נתפס על ידי יוצריה ועוקביה כמגמה רחבה באמנות המשקפת את החיפוש אחר משמעויות חדשות על ידי אמנים עכשוויים, אמנות פוסט מודרנית היא התשובה בחיפוש הזה למשבר של התרבות הקלאסית.
אמנות פוסט מודרנית
מאמינים כי במאה ה-XNUMX התרחש מה שנקרא "מותם של יסודות העל": אלוהים, אדם ומחבר. במילים אחרות, הבסיס הדתי התערער, נוצר משבר של רעיונות הומניסטיים, והיוצרים עברו מיצירת חדש לחשיבה מחדש על הישן.
הפוסטמודרניזם באמנות הוא חלק ממגמה עולמית שאומצה על ידי התרבות והפילוסופיה העולמית. הפוסטמודרניזם אינו סגנון יחיד, אלא מכלול של כיוונים, המאוחדים בבסיס אידיאולוגי משותף. רבים מהם אפילו נלחמים זה בזה.
פוסטמודרניזם הוא מונח שמקורו בשפה הצרפתית (פוסטמודרניזם). שם זה משקף את משמעות הכיוון שהחליף את אמנות עידן המודרניזם (לא להתבלבל עם מודרניזם). בסוף המאה ה-XNUMX ותחילת המאה ה-XNUMX, תנועות מודרניסטיות (או אוונגרד) הטילו מכה קשה לאמנות הקלאסית. אבל בהדרגה היוצרים חדלו להסתפק בגישות מודרניסטיות.
במקביל להמון התפתחויות טכנולוגיות חדשות, הפוסטמודרניזם הוביל לניסויים אמנותיים במדיה חדשה ובצורות אמנות חדשות במשך כמעט חמישה עשורים, כולל אמנות מושגית, סוגים שונים של מיצג ומיצבי אמנות, וזרמי מחשב כמו דקונסטרוקטיביות וטכנולוגיה. .
מאפיינים של פוסט מודרניזם
ז'אן-פרנסואה ליוטאר ותיאורטיקנים אחרים מתארים את היסודות הרוחניים של המודרניות כאמונה בלתי מעורערת בהתקדמות מתמדת של דחיסה מפורטת יותר ויותר של העולם וגישה הדרגתית לעבר ידע מושלם. המערכות הטוטליטריות של המאה ה-XNUMX הכפישו לצמיתות את האופי המוחלט של מודלים כאלה.
להלן הסיבות לצורך להגדיר את הפוסטמודרניזם כשבירה מודעת עם המודרניות. הפוסטמודרניזם דוחה לא רק את האמונה המודרנית בקידמה, אלא גם את קיומה של מציאות אובייקטיבית מובנת. התיאוריה והאסתטיקה הפוסט-מודרנית מניחות שכל ידע, כל תפיסה וכל תחום תודעה וקיום כפופים לתורת היחסות. מושג מפתח בפוסטמודרניזם הוא ריבוי.
הרצון של המודרניות ליצור כל הזמן משהו חדש, והאמצעים האמנותיים בהם נעשה שימוש כדי להשיגו, נתפסים כאוטומטיים, מבוססים ומיושנים בפוסטמודרניזם. העיקרון שלא ניתן ליצור שום דבר חדש הופך את השימוש בציטוטים למאפיין סגנוני מהותי של האמנות הפוסט-מודרנית.
הדרישה לפתיחות במושג האמנות וביצירת האמנות האישית פותחת אפשרויות כמעט בלתי מוגבלות מחד גיסא: הפוסטמודרניזם פותח מגוון צורות ביטוי חדשות על ידי חציית גבולות הז'אנרים.
טכניקה בשימוש תכוף של העידן הפוסט-מודרני היא קולאז'. המונח הזה, שנטבע בתחילת המאה ה-XNUMX עבור מדבקות דאדא, רחב הרבה יותר בעידן הפוסט-מודרני. הוא כולל, למשל, מיצבים בקנה מידה גדול, טכניקות קולנוע או תהליכי הלחנה מוזיקלית.
סופרים כמו אומברטו אקו (שם הוורד), אדריכלים כמו פרידנסרייך הונדרטוואסר (הונדרטוואסרהאוס, וינה) ואמנים כמו קית' הרינג מנסים לגשר על הפער בין הבנה אליטיסטית של אמנות לתרבות ההמונים; גם זה הוא היבט מהותי של האסתטיקה הפוסט-מודרנית.
יצירות פוסט מודרניות רבות, בעיקר באמנויות הבמה, אינן רוצות להיות מובנות כתוצאה מושלמת, אלא כעיבוד ניסיוני. המצגת תהיה פרגמנטרית (ספרות: Roland Barthes, Fragments of a language of love) או יצירה בתהליך (תיאטרון מחול: וויליאם פורסיית, מחזהו של סקוט) בשלבי התפתחותה השונים.
מבקרי אמנות נותנים תשובות שונות לשאלה מהו פוסט-מודרניזם בציור, שכן התרבות הפוסט-מודרנית היא תופעה רב-גונית ואין לה מצע אידיאולוגי ברור. הפוסטמודרניסטים לא יצרו קאנון אוניברסלי, יתר על כן, הם סירבו ליצור כזה באופן עקרוני. אולי הערך הבסיסי היחיד עליו הכריזו תומכי מגמה זו הוא חופש הביטוי האינסופי.
הפוסטמודרניזם אינו תנועה, אלא דרך חשיבה כללית. לכן, אין רשימה אחת של מאפיינים המגדירים "אמנות פוסט מודרנית". עם זאת, ישנם מספר מאפיינים האופייניים לאמנות פוסט מודרנית:
- חופש בלתי מוגבל ומוחלט של האמן בבחירת שיטות הביטוי העצמי.
- לחשוב מחדש על דימויים מסורתיים, לרבות אותם בהקשר חדש (ומכאן התפוצה הרחבה של רימייקים, פרשנויות, ציטוטים אמנותיים, הלוואות, רמיזות).
- סינקרטיות, כלומר מיזוג של אלמנטים הטרוגניים למכלול אחד, שלעיתים אף סותרים זה את זה (למשל שימוש בסגנונות שונים של האמן בציור, או אפילו שילוב של ציור עם סוגי אמנות אחרים).
- דיאלוג, כלומר, מבט על הנושא מזוויות שונות, מעמדה של "קולות" שונים, שיוצרים לבסוף "סימפוניה" פוליפונית.
- צורת הצגת העבודה, הזמנת הצופה להצטרף לעבודה עם משמעויות.
- אופי מזעזע של יצירתיות.
- אירוניה ואירוניה עצמית של המחבר. אמנים עכשיו הרבה יותר סקפטיים לגבי "רעיונות גדולים" (למשל שכל התקדמות טובה).
- פוסטמודרניזם הוא ביטוי להתפכחות נרחבת מהחיים ולכוחן של מערכות ערכים ו/או טכנולוגיות קיימות לחולל שינוי חיובי. כתוצאה מכך, הסמכות, הניסיון, הידע והמוטיבציה נפלו לרעה.
