Fino alla metà del secolo scorso era impensabile ammirare dei barattoli di latta in una galleria, quindi l'esposizione dell'opera innovativa Lattine di zuppa Campbell dell'artista Pop Art Andy Warhol ha rappresentato un evento storico nel mondo dell'arte.
Lattine di zuppa Campbell
Nel 1962, Andy Warhol creò la serie Campbell's Soup Cans e la presentò nella sua prima mostra personale alla Ferus Gallery di New York. Un totale di trentadue barattoli da minestra dipinti a mano con diverse etichette su tela hanno avuto un posto sotto i riflettori come opere d'arte. Il che non sorprende oggi, ma nel 1962 la Pop Art era ancora agli albori.
La pianta come la conosciamo oggi aveva un aspetto leggermente diverso cinquantanove anni fa. Per la sua prima esposizione pubblica il 9 luglio 1962, le trentadue immagini furono disposte in linea orizzontale. Uno dopo l'altro, proprio come sarebbe sullo scaffale del supermercato. La pop art era inarrestabile. Warhol ha introdotto i beni di consumo nel mondo delle gallerie senza trascurare o velare artisticamente il loro reale valore di mercato.
Le sue opere corrispondevano alla definizione di Pop Art descritta in una lettera dell'artista inglese Richard Hamilton nel 1957: «La Pop Art è: popolare, fugace, superflua, low cost, prodotta in serie, giovane, divertente, sexy, piena di trucchi, glamour e grandi affari.
Andy Warhol ha opportunamente creato le sue opere in una fabbrica, il suo studio, che ha chiamato "The Factory". Ed era una macchina. Per Campbell's Soup Cans, ha utilizzato una tecnica di produzione dell'industria pubblicitaria, la serigrafia. Un motivo industriale viene riprodotto e ripetuto in motivi successivi. Da perfezionista, ogni dettaglio contava per Andy Warhol, non lasciava nulla al caso.
Se viste da lontano, le lattine di zuppa di Campbell sembrano trentadue lattine identiche. In effetti, tutti e trentadue sono scritti a mano e unici. Andy Warhol ha dato alla zuppa di pomodoro un sapore diverso, dal manzo alla zuppa di fagioli neri e cipolle.
Cinque anni dopo aver dipinto le lattine di zuppa di Campbell, Warhol ha fatto un ulteriore passo avanti e ha dato loro il colore: blu, verde, giallo, viola. Le lettere ei colori base delle lattine sono diventati una nuova serie armoniosa. Con questi diciannove dipinti Warhol ha plasmato la sua impronta artistica, rinnovato i processi artistici e introdotto la star della Pop Art: la serie policroma. Warhol ha dipinto a mano la serie Campbell's Soup Cans. Ha usato la serigrafia, ma anche il colore. Giocava con le regole dell'arte per sfruttarle al meglio, ma anche per vedere meglio le cose.
Warhol una volta disse: "Tutte le cose hanno la loro bellezza, ma non tutti sanno come riconoscerle". Andy Warhol era una specie di poeta su se stesso. Una lattina può diventare un vaso di fiori, il logo di un marchio può essere dipinto con cura e delicatezza con un pennello. E una lattina di zuppa dell'industria di massa può diventare un'icona artistica: l'icona della pop art.
Zuppa di Campbell: un marchio reale
Warhol ha affermato di essere un consumatore abituale di Campbell's Soup: uno a pranzo ogni giorno per vent'anni. La ripetizione non lo trattenne, "la stessa cosa ancora e ancora" era quello che stava cercando. Il consumo era ed è il cuore della società americana, ma all'epoca ai beni industriali delle masse veniva ancora negato l'accesso ai musei. Ed è esattamente ciò che voleva Warhol: introdurre il vero consumo di massa nell'arte.
Per riflettere il mondo che lo circonda, ha utilizzato foto di pubblicità, celebrità e fumetti. L'attuale slogan del marchio Campbell's Soup si applica anche alla pop art: "Made for real life". In un'intervista con la rivista The Face, Andy Warhol una volta disse che sua madre usava barattoli di latta come vasi per i bouquet. Sembra quindi ragionevole pensare che anche la sua serie di opere con lattine renda omaggio a questo ricordo della sua infanzia.
Andrew Warhola era il figlio più giovane di genitori immigrati negli Stati Uniti dalla Slovacchia nord-orientale. Creativo fin dalla tenera età, i suoi genitori lo hanno sostenuto come meglio potevano nonostante la mancanza di mezzi finanziari. Una lattina può essere l'epitome di un oggetto di uso quotidiano usa e getta per una persona e un vaso per un'altra.
Pop Art
La pop art (Pop art) è un'arte popolare e conveniente. È comprensibile alla maggior parte delle persone, facile da riconoscere e spiegare. È una direzione artistica basata su oggetti di cultura di massa e orientata all'intrattenimento, al commercio e non alla ricerca di un significato profondo, di una filosofia e di una spiritualità.
Questo è uno dei movimenti artistici più importanti del XX secolo. La pop art è nata nel Regno Unito e negli Stati Uniti negli anni '1950. La pop art è nata come reazione a una direzione completamente diversa dell'arte moderna: l'espressionismo astratto.
Per capire cos'è la pop art, devi partire da una direzione diversa nell'arte: l'espressionismo astratto. In essa l'artista libera la mente dalle leggi della logica ed esprime sulla tela il suo mondo interiore, come «vede» e «senti». Ma in realtà è ancora più complicato. Lo stesso problema è sorto negli anni '50 del XX secolo, nonostante l'immensa popolarità, non tutti hanno capito il lavoro degli artisti espressionisti astratti. Per apprezzarli nel loro vero valore, una persona deve essere già esperta nell'arte.
