In questo articolo ti forniamo tutte le informazioni pertinenti sul Caratteristiche della vernice, ti parleremo di tutta l'importanza che la pittura ha avuto nella storia del mondo, perché ha lasciato tanti segni e tante storie, ecco perché quando osservi un dipinto di pregio, devi pensare alle diverse caratteristiche della pittura. il presente articolo che ti piacerà!
Caratteristiche della vernice
L'arte di rappresentare la grafica attraverso l'uso di pigmenti mescolati con diverse sostanze leganti sintetiche o organiche è ciò che chiamiamo pittura.Per utilizzare l'arte della pittura, è necessario avere molte conoscenze sulla teoria del colore e sulla composizione pittorica, oltre che sulla diverse caratteristiche della vernice da utilizzare.
Per poter svolgere l'arte della pittura e del disegno, la pratica della pittura deve essere svolta costantemente e questa consiste nello sfruttare una certa superficie come un foglio di carta, una tela, un pezzo di stoffa, un pezzo di legno, un muro in cui verrà dipinto, utilizzando una certa tecnica per ottenere una composizione di colori, forme, disegni, trame tra gli altri, dando così il design di un'opera d'arte che soddisfa alcuni principi estetici.
Così, nel XVII secolo, l'architetto e teorico di origine francese André Félibien arrivò ad affermare in una delle sue lezioni all'Accademia di Francia sulla gerarchia dei generi che esistono nella pittura classica, che sono “la storia, il ritratto, il paesaggio, i mari, i fiori e i frutti”
Nelle Belle Arti la pittura è una delle più antiche espressioni artistiche esistenti delle sette esistenti, nella scienza della teoria dell'arte e nell'estetica la pittura è stata considerata come la categoria universale e comprende a sua volta tutte le creazioni artistiche realizzate su superfici . Una delle categorie che vengono utilizzate nelle diverse caratteristiche della pittura è il tipo di supporto utilizzato o il materiale utilizzato e attualmente i supporti o le diverse tecniche digitali.
È importante notare che nella storia della pittura è stata per un certo tempo dominata dalla religione o dall'arte religiosa. Ci sono molti esempi di questo tipo di pittura, che vanno da opere che sono state dipinte enfatizzando figure mitologiche e religiose, a scene descritte nella Bibbia, come il soffitto della Cappella Sistina situata nella Città del Vaticano, a Roma. Anche le stesse scene dipinte della vita di Buddha, così come varie immagini dipinte che riecheggiano il tema religioso orientale.
Definizione di pittura
Per definire la pittura, e per parlare delle sue principali caratteristiche della pittura, si può dire che si tratta di una rappresentazione grafica che utilizza una serie di pigmenti combinati con altre sostanze, siano esse organiche o sintetiche, per realizzare un'espressione artistica. Ma è risaputo che l'arte della pittura è un po' complessa, poiché richiede molte tecniche e metodi pittorici, così come il disegno e la composizione visiva dell'artista e come fa uso della teoria del colore.
Facendo uso di queste tecniche il pittore può utilizzare i metodi della pittura ad affresco o il metodo della pittura a olio. Ma il dipinto può soddisfare vari criteri tematici, così come le diverse caratteristiche della pittura storica o dei diversi generi sopra menzionati.
Troverai anche i diversi stili pittorici come la pittura preistorica e gotica e in qualsiasi periodo pittorico a cui si fa riferimento. Ma i dipinti sono opere d'arte, come afferma Ernst Hans Josef Gombrich, storico dell'arte britannico di origine austriaca:
“Non c'è niente di male nel deliziarci con un dipinto di paesaggio perché ci ricorda la nostra casa o in un ritratto perché ci ricorda un amico, poiché come uomini che siamo, quando guardiamo un'opera d'arte siamo soggetti il ricordo di una moltitudine di cose che, nel bene e nel male, influenzano i nostri gusti.
Gombrich, Storia dell'arte (2002)”
Allo stesso modo Arnold Hauser, storico dell'arte di origine ungherese dopo aver studiato tutta la vita tra Germania e Italia definisce il concetto di pittura affermando quanto segue:
"Li interpretiamo (i dipinti) secondo i nostri scopi e aspirazioni, trasferiamo loro un significato, la cui origine è nei nostri stili di vita e abitudini mentali"
Il filosofo di origine tedesca Ernst Bloch, nel suo libro scritto nel 1918 intitolato Lo spirito dell'utopia, mette in mostra la sua intelligenza per difendere l'arte non figurativa, e si relaziona con la concezione dell'uomo utopico, che ha un destino non svelato, ma è inconsciamente presente nel profondo dell'essere umano e nel suo libro arriva ad affermare il prossimo:
"Se il compito della pittura fosse metterci davanti agli occhi dell'aria e della preziosa vastità dello spazio e di tutto il resto, sarebbe meglio andare direttamente e godere liberamente di tutto ciò"
Per altri storici e in particolare per Erwin Panofsky, hanno esaminato il contenuto di diversi dipinti attraverso la loro forma e il contenuto che rappresentavano, hanno svolto diversi studi cercando di capire cosa rappresenta il dipinto per la società, quindi il significato che quel dipinto aveva per il osservatore e, infine, mette in evidenza il significato che la pittura aveva per la cultura e la religione.
storia della pittura
In questo articolo, intitolato Caratteristiche della pittura, vi parleremo un po' della storia della pittura. Per avere le conoscenze necessarie, poiché quando si parla di storia bisogna risalire al tempo della preistoria e arrivare all'età contemporanea, che comprende tutte le rappresentazioni che vengono realizzate con le diverse tecniche utilizzate nella pittura e nel disegno artistico.
Tutto ciò coincide con la storia dell'arte nel contesto culturale e storico, quando si cerca di analizzare la storia della pittura bisogna risalire ai dipinti che furono realizzati come murales nelle diverse grotte, che si possono collocare nelle regioni pirenaiche che appartengono ai paesi di Spagna e Francia e parte della costa mediterranea in quella che fu chiamata arte levantina.
Ci sono altri dipinti realizzati in altre parti d'Europa un po' più basse, che si trovano nei seguenti paesi: Portogallo, Italia, nella parte dell'Europa orientale e in Nord Africa. Ci sono altri dipinti molto importanti nella storia della pittura come le pitture rupestri e sono i più antichi conosciuti dall'uomo.
Nella storia della pittura è la grotta Chauvet situata in Francia, secondo gli storici attraverso le indagini effettuate su detta grotta, ha più di 32mila anni e si trova nel periodo aurignaziano e gravettiano. La caratteristica del dipinto realizzato in questa grotta era che gli artisti utilizzavano argilla ocra, ossido di ferro rosso e biossido di manganese nero.