- האמנות המודרנית נתפסה לא רק כאליטיסטית, אלא גם כלבנה (במובן של צבע העור), נשלטת על ידי גברים וחסרת עניין במיעוטים. זו הסיבה שאמנות פוסט מודרנית דוגלת באמנות של אמני עולם שלישי, פמיניסטיות ומיעוטים.
אמנות פוסט מודרנית, עכשווית ומודרנית מאוחרת
ככלל, אמנות פוסט מודרנית ואמנות עכשווית משמשות פחות או יותר מילים נרדפות. עם זאת, מנקודת מבט טכנית, אמנות פוסט מודרנית פירושה "אחרי המודרניות" ומתייחסת לתקופה קבועה שמתחילה בסביבות 1970, בעוד שאמנות עכשווית מתייחסת בעיקר לתקופה המשתנה של כחמישים שנה מיד לפני שנות ה-XNUMX.
נכון לעכשיו שתי התקופות הללו חופפות. אבל בשנת 2050 האמנות הפוסט-מודרנית (למשל בין השנים 1970-2020) אולי הוחלפה על ידי עידן אחר, אולם האמנות העכשווית מכסה אז את התקופה עד אותה שנה.
באמנות החזותית, המונח מודרני מאוחר מתייחס לתנועות או מגמות שדוחות היבט אחד של אמנות מודרנית אך חוץ מזה נשארות במסורת המודרניות. סגנונות כמו אקספרסיוניזם מופשט (1948-65) נהגו על ידי מספר אמנים מודרניים רדיקליים, כולל ג'קסון פולוק ווילם דה קונינג, שהתנגדו לרבות מהמוסכמות הפורמליות של ציור שמן.
ועדיין, לא פולוק ולא דה קונינג לא יכלו לייצר משהו כמו רישום דה קונינג המחוק של ראושנברג, שכן שניהם היו מאמינים חזק במושגים של אותנטיות ומשמעות.
ההיסטוריה של האמנות הפוסט מודרנית
סגנון האמנות המשמעותי הראשון לאחר הרנסנס היה אמנות אקדמית, שלימדו פרופסורים באקדמיות. באמנות האקדמית מתלכדים סגנונות וזרמים רבים, כמו קלאסיציזם ורומנטיקה. משנת 1870, עם הגעתו של האימפרסיוניזם, צמחה האמנות המודרנית. התכונות הראשונות הופיעו בסביבות 1970, שמתמצתת כעת כאמנות פוסט-מודרנית.
אמנות מודרנית מזוהה בעיקר עם המאה 1870-1970, מאימפרסיוניזם ועד פופ ארט, למשל. למרות אסונות עולמיים שונים (מלחמת העולם הראשונה, שפעת, התרסקות וול סטריט והשפל הגדול) שערערו רבות מהוודאות המוסרית של היום, אמנים מודרניים שמרו בדרך כלל על אמונה בחוקי הטבע המדעיים הבסיסיים. ההיגיון והרציונלי מַחֲשָׁבָה.
באופן כללי, כמו רוב בני המערב באותה תקופה, הם האמינו שלחיים יש משמעות. שההתקדמות המדעית הייתה חיובית אוטומטית, שהמערב הנוצרי עדיף על שאר העולם, שגברים עדיפים על נשים. המודרניזם האמין גם במשמעות, הרלוונטיות והקדמה של האמנות, במיוחד אמנות ואדריכלות.
בעקבות ליאונרדו ומיכלאנג'לו, הם האמינו באמנות גבוהה, אמנות מרוממת ומעוררת השראה בצופה המשכיל, ולא ב"אמנות נמוכה" שרק מבדרת את ההמונים. הם נקטו בגישה מתקדמת וראו באמנות משהו שצריך להתפתח כל הזמן, בהנחיית קבוצה מובילה של אמנים אוונגרדיים.
מלחמת העולם השנייה והשואה הפכו את הכל על פיה. פריז הוחלפה לפתע בניו יורק כבירת עולם האמנות. בעקבות זוועות המלחמה, כל אמנות פיגורטיבית נראתה פתאום לא רלוונטית, ולכן ציירים מודרניים פנו לאמנות מופשטת כדי לבטא את עצמם.
באופן מפתיע, בית הספר בניו יורק, עם ציוריו של ג'קסון פולוק וציור השדה הצבעוני הרגוע יותר של מארק רותקו, קידם תחייה זמנית באמנות משני צדי האוקיינוס האטלנטי בשנות ה-1950. ציירי האוונגרד הצליחו להגדיר מחדש את גבולות המופשט. ציור, אבל נשאר בגבולות המודרניות. הם האמינו ביצירת יצירות אמנות אותנטיות ומוגמרות עם תוכן משמעותי.
אבל המודרנה הגיעה בהכרח לקיצה. הגילויים המתגברים של השואה, ניסויי פצצת האטום, משבר הטילים בקובה ומלחמת וייטנאם הותירו אנשים מאוכזבים יותר ויותר מהחיים ומהאמנות.
ג'ספר ג'ונס ורוברט ראושנברג כבר הפיקו את היצירות הפוסט-מודרניות הראשונות של ניאו-דאדא ופופ ארט באמצע שנות ה- 1950. עד מהרה תפתח הזרם המרכזי של פופ ארט את האמנות הפוסט-מודרנית עצמה, שכן רשתות הטלוויזיה האמריקאיות התמקדו במתקפת הטט של 1968 ובכאוטיות. הועידה הלאומית הדמוקרטית של 1968.
מתוך חלוף זמן זה בתולדות האמנות ניתן לבסס גם את היחס לאמנות מצד האמן והציבור. האמנים והצופים של ההווה אינם נקבעים על פי הרעיונות הישנים של מוסדות ההוראה והתורמים לגבי מהי אמנות ומהי אמנות יכולה להיות. האפשרויות והיישומים של האמנות הפכו מגוונים יותר מבלי שתצטרך להכריח את עצמך ללבוש מחוך מסוים.
האדריכלות המודרנית הושפעה מהרצון ליצור סגנון חדש לחלוטין לאדם המודרני. האדריכלים רצו להסיר את כל ההתייחסויות ההיסטוריות וליצור משהו חדש לגמרי. זה הוביל לסגנון הבינלאומי (בערך 1920-1970), עיצוב מינימליסטי של סדירות.
למרבה המזל, בסביבות 1970, אדריכלים פוסט-מודרניים החלו להחיות את האדריכלות של המאה ה-XNUMX על ידי תכנון מבנים בעלי מאפיינים מעניינים שנשאבו מהתרבות הפופולרית וסגנונות אדריכליים מסורתיים יותר. מבנים שנראים כמו עוקפים את כוח המשיכה התאפשרו גם בזכות אפשרויות חדשות מבוקרות מחשב במסגרת הדקונסטרוקטיביות.
התנועה הפוסט-מודרניסטית התגבשה בשנות ה-1960 וה-1970, אך התנאים המוקדמים להופעתה קשורים למשבר השקפת עולם שהתעורר הרבה לפני כן. ביניהם: התזה של שפנגלר על שקיעת אירופה; קריסת התודעה הציבורית עקב מלחמת העולם הראשונה; הופעתן במדע של רעיונות על חוסר העקביות והעמימות של הסדר העולמי (מגיאומטריה לא אוקלידית ועד לפיזיקה קוונטית).