Ciò che ha reso questa direzione artistica accessibile non a tutti, ma all'élite. La pop art è diventata una specie di reazione, di opposizione all'espressionismo astratto. Il suo motto era l'idea: un ritorno alla realtà, non alla fantasia di un artista. La fonte di ispirazione è stata la pubblicità, le riviste, il packaging alimentare, la fotografia, la televisione, gli idoli, gli stereotipi, i film, i supermercati, i fumetti, in generale, tutto ciò che accade nella vita quotidiana delle persone più comuni.
I primi passi di un nuovo stile pittorico furono associati alle attività del Gruppo Indipendente di artisti e architetti, fondato nel 1952 a Londra. Sono stati i primi a utilizzare le moderne tecnologie per creare dipinti con motivi principali della cultura popolare urbana e di massa. La cultura americana è diventata la base dello studio.
I pionieri dello stile E. Paolozzi e R. Hamilton hanno studiato le influenze psicologiche della cultura di massa, il suo significato, il contenuto linguistico. Prima di tutto mi interessavano i metodi della pubblicità industriale, le moderne tecnologie per la produzione della pubblicità, la tecnica di creazione dei collage.
Nel 1956 si tiene la mostra «Questo è domani». I pittori hanno presentato al pubblico le immagini nello stile della pop art, raffiguranti star di Hollywood, fotogrammi di film famosi con ingrandimento. È stato dopo la mostra che si sono uniti al torrente molti diplomati delle scuole d'arte, che sono stati ispirati dal nuovo stile.
Negli Stati Uniti, lo stile si sviluppò e divenne popolare. Qui molta attenzione è stata dedicata all'estetizzazione del banale: packaging, beni di consumo. L'essenza della pop art americana: gli oggetti che le persone consumano rendono uguali tra loro i rappresentanti di classi sociali diverse. Quindi, la pop art è l'arte dell'uguaglianza sociale.
In Inghilterra, il movimento Pop Art ha avuto origine da un critico d'arte inglese, Lawrence Alloway, che fu il primo a usare il termine "mass popular art" alla fine degli anni '1950. Erano membri del gruppo The Independent Group: Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, Alison e Peter Smithson e Lawrence Alloway. Tuttavia, il primo lavoro dovrebbe essere nel 1956, di Richard Hamilton.
Negli Stati Uniti, invece, questa corrente nasceva da singole persone che lavoravano da sole e non erano rappresentate come membri di alcun gruppo. Gli artisti più famosi sono Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein e Andy Warhol. Ciò che è strano è il fatto che l'era si sia sviluppata indipendentemente l'una dall'altra negli Stati Uniti e in Inghilterra.
Il gioco
Sono le lattine di zuppa Campbell's che Andy Warhol realizzò per la sua prima mostra alla Ferus Gallery di Los Angeles nel 1962. Con quest'opera l'autore affronta il fenomeno dell'intercambiabilità, perché "l'individualità dell'individuo con la società dei consumi degli anni Sessanta in America sta svanendo".
L'immagine è composta da trentadue tele. Nella creazione è stata utilizzata la tecnica di stampa. È interessante notare che la Campbell Soup Company (CBS) è ancora in circolazione oggi (fondata nel 1869) e le illustrazioni mostrano quali tipi di zuppe vendeva l'azienda in quel momento. Le lattine si differenziano non solo per il nome delle singole zuppe, ma anche per la parte in etichetta rossa, dove è presente il colore diverso dalla tonalità rossa. L'intera composizione è composta da trentadue rettangoli, ovvero le etichette sono l'oggetto principale del contenitore.
Si può dire che tutte le lattine hanno lo stesso aspetto e creano un senso di unificazione, il motivo è che le lattine hanno la stessa struttura e possono essere rappresentate da spazi monotoni come sullo scaffale di un supermercato. Le lattine sono divise in due parti. Nella parte rossa sono scritte due parole, il nome dell'azienda e la parola 'condensato'.
Nella parte bianca invece si vedono i rispettivi tipi di zuppe, che sono scritte in rosso. La parola 'zuppa' è particolarmente decorata con una striscia più scura al centro delle lettere e anche il fondo della scatola è decorato con le finiture dorate e la linea rossa. Nell'immagine c'è un forte contrasto di rosso e bianco. Qui semplicemente non c'è transizione dal rosso brillante al rosso. Nella lattina, il colore rosso gioca un ruolo molto più importante del colore bianco.
Se la lattina fosse stata dipinta solo di bianco, non sarebbe interessante e non sarebbe accattivante. Forse allora non apparterrebbe alla Pop Art. Ci sono anche due armonie di colori qui, una è composta da tonalità rossa e dorata (il simbolo al centro), e la seconda è composta da tonalità bianche, dorate e nere. L'immagine è anche disegnata nel cosiddetto stile comico e non ha movimento. Pertanto, l'intera immagine ha una forma dell'immagine quasi realistica (a causa dello stile comico) e uno spazio dell'immagine.
Il colore rosso significa che ha un effetto caldo, energico e giocoso sullo spettatore. Al contrario, non contiamo il bianco e nero come colori perché non ci riguardano e sono neutri. Anche l'oro ha un carattere caldo e sebbene una lattina contenga argilla bianca (la metà trasparente del contenitore), si tende a classificare nell'ambiente dai colori caldi.