In altre grotte che si distinguono anche per avere dipinti diversi sono quelle di Altamira e Lascaux, in questi dipinti sono disegnati rinoceronti, mammut, leoni, bufali, cavalli o esseri umani in atteggiamento di caccia con riferimento agli animali. Anche le immagini che si trovano nei papiri e nelle diverse pareti delle tombe egizie risalenti a 5mila anni prima di Cristo, sono scene della vita quotidiana di questo popolo e anche della loro mitologia e credenze.
Simboleggia anche le caratteristiche e i tratti di quella società utilizzando la dimensione delle figure come rango della società. Come nell'antica Roma, era normale decorare o dipingere le pareti di case e palazzi, attualmente quella che si trova nel miglior stato di conservazione è l'antica città di Pompei e la città di Ercolano.
Giunti all'era paleocristiana nelle catacombe iniziarono a decorarle dipingendo scene del nuovo testamento e rappresentando Gesù come la figura del buon pastore, dipinsero le figure con grandi occhi creando l'illusione che stessero guardando lo spettatore. Questo stile divenne molto ammirato e continuò ad essere eseguito nella scuola bizantina situata a Costantinopoli.
Quindi la pittura romantica si sviluppa tra il XII e il XIII secolo, nelle zone più interessanti d'Europa situate nel sud della Francia e nelle zone della Catalogna, sebbene i dipinti che furono realizzati fossero di vari temi religiosi realizzati nella parte più alta della chiesa e su grandi mura perché le persone potessero osservarli, una delle rappresentazioni più utilizzate era quella del pantocratore, che è l'immagine di Gesù di Nazaret e quella della Vergine Maria.
Cominciarono anche a realizzare dipinti che mostravano la vita dei santi. Nella pittura gotica c'era anche pittura religiosa ma rappresentativa di temi di origine profana ma era di maggior proporzione nei paesi d'Italia e Francia dove la figura più importante era il pittore Giotto che operò come muralista e architetto di origine fiorentina.
Nell'età del Rinascimento, la pittura classica ebbe un grande ruolo nell'influenzare il progresso della società, in quel momento si sviluppò la prospettiva lineare e si studiava l'anatomia umana usando la pittura come punto di appoggio, una delle caratteristiche più importanti della pittura era l'uso della tecnica dell'olio.
In questo periodo c'erano grandi pittori che furono riconosciuti per la loro conoscenza e le tecniche pittoriche che utilizzavano, tra i più eccezionali Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello Sanzio e Tiziano. Nelle caratteristiche del dipinto spiccano nel lavoro svolto da Leonardo Da Vinci in fase di realizzazione La Monnalisa, che è anche conosciuto come la Monnalisa, Bene, io uso i metodi del chiaroscuro e dello sfumato.
L'architetto e scultore Michelangelo realizzò una delle opere più importanti dipingendo il soffitto della Cappella Sistina, conosciuta come una delle grandi opere del Rinascimento, inoltre molti artisti si servirono di temi simbolici tra cui quelli del nord Europa tra cui includono i fratelli Jan van Eyck e Hubert van Eyck. In Germania si è distinto il pittore e umanista Dürer.
Mentre la cosiddetta chiesa controriformista o la riforma della chiesa cattolica con la quale voleva contrastare il protestantesimo, cercava di fare uso dell'arte religiosa e per farlo si avvaleva delle convenzioni artificiali dei manieristi, che dominavano l'arte tra i secoli XVI e XVII, ma in questo periodo le caratteristiche della pittura che utilizzavano erano di rifiutare le regole e la libertà della composizione delle forme e dei colori, ma si utilizzava la novità dei caravaggisti.
Questi facevano uso di un naturalismo radicale, dove si servivano della combinazione dell'osservazione fisica per dettagliare tutto ciò che doveva essere evidenziato e facevano del dipinto un'arte teatrale e drammatica mediata dall'uso della tecnica del chiaroscuro. Ebbene, si servì dell'ombra e della luce, in quest'arte spiccano Caravaggio e Annibale Carracci, due pittori contemporanei e molto importanti nella conformazione pittorica dell'arte barocca.
Una delle caratteristiche più notevoli della pittura barocca è il dinamismo delle composizioni realizzate dai pittori Rubens Rembrandt e Velázquez. Nella prima parte del XVIII secolo fu promosso il movimento artistico rococò, più festoso e allegro dell'arte barocca e ampiamente accettato nei paesi di Francia e Germania.
Il movimento culturale del romanticismo, iniziato all'inizio del XIX secolo, esprimeva gli umori e i grandi sentimenti intensi, ma in Francia il pittore più eccezionale era Delacroix, negli Stati Uniti un pittore eccezionale era Thomas Cole, mentre nel Regno Unito United era rappresentato da Constable e Turner e in Spagna era il pittore Francisco de Goya.
A metà dell'ottocento si inventa la fotografia e la pittura comincia a perdere l'obiettivo storico che aveva fino ad allora fornendo le immagini più realistiche, in quel momento fece la sua comparsa il movimento artistico dell'impressionismo rappresentato dal pittore di origine francese di nome Edouard Manet chi è stato il precursore di questo movimento che lo ha reso possibile in base alle sue pennellate sciolte e al rapporto di colori con cui ha reso la costruzione di un'immagine più realistica ma senza prestare molta attenzione ai dettagli più specifici.
Nel XX secolo le caratteristiche della pittura risaltano maggiormente per la diversità delle correnti pittoriche, tra le quali abbiamo il fauvismo, noto anche come fauvismo ed è un movimento pittorico nato in Francia e poi diffuso in diversi paesi e caratterizzato dal rifiuto dei colori tradizionali e dall'uso di colori violenti o molto appariscenti.
Anche il movimento culturale chiamato Espressionismo è nato ma in Germania, ma si è riflesso in vari campi delle belle arti come arti plastiche, architettura, letteratura, musica, cinema, teatro, danza, fotografia, ecc. Ed era caratterizzato dal far provare sentimenti più che dal rendere fedele la realtà.
Allo stesso modo, il Cubismo nacque come movimento artistico tra il 1907 e il 1924, creato da Pablo Picasso e Georges Braque, e seguito dagli artisti Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard e Guillaume.Apollinaire, fu un movimento che si basava sulla realizzazione di dipinti sotto forma di piccoli cubi. Trasformare le immagini tridimensionali in quadri bidimensionali.
La pittura astratta è ereditata da questo movimento culturale del cubismo, che è una forma di espressionismo astratto sviluppata a New York tra gli anni Quaranta e Cinquanta.
Poi, nel Regno Unito, compare la Pop art, un movimento artistico che si ispira all'estetica della vita quotidiana e ai beni di consumo utilizzati all'epoca. Ebbene, sono state fatte pubblicità che pubblicizzavano un qualche tipo di bevanda o cibo. Essendo il suo principale rappresentante Andy Warhol.
Infine, nel XNUMX° secolo appare il minimalismo, che è una tendenza in cui tutto è ridotto all'essenziale o per eliminare gli elementi in eccesso e rendere le caratteristiche dei dipinti con l'uso delle risorse estetiche minime. Mentre nel XNUMX° secolo si fa un'idea di pluralismo e oggi viene utilizzata una grande varietà di stili ed estetiche.