המונח פוסטמודרני היה בשימוש כבר בסוף המאה ה-1950 ולאחר מכן יותר ויותר בתחילת המאה ה-1970, אך רק בשנות ה-1979 במובן של משמעותו הנוכחית. בסוף שנות ה-XNUMX, שני מחברים תרמו בעיקר לביסוס המונח כמתקן קבוע: ז'אן-פרנסואה ליוטארד עם יצירתו La Condition postmoderne (ידע פוסט-מודרני, XNUMX) וצ'רלס ג'נקס עם החיבור עלייתה של האדריכלות הפוסט-מודרנית.
עם הצגת המונח פוסטמודרני, המודרניזם מוגדר לראשונה כעידן היסטורי סגור (כמו העת העתיקה או ימי הביניים שלפניה). פוסט מודרני התבסס כמונח סגנוני, במיוחד באדריכלות.
הפוסטמודרניסטים הגיעו למסקנה שלא ניתן לתאר את העולם המודרני במסגרת גישות קלאסיות לפילוסופיה, מדע ותרבות. כתוצאה מכך, השיטות הקלאסיות של האמנות אינן מתאימות לתאר אותה.
שימוש בטכנולוגיה
עידן האמנות הפוסט-מודרנית חלה במקביל להכנסתן של כמה טכנולוגיות ויזואליות חדשות (כגון טלוויזיה, סרטונים, אינטרנט, בין היתר) והפיק מהן תועלת רבה. המגוון החדש של פורמטים של וידאו וצילום הפחית את חשיבותה של אמנות הרישום, והמניפולציה של טכנולוגיות חדשות אפשרה לאמנים לקצר את התהליכים המסורתיים של יצירת אמנות, אך עדיין ליצור משהו חדש.
תנועות וסגנונות אמנות פוסט מודרניים
עד כה לא היו תנועות אמנות בינלאומיות גדולות באמנות הפוסט-מודרנית. במקום זאת, העידן ראה את עלייתם של מספר זרמים צרים ומקומיים, כמו גם כמה צורות אמנות חדשות לחלוטין, כמו וידאו וציור מילים.
בנוסף, היו עשרות פלגי אמנות, כמו גם מרכז אנטי-פוסט-מודרני או שניים שחבריו התאמצו לייצר סוג של אמנות שמיכלאנג'לו או פיקאסו היו גאים בה.
מאז הניאו-דאדאיזם, הפוסטמודרניסטים אהבו לערבב דברים, או להביא אלמנטים חדשים לצורות מסורתיות, כדי ליצור שילובים חדשים. פרננדו בוטרו מצייר תמונות פרימיטיביות של דמויות שמנות, גיאורג באזליץ מצייר דמויות הפוך.
גרהרד ריכטר שילב אמנות מצלמה וציור בציורי הצילום שלו משנות ה-1970, בעוד שג'ף קונס שילב דימויים מוכווני צרכן עם טכניקות פיסול מתוחכמות כדי ליצור את פסלי הנירוסטה שלו.
אנדראס גורסקי משלב צילום עם דימויים שנוצרו על ידי מחשב כדי ליצור עבודות כמו Rhein II, בעוד שג'ף וול משתמש במונטאז'ים של תמונות מעובדות דיגיטלית ביצירות הדימויים הפוסט-מודרניות שלו.
אין הסכמה בקרב מבקרי האמנות לגבי סגנונות האמנות שניתן לסווג כאמנות פוסט-מודרנית: למשל, סגנונות מסוימים מסווגים בו-זמנית כאוונגרד ופוסט-מודרני. ובכל זאת, ניתן להבחין ברשימה הבאה של תנועות וסגנונות של פוסטמודרניזם:
דאדאיזם
הדאדאיסטים האמינו שהאכזריות של מלחמת העולם הראשונה שזעזעה את אירופה, והביאה כאב וסבל למיליוני אנשים, היא תוצר של היגיון ורציונליזם. מסיבה זו, הם קידמו ביצירתיות שלהם הרס קנונים אסתטיים, ציניות, שיטתיות, חוסר הגיון.
הקולאז' הפך לשיטת היצירה העיקרית של אמנים דאדאיסטים. הקנבס או הנייר שימשו כרקע שעליו יצר האמן קולאז' באמצעות פיסות בד, פיסות נייר וחומרים נוספים.
הדאדא התקיים זמן קצר יחסית: מ-1916 עד 1923. זאת בשל העובדה שהמצע האידיאולוגי שלו היה פאתוס פציפיסטי המתנגד למציאות של מלחמת העולם הראשונה. בשנות ה-1920 התמזג דאדא עם האקספרסיוניזם בגרמניה ועם הסוריאליזם בצרפת.
פופ ארט
פופ ארט (פופ ארט) הוא סגנון שהעביר את תרבות הצריכה לתחום האמנות ולימד את האנושות לראות יופי בשלושים ושלוש פחיות מרק. אין לבלבל אמנות פופ עם תרבות פופולרית. המחברים ראו בתרבות ההמונים אובייקט, בדיוק כפי שדיוקנאי מסתכל על דוגמנית או אמן נוף: בחיק הטבע.
נושא תרבות ההמונים, שעליו נפל מבטו של האמן, הפך למשהו מקורי: חפץ אמנותי שנשבר דרך הפרשנות של האמן. מנקודת מבט אמנותית, סגנון זה פנה לחומריות, לאובייקטיביות, בניגוד למגמה פופולרית אחרת, הפשטה. פופ ארט נולד במאבק נגד היצירתיות של ההפשטה ובישר חזרה להצגת חפצים ספציפיים על הבד.
כשלעצמו, הפנייה לדברים היומיומיים אינה חדשה בהיסטוריה של הציור. טבע דומם הוא, אחרי הכל, מבט של אמן על החפצים שמסביב. למעשה, אין הרבה הבדל בין האגרטל של קאראווג'יו לבקבוקי קוקה קולה הירוקים של וורהול. אבל לאמנות הפופ הייתה מוזרות רעיונית משלה: אמנים לקחו חפצים ודימויים איקוניים מתרבות ההמונים, שכעת הם יקראו להם "ממים".
בנוסף, הם שמו לב לא רק לחפצים, אלא גם לדימויים; דוגמה טיפוסית היא דיפטיך מרילין של וורהול. אי אפשר להכחיש את העובדה שאמנות הפופ עזרה לאשר את החלום האמריקאי, לתת לגיטימציה לחברת הצריכה ולאורח החיים המקביל. במקביל, הוא הניח את היסודות לביקורת על פילוסופיית הצריכה, שלימים תתחזק.
Word Art
המונח Word Art מתאר קטגוריה של אמנות מבוססת טקסט פוסט-מודרנית מאת אמנים עכשוויים שונים שנכחו מאז שנות ה-1950. הגדרה פשוטה של אמנות מבוססת טקסט עשויה להיות "אמנות הכוללת מילים או ביטויים כעיקר מרכיב אמנותי".