Oggi non è chiaro esattamente il motivo per cui Warhol scelse le lattine di zuppa Campbell, ma si può dire che scelse le lattine per una serie di motivi. Uno potrebbe essere che Warhol avesse bisogno di un nuovo soggetto dopo aver lasciato il fumetto. Un altro motivo è nato dalla raccomandazione di Roberta Latow. Ha detto che oltre alle immagini delle banconote americane, Andy dovrebbe disegnare qualcosa di semplice. Si sa anche che a Warhol piacevano le zuppe e che disegnava la ciotola perché gli stava a cuore. La scelta mostra la tua dimestichezza con queste zuppe.
E perché le Campbell's Soup Cans appartengono all'era della Pop Art? Bisogna partire dalla definizione, ovvero la Pop Art è un movimento artistico in pittura che nasce a metà degli anni Cinquanta del XNUMX° secolo, è stato creato in Inghilterra e negli Stati Uniti, i cui motivi sono presi dalla cultura quotidiana, dal mondo dei consumi e della pubblicità, quest'opera corrisponde a questa corrente perché mostra la società dei consumi americana dell'epoca.
La prima serie di lattine fu realizzata nel 1962. Nel 1969 Andy sviluppò un'altra serie di dieci immagini (c'erano un totale di 250 copie della seconda serie), ma avevano un aspetto leggermente diverso. L'idea principale è stata mantenuta, rosso e bianco, ma anche nel giallo al centro dell'immagine e i contrasti diventano ancora più forti, ad esempio attraverso il contorno tra giallo e nero o attraverso le persone. La seconda serie discute fortemente con le irregolarità e le irregolarità della prima serie. Queste lattine hanno già mostrato il loro sviluppo nel campo della pubblicità.
Prima esposizione
Campbell's Soup Cans è stata la prima significativa mostra personale di Andy Warhol, cambiando radicalmente la sua carriera. È successo nel 1962 alla Ferus Gallery di Los Angeles, in California. Warhol lavorava allora come illustratore per riviste di moda. Ha tenuto diverse mostre in gallerie di New York e una volta ha persino scritto la rivista Life su di lui, ma nel complesso Warhol è rimasto un artista poco conosciuto.
Una volta ha anche provato a donare una sua opera al museo americano The MoMA, ma gliel'hanno restituita. Il direttore della Ferrus Gallery Irwin Blum ha offerto la mostra al poco noto Warhol dopo aver visto per la prima volta sei tele nel 1961.
Blum è venuto a Warhol su suggerimento di Ivan Karp, vicedirettore della famosa galleria Leo Castelli di New York e uno dei primi e più devoti sostenitori della Pop art, sperando di vedere dipinti di Warhol come i fumetti di Roy Lichtenstein della galleria Castelli. Ma dopo aver visitato l'appartamento di Warhol in Lexington Avenue, che era anche adibito a studio, si decise di presentare una mostra intitolata "Soup Cans 32" composta da trentadue dipinti di 182 x 132 cm raffiguranti barattoli di zuppa Campbell.
“... Ho camminato lungo il corridoio”, disse in seguito Blum, “e ho visto sul pavimento, appoggiate al muro, immagini di lattine di zuppa. Ho detto: "Andy, cos'è questo?" Disse: "Oh, lo sto facendo adesso". E ho detto: "Perché più di uno?" Disse: "Ne farò trentadue". Non potevo crederci. Ho detto: "Perché trentadue?" Disse: "Ci sono trentadue varietà in tutto".
New York era considerata il centro della vita espositiva in quegli anni, ma Warhol trovò interessante organizzare una mostra a Los Angeles, dal momento che le star del cinema di Hollywood, da sempre oggetto di particolare interesse per l'artista, potrebbero conoscerla.
La trasformazione di un oggetto in merce da parte di Warhol era esattamente l'opposto della trasformazione di merci reali in oggetti nel readymade di Duchamp. I quadri sono stati disposti lungo le bianche pareti della galleria su scaffali disposti come in un vero supermercato. La mostra è stata indubbiamente radicale, molti addirittura si sono chiesti se questa potesse essere considerata arte.
Lo spettacolo non ha suscitato il trambusto che Blum e Warhol si aspettavano. In effetti, la poca risposta ricevuta dal pubblico o dagli storici dell'arte è stata piuttosto dura. "Questo giovane 'artista' è uno sciocco o un ciarlatano testardo", ha scritto un recensore.
Un cartone animato sul Los Angeles Times prende in giro i dipinti e il loro pubblico designato. "Francamente, la crema di asparagi non fa per me", dice un amante dell'arte all'altro, in piedi in una galleria. "Ma l'orribile ricchezza degli spaghetti di pollo mi dà un vero senso dello Zen." Un mercante d'arte vicino alla Galleria Ferus era ancora più acuto. Ha lasciato vere lattine di zuppa di Campbell nella sua finestra, insieme alla scritta: “Non lasciarti ingannare. Prendi l'originale. Il nostro prezzo più basso è due per trentatré centesimi."
Nonostante tutto, Blum riuscì a vendere cinque dipinti, per lo più ad amici, tra cui l'attore Dennis Hopper. Ma anche prima della fine dello spettacolo, ha improvvisamente cambiato idea. Rendendosi conto che i dipinti erano più adatti in un set completo, Blum ha acquistato quelli che ha venduto. Ha accettato di pagare a Warhol $ 1,000 per tutto. Warhol era felicissimo, pensava sempre a Campbell's Soup Cans come a un set. Sia per l'artista che per il mercante, questa decisione è stata un atto complicato che ha dato i suoi frutti in futuro.