Generi artistici usati in pittura
Tra i generi artistici che esistono e verranno classificati per temi, che a loro volta sono stati classificati attraverso la storia della pittura che hanno avuto un effetto sulla tecnica, le dimensioni, lo stile e l'espressione che compongono l'opera d'arte. Autori come Platone (427-347 aC), Aristotele (384-322 aC) e Orazio (65-8 aC) arrivarono ad affermare che l'arte è una mimesi.
"Un concetto utilizzato da questi autori che chiama così l'imitazione della natura come lo scopo essenziale dell'arte"
Per questo concetto, il merito è nell'uso del valore didattico che ha e fa una buona rappresentazione, ma non dovrebbe fare differenze tra il ritratto fatto dalla fantasia e il ritratto reale. L'architetto Marco Vitruvio Polión a metà del I secolo, iniziò a decorare le sale da pranzo dove si osservavano immagini con pasti vari e in altre stanze si realizzavano paesaggi e scene mitologiche.
Nel Rinascimento l'architetto Leon Battista Alberti ebbe l'idea di elevare il grado di artigiano della pittura a quello di artista liberale, affermando anche che il lavoro più importante che ha il pittore è la storia, ma l'architetto si avvale della parola storia riferito alla pittura narrativa che esegue scene epiche o religiose, quindi per dire quanto segue:
"Quello che ritrae le grandi gesta di grandi uomini degni di nota differisce da quello che descrive i costumi dei privati cittadini, da quello che ritrae la vita dei contadini. Il primo ha un carattere maestoso, dovrebbe essere riservato a edifici pubblici e residenze dei grandi, mentre l'altro sarà adatto a giardini”
Nel XVI secolo fece la sua comparsa la pittura a olio e il collezionismo, sebbene non andasse perso il fatto di realizzare grandi murales narrativi, diede origine anche a dipinti commerciali e vari formati più maneggevoli. Si cominciarono così a classificare i diversi generi pittorici e la specializzazione di ogni artista.
In Italia la pittura storica continua e i pittori che erano nel nord Italia realizzavano ritratti, mentre i pittori che erano nei Paesi Bassi iniziarono a fare dipinti di genere ma su piccola scala, dipingendo opere di vita contadina, oltre a nature morte e paesaggio.
Così, nell'anno 1667, l'architetto e teorico di nome André Félibien arrivò in un certo modo a classificare i generi della pittura classica, che sono storia, ritratto, paesaggio, mari, fiori e frutti.
Pittura di genere: Chiamato anche scena di genere, questo dipinto si basa sulle abitudini private delle persone nelle loro scene quotidiane e contemporanee dell'artista, è anche noto come pittura costumbrista. I dipinti più popolari di questo genere furono realizzati nei Paesi Bassi all'inizio del XVI secolo.
Tra gli artisti più importanti di questo genere ci sono Pieter Brueghel il Vecchio e Vermeer. Anche se non si sa con certezza se fossero realizzati per rappresentare la realtà o con lo scopo di distrarre gli osservatori dai dipinti a volte molto comici. Forse avevano uno scopo moralizzante attraverso i diversi esempi che facevano degli spettatori.
Ma non c'è dubbio che nella pittura di genere del Settecento avevano in mente tutta l'intenzione satirica o moralizzante della situazione nelle diverse opere realizzate dai pittori William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze, mentre in Spagna il pittore Diego Velázquez coltivò la pittura di genere eseguendo la sua opera La Vecchia che frigge le uova e il portatore d'acqua di Siviglia, in questo modo il pittore Francisco Goya.
Ritratto: Nella gerarchia dei generi usati in pittura, il ritratto occupa una posizione importante ma ambigua poiché in un modo si rappresentano le persone a somiglianza di Dio, e dall'altro cercano di glorificare la persona per la loro vanità e per ciò che hanno fatto storicamente , perché le persone ricche e influenti sono sempre state rappresentate.
Ma col tempo i ceti medi assumevano pittori per ritrarre tutte le persone che componevano la famiglia, oggi ci sono ritratti che si fanno tra le famiglie di chi governa, corporazioni, associazioni e privati.
Quando il pittore fa un ritratto di se stesso questo si chiama autoritratto, uno dei pittori più famosi in questo fu Rembrandt che fece più di settanta autoritratti. In generale, l'artista fa di lui un autoritratto più rappresentativo, come affermato da Edward Burne-Jones, artista e designer inglese che afferma che:
"L'unica espressione che può essere consentita nella grande ritrattistica è l'espressione del carattere e della qualità morale, niente di temporaneo, effimero o accidentale".
Nella tecnica ad olio che è stata utilizzata da uno dei migliori pittori del nord Europa nel XV secolo di nome Jan Van Eyck, che fu uno di coloro che promossero l'arte dell'autoritratto, un esempio importante di ciò fu quando il artista dipinse Il matrimonio di Arnolfini, in questo dipinto il pittore è ritratto con la moglie incinta in tutto il corpo.
Durante il Rinascimento fu rappresentato come uno status sociale e avendo molto successo personale le persone che venivano ritratte, in questo modo si distinguevano molti artisti tra cui spiccano Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio e Durero.In Spagna Zurbarán, Velázquez e Francisco de Goya.
A questi gruppi si aggiungono anche gli impressionisti francesi che praticarono anche questo genere, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne ecc., e nel XX secolo, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.
Pittura storica: Un'altra caratteristica della pittura è la pittura storica, che è considerata un grande genere nei dipinti religiosi, mitologici, storici, letterari e allegorici. In questo tipo di pittura hanno mostrato la vita personale e intellettuale o morale della persona che è stata dipinta. In uno dei suoi discorsi, Sir Joshua Reynolds, che venne ad esporre alla Royal Academy of Arts tra il 1769 e il 1790, sostenne quanto segue:
“Il grande scopo dell'arte è risvegliare l'immaginazione… Secondo l'usanza chiamo questa parte dell'arte Pittura Storica, ma va detta Poetica. (…) Deve talvolta deviare dal volgare e dalla rigorosa verità storica alla ricerca della grandezza per la sua opera”
Quindi l'artista di origine francese di nome Nicolás Poussin fu il primo pittore a realizzare il genere della pittura storica in un formato più piccolo, ma questa innovazione non ebbe altrettanto successo. Mentre il pittore Diego Velázquez nell'anno 1656 termina la sua opera intitolata Las Meninas dove descrive la famiglia di Filippo IV, in un grande dipinto dove è simbolicamente mostrato che si tratta di un ritratto della famiglia reale all'interno del genere della pittura storica. .
Dopo questo e con il passare del tempo, il pittore Pablo Picasso nell'anno 1937, terminò la sua famosa opera intitolata Guernica, per realizzare questo dipinto utilizzò una grande dimensione nel genere della pittura storica.