תמונות מבוססות טקסט המכילות מילים וביטויים פורסמו במגוון מדיות כולל ציור ופיסול, ליטוגרפיה והדפסת מסך, כמו גם אמנויות שימושיות (חולצות, ספלים). הוא מופיע גם בצורות האחרונות של אמנות עכשווית, כמו מיפוי הקרנה.
אמנות קונספטואלית
קונספטואליזם (מהמושג הלטיני: מחשבה, ייצוג) הוא זרם פוסט-מודרני באמנות, המכריז על עליונות הרעיון של יצירה על פני צורת הביטוי האמנותי שלה. חסידי הקונספטואליזם משוכנעים שהציורים, הפסלים, המיצבים והביצועים שלהם צריכים לעורר בצופה לא רגשות, אלא רצון לחשוב מחדש אינטלקטואלית על מה שהם ראו.
מושגיות היא לא אמנות מסחרית, בה החפצים ליצירתיות יכולים להיות כל חפצי בית, חומרים טבעיים ואפילו חלקים מהסביבה האנושית. האמן הקונספטואלי אינו מבקש ליצור יצירה מוגמרת, אלא מנסה להעביר את רעיונותיו לצופה, לעסוק במעין משחק אינטלקטואלי.
לעבודות קונספט אמנות יש מאפיינים ייחודיים. ניתן לזהות את היצירות הללו לפי המאפיינים הבאים: השפעה לא על התפיסה הרגשית, אלא האינטלקטואלית של הצופה; שימוש תכוף בטקסט הסבר ליצירה; דחייה מודעת של האמן למשמעות הצורה לטובת חשיבות המשמעות (הרעיון) של היצירה; ליצור חפצי אמנות מכל חפץ העומד לרשות המחבר.
אמנות מיצג והפנינג
הפנינג היא צורת אמנות אוונגרדית, סוג של ביטוי יצירתי, הקשור קשר הדוק לאמנות המיצג, אשר יסודה בתיאוריות של אמנות מושגית של המאה ה-1896, הנגזרות במידה רבה מהדגמות של נציגי דאדא. , כמו גם טריסטן. צרה (1963-XNUMX). בפועל, לא קל להבחין בין פרפורמנס ארט להפנינג.
שתיהן צורות בילוי מתוכננות בקפידה (אם כי עם אלמנטים של ספונטניות) שבהן האמן מבצע (או מנהל) אירוע תיאטרלי אמנותי. משהו קל יותר לראות מאשר לתאר במילים.
בכל מקרה, הפנינג הוא יצירה ספונטנית של אמנות מיצג שנופלת איפשהו בין דרמה לאמנות חזותית ולרוב מזמינה ומעוררת תגובה חזקה מהקהל.
בשל סגנון הארעיות של דאדא, הוא נתפס במקור כחלופה רדיקלית לעקרונות מלאכה מסורתיים וכ"חפץ אמנות קבוע". הסבר מלא על צורת האמנות הפוסט-מודרנית החדשה הזו ניתן לקרוא בספרו של מייקל קירבי 'התרחשויות' (1965).
סוג זה של אירוע אמנות הפך למזוהה במיוחד עם סצנת האמנות של ניו יורק בסביבות 1960 ועדיין מוצג בגלריות האמנות העכשוויות הטובות ביותר ברחבי העולם.
אמנות מופשטת
אבסטרקציוניזם הוא סגנון ציור ואמנות בכלל, הדוחה את השעתוק הריאליסטי של העולם הסובב. העוקבים שלו מייצגים צורות פשוטות ומורכבות, משחקים בצבע, משתמשים בקווים, מישורים וחפצים אחרים, ומשלבים אותם ליצירת רגשות מסוימים אצל הצופה. כך שונה גישתו מזו שבה משתמשים מאסטרים שדבקים בקלאסיציזם ובסגנונות רבים אחרים.
במבט ראשון, ציור של מופשט עשוי להיראות כערבוב כאוטי של קווים, צורות וכתמים. בבדיקה מעמיקה יותר מתברר שהאמן יצר קומפוזיציה שלמה שנועדה לעורר מחשבות או מצבי רוח מסוימים אצל הצופה.
ההפשטה, כפי שהתפתחה, הייתה מרובדת לכמה כיוונים, שלכל אחד מהם היו נציגים משלו. היו סוגי סגנון כגון:
- גֵאוֹמֶטרִי. ביצירות של אמנים המבוצעים בסגנון זה שוררים צורות וקווים ברורים, רבים מהם יוצרים אשליה של עומק.
- מאסטרים שדבקים בכיוון זה עובדים באופן פעיל עם צבעים ושילוביהם; באמצעותם הם מעבירים את הרגשות שהם רוצים ליצור בקהל.
- המהות של כיוון הציור הזה הוא בהיעדר מוחלט של התייחסויות לאובייקטים אמיתיים ושימוש מוגבל ביותר בצבעים, צורות וקווים.
- אמנים הפועלים בכיוון זה שואפים להביא דינמיקה, תנועה ליצירותיהם, דרכן הם מעבירים רגשות ותחושות. במקביל, צללים, קווים וצורות נמוגים ברקע.
הַרכָּבָה
אסמבלאז' היא טכניקת אמנות דקורטיבית ויישומית שבה האמן יוצר תמונת תבליט על ידי הדבקת חלקים או חפצים תלת מימדיים על בסיס שטוח. בטכניקת האסמבלאז' מותר גם שימוש בצבעים לתוספת ציורית לקומפוזיציה אמנותית.
אסמבלאז', בניגוד לקולאז' הקשור אליו, הוא סוג של טכניקה להצמדת אלמנטים תלת מימדיים, ולא דו מימדיים (שטוחים) למשטח הקדמי של התמונה. הודות לשימוש בפרטים נפחיים, התמונה מציאותית ויעילה ככל האפשר.
אמנים מקצועיים משתמשים לעתים קרובות בשאריות ביתיות ובזבל כדי ליצור יצירות אמנות מקוריות משלהם. בידיו של המאסטר, מספר רב של חפצים יומיומיים מפוזרים הופך לקומפוזיציה אמנותית מלאה בתוכן אסתטי עמוק.
כיום, יצירות שנוצרו בטכניקת האסמבלאז' מושכות תמיד את תשומת לבם של אניני האמנות העכשווית. לעתים קרובות הם גורמים למחלוקת עזה בקרב המבקרים, אבל הם לא משאירים אף אחד אדיש, ולכן תורמים תרומה גדולה להתפתחות התרבות העולמית.
שטף
פלוקסוס הייתה קבוצה מאורגנת באופן רופף של אמנים שהשתרעה על פני כדור הארץ, אך הייתה לה נוכחות חזקה במיוחד בעיר ניו יורק. ג'ורג' מקיונאס נחשב היסטורית למייסד ומארגן הראשי של התנועה, שתיאר את פלוקסוס כמיזוג של ספייק ג'ונס, וודוויל, קייג' ודושאן.
כמו הפוטוריסטים והדאדאיסטים לפניהם, אמני הפלוקס פסלו את סמכותם של מוזיאונים לאמנות לקבוע את ערך האמנות. הם גם הציעו שאין צורך בחינוך מיוחד כדי לראות ולהבין יצירת אמנות.