Una volta che il pubblico e la critica hanno superato lo shock, hanno iniziato a maturare nelle lattine di zuppa Campbell's di Warhol. In primo luogo, era una nuova idea nell'art. Quanto è difficile capire un dipinto se l'originale è probabilmente sullo scaffale della cucina? I critici iniziarono a notare l'umorismo scaltro e ironico nei "ritratti" di Scotch Broth e Chicken Gumbo di Warhol. E la decisione di Blum di tenere insieme i dipinti aumentò la loro influenza.
La mostra alla Ferus Gallery segnò una svolta nella carriera di Warhol. Dopo Campbell's Soup Cans, Warhol è passato dal disegno alla serigrafia, un processo che ha prodotto più risultati e gli ha permesso di creare più versioni dello stesso lavoro. La sua reputazione ha continuato a crescere. Nel 1964, il prezzo di vendita di un dipinto di lattine di zuppa mancante dal set di Blum era salito a $ 1.500 e le socialite di New York usavano lattine di zuppa per stampare su abiti fatti su misura dall'artista stesso Warhol.
La stessa Campbell's Soups si unì presto al divertimento. Alla fine degli anni '1960, l'azienda attinse all'allora popolare fantasia di abiti con un vestito Souper e una piccola borsa ricoperta di etichette di zuppa in stile Warhol. Ogni vestito aveva tre strisce dorate nella parte inferiore, quindi chi lo indossava poteva tagliare il vestito alla lunghezza perfetta senza tagliare il motivo dalla latta. Prezzo: un dollaro e due etichette Campbell's Soup.
Oggi, le lattine di zuppa di Warhol rimangono un'icona della cultura pop, da piatti e tazze a cravatte, magliette, tavole da surf e skateboard. Una delle fotografie più scioccanti fu quella dello stesso Warhol: sulla copertina della rivista Esquire nel maggio 1969, stava annegando in una lattina di zuppa di pomodoro Campbell.
Alla fine, le lattine di Warhol furono riconosciute dal Museum of Modern Art come degne di essere chiamate arte. Nel 1996, il museo ha acquistato i trentadue dipinti di Irving Blum per 1962 milioni di dollari, un sorprendente ritorno sul suo investimento di 1995 dollari nel XNUMX. Anche l'abito Souper è stato dichiarato un classico. Nel XNUMX, un anno prima che i dipinti arrivassero al Museum of Modern Art, sono entrati nella collezione del Metropolitan Museum of Art.
La mostra Campbell's Soup Cans divenne una pietra miliare significativa nello sviluppo della pop art e nella carriera di Andy Warhol, che avrebbe continuato a lavorare in questo genere, passando alla produzione di serigrafie con ritratti di star del cinema e ritagli di giornale. , e poi aprirà la sua famosa fabbrica a Manhattan.
Blum si specializzerà in pop art e lavorerà con altri importanti artisti pop come Roy Lichtenstein e Frank Stella. La pop art, caratterizzata da semplicità, accessibilità e immagini laconiche, replicate da oggetti di cultura di massa e consumismo, diventerà uno dei simboli dell'arte americana.
L'artista
Andy Warhol (1928-1987) è stato un artista americano, uno dei principali esponenti della pop art in quel paese. Alla Fabbrica da lui fondata, dipendenti e amici erano impegnati ad aiutarlo nella produzione della sua arte. Il successo di Andy Warhol, che dai primi anni Sessanta si occupò di immagini mediatiche di superstar, portò i collezionisti e la nobiltà del denaro a farsi interpretare da lui.
Ha anche realizzato film sperimentali, ha fondato la rivista Interview ed è stato produttore musicale per la rock band Velvet Underground. Quando Andy Warhol morì all'età di cinquantotto anni, lasciò un vasto corpus di lavori, che andavano dalla semplice grafica pubblicitaria a dipinti, oggetti, film e libri.
Da artista commerciale a artista di galleria
Formatosi come artista commerciale e di grande successo negli anni '1950, è passato alle belle arti nel 1960, occupandosi inizialmente di emblemi dei media e della società dei consumi. Sviluppato e creato annunci per Vogue, Glamour, Harper's Bazaar e LIFE. Ha illustrato racconti per Truman Capote. Già nel 1952/53 espone questi primi lavori nella sua prima mostra in galleria e nel 1956 nella sua partecipazione a mostre al Museo d'Arte Moderna. Warhol iniziò a collezionare arte durante un viaggio in Europa e in Asia nel 1956.
Nel 1960 Andy Warhol si dedicò alla pittura e lavorò a dipinti come Popeye e Superman del sabato. Tuttavia, ha scoperto che Roy Lichtenstein già dominava il mercato delle gallerie con questi motivi. L'anno successivo, Andy Warhol torna nel mondo dei consumi e sceglie come primo motivo una lattina Del Monte con metà pesca. A partire dal dicembre 1961 lavorò alla famosa serie Campbell's Soup Cans, una ripetizione in trentadue anni della rappresentazione frontale di una lattina di zuppa con gusti diversi, come suggerisce l'etichetta.
Warhol ha citato la pubblicità dei beni di consumo, che aveva precedentemente contribuito a plasmare con le sue immagini promettenti. Con l'ausilio di un proiettore ha potuto ingrandire i temi pubblicitari e riprodurli a mano libera; le opere prodotte in serie sono state realizzate con dime. Allo stesso tempo ha realizzato sculture in cartone e legno. Insieme a Roy Lichtenstein, reagì alla prevedibile fine dell'Espressionismo astratto, iniziata con la tragica morte di Jackson Pollock nel 1956.