Paesaggio: Nel V secolo d.C. dipinti con il genere o il tema dei paesaggi si trovano nei paesi della Cina e del Giappone, poiché in Europa compaiono paesaggi ma con un'enfasi su scene narrative o trattati di farmacia e botanica.
Ma questo argomento inizia veramente nel VI secolo d.C., quando cominciano a essere richieste la comparsa del collezionismo e di vari temi dedicati alla pittura contadina e i pittori del nord Europa vengono designati come specialisti del settore, in questo modo il genere dei paesaggi olandesi è stato promosso in modo più specifico. Che ero concentrato sulla pittura dell'orizzonte basso e del cielo carico di nuvole.
Inoltre, in questo genere sono stati dipinti i tipici mulini a vento olandesi, bovini e diverse barche da pesca. Nei paesaggi veneziani situati in Italia, che furono dipinti da Giorgio Barbarelli da Castelfranco e dai suoi discepoli, questi dipinti furono realizzati con aspetto lirico e hanno un bel trattamento cromatico.
Questo tipo di pittura si sviluppa nel corso del Settecento, ma era anche chiamato vedutismo, poiché era un genere italiano che si sviluppò a Venezia dove le vedute urbane della città sono rappresentate in modo simile allo stile cartografico, in quanto si realizzano immagini panorami della città.
Lì vengono descritti i canali, i monumenti e i luoghi più tipici di Venezia, talvolta dipinti da soli o con figure umane, i rappresentanti più importanti di questo genere furono Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi e Luca Carlevarijs.
Nella scuola di Barbizon, dove è stato chiamato il luogo dove si trovano i pittori di paesaggio, poiché questi furono i primi personaggi a dipingere all'aperto e fare uno studio su come lavorare all'aperto e la base di questo genere è la luce e le sue numerose varianti soprattutto influenzò la pittura impressionista.
Natura morta: È un genere più rappresentativo dell'imitazione della natura e degli oggetti inanimati, che sono rappresentati nella vita di tutti i giorni come frutta, fiori, cibo, utensili da cucina, stoviglie, libri, gioielli, ecc. Ma una delle caratteristiche della pittura su questo genere è che meno letteraria.
L'inizio del genere della natura morta, avviene nell'antichità dove veniva utilizzato per decorare i grandi saloni in occasione di eventi particolari, come gli affreschi romani a Pompei, lo scrittore Plinio il Vecchio riferì che gli artisti di origine greca dei secoli passati furono i più abili nella ritrattistica e nella natura morta.
Questo genere di pittura era molto importante nell'arte occidentale nel XVI secolo dC Un importante esempio di questo genere è il dipinto intitolato La macelleria Realizzato dal pittore spagnolo Joachim Beuckelaer. In quello stesso secolo i pittori Caravaggio e Annibale Carracci realizzarono opere raffiguranti magnifiche nature morte.
Nel XVII secolo dC, C. nei Paesi Bassi sviluppa un tipo di azienda vinicola che prende il nome vanità, Lì cominciarono ad essere esposti oggetti di ogni genere, come strumenti musicali, vetro, argento e stoviglie, oltre a gioielli e simboli come libri, teschi o clessidre, che servivano da messaggio moralizzante degli effimeri piaceri dei sensi.
Mentre l'Accademia di Francia ha qualificato questo luogo con l'ultimo sito della gerarchia pittorica. Ma l'arrivo del movimento artistico dell'impressionismo insieme a molte caratteristiche della pittura, la natura morta è ancora una volta un tema normale tra i pittori e la società, i dipinti dei girasoli di Van Gogh sono uno dei dipinti più diffusi di questo genere.
Artisti cubisti iniziarono anche a comporre nature morte, tra cui spiccano i seguenti Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard e Juan Gris.
nudi: in questo soggetto che è un genere artistico dove spicca la rappresentazione del corpo umano ed è anche una delle caratteristiche della pittura, nel nudo. È considerata una delle classificazioni accademiche delle opere d'arte. Ma alcuni intellettuali tendono ad associarlo all'erotismo.
Ma il genere del nudo arriva sempre ad avere varie interpretazioni e molti significati, dal momento che dalla mitologia alla religione e sottolineando lo studio anatomico o come rappresentazione della bellezza e dell'ideale estetico di perfezione come si faceva nell'antica Grecia. .
In campo artistico, lo studio della perfezione e della rappresentazione del corpo umano è sempre stato una costante nella storia dell'arte, dalla preistoria con la scultura della Venere di Willendorf ai giorni nostri. Il tema dei nudi divenne più rappresentativo nell'antica Grecia, dove il nudo era concepito come perfezione e bellezza assoluta.
Questo concetto è durato nell'arte classicista ed è arrivato ai giorni nostri ed è in gran parte condizionato dalla percezione che la società occidentale ha nei confronti del nudo e dell'arte. Nel Medioevo il loro impatto raggiunse la religione, poiché si basavano su temi religiosi e scene bibliche, giustificando questo genere.
Nel Rinascimento c'era una nuova cultura chiamata umanista ed era più antropocentrica, ponendo l'essere umano al centro di tutte le cose, e con questa nuova dottrina rinvigorì il ritorno del genere nudo all'arte, ma basato su basi storiche e mitologiche temi. . Perseverare sulle questioni religiose.
Nell'Ottocento il genere del nudo iniziò a perdere il suo carattere iconografico a causa dell'emergere del movimento culturale dell'Impressionismo e sarebbe stato rappresentato dalle sue qualità estetiche di immagine sensuale ed erotica, ma pienamente referenziale.
tecniche pittoriche
Per spiegare le caratteristiche delle pitture dobbiamo basarci sulle tecniche più utilizzate, poiché come i pigmenti vengono diluiti e fissati sulla superficie dove verranno dipinti, perché se i pigmenti non sono solubili nel legante utilizzato , rimangono dispersi in essa. . Tra le tecniche più importanti abbiamo:
Olio: Una delle caratteristiche del dipinto è l'uso dell'olio, poiché per fissare il pigmento vengono utilizzati vari tipi di oli e per renderlo più chiaro il solvente chiamato trementina, poiché è un liquido molto volatile. La pittura a olio si esegue fondamentalmente con pigmenti polverizzati a secco e poi mescolati con la viscosità adeguata all'olio vegetale da utilizzare, in quanto vi sono oli che asciugano più lentamente di altri e lo fanno per ossidazione e non per evaporazione.
Con questa tecnica si formano strati di pigmenti che vengono annegati nella superficie ed è per questo che i tempi di asciugatura devono essere controllati con molta attenzione in modo che la vernice sia fissata correttamente in ogni strato di vernice che viene applicato all'opera artistica.
Il processo di ossidazione conferisce all'opera d'arte ricchezza e profondità ai colori utilizzati dal pigmento secco utilizzato e l'artista potrà variare gli oli utilizzati e il solvente in modo che la qualità della vernice possa mostrare una gamma di colori e qualità da opaco a altamente trasparente o da opaco a lucido.