פלוקסוס לא רק רצו שאמנות תהיה זמינה להמונים, הם רצו שכולם ייצרו אמנות כל הזמן. לעתים קרובות קשה להגדיר את Fluxus, שכן רבים מהאמנים שלה טענו שעצם הגדרת התנועה כבר מגבילה ומצמצמת מדי.
בניגוד לתנועות אמנות קודמות, פלוקסוס ניסה לשנות את ההיסטוריה העולמית, לא רק את תולדות האמנות. המטרה העיקשת של רוב האמנים הייתה למגר כל גבול בין אמנות לחברה.
עיקרון מרכזי של פלוקסוס היה להשליך וללעוג לעולם העילית של "אמנות גבוהה" ולמצוא כל דרך אפשרית להביא אמנות להמונים, בהתאם לאקלים החברתי של שנות ה-1960. אמני פלוקסוס השתמשו בהומור כדי להביע את כוונתו. , יחד עם דאדא, פלוקסוס הייתה אחת מתנועות האמנות הבודדות שהצליחו ללכת על חבל דק.
למרות התנהגותם השובבה, אמני Fluxus היו רציניים לגבי רצונם לשנות את יחסי הכוחות בעולם האמנות. חוסר הכבוד שלו לאמנות גבוהה השפיע על הסמכות הנתפסת של המוזיאון כסמכות למי ומה להתייחס לאמנים.
Fluxus העסיק את הצופה והסתמך על אלמנט המקרה כדי לעצב את התוצאה הסופית של היצירה. השימוש במקריות שימש גם את דאדא, מרסל דושאן ואמני מיצג אחרים באותה תקופה. אמני Fluxus הושפעו מאוד מהרעיונות של ג'ון קייג', שהאמין שצריך לגשת ליצירה ללא מושג לגבי התוצאה הסופית. מה שחשוב היה תהליך היצירה, לא התוצר הסופי.
וידאו-ארט
וידאו הוא אחת המדיה המגוונת ביותר שיש. סרט וידאו יכול להיות היצירה עצמה ו/או תיעוד של אופן יצירת האמנות; זה יכול להיות גם אלמנט בהתקנה ו/או חלק מסידור וידאו מרובה. וידאו הופך את האמנות לדינמית ותוססת יותר. מאז שנות ה-1980 המאוחרות, הן הווידאו והן האנימציה הסתמכו על השימוש בתוכנת מחשב כדי לתפעל תמונות.
פוטוריאליזם
פוטוריאליזם הוא ז'אנר ציור שצמח בסוף שנות ה-1960 בתגובה לפופולריות הגוברת של ההפשטה. מאז, ציורים פוטו-ריאליסטיים עם תשומת הלב העצומה שלהם לפרטים סיפקו אשליות אופטיות שניתן לברר רק מקרוב כתמונות מצוירות של המקור המצולם.
במקום להתבונן ולייצג את המתרחש במציאות, הפוטוריאליזם נוצר בהשראת הצילום. מידע חזותי שנלכד על ידי מצלמה משמש ליצירת ציורים, רישומים ויצירות אמנות אשליותיות. לעתים קרובות אמנים מקרינים תמונות על קנבס, כך שניתן יהיה להציג את התמונות בדיוק ובפירוט.
ארטה פוברה
Arte Povera (מהביטוי האיטלקי ל"אמנות עלובה" או "אמנות מרוששת") הייתה אחת מתנועות האמנות האוונגרד החשובות והבולטות שצמחו בדרום אירופה בסוף שנות ה-XNUMX.
זה כלל את עבודתם של תריסר אמנים איטלקים שהמאפיין היצירתי העיקרי שלהם היה השימוש בחומרים יומיומיים המזכירים עידן טרום-תעשייתי. לכלוך, אבנים ובגדים היו פופולריים במיוחד: "פסולת" או חומרים זולים שבהם השתמשו לאמנותם. גישה זו לאמנות תקפה את תפיסות הערך והנכונות הרווחות וביקרה בעדינות את התיעוש והמיכון של דרום אירופה באותה תקופה.
עבודתו סימנה תגובה לציור המופשט של המודרניזם ששלט באמנות האירופית בעשור הקודם, שממנו הוא הבחין בכך שהתמקד יותר ביצירה פיסולית מאשר בציור.
כמה מהעבודות המשמעותיות ביותר של הקבוצה נוצרו דרך הניגוד בין חומרי גלם והתייחסויות בו-זמנית לעליית תרבות הצריכה. משוכנע שהמודרנה מאיימת להכחיד את המורשת הקולקטיבית, ארטה פוברה ניסה להעמיד את החדש מול הישן.
בנוסף לדחיית התחרות הטכנולוגית, האמנים המזוהים עם ארטה פוברה דחו את מה שהם תפסו כריאליזם מדעי. בניגוד לגישה שיטתית ליחסים מרחביים, הם העלו מיתוס שאת סודותיו לא היה קל להסביר.
האמנים הציגו צירופים אבסורדיים ומשובבים, לרוב של החדש והישן או המעובד והקדם-תעשייתי. בכך הם המחישו כמה מהשפעות המודרניזציה התורמת להרס של מקומות וזיכרונות ככל שהיא מתקדמת יותר ויותר אל העתיד.
ניתן לקשר את העניין של ארטה פוברה בחומרים גרועים למספר תנועות אמנות אחרות של שנות ה-1950 וה-1960. לדוגמה, הם חלקו כמה טכניקות עם תנועות כמו Fluxus ו-Nouveau Réalisme בשילוב של חומרים נגישים בקלות עם חתך תחתון. מרדנית מהרגיל. פוּנקצִיָה.
פוסט מינימליזם
באמנות פוסט-מינימליסטית, מונח ששימש לראשונה מבקר האמנות רוברט פינקוס וויטן, הפוקוס עובר מטוהר הרעיון לתקשורתו. כדוגמה ניתן לראות את יצירותיה של האמנית הגרמנייה-אמריקאית אווה הסה.
אמנות פמיניסטית
תנועה אמנותית העוסקת בנושאים נשיים ספציפיים כמו לידה, אלימות נגד נשים, תנאי עבודה של נשים ועוד. האמנים המשתתפים כוללים את לואיז בורז'ואה ואמנית המיצג יוקו אונו ילידת יפן.
דקונסטרוקטיביות
דקונסטרוקטיביות היא אחת מצורות האמנות המרשימות ביותר מבחינה ויזואלית שנוצרו אי פעם. סגנונו המוזר אך היצירתי האינטנסיבי של אדריכלות המאה ה-80 הופיע בסוף שנות ה-XNUMX, בעיקר בלוס אנג'לס אך גם באירופה.
כחלק מהאמנות הפוסט-מודרנית המתאפשרת על ידי שימוש בתוכנת עיצוב תעשיית התעופה והחלל, ארכיטקטורה דה-קונסטרוקטיביסטית מנוגדת לרציונליות המסודרת של הגיאומטריה ומעדיפה גישה זרה לעיצוב שבדרך כלל מעוותת את החוץ של מבנה תוך ערעור האלמנטים. ערכי המודרניות .