Dopo che Andy Warhol ebbe successo come pittore e artista di una galleria d'arte pop, nascose la sua arte pubblicitaria degli anni Quaranta e Cinquanta in un modo molto nevrotico. Come ammette liberamente sul POPismo, l'uomo sulla trentina ha cercato consapevolmente di creare una nuova identità per una nuova carriera. Warhol considerava il mercato delle gallerie d'arte semplicemente più elegante di quello degli artisti commerciali. Per fare questo, ha mescolato "arte commerciale" (grafica pubblicitaria) con "arte reale" e viceversa.
Le prime mostre a Los Angeles (1962), Parigi con Ileana Sonnabend (1964) e nel 1965 la sua prima mostra museale all'Institute of Contemporary Art di Filadelfia stabilirono la fama di Warhol come pittore. Nello stesso anno 1965 smette di dipingere e si dedica interamente alla serigrafia, alla fotografia e ai media cinematografici.
Andy Warhol ha avuto un successo travolgente nei primi anni '1960 quando ha attinto alle immagini dei media di star del cinema e icone pop come Marilyn Monroe, Elvis Presley e Liz Taylor. Con l'idea che dieci fotografie di queste personalità sarebbero state più di una, Warhol ha riprodotto le fotografie con l'aiuto della serigrafia.
I colori pop accentuano, distorcono e alienano i ritratti allo stesso tempo. Warhol è riuscito a trasferire a sé il culto delle star attorno ad attori cinematografici, mogli di politici e musicisti rock attraverso la stilizzazione inconfondibile dei suoi ritratti. Questo le ha permesso non solo di attraversare i confini sociali come artista, ma anche di diventare una pop star.
Ha trovato il lato oscuro del sogno americano nelle immagini di incidenti stradali ("Death and Disaster Series") e nella sedia elettrica ("Electric Chair"). Utilizzando la stampa serigrafica, considerata riproduttiva e quindi non artistica, e utilizzando la pittura acrilica, Andy Warhol ha creato composizioni per le quali ha utilizzato foto di stampa di tragici incidenti o incidenti aerei e simili come modelli.
Ha dipinto le tele prima di serigrafarle dalle fotografie. La vernice aggiuntiva evidenzia le singole parti del rendering. Andy Warhol era anche interessato a riprodurre e modificare le stampe, che i dipendenti potevano produrre senza il suo contributo.
Andy Warhol motivazione
Sia l'Ucraina che la Slovacchia rivendicano da molti anni il diritto di chiamare Warhol proprio: i genitori dell'artista, Ondrej e Julia Justin Warhol, emigrarono all'estero dal villaggio di Mikova nella regione di Presov nell'attuale Slovacchia (fino al 1918 – Austria). -Ungheria). Per nazionalità, erano Rusyn, una minoranza etnica, che nell'Ucraina moderna è considerata parte della nazione titolare.
Tuttavia, queste controversie sono, ovviamente, infondate: Warhol era un esemplare, americano al cento per cento, e sono gli Stati Uniti che dovrebbero essere legittimamente considerati la sua patria. Salvo nella sua religiosità, accuratamente nascosta durante la sua vita, l'artista rimase fedele alle sue radici: fin dall'infanzia fu in seno alla Chiesa greco-cattolica di rito bizantino.
Come pochi sapevano, partecipò con zelo alla messa nella cattedrale di St. Vincent Ferrer a Manhattan (secondo le memorie dell'abate, notò prima uno strano parrocchiano battezzato in stile ortodosso, e solo allora si rese conto di chi fosse). Secondo i parenti dell'artista, era particolarmente orgoglioso di aver finanziato gli studi del nipote in seminario.
E nelle opere di Warhol i critici d'arte vedono non solo la componente materiale, ma anche quella spirituale. Il noto ricercatore, critico e teologo d'arte contemporanea James Romain ha scritto:
“A prima vista, le immagini di consumo di Warhol sembrano occupate solo dal mondo esterno della cultura moderna, con la completa esclusione della vita interiore della fede. Ma c'è anche una struggente nostalgia di qualcosa di più, una sete, particolarmente evidente nell'ultimo "Autoritratto" e nelle famose lattine di zuppa Campbell's.
Per vedere questa componente religiosa, bisogna riscoprire il senso del sacro, usando le cose materiali come cammini verso il divino, verso la penetrazione dell'eternità attraverso il tempo e lo spazio”.
Questo punto di vista può sembrare paradossale e persino scioccante, ma Romain offre prove convincenti. Vede le famigerate lattine di zuppa di Campbell (uno dei motivi dominanti di Warhol: ha creato diverse versioni del suo famoso lavoro del 1962) come un autoritratto dell'artista:
“Gli scaffali, come l'immagine pubblica di Warhol, sono freddi, una macchina di metallo, impenetrabili.
Ma l'autoritratto è completato dal suo contenuto; In realtà è la parte più importante della lattina, ma ha ben poco a che fare con l'aspetto della lattina. La zuppa, una calda fonte di nutrienti, è una sostanza sensibile che non sopravvive senza un imballaggio protettivo. Allo stesso modo, la fede di Warhol è nascosta sotto l'immaginario del supermercato.