Per questo motivo e per molti altri, gli artisti cercano di utilizzare i migliori oli ed è il mezzo più flessibile usandolo sempre nel modo più conveniente, poiché la pittura ad olio cambia poco durante il processo di essiccazione, ma a lungo andare inizia a girare giallastro se non adeguatamente mantenuto per il lavoro svolto.
Sebbene la pittura a olio possa resistere a molti strati successivi consentendo all'artista di realizzare un concetto pittorico creato in più strati, ad esempio il pittore Hilaire-Germain-Edgar de Gas ha chiamato questo processo come il pozzo ma il lento tempo di asciugatura consente agli artisti di rimuovere la vernice in eccesso e di coprire intere aree.
Nei test che sono stati effettuati su vari dipinti con i raggi X, ci hanno permesso di osservare che i grandi maestri della pittura hanno apportato molte modifiche durante il processo dell'opera d'arte.
Cera: Con questa tecnica che si usa quasi sempre a caldo, detta anche encausto, che significa incisione a fuoco, è una tecnica che si usa utilizzando la cera come legante dei pigmenti, mescolandosi con questo materiale ha più effetti coprenti poiché la cera è più densa e cremosa.
La pittura a cera si applica a spatola oa pennello caldo, dopo che l'opera è finita va lucidata effettuando pennellate con tele di lino su uno strato di cera già stesa.
Che in questo caso non agirà da legante ma a tutela dell'opera d'arte si chiama questa operazione nella causticizzazione, e questa tecnica è descritta da Marco Vitruvio Polión che in vita fu architetto e pittore vissuto tra gli anni 75 a.C. e 25 d.C., il quale secondo quanto giunse ad affermare quanto segue:
“Bisogna stendere uno strato di cera calda sulla vernice e poi lucidarla con panni di lino asciutti”
Acquerello: È un dipinto che si fa su carta o cartone, ma una delle caratteristiche della pittura ad acquerello è che si diluisce con acqua e i colori diventano più trasparenti o più chiari a seconda della quantità di acqua utilizzata. Inoltre, smetti di vedere lo sfondo della carta se è bianco.
Questo tipo di pittura è composta da pigmenti agglutinati e gomma arabica o con miele, in questo procedimento la pittura viene utilizzata da più strati trasparenti in modo da ottenere la massima brillantezza e facilità della composizione che viene realizzata per il disegno del dipinto. .
Per utilizzare questa tecnica, l'artista deve avere molta sicurezza nei tratti che esegue e molta spontaneità nell'esecuzione delle pennellate, poiché questa tecnica ha come caratteristica principale della pittura la trasparenza e la freschezza dei colori che vengono utilizzati.
C'è anche l'acquarello iperrealistico che andrà contro il postulato precedente e si usano le vernici per poter togliere i primi strati per dare velature successive e con questo si otterrà nell'opera un chiaroscuro molto specifico ma con poca traslucenza della classica tecnica ad acquerello utilizzata.
Tempera: conosciuto anche come guazzo È una tecnica molto simile all'acquarello, ma si differenzia perché porta un carico di talco industriale che viene aggiunto intenzionalmente in modo che il pigmento sia un po' più opaco e non traslucido nella tempera, rendendola una delle caratteristiche principali della pittura a tempera .ed è per questo che si differenzia dall'acquerello.
In questo modo si possono applicare varie tonalità dalle più scure alle più chiare, e questo procedimento in acquerello è considerato scorretto, la tempera è un ottimo mezzo per applicarla a diversi disegni e per poter fare pennellate asciutte o ad impasto.
Allo stesso modo dell'acquerello, la tempera dovrebbe essere agglutinata con gomma arabica, ma attualmente molte tempere vengono poste nella plastica perché è più facile da ottenere ed è più economica.
Con la tecnica della tempera, François Boucher, pittore francese, creò grandi capolavori e gli artisti del XNUMX° secolo d.C., utilizzando la tempera insieme all'acquarello, seppero distinguere aree specifiche all'interno dell'opera d'arte che era fatta di acquarello. Ecco perché il pittore Paul Signac pittore francese famoso per aver eseguito la tecnica divisionista arrivò ad affermare quanto segue:
"Certi rosa violacei nei cieli di Turner, certi verdi negli acquerelli di Johan Jongkind non sarebbero stati raggiunti senza un po' di gouache"
Acrilico: l'uso della pittura acrilica come tecnica le caratteristiche della pittura sono state molto apprezzate dagli artisti contemporanei per la sua rapidissima essiccazione, poiché i pigmenti sono contenuti con un'emulsione polimerica che è generalmente colla vinilica, anche se possono essere facilmente asportabili o diluire con acqua, dopo l'essiccazione sono molto resistenti all'acqua.
Ciò che spicca di più di questa tecnica è la sua facilità e velocità di asciugatura, ma una volta asciugata la tonalità del colore tende a cambiare solo leggermente, a volte diventando più scura o più chiara a seconda del colore utilizzato. La pittura acrilica è relativamente nuova, avendo le sue origini nel XNUMX° secolo d.C.
La tecnica acrilica si è sviluppata negli Stati Uniti e in Germania, ma parallelamente il pittore di origine americana Jackson Pollock ha utilizzato la pittura acrilica, poiché si presenta in contenitori, per ottenere nuove trame e renderle più spesse. Mentre il pittore Morris Louis, sempre dello stesso paese, usava la pittura acrilica, ma la diluiva con acqua per dipingere grandi tele e dargli un effetto tinto invece che dipinto.
Pastello: Una tecnica di grande importanza in pittura è la tecnica pastello, poiché consiste nell'utilizzo di barre di colore, in cui i pigmenti si trovano in polveri mescolate con gomma o resina in modo che possano agglutinarsi e formare una pasta secca e molto compatta. .
Ecco perché la parola pastel enfatizza la parola paste, poiché è pasta e sono modellate a forma di barra e che hanno uno spessore di circa un dito e possono essere utilizzate direttamente sulla superficie su cui deve essere progettata l'opera d'arte. senza dover utilizzare pennelli o spatole e nemmeno solventi.
Per lavorare con la tecnica pastello si usa come superficie una carta di ottima qualità che ha una buona grammatura, essendo bianca o un colore neutro che non intacca la pittura, oltre ad avere una piccola ruvidità, sebbene la tecnica pastello sia molto flessibile e allo stesso tempo versatile poiché può essere utilizzato su diverse superfici come legno o plastica.
Sebbene i colori utilizzati possano essere molto forti e opachi, ha una difficoltà che è l'adesione del pigmento alla superficie da dipingere, quindi alla fine per dare una valorizzazione all'opera artistica si applica un fissativo per il disegno con atomizzatori ( spray), che sono speciali per questa tecnica.
Ma generalmente conosciamo la tecnica del pastello come dei pastelli, la sua risorsa più utilizzata è la linea dove si possono formare una serie di cornici, un altro modo per utilizzarla è trasformarla in polvere, poiché il pastello tende a rilasciare molta polvere colorata.