כמה היסטוריונים מאמינים שגם הפילוסופיה הדקונסטרוקטיביסטית מתנגדת לאמנות הפוסט-מודרנית, אם כי ההשלכות המעשיות של זה אינן ברורות. אחרי הכל, אדריכל דקונסטרוקטיביסטי חייב לעקוב אחר חוקי המדע המודרניים והפוסט-מודרניים, בין אם הוא אוהב את זה ובין אם לאו.
הנציג המפורסם ביותר של אדריכלות דקונסטרוקטיביסטית הוא זוכה פרס פריצקר הקנדי-אמריקאי פרנק או. גרי. דקונסטרוקטיביסטים ידועים נוספים כוללים את דניאל ליבסקינד, זאהה חדיד, ברנרד צ'ומי ופיטר אייזנמן. מבנים דקונסטרוקטיביסטיים יוצאי דופן כוללים: בית הרוקד (פראג), מוזיאון גוגנהיים (בילבאו) ומוזיאון העיצוב ויטרה בווייל אם ריין.
ארכיטקטורה דקונסטרוקטיביסטית מאופיינת במניפולציה של פני השטח, פיצול וצורות לא ליניאריות המעוותות ומעקפות מוסכמות אדריכליות של מבנה ומשטח. בכך, אלמנטים שנראים סותרים זה את זה מנוגדים בכוונה כדי לערער על רעיונות מסורתיים של הרמוניה והמשכיות.
ריאליזם ציני
תנועת אמנות סינית עכשווית שקמה לאחר התבוסה של כיכר טיאננמן (1989). ריאליסטים ציניים השתמשו בסגנון ציור פיגורטיבי עם נרטיב מלגלג. המוטיבים החוזרים הם דמויות, גברים קירחים ודיוקנאות צילומיים. הסגנון לעג למעמדה הפוליטי והחברתי של סין, ומכיוון שזה היה שחר חדש עבור אמנים סינים, הוא התקבל היטב על ידי אספני אמנות מערביים.
ספרות וקולנוע פוסט מודרניים
מאפייני הספרות הפוסט-מודרנית כוללים טיפול מתחשב במה שזמין בצורה של ציטוטים ורמיזות ומשחק עם ז'אנרים ספרותיים. אופייני גם הוא הבנייה של רמות רבות של פעולה ומערכות יחסים, לעתים קרובות שבורים.
כנראה הרומן הפוסט-מודרני הידוע ביותר הוא שם הוורד מאת אומברטו אקו, עם מבנה ספרותי מורכב מאוד בצורת רומן פשע, הצליח אקו לגשר על הפער בין מה שנקרא תרבות גבוהה לתרבות ההמונים. ציטוטים והתייחסויות היסטוריות, ספרותיות ואמנותיות הופכים את הספר לרומן חינוכי או אפילו לתחרות ספרותית. אבל גם מי שלא מעוניין בו יכול ליהנות מיצירתו של אקו כמותחן מרגש.
באופן דומה, פיטר גרינאווי שילב את ז'אנר הסרט ההיסטורי עם המותחן בסרטו "החוזה של הקריקטוריסט" משנת 1982, אבל בניגוד לאקו, זה לא פותר את החידה. למרות שהעלילה מספקת רמזים קלאסיים רבים, כולם לא מובילים לשום מקום.
אמנות חזותית
השימוש במונח פוסט-מודרני נדחה על ידי תיאורטיקנים ואמנים רבים, במיוחד בתחום האמנות החזותית, לאור הספקטרום הרחב של צורות הביטוי. דחיית האמונה המודרניסטית בחדשנות היא גם אחד מיסודות האסתטיקה הפוסט-מודרנית באמנות יפה. הפוסטמודרניזם מקושר לקטגוריות היסטוריות של אמנות שנדחו על ידי המודרניות, כמו מבנים נרטיביים ומיתולוגיים.
זה כבר מתחיל בתיאורים של אנדי וורהול של אייקונים מהמאה ה-1950, מאלביס ועד ג'קי אונאסיס. אמנות הפופ סימנה גם את השבירה עם המודרניות בשנות החמישים בכך שהיא נפרדה מהפשטה. בשנות ה-XNUMX, האמנות החזותית, כמו האדריכלות של אותה תקופה, הדגישה את החשיבות של היבטים חושניים, רגשיים ומסורתיים על פני התיאוריה והמושג.
בשנות ה-XNUMX, הקולקטיב New Wild (Neue Wilden) שבר את הדומיננטיות של האוונגרד המינימליסטי והחרוץ מבחינה רעיונית עם הציור האקספרסיבי והמייצג שלו. היו מגמות דומות בארצות הברית ובאיטליה.
לאחר שהמערבולת התיישבה סביב הפראים החדשים, תפסו טרנדים שהתמקדו בהשתקפות על המדיום של ציור והתנסות חושנית במדיה ציורית (סיגמר פולקה, אנסלם קיפר, גרהרד ריכטר), ייצוגי הציור של הדומיננטיות של אוואנט העבודה המינימליסטי והרעיוני- גארד. היו מגמות דומות בארצות הברית ובאיטליה.
מאפיינים את התקופה שני אמנים שעבודתם משלבת את האסתטיקה של תת-תרבות ותרבות ההמונים: קית' הרינג וג'ף קונס. הרינג הצליח לשלב אלמנטים של אמנות גרפיטי, חוברות קומיקס, שפת סימנים ממוחשבת, ציור ילדים וציור היסטוריה מוקדמת לשפת סימנים פואטית ביותר שמובנת בתרבויות רבות. ג'ף קונס עשה לעצמו שם בתחילת שנות ה-1990 עם הבנאליות הפרובוקטיבית של נתיניו.
החומר המשמש הוא בדרך כלל באיכות גבוהה, אבל עיצוב פני השטח שלו מעורר את עולם הניקיז והקיטש, כמו צלמית החרסינה המצופה בחלקה זהב, בגודל טבעי, של מייקל ג'קסון עם בועות השימפנזה שלו.
הדרישה של האסתטיקה הפוסט-מודרנית לפלורליזם, סובייקטיביות, התרחקות מהפשטה, הכללת תקשורת ההמונים, טשטוש גבולות המגדר וקבלת הציטוט כמדיום אמנותי הביאו צבע ותנועה לנוף.אמנותית ומוזיאונית.
ההכרה בסופו של דבר בצילום ובקולנוע כמדיום אמנותי עשויה להיתפס כתוצאה מתמשכת של מגמות פוסט מודרניות. גולת הכותרת זמנית: בקיץ 2002, מוזיאון לודוויג בקלן יציג את כל חמשת הסרטים מ"מחזור הקרמאסטר" של מתיו בארני שהסתיים לאחרונה כחלק מתערוכה גדולה.
ארכיטקטורה
באמצע שנות ה-1970, צ'ארלס ג'נקס הכניס את המונח פוסט-מודרניזם לשיח האדריכלי. כך הגיע השיח הפוסט-מודרני לראשונה לציבור הרחב. עקרונות הסגנון של האדריכלות הפוסט-מודרנית כבר הופיעו בבירור בשלב זה.
נדרשה שפה אדריכלית דמוקרטית ותקשורתית, שהאסתטיקה שלה לא צריכה להתבסס רק על תפקוד, אלא גם על תוכן משמעותי. כמו כן, התבקשה הכללת אלמנטים בדיוניים, כמו הגותית, שראתה תמונה של ירושלים השמימית בקתדרלה.