Vale la pena notare che una delle ultime opere di Warhol era strettamente legata a temi religiosi: una serie di serigrafie basate sull'Ultima Cena di Leonardo da Vinci. Tuttavia, qui l'artista ha mostrato piuttosto una prospettiva diversa sull'esistenza dell'arte sacra in un mondo laico e profano, integrando la composizione di da Vinci, replicata in milioni di foto e riproduzioni, con loghi pubblicitari di marchi famosi. Come osserva Claudia Schmückly, curatrice della prima mostra della serie negli Stati Uniti:
“Questa mancanza di rispetto apparentemente eretica riflette l'inevitabile trasformazione di un'opera profondamente religiosa in un cliché, il cui messaggio spirituale è stato soffocato da una ripetizione senza fine. Come ultimo episodio di Warhol, L'ultima cena serve come un potente promemoria dei principi che hanno permeato tutti i suoi sforzi artistici".
Si può notare che il modo di Warhol, il ritrattista, che rimuoveva maniacalmente dai suoi modelli tutti i difetti e le rughe della pelle, si spiega non solo con il desiderio di “abbellirli”, ma anche con il desiderio dell'assoluto, dell'immagine .di una persona ideale che ha mondato da sé tutti i peccati (non escluso e immanente il primogenito).
In questa luce, diventa più chiaro il famoso detto sui "quindici minuti di gloria per tutti": la gloria concede almeno l'illusione dell'immortalità; per Warhol, questo simboleggiava, secondo alcuni ricercatori, la trasformazione di un uomo comune per strada in un essere che si avvicina all'ordine divino.
Warhol, forse, si associò in parte a Cristo, non in un contesto messianico palesemente eretico per un buon cristiano, ma nel senso in cui il famoso teologo Richard Niebuhr, nel suo libro Cristo e cultura (1951), paragonava l'opera mistica di un artista che “transubisce la cultura”, con il sacramento dell'Eucaristia, quando il pane e il vino ordinari si trasformano nei Santi Doni.
E anche il trucco noto a quasi tutti grazie al film di Oliver Stone con un telefono d'oro per parlare con Dio presentato a Jim Morrison può essere visto al di fuori della cinica confezione. Da un lato, il telefono d'oro funge da simbolo di potere e ricchezza; Non sorprende che i dittatori latinoamericani adorassero quei dispositivi.
D'altra parte, il primo telefono d'oro conosciuto fu presentato dai cattolici americani in dono a Papa Pio XI nel 1930 (l'apparecchio fu utilizzato dai vescovi romani fino alla fine del pontificato di Giovanni XXIII nel 1963). Quindi il dono di Warhol può essere spiegato in diversi modi (a proposito, secondo il biografo di Morrison Stephen Davis, il telefono aveva solo un quadrante dorato, ancora una volta un campo di interpretazione).
Tuttavia, lo stesso Warhol non amava molto dare spiegazioni: lasciò questa occupazione a critici, storici dell'arte, filosofi e al grande pubblico, che spettegolava volentieri sulle sue opere e sui suoi abiti stravaganti, amici, avventure semileggendarie. Come sottolineano quasi tutti i biografi di Warhol, in realtà era quasi disinteressato al sesso, alle droghe o persino ai soldi: bramava la fama. E ci è riuscito totalmente.
Biografia di Andy Warhol
Andy Warhol è nato il 6 agosto 1928, figlio di Andrej Varhola (1888-1942) e Julia Justyna a Pittsburgh, in Pennsylvania, ed è stato chiamato Andrew Warhola in greco ruteno, battezzato cattolico. La famiglia aveva origini russe e proveniva dal villaggio di Miková nei Carpazi, nel nord-est dell'odierna Slovacchia (allora: Regno d'Ungheria), vivendo in condizioni precarie. Andy aveva due fratelli maggiori: Paul e John. Dal momento che la madre di Andy Warhol ha rifiutato di imparare l'inglese per molto tempo, Andy ha imparato la lingua solo a scuola.
1932/33 Il padre di Andy Warhol, Andrej, si guadagnava da vivere facendo il montatore per un'impresa edile. Raramente era a casa e mancava a tutti. Poiché il brillante Andy difficilmente poteva essere addomesticato, la famiglia decise di iscriverlo a scuola all'età di quattro anni. Tuttavia, da quando è tornata piangendo la notte del primo giorno di scuola, non ha iniziato la scuola fino all'età di sei anni.
1934-1936: scuola elementare Con l'aumento del reddito di Andrej Warhola, è stato in grado di ottenere un prestito e trasferire la sua famiglia a Dawson Street a Oakland. Andy ha iniziato la seconda elementare alla Holmes Elementary School poiché il suo unico giorno alla Soho Elementary School contava come un anno intero.
1936 Andy Warhol, otto anni, soffriva spesso di convulsioni a scuola che gli impedivano di scrivere ed era ridicolizzato dai suoi compagni di classe. Un medico ripudiò la corea di Huntington (popolarmente conosciuta come la danza di San Vito) e un raro disturbo della pigmentazione, per il quale a lungo si pensava fosse un albino.
Poiché è stato costretto a letto per molto tempo, Warhol ha sviluppato una preferenza per i fumetti e i film. Inoltre, a questa esperienza risale la sua educazione ravvicinata con la madre. Dopo la sua guarigione, ha trascorso quasi tutti i sabati mattina al cinema. Shirley Temple è diventata il suo idolo e modello.
1937-1940: L'insegnante d'arte di Andy alla Holmes Elementary School suggerì nel 1937 di frequentare il prestigioso corso d'arte gratuito tenuto al Carnegie Museum il sabato mattina. Andy frequentò regolarmente le lezioni gratuite del sabato fino al 1941. Si divise nel gruppo di studenti più giovani. I suoi maestri, in particolare Joseph Fitzpatrick, esercitarono su di lui le prime importanti influenze artistiche. Andy Warhol ha saltato la quinta elementare.