Molti artisti utilizzano questa tecnica di utilizzo di polvere colorata per dare creatività alle loro opere d'arte, tra cui Leonardo da Vinci che fu uno dei primi artisti ad utilizzare questa tecnica nel disegno che fece a Isabel de Este e anche altri come Hans Holbein il Giovane, Correggio, Fragonard o Degas.
Tempio: Quando si utilizza la tecnica della pittura a tempera, si usa come legante una soluzione che viene fatta con acqua e albume d'uovo e un olio speciale La prima cosa da fare è mescolare l'albume dell'uovo con l'olio fino ad ottenere un impasto omogeneo , quindi aggiungere acqua fino ad ottenere l'emulsione o il mezzo della tecnica della tempera.
La proporzione che si usa è la porzione di un uovo intero più lo stesso sott'olio, più tre parti di acqua, ma questo dipende dalla fluidità che il pittore vuole ottenere, ci sono molti artisti che aggiungono un po' di vernice per sostituire i semi di lino olio che viene maggiormente utilizzato. Quando si esegue questa procedura, la tecnica del rinvenimento offre una maggiore compattezza e una migliore presa, oltre a un'asciugatura più rapida.
Ma dopo l'essiccazione, la finitura che dà è più impermeabile nei nuovi smalti.Ci sono altri artisti che, invece di usare l'acqua, usano latte scremato o lattice di fico o cera, ma sempre legati all'acqua.
Anche il pittore e architetto italiano Giorgio Vasari utilizzò la parola tempera per poter fare una vernice ad olio, con questa tecnica sono stati realizzati grandi capolavori, ad esempio Sandro Botticelli si distingue quando realizzò La nascita di Venere, Come ha spiegato DV Thompson:
“Una pittura a uovo ben fatta è una delle forme più durevoli di pittura che l'uomo abbia inventato. Sotto lo sporco e le vernici, molte tempere all'uovo medievali sono fresche e luminose come quando furono dipinte. Normalmente i dipinti a tempera sono cambiati meno in cinquecento anni che i dipinti a olio in trenta”
vernice: in questo articolo, sulle caratteristiche della pittura l'uso della tecnica dell'inchiostro o anche conosciuto come inchiostro cinese, questo inchiostro è generalmente liquido, anche se si presenta anche in una barra piena, ma deve essere macinato e diluito per usarlo, è usato quasi sempre su carta e i colori più usati sono seppia e nero, ma oggigiorno ne esistono diversi colori.
L'inchiostro cinese può essere applicato in vari modi, ma uno dei più comuni è l'uso del pennino o della penna, che sono più pratici per fare un disegno o qualche calligrafia, per la penna si usano punte diverse e si caricano di inchiostro. tracciare linee e con esse poter scrivere o fare disegni ma non fare quadri.
Un altro modo o risorsa per poter usare l'inchiostro cinese è con il pennello, ma sarà usato come acquerello e si chiama gouache, che consiste nel mescolare l'inchiostro cinese con acqua e alcol e il colore da usare. Questa tecnica è simile all'antica tecnica usata in Giappone dove realizzavano la loro calligrafia giapponese, anch'essa basata su inchiostro e carta.
Un altro modo per utilizzarlo è utilizzare il pennarello, che è un caricatore di inchiostro o il cosiddetto rapidograph, ma questa tecnica, insieme alla grafite, è più per il disegno che per la pittura.
Freddo: la tecnica è una tecnica pittorica moderna, poiché si basa sul cambio chimico dei pigmenti di terra macinati che vengono miscelati con acqua pura, questa può essere applicata su una malta che ha all'interno calce e sabbia, mentre la calce è in sotto forma di idrossido di calcio. Poiché l'anidride carbonica presente nell'atmosfera, la calce si trasformerà in carbonato di calcio.
In questo modo il pigmento si cristallizzerà all'interno della parete. Le tecniche per dipingere con l'affresco sono molto semplici ma è molto laborioso e quando si prepara l'impasto ci vuole molto tempo. Questa tecnica ha la caratteristica della pittura di essere molto durevole nel tempo.
Ma tende a danneggiarsi per cause fisiche, chimiche o batteriologiche, una delle cause principali sarà l'umidità che avrà come danno principale l'alterazione dei colori dovuta alla dissoluzione del carbonato di calcio e l'opera tende a sviluppare ciò che chiamano muffa.
Grisaglia: un'altra delle tecniche utilizzate in pittura, ma si basa su una pittura monocromatica in quello che chiamano chiaroscuro o luci e ombre, come dichiarato dal pittore Giorgio Vasari di origine italiana, il colore è realizzato con la miscela di ossidi di ferro e con un si aggiunge poco rame e fondente, questo produce una sensazione di rilievo scultoreo nelle opere d'arte.
Nel XIV secolo dC questa tecnica veniva utilizzata per i bozzetti preparatori che gli scultori utilizzano per ottenere questo effetto a rilievo realizzando varie incisioni dello stesso colore. Durante il regno di Carlo V di Francia, la tecnica della grisaille veniva utilizzata nelle vetrate e nella pittura in miniatura.
Il suo utilizzo sarà una delle principali caratteristiche della pittura fiamminga poiché sul retro delle scuderie sarà raffigurata un a Annunciazione con la tecnica della grisaglia. Il pittore spagnolo Josep Maria Sert ha applicato questa tecnica ma invece della sua evoluzione monocromatica.
Lo usò appoggiandosi al monocromo dorato poiché questo pittore utilizzò una vasta gamma di colori cromatici dove fece uso di metalli quali oro, argento, rame, terra tostata, con tocchi di carminio, utilizzando come sfondo una ricca preparazione in metallo, argento e pane d'oro.
Puntinismo: È una delle tecniche emerse nel neoimpressionismo perché il pittore Georges Seurat la studiava e la praticava, ma la tecnica consiste nel posizionare piccoli punti sferici di colori puri, invece di eseguire la tecnica della pennellata sulla superficie desiderata dipingere.
Poiché ci sono relazioni fisiche tra i diversi colori, c'è un'interazione tra i colori primari e complementari, ottenendo un ottimo mix di colori per l'osservatore.
Questa miscela è vista dall'osservatore ad una certa distanza dal dipinto ed è in grado di produrre un grande effetto sull'osservatore quando i diversi punti sono uniti.
Gocciolante: È una tecnica per realizzare un dipinto automatico, per i surrealisti questa tecnica può essere ottenuta realizzando un dipinto casuale, si fa con gocce e schizzi di vari colori, è una tecnica che viene anche chiamata action painting americana (action painting ).
La tecnica viene eseguita quando l'artista cammina sulla superficie da dipingere con grandi pennelli o con lo stesso vasetto di vernice. E fa cadere il gocciolamento di colore che sta facendo la figura, questo si fa con uno smalto che sono le macchie che rimangono sul supporto che usa l'artista.
graffiti: Questa tecnica viene utilizzata con vernici confezionate e molto prominenti nelle caratteristiche della vernice. Ecco perché lo chiamano aerosol e viene utilizzato quando l'artista preme il pulsante nella parte superiore attraverso il quale la vernice fuoriesce sotto forma di spray, con questa tecnica è possibile dipingere su grandi superfici.