במקביל, עלתה המגמה לשימור ועיצוב מחדש של מבנים היסטוריים. הדוגמה הבולטת ביותר הייתה גאר ד'אורסיי בפריז, שנפתח כמוזיאון ד'אורסיי ב-1986. מבנים היסטוריים כאלה השפיעו על שפת האדריכלות הפוסט-מודרנית, שמלכתחילה נקבעה מאוד על ידי ציטוטים.
כדי להימנע מהיסטוריציזם חדש, המוטו היה שבאופן אירוני יש לשבור את האקלקטיות, שבאה לידי ביטוי למשל בשימוש בעמודים, חלונות וסריג. הספקטרום של האדריכלות הפוסט-מודרנית התפתח במיוחד בבניין המוזיאון של שנות השמונים והתשעים.
בנוסף למוזיאון אבטיברג (Mönchengladbach) של הנס הוליין, הגלריה הממלכתית של ג'יימס סטירלינג (שטוטגרט) נחשבת למוצר מצליח ואופייני לפוסטמודרניזם. בעיצוב של סטירלינג, רמזים רבים לארכיטקטורה היסטורית, ממצרים ועד מודרניזם קלאסי, מתמזגים עם צבעי תרבות הפופ וחומרים אזוריים טיפוסיים של אבן חול וטרוורטין כדי ליצור צורה מגובשת ועכשווית.
בתקופה האחרונה, בכל הנוגע לבניית מוזיאונים, אופי החוויה בא לידי ביטוי יותר ויותר מהדרישה החינוכית.
במקום להרהר באמנות מדיטטיבית, נדרשת הבמה, והארכיטקטורה עצמה מבוימת עם נופים מדהימים ואפקטים תיאטרליים. ביקורי הציבור הראשונים מתקיימים יותר ויותר לפני תליית הציורים כדי שניתן יהיה לחוות את האדריכלות.
התמקדות פוסט מודרנית בתרבות פופולרית
מבקרי אמנות משתמשים לעתים קרובות במונח "תרבות גבוהה" כאשר הם מנסים להבחין בין אמנות הציור והפיסול (ואמנויות חזותיות אחרות) מהתרבות הפופולרית של מגזינים, טלוויזיה ומוצרים אחרים בייצור המוני. המודרניזם וחסידיו המשפיעים כמו גרינברג (1909-94) ראו את צורות התרבות הללו כנחותות. לעומת זאת, פוסטמודרניסטים, המעדיפים תפיסה דמוקרטית יותר של אמנות, רואים ב"תרבות הגבוהה" אליטיסטית יותר.
אמנות הפופ, התנועה הפוסט-מודרנית הראשונה, הפכה מוצרי צריכה רגילים לאמנות. אמני פופ ואחרים הלכו רחוק יותר בניסיונותיהם לעשות דמוקרטיזציה של האמנות על ידי הדפסת ה"אמנות" שלהם על ספלים, שקיות נייר וחולצות טריקו: שיטה שמדגימה, אגב, תשוקה, מקוריות ואותנטיות פוסט-מודרנית, מערערת את האמנות.
אמנים פוסט מודרניים נטשו את התפיסה שליצירת אמנות יש רק משמעות אינהרנטית אחת. במקום זאת, הם מאמינים שהצופה הוא מקור חשוב לא פחות למשמעות. הצילום הסוריאליסטי של סינדי שרמן, למשל, מדגיש את הרעיון שניתן לפרש יצירת אמנות בדרכים רבות.
למעשה, חלק מהאמנים, כמו אמנית המיצג מרינה אברמוביץ', אפילו מאפשרים לצופים להשתתף באמנות שלהם, או אפילו דורשים קלט מהקהל כדי להשלים את עבודתם.
התמקדו בהצגה
בהיעדר משמעות אמיתית לחיים, במיוחד כאשר אנו נתונים לפרסומות ברדיו ובטלוויזיה ביום ובלילה, אמנים פוסט מודרניים העדיפו להגביל את עצמם בסגנון ובמחזה, ולעתים קרובות משתמשים בכלים וטכניקות קידום מכירות כדי להשיג השפעה רבה יותר. גישה זו מודגמת בתהליך ההדפסה המסחרית העושה שימוש בדימויים דמויי כרזה של אמני פופ כמו רוי ליכטנשטיין וג'יימס רוזנקוויסט.
ההתמקדות על פני השטח היא מאפיין נפוץ של האמנות הפוסט-מודרנית ולעיתים באה לידי ביטוי עם דימויים תיאטרליים, מבריקים, בעלי השפעה רבה. מאז 1980, השימוש במחשבים ובטכנולוגיות אחרות חולל מהפכה באמנות המולטימדיה (למשל אנימציה) ויצר אפשרויות ספציפיות בתחומים כמו ארכיטקטורה.
כמה חשוב ללכוד את תשומת הלב של הקהל בפוסטמודרניזם מלמדת על ידי טקטיקת ההלם של קבוצת סטודנטים בקולג' גולדסמית', הידועה בשם אמנים בריטים צעירים, בלונדון בסוף שנות ה-XNUMX וה-XNUMX. ה-YBAs, שהתפרסמו בשל שלוש הופעות, זכו לביקורת על טעמם הגרוע, אך כמה מהם הפכו לזוכים בפרס טרנר, בעוד שאחרים זכו למוניטין והון ניכרים.
לענות על צרכי הצרכן
לעליית התנהגות הצרכנים ותרבות ההנאה המיידית בעשורים האחרונים של המאה ה-XNUMX הייתה השפעה חזקה גם על האמנות החזותית. צרכנים רוצים כעת חדשנות. הם גם רוצים בילוי וכיף. אמנים פוסט מודרניים רבים, אוצרים ואנשי מקצוע אחרים ניצלו את ההזדמנות להפוך אמנות למוצר של כיף.
הצגת צורות חדשות של אמנות כמו מיצג, אירועים ומיצבים, כמו גם נושאים חדשים, כולל כרישים מתים, פסלי קרח ענקיים, רבים של גופות עירומות, מבנים שנראים בתנועה, אוסף של שלושים וחמישה אלף דמויות טרקוטה, גופים מצוירים, הקרנות מצמררות על מבני ציבור (ועוד רבות אחרות) - הם העניקו לצופים שלל חוויות חדשות, לפעמים מזעזעות.
האם צורות האמנות החדשות הללו הן בעצם "אמנות" נותרה שאלה שגורמת לדיון רב. קונספטואליסטים פוסט-מודרניים טוענים שכן, בעוד שהמסורתיים מסרבים להתייחס לזה ככזה.
עקרונות האמנות הפוסט מודרנית
עבור מומחים, אמנות פוסט מודרנית מורכבת משלושה עקרונות בסיסיים שישלטו בה באופן כללי מבלי להיות מגביל לחלוטין:
משמעות מיידית
לא עוד ציורי שמן דהויים המתארים אירועים מסמרי שיער מהמיתולוגיה היוונית כדי להעלות חיוך יודע מהמתבונן התרבותי. מאז ראשיתו בתנועת הפופ ארט, הציור והפיסול הפוסט-מודרניים היו נועזים, מבריקים וניתנים לזיהוי מיידי.