1942 Morte del padre dopo diversi anni di grave malattia a causa della tubercolosi. La perdita ha colpito duramente il quattordicenne Andy Warhol; si stava nascondendo sotto il letto quando il corpo di suo padre è stato portato dall'ospedale. Come da tradizione rutena, Ondrej Warhola rimase per tre giorni nella sua casa, il che avrebbe potuto innescare il successivo confronto di Warhol con l'argomento della morte. La situazione finanziaria della famiglia sta peggiorando, ma i suoi due fratelli maggiori sono raramente a casa.
1945-1949: Business Graphics (Painterly Design) presso il Carnegie Institute of Technology di Pittsburgh. Andy Warhol si è diplomato all'undicesimo anno alla Schenley High School. La voce dell'annuario sotto il suo nome recita: "Autentico come un'impronta digitale." In autunno iniziò a studiare al Carnegie Institute of Technology (oggi: Carnegie Mellon University), Dipartimento di Pittura e Design.
1945 Andy Warhol ha studiato arte commerciale al Carnegie Institute of Technology (oggi: Carnegie Mellon University) a Pittsburgh, più precisamente disegno pittorico, storia dell'arte, sociologia e psicologia. L'interesse di Andy per gli insegnamenti del Bauhaus fu stuzzicato. Ha dato lezioni di disegno e ha lavorato durante le pause del semestre, come negli anni successivi, nel grande magazzino Joseph Horne a Pittsburgh. Ha incontrato Philip Pearlstein.
1947 Nel terzo anno, Andy Warhol ha vinto il John L. Porter Award for Progress per i disegni che aveva realizzato l'anno precedente mentre lui e suo fratello vendevano frutta da un furgone. D'estate affittava un fienile con i suoi compagni studenti, che usavano come studio.
1948 Andy Warhol ha iniziato il suo ultimo anno al Carnegie Institute in autunno. Ha lavorato come editor di immagini per la rivista studentesca «Cano». Nei suoi contributi ha già utilizzato la "linea sfocata", una tecnica monotipica improvvisata che sarebbe diventata il suo segno distintivo come artista commerciale.
1949 Andy Warhol ha mostrato "The wide give me my face" alla mostra annuale degli Associated Artists di Pittsburgh. La giuria ha discusso in modo controverso e respinto l'immagine. George Grosz, uno dei membri della giuria, ha elogiato il lavoro, che è stato finalmente mostrato e riconosciuto in una seconda mostra locale. Il 16 giugno 1949 Andy Warhol si laureò in Belle Arti.
Insieme al compagno di studi Philip Pearlstein si è trasferito a New York per lavorare come artista commerciale. I due condividevano un appartamento in Piazza San Marco. A settembre si sono trasferiti in una vecchia fabbrica sulla 21st Street e da allora si è chiamato Andy Warhol. Gran parte dei suoi primi progetti riguardava scarpe mentre lavorava in una fabbrica di scarpe.
Andy si è rivolto agli art director delle principali riviste e ha proposto loro un lavoro. La rivista Glamour gli affida il primo incarico: disegna illustratori per l'articolo "Il successo è un lavoro a New York". Seguirono molte altre commissioni, tra cui per Vogue, Seventeen e Harper's Bazaar.
1950 La rivista «Mademoiselle» ha pubblicato disegni firmati da «Andy Warhol». Il suo nome d'arte è stato stabilito intorno al 1942, quando le persone intorno a lui hanno dimenticato la "a". L'artista ha poi ricordato che si trattava, per così dire, di un processo "naturale" (e non di un allontanamento consapevole dalle sue radici).
1952 Prima mostra personale alla Hugo Gallery di New York (16 giugno – 3 luglio), dove presenta le sue illustrazioni per i libri di Truman Capote: “Andy Warhol – Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote”. Aveva già incontrato il direttore della galleria, Alexander Iolas, nel 1945. Ha ricevuto la "Medaglia dell'Art Directors Club" per aver disegnato diversi annunci sui giornali.
1954 Warhol ha ricevuto un "Certificato di eccellenza" dall'American Institute of Graphic Arts per il suo lavoro commerciale. Insieme a Charles Lisanby, che ha scritto i testi, Warhol ha prodotto il libro "25 Cats Name [sic] Sam and One Blue Pussy" come regalo. Si è incontrato con gli amici a "Serendipity" per colorare le lenzuola. In ottobre, The Loft Gallery ha organizzato le mostre «una nuova galleria presenta nuovi pittori»
1956 Andy Warhol ha ricevuto il "Distinctive Merit Award" dell'Art Directors Club per le scarpe pubblicitarie di I. Miller.
La Bodley Gallery ha mostrato Drawing for a Boy-Book di Andy Warhol. Il 16 giugno, il grafico e amico Charles Lisanby ha intrapreso un lungo tour mondiale in Europa e in Asia, durante il quale ha iniziato a collezionare. Tornò a New York il 12 agosto. Prima partecipazione alla mostra “Recent Drawings USA” al Museum of Modern Art, ma come grafico e non ancora come pittore o artista indipendente.
1957 Warhol è stato uno degli artisti grafici commerciali più conosciuti e più pagati d'America. Ha ricevuto una medaglia e un premio speciale dall'Art Directors Club per la grafica pubblicitaria sui giornali.