Normalmente questa tecnica viene utilizzata da persone che dipingono muri e strade, questo tipo di pittura è chiamata graffiti. Alla fine degli anni '70, gli artisti urbani iniziarono a fare i loro graffiti su tutti i muri che potevano ottenere e con l'esperienza creavano vere e proprie opere d'arte.
Attualmente vengono prodotte vernici aerosol per questi artisti e alcuni hanno già i propri modelli per poter delimitare la superficie che vogliono contrassegnare con la loro opera d'arte, ovviamente si possono già trovare modelli di diversi modelli e lettere sul mercato con cui gli artisti meno esperti potranno provare.
Tecniche miste: Nella realizzazione di opere d'arte, alcuni artisti utilizzano le diverse caratteristiche del dipinto all'interno della stessa opera per attirare l'attenzione dell'osservatore. Ad esempio, alcuni artisti usano quello che viene chiamato collage, che sarà una tecnica artistica che non è pittorica poiché non è dipinta, ma diventa una tecnica mista quando l'artista utilizza alcune tecniche come l'acquerello, la tempera o l'inchiostro.
Ma alla fine l'artista deve decidere la differenza tra un procedimento pittorico e una tecnica pittorica, poiché è inteso che un procedimento pittorico consiste nel realizzare l'unione di più elementi nella stessa opera. Mentre il modo in cui l'artista lo applica renderà una tecnica pittorica.
Materiali utilizzati nei dipinti
Per potersi dedicare alla pittura, c'è un'infinità di materiali che vengono utilizzati dagli artisti attraverso documenti scritti e note indirizzate a diversi artisti, e un'altra fonte è svolgere un esame tecnico e scientifico dell'opera d'arte. Alcuni di questi esami hanno lo scopo di rafforzare la prova documentale delle opere per certificare se sono originali o meno.
Poiché deve essere essenziale che i materiali attualmente utilizzati dall'artista siano vari e nel XXI secolo ti faremo un grande elenco di materiali che possono essere utilizzati per realizzare un'opera d'arte. Tra i quali abbiamo:
supporti: Questo materiale ha la funzione di sostenere lo sfondo e i diversi strati di pittura utilizzati dal pittore, ma va ricordato che nelle caratteristiche del dipinto ci sono modelli molto diversi tra cui scegliere, i più utilizzati sono quelli in carta, il cartone, il legno, la tela e le mura della città. Ma puoi anche aggiungere metallo, vetro, plastica e pelle tra molto altro.
Ma tutti i supporti avranno bisogno di un primer speciale che serve a preparare una superficie in modo che il pittore possa realizzare la sua opera d'arte e tutti hanno una procedura diversa per il materiale che verrà utilizzato.
Asse di legno: È uno dei supporti più utilizzati fin dall'inizio della pittura, quando era in epoca egizia, gli artisti usavano già tavole di legno come sarcofagi, e nel medioevo le pale d'altare venivano utilizzate per realizzare altari e la loro adescamento era molto semplice, poiché erano metti solo un singolo strato di colla su di esso.
E se il legno doveva essere dorato, usate il primer con foglia d'oro, che è caratteristico della pittura, ma prima di adagiarvi sopra la foglia d'oro, va fatto un altro primer con uno strato di colla e un altro strato di gesso o argille per dare un tocco più forte alla tavola di legno.
Nel XV secolo d.C. il cavalletto europeo iniziò ad essere utilizzato come supporto principale, poiché il legno massiccio che veniva utilizzato in passato era ricoperto da strisce di tessuto di lino incollate in modo che non si vedessero insieme. Il legno doveva essere in buone condizioni ed evitare possibili crepe che avrebbero potuto avere.
Poi iniziò ad essere utilizzato in compensato e truciolare come tavola di legno. Le tavole di legno iniziarono ad essere prefabbricate e offrivano una grande caratteristica della pittura: potevano essere lisce e non si vedevano le giunture, come era la cosiddetta tavola. tabellax, che era molto leggero e maneggevole, inoltre l'artista poteva portarlo sempre con sé e aveva due lati, il liscio e il grezzo e le assi sono molto importanti nelle caratteristiche del dipinto.
La tela: Secondo lo scrittore e soldato Plinio il Vecchio, all'imperatore romano Nerone fu detto che ne fece dipinto un ritratto su una tela di 36,5 metri di lunghezza per 12 metri di larghezza, il filosofo Eraclito nel suo manoscritto intitolato From Coloribus et Artibus Romanorum dal X secolo aC, descrisse come doveva essere preparata una tela di lino per decorarla e dipingerla.
Scrisse anche il modo esatto per stenderlo e come preparare il tessuto con la colla in modo che fosse ottimo come pergamena. La pittura che veniva adagiata sulla tela iniziò ad essere utilizzata nel nord Europa e successivamente in Italia per la sua grande leggerezza e le molteplici modalità di utilizzo.
Nel XNUMX° secolo d.C. iniziò ad essere usato molto frequentemente nei backstage e all'inizio del XNUMX° secolo d.C. iniziò ad essere prodotto in serie. Le tele più utilizzate erano quelle in fibre vegetali come la canapa, il lino, la juta finemente intrecciata o il cotone, che è anche una delle caratteristiche della pittura.
Tutte queste tele sono state realizzate con grana grossa o fine, a seconda del risultato che l'artista voleva ottenere nell'opera che voleva fare, esiste anche la documentazione che afferma che utilizzavano tela di poliestere.
Allo stato attuale, tutte le tele possono essere acquistate nel numero di metri che l'artista desidera e possono essere montate sulla cornice che desidera, poiché sul mercato esistono diversi modelli, tipologie e formati. Ma ovviamente esiste una numerazione internazionale per le misure di larghezza e lunghezza della cornice, a seconda delle caratteristiche del dipinto che verrà dipinto sulla tela.
Allo stato attuale sono stati realizzati tre formati differenti affinché ognuno abbia le caratteristiche del dipinto che l'artista vuole realizzare, come la figura, il paesaggio e il marino. Da un lato ha sempre la stessa dimensione e dall'altro diminuirà, rimanendo così:
- Quello nella figura misurerà 100 cm per 81 cm
- Le misure del paesaggio sono 100 cm per 73 cm.
- Quello della marina avrà le seguenti misure: 100 cm per 64 cm.
Questi sono gli accordi che sono stati raggiunti a livello internazionale, ma conoscendo gli artisti, non sono regolati da queste misure e realizzano le loro opere d'arte con le misure che credono debba essere il loro lavoro, nella maggior parte delle tele che si trovano sul mercato per la vendita li preparano con olio di lino e riempitivo di pori.
