의 작품은 조각과 회화의 경계를 허물었다고 할 수 있으며, 원형의 조각이라는 기존의 생각을 깨는 XNUMX차원적 외관으로 단단한 형태보다는 아름답고 세심한 트레이서리를 자주 사용한다.
문학의 표현주의
문학에서의 표현주의는 물질주의, 안일한 부르주아적 번영, 제XNUMX차 세계 대전 이전 유럽 사회에서의 가족 지배, 급속한 기계화와 도시화에 대한 혁신적인 반응으로 발생했습니다.
그것은 제XNUMX차 세계 대전 중과 직후 독일의 지배적인 문학 운동이었습니다. 표현주의 작가들은 자신들의 사상과 사회적 저항을 새로운 양식으로 전달하고자 했다.
특정한 상황보다는 일반적인 진리에 관심을 두었고, 완전히 발달된 개별화된 인물보다는 대표적인 상징적 유형의 어려움을 작품에서 탐구했다.
강조점은 단지 윤곽이 그려지고 장소와 시간에 거의 정의되지 않은 외부 세계가 아니라 내부, 개인의 정신 상태에 중점을 두었습니다. 그래서 표현주의 드라마에서 관심은 기분.
표현주의 작품의 주인공은 종종 청년의 정신적 고통과 기성세대에 대한 그들의 반항, 그리고 현재 일어나고 있는 다양한 정치적 또는 혁명적 해결책을 탐구하는 집중적이고 타원형이며 간결한 언어로 표현된 긴 독백으로 자신의 비애를 표현한다. 그들이 제시합니다. 주인공의 내면적 발달은 느슨하게 연결된 일련의 도표를 통해 탐구되며, 그 동안 그는 전통적인 가치에 반항하고 삶에 대한 더 높은 영적 비전을 추구합니다.
August Strindberg와 Frank Wedekind는 표현주의 드라마의 주목할만한 선구자였지만 처음으로 인정받은 표현주의 작품은 Reinhard Johannes Sorge의 작품이었습니다. 데르 베틀 러 (The Beggar), 1912년에 쓰여지고 1917년에 초연되었습니다. 이 운동의 다른 주요 극작가는 Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever, Reinhard Goering이었습니다. 이들은 모두 독일인이었습니다.
시의 표현주의 스타일은 극적인 상대와 나란히 등장했는데, 동일한 비참조 스타일로 찬송가처럼 고양되고 놀라운 서정성을 탐구했습니다. 다수의 명사, 일부 형용사, 부정사를 사용하여 단순화된 이 시는 감정의 본질에 도달하기 위해 서사와 서술을 변경했습니다.
가장 영향력 있는 표현주의 시인 중에는 독일인 Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl 및 Else Lasker-Schüler, 체코 시인 Franz Werfel이 있습니다. 표현주의 구절에서 가장 많이 다루어진 주제는 도시 생활의 공포와 문명의 붕괴에 대한 묵시적인 비전이었습니다.
일부 시인은 매우 비관적이고 부르주아적 가치를 조롱하는 데 만족한 반면, 다른 시인은 정치적, 사회적 개혁에 더 관심을 갖고 다가오는 혁명에 대한 희망을 공개적으로 표현했습니다. 독일 이외의 지역에서 표현주의 극 기법을 사용한 극작가로는 미국 작가인 Eugene O'Neill과 Elmer Rice가 있습니다.
건축의 표현주의
표현주의 건축은 극도의 감정과 감정을 불러일으키도록 고안되고 설계되었습니다. 이 스타일로 지어진 건물은 당시의 성명을 내고 주변 건축물과 눈에 띄었습니다.
건축가는 종종 독특하고 왜곡된 모양을 사용하고 벽돌, 강철 및 유리와 같은 재료를 사용하여 완전히 독창적인 건축 기술을 통합했습니다. 일부는 큰 성공을 거두고 당대에 두각을 나타냈는데, 그 중 인상적인 표현주의 건물을 설계한 Walter Gropius와 Bruno Taut를 언급할 수 있습니다.
불행히도 많은 구조물은 건설되지 않았으며 종이로만 존재합니다. 구체화할 수 있었던 것들 중 일부는 일시적이고 나머지는 현재까지 살아남지 못했지만 오늘날 특히 독일에서 표현주의 건축의 몇 가지 놀라운 예를 볼 수 있습니다.
표현주의에서 영감을 받은 스타일
표현주의는 다양한 스타일을 그룹화하고 차례로 예술과 문화에서 매우 중요한 운동인 다른 많은 운동을 일으키거나 영향을 미쳤기 때문에 정확히 획일적인 경향이나 운동이 아니었습니다.
추상표현주의
뉴욕이 현대 미술 혁신의 진원지로 파리를 대체함에 따라 표현주의 스타일은 XNUMX년대 초 추상 표현주의로 다시 태어났습니다.
미국에서는 잭슨 폴록, 윌렘 드 쿠닝이 이끄는 이른바 액션 화가들과 마크 로스코, 바넷 뉴먼, 클리포드 스틸 등의 색채 분야 화가들과 함께 힘을 얻었다. 표현주의보다 훨씬 더 추상적인 이 새로운 학교는 XNUMX세기 초반의 표현주의 스타일과 실질적인 연결이 거의 없었습니다.
비유적 표현주의
전후 미국과 유럽의 미술은 추상화가 지배적이었지만, 러셀 드라이스데일(Russell Drysdale)과 시드니 놀란(Sidney Nolan)과 같은 예술가들의 작품으로 예시된 것처럼 표현적 표현주의는 1940년대와 1950년대에 호주에서 여전히 인기가 있었습니다.
그것은 독일 민족의 고대 세계와 XNUMX세기 낭만주의 운동에 뿌리를 둔 북유럽 및 게르만 세계와 밀접한 관련이 있습니다. 다양하고 개인적인 관점으로 현실을 표현하려고 노력하십시오.
신표현주의
표현주의 운동의 마지막 부흥은 1970년대 미국, 영국, 독일, 이탈리아, 프랑스에서 신표현주의라는 이름으로 일어났다. 주로 XNUMX년대의 미니멀리즘과 개념 예술에 대한 반응으로 볼 수 있는 주요 지수는 다음과 같습니다.
- Philip Guston과 Julian Schnabel(미국)
- Paula Rego와 Christopher Le Brun(영국)
- Neue Wilden (New Fauves)으로 알려진 신 표현주의 학교에는 Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler 등이 포함됩니다. (독일)
- Transavanguardia(아방가르드를 넘어서) 및 Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria 및 Mimmo Paladino와 같은 아티스트가 있습니다. (이탈리아)
- Figuration Libre는 1981년 Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas 및 Herve de Rosa에 의해 결성되었습니다. (프랑스)
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