Ha poi fondato "Andy Warhol Enterprises, Inc." In "A Golden Book" ha pubblicato disegni di "linee cancellate" su carta dorata. Mostra alla Bodley Gallery «A Show of Golden Pictures di Andy Warhol». "Life Magazine" ha scritto una critica derisoria al riguardo. Chirurgia plastica al naso.
1960 Attraverso Tina Fredericks, Andy Warhol incontrò Emile de Antonio, che era anche amico di Jasper Johns e Robert Rauschenberg. Andy Warhol iniziò a lavorare su dipinti che presentavano immagini prodotte in serie (fumetti e pubblicità) e beni di consumo comuni come le lattine di zuppa Campbell e le bottiglie di Coca-Cola. Li ha mostrati nella vetrina del Bonwit Teller Department Store, New York (aprile). Ha anche incontrato Billy Linich (Billy Name) nel 1960; da allora ha fatto parte per molti anni della cerchia di Andy Warhol.
1961 Andy Warhol realizza le sue prime opere artistiche, con le quali inizia il catalogo ragionato. Questa prima serie di lavori si basava su illustrazioni pubblicitarie di riviste. Alla Galleria Leo Castelli, Warhol ha visto le opere di Roy Lichtenstein, che, come le sue stesse immagini recenti, riprendono i motivi dei fumetti. Warhol invitò Ivan Karp, l'assistente di Castelli, a mostrargli il suo lavoro. Castelli ha rifiutato di rappresentare Warhol, riferendosi al lavoro più recente di Lichtenstein. Di conseguenza, Warhol abbandonò gli eroi dei fumetti come motivi per le sue immagini.
1961 Warhol iniziò a lavorare intensamente con il gruppo di lavoro iniziale di Campbell's Soup Cans. Tuttavia, all'inizio dipingeva sempre solo singole lattine, scopriva sempre di più il fascino visivo di file e combinazioni. "Campbell's Soup Cans Group of 32" e "Campbell's Soup Cans" serie di XNUMX.
1962 Prima mostra personale come artista: Warhol espone le sue Campbell's Soup Cans su invito di Irving Blum, allora partner di Walter Hopps, alla Ferus Gallery di Los Angeles. Ha realizzato trentadue immagini quasi identiche perché la zuppa in scatola era disponibile in trentadue gusti diversi. Varia solo il contenuto, che non è rivelato dall'aspetto esteriore del prodotto di massa.
Più o meno nello stesso periodo di Rauschenberg, Warhol scoprì la tecnica della serigrafia fotografica come metodo per produrre immagini in estate. Il primo lavoro in questa tecnica è «Baseball», che mostra il famoso giocatore di baseball Roger Maris. Warhol ha sperimentato con francobolli, fustelle e modelli. Warhol dipinse quindi "129 Die in Jet" basato sull'immagine di copertina del "New York Mirror" del 4 giugno 1962. Oltre ad altre immagini di disastri, Warhol dipinse anche sobrie bottiglie di Coca-Cola.
Dopo la morte di Marilyn Monroe il 5 agosto, Warhol ha creato i ritratti della diva sulla base di una foto di scena del film "Niagara". Andy Warhol ha sempre più fatto delle icone del suo tempo il soggetto dei suoi ritratti: ha creato una vasta serie su Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor ("Liz as Cleopatra", 1962 – basata su una foto dell'attrice sulla rivista "Life" di aprile 13, 1962) Elvis Presley, James Dean.
Partecipazione alla mostra "The New Realists" presso la Sidney Janis Gallery di New York: questa prima grande mostra di pop art comprendeva opere di Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenburg, James Rosenquist, George Segal affiancabili a opere d'arte europee artisti. Warhol è stato rappresentato con "200 lattine di zuppa di Campbell".
Eleanor Ward ha mostrato una selezione delle opere di Warhol alla Stable Gallery: Portraits of Marilyn and Elvis, "Close Cover Before Striking", Coca-Cola. Philip Johnson ha acquisito il dipinto "Gold Marilyn" per il MoMA da questa mostra. Alla fine Warhol terminò il suo lavoro come artista commerciale, attraverso il quale aveva finanziato il suo lavoro artistico fino a quel momento.
1963 Andy Warhol apre il suo studio senza telefono, la cosiddetta "Factory", in una caserma dei pompieri sulla East 87th Street. Collaboratori e amici hanno lavorato alla "produzione" dell'arte. Tra il 1962 e il 1967, la fabbrica era considerata un punto caldo per artisti di ogni tipo. Warhol ha lavorato ai film "Electric Chairs" e "Race Riots". La serigrafia "Race Riots" era basata su una fotografia della rivista Life dello scontro tra attivisti per i diritti civili e agenti di polizia a Birmingham, in Alabama.
1968 Tentato assassinio di Andy Warhol: la suffragetta e l'attrice Valerie Solana di Warhol gli hanno sparato in fabbrica, ferendolo gravemente perché si era rifiutato di filmare una sceneggiatura per il suo manifesto "Society to Cut Off Men (SCUM)". L'era delle fabbriche è finita.
1987 Andy Warhol morì il 22 febbraio 1987 al New York Hospital - Cornell Medical Center di Manhattan, New York, all'età di 58 anni, dopo un intervento chirurgico alla cistifellea e complicazioni causate dall'intolleranza alla penicillina. Andy Warhol fu sepolto a Pittsburgh vicino alla sua famiglia e ad alcuni amici. Il 1 aprile 1987 si tenne una funzione commemorativa presso la Cattedrale di San Patrizio a New York, alla quale parteciparono più di duemila persone in lutto.
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