נושאים ותמונות נלקחו בעיקר ממוצרי צריכה בעלי פרופיל גבוה, מגזינים, פרסומות, טלוויזיה, סרטים, קריקטורות וקומיקס. בפעם הראשונה כולם הבינו את האמנות המוצגת. למרות שהפוסטמודרניזם התפתח מאמנות הפופ, מטרה עיקרית אחת של המשמעות נותרה גלויה מידית.
אפשר ליצור אמנות מכל דבר
בהתבסס על המסורות של מרסל דושאן, שהמשתנה שלו עם הכותרת מזרקה (1917) הייתה הדוגמה המפורסמת הראשונה של חפץ רגיל שהפך ליצירת אמנות (דוגמה נוספת: סיפורם של המוכנים), אמני אמנות פוסטמודרניסטים יצרו אותה. העסק שלהם ליצור אמנות מהחומרים והפסולת יוצאי הדופן ביותר. הרעיון מאחורי זה הוא לעשות דמוקרטיזציה של האמנות ולהפוך אותה לנגישה יותר.
הרעיון חשוב יותר מהיצירה עצמה
עד שנות ה-1960, אמנים האמינו בדרך כלל שללא מוצר מוגמר לא יהיה כלום. תשומת לב רבה הוקדשה לאיכות יצירת האמנות המוגמרת ולאומנות הנדרשת לה. היום הדברים שונים.
פוסטמודרניסטים נוטים להאמין יותר בקונספט מאחורי המוצר הסופי מאשר במוצר עצמו, וזו הסיבה שחלק גדול מה"אמנות הפוסט-מודרנית" נקרא "אמנות מושגית" או "קונספטואליזם". צורות אחרות של מושגיות כוללות מיצבים, אומנויות הבמה, התרחשויות, אמנות הקרנה ועוד כמה.
אמנים פוסט מודרניים בולטים
מכיוון שאנו בני זמננו של האמנות הפוסט-מודרנית, קשה להבחין בין השמות האיקוניים של התקופה. רק לאחר חלוף זמן ניתן יהיה לומר אילו אמנים הותירו חותם אקספרסיבי בהיסטוריה של הציור, ושהתהילה שלהם הייתה רק מחווה לאופנה. אבל, מכיוון שהפוסטמודרניזם מתפתח כבר יותר מחצי מאה, אנו יכולים למנות כמה מהשמות שכבר רשומים בהיסטוריה. אלה כוללים, למשל:
- דאדאיסט, סוריאליסט ומייסד הקונספטואליזם מרסל דושאן
- אנדי וורהול מנהיג אמנות הפופ
- חלוץ ההרכבה César Baldaccini
- הקונספטואליסט הנודע ברוס נאומן
- רוברט ראושנברג, רמדיוס וארו אורנגה, פרנסיס בייקון, דמיאן הירסט, ג'ף קונס.
מרסל דושאן
מרסל דושאן (נולד ב-28 ביולי 1887 - נפטר ב-2 באוקטובר 1968) היה אמן אמנות אוונגרד, הידוע ביצירות האמנות הראוותניות שלו. עבודתו של מרסל דושאן התריסה נגד מסורות מבוססות ונדונה שוב ושוב בכרוניקה השערורייתית משני צדי האוקיינוס.
בתחילת דרכו הוא צייר תמונות בסגנון פוסט-אימפרסיוניסטי, תוך מתן כבוד לקוביזם ולפאוביזם, אך לאחר מכן ויתר על הציור והתעניין ביצירת מיצבים שבהם ערבב טכניקות והשתמש בחומרים בטקסטורות שונות. לרעיונות המהפכניים של האמן הייתה השפעה רבה על התפתחות האמנות המושגית במאה ה-XNUMX.
אנדי וורהול
אנדי וורהול (נולד ב-6 באוגוסט 1928 - נפטר ב-22 בפברואר 1987) היה אמן ובעל גלריה אמריקאי מבוקש מהמאה ה-XNUMX. הוא תרם תרומה גדולה לפיתוח אמנות הפופ המסחרית. אנדי וורהול נחשב בצדק למנהיג של מגמה כמו uomo universale.
רוברט ראושנברג
רוברט ראושנברג (נולד ב-22 באוקטובר 1925 - נפטר ב-12 במאי 2008) טיטאן האמנות האמריקאית של המאה ה-XNUMX לפי העיתון "ניו יורק טיימס", היה אמן ויוצר מצטיין, נציג של אימפרסיוניזם מופשט, קונספטואליזם, מוכן ומייסד של פופ ארט.
ציוריו של רוברט ראושנברג הם קולאז'ים ומיצבים, אובליסקים, כלי בית וחפצים אחרים שקשה לסווג. עבודתו של המאסטר, כמו הביוגרפיה שלו, מזעזעת, מפתיעה, מגעילה ומקסימה, אבל לא משאירה אף אחד אדיש. דו מיני לוהט, רוקח מתוסכל, מתנגד לכל מה שהוא קלאסי ורגיל, הוא כל הזמן אתגר את עצמו ואת העולם שסביבו.
תרופות וארו אורנגה
Remedios Varo Uranga (נולד ב-16 בדצמבר 1908 - נפטר ב-8 באוקטובר 1963) הוא אמן ספרדי ומקסיקני מהמאה ה-XNUMX, נציג מקורי של הסוריאליזם. עבודתו של רמדיוס וארו חורגת ממסגרת הציור הקלאסי: חלומות, הרהורים פילוסופיים, קסם, מכניקה, היסטוריה ותורת הנסתר שזורים זה בזה ביצירותיו של הסוריאליסט.
יחד עם זאת, ציוריו של רמדיוס וארו הם ליריים ונשיים באופן מודגש, מלאים באווירת ימי הביניים ומפנים את הצופה למקורות היקום. ציוריו של רמדיוס וארו מאוכלסים בדמויות אגדות אקסטרווגנטיות, קונסטרוקציות מכניות וטבע. בניגוד לסוריאליזם הקלאסי, בכל אחת מיצירותיו של האמן נרשמה בבירור עלילה המובילה את הצופה למסקנות מסוימות.
פרנסיס בייקון
פרנסיס בייקון (נולד ב-28 באוקטובר 1909 - נפטר ב-28 באפריל 1992) הוא אמן האקספרסיוניזם הבריטי, אחד האמנים המעורפלים והאכזריים ביותר של המאה ה-XNUMX. עבודתו של פרנסיס בייקון מוכרת כמרשימה: היצירות המפחידות ביותר של הפנטזיה האנושית מתעוררות לחיים בציוריו.
פרנסיס בייקון לא קיבל השכלה אקדמית. יחד עם זאת, הוא מבוקש ופופולרי להפליא. ציוריו של המאסטר הם החלום האולטימטיבי הן לגלריות הפרטיות והן למוזיאונים המפורסמים בעולם, שכלל לא נרתעים מלכלול את עבודתו באוסף. חלק מיצירות המופת של האמן שוות עשרות מיליוני דולרים ונכללות ברשימות יצירות האמנות היקרות ביותר.