Ma ci sono anche quelli che vengono preparati a base di emulsioni che sono le più adatte per l'uso con la pittura ad olio, o con la pittura acrilica, in questo modo si semplifica l'adescamento delle tele per le diverse caratteristiche della pittura che si andrà ad utilizzare .l'artista e ottenere così il risultato atteso con la migliore qualità.
Rame: Uno dei materiali più importanti nell'uso delle caratteristiche della pittura è il rame, in quanto utilizzato fin dal XV secolo dC Veniva utilizzato in fogli molto sottili da pittori che si trovavano a nord del continente europeo. Adam Elsheimer, artista di origine tedesca. Ho avuto modo di usarli ma di piccole dimensioni e questo ha fatto pensare ai ricercatori che le vecchie incisioni li usassero in un modo per riciclarli.
Bicchiere: un altro mezzo ampiamente utilizzato da diversi artisti per dipingere era il vetro, si realizzavano anche innumerevoli oggetti come vasi, bicchieri, contenitori, quadrati, triangoli tra molti altri dove l'artista realizzava il suo smalto e una volta decorati a freddo, veniva introdotto in una forno a caldo con una temperatura inferiore al punto di fusione del vetro realizzando grandi e belle opere d'arte.
Nel XVII secolo d.C. iniziarono ad essere utilizzati come supporti per vetrate, poiché è un supporto molto importante per le caratteristiche della pittura nelle diverse chiese e nelle grandi Cattedrali, vi iniziarono ad essere collocati grandi cristalli colorati e il dipinto su vetro con immagini religiose e numerose scene tratte dalla Bibbia.
Attraverso l'uso della tecnica della grisaille, una delle caratteristiche della pittura, si è ottenuto che da un lato fosse in un colore e dall'altro fosse decorato con qualche opera artistica religiosa che metteva in risalto un santo o una scena della Bibbia. Sono stati realizzati anche molti volti dei santi.
Carta: Secondo i dati in possesso dei ricercatori e i reperti che sono stati trovati, la carta che veniva utilizzata per realizzare le opere d'arte proveniva dalla Cina, intorno all'anno 200 a.C., e l'inventore di questo materiale è il cinese Cai Lun tra gli anni 50 a, C. e nel 121 d, C.
Che servì come eunuco imperiale, perché migliorò la formula della carta e ne fece un'alternativa migliore del papiro e della pergamena. Che all'epoca fossero le alternative più utilizzate per scrivere e per realizzare le caratteristiche opere d'arte della pittura.
Poiché questo carattere aggiungeva dell'amido che aveva la particolarità di proteggere le fibre vegetali, la carta è stata un materiale molto ben utilizzato dagli artisti in quanto viene utilizzata in molte tecniche pittoriche e le più comuni erano l'acquarello, la tempera, il pastello e l'inchiostro cinese e i suoi vari colori ma il più utilizzato è il nero e seppia.
Per quanto riguarda la carta, c'è una grande diversità di trame, grammature e colori, essendo una delle caratteristiche più importanti della pittura, e per scegliere un tipo di carta è necessario che l'artista abbia un'idea di ciò che vuole da fare tra i tipi di carta trova:
- Carta a caldo: ha una superficie dura e liscia, molti artisti la trovano troppo scivolosa per la pittura ad acquerello.
- Carta stampata a freddo: è goffrata, semiruvida, adatta a lavaggi larghi e lisci.
- Carta Ruvida: Con una superficie granulosa, quando si applica un lavaggio si ottiene un effetto screziato dalle cavità della carta.
Inoltre ogni artista deve considerare il peso della carta per poterla scegliere, poiché una carta molto pesante non può essere ondulata così facilmente e deve essere tesa e per applicare la tecnica dell'acquerello la grammatura della carta deve essere compresa tra 120 grammi al quadrato e con un'asta di 850 grammi al quadrato.
Spazzole: Sono strumenti o strumenti molto essenziali per l'artista e sono anche molto importanti nelle caratteristiche della pittura, poiché il pittore li usa in modi diversi nel suo lavoro per svolgere il lavoro artistico.
I pennelli, essendo uno strumento molto utile per gli artisti, sono progettati in varie dimensioni, larghezze e della qualità necessaria, poiché i materiali con cui sono realizzati i pennelli possono essere organici o sintetici.
La spazzola è strutturata in tre parti e sono il pelo, la ghiera o la viola e il mago a poterla impugnare, si distinguono più per il pelo e per il modo in cui sono fatte, alcune sono dette spazzole piatte o a lingua di gatto . Anche le spazzole sono solitamente realizzate con capelli duri e quelle rotonde vanno quasi sempre con capelli lisci.
I pennelli vengono scelti dai diversi artisti in base al lavoro che intendono fare e al modo in cui utilizzeranno la vernice che hanno. Se l'artista utilizzerà grandi superfici per eseguire il lavoro, utilizzerà i pennelli anziché i pennelli.
Nei pennelli hanno quasi sempre un interno vuoto per poter raccogliere più vernice al momento di fare il tratto, i pennelli più piccoli non hanno quel vuoto centrale, ci sono anche i pennelli che hanno le setole e ci sono i pennelli che le hanno anche e questi sono sempre di solito naturali di origine biologica e provengono da vari animali come cavalli, martore e maiali tra molti altri.
Le caratteristiche della vernice della virgola sono anche realizzate con criniere artificiali un materiale sintetico. La cura delle spazzole è molto importante per poterne prolungare la vita utile, vanno pulite dopo averle utilizzate oltre alla pulizia continua, pulirla è estremamente facile poiché basta metterci acqua e sapone.
Dopo averli lavati, possono essere asciugati con l'umidità o con una flanella, quindi vanno conservati in posizione orizzontale senza esercitare pressione sui capelli in modo che non si deformino. Un altro uso che viene dato ai pennelli è come mezzo per poter stampare dipinti a rullo che sono di diverse dimensioni e materiali.
Tra i materiali vi sono lana, gommapiuma o fibra di gomma, spugne naturali o artificiali e, non ultimi, tavolozze, coltelli e spatole come opzione in più nelle caratteristiche della pittura poiché sono strumenti realizzati con una lamiera estremamente leggera e flessibile o plastica che può essere utilizzata in diversi modi e colori può essere unita e dipinta dagli artisti più esperti.
I soldi: Nei diversi supporti che esistono, gli artisti si abituano a modificare gli sfondi prima di iniziare l'opera d'arte, è una qualità che ha le caratteristiche della pittura. Viene eseguito un trattamento di primer poiché lo sfondo è la superficie che l'artista dipinge con il colore e la trama che desidera iniziare la sua opera d'arte lì.
Prima gli sfondi venivano realizzati con un olio o una colla organica, e poi mescolati con il bianco o con una tonalità colorata che piaceva all'artista che avrebbe dovuto realizzare l'opera. Anche se quel mezzo adesivo erano le code di diversi animali e pesci.
Vengono utilizzate anche emulsioni a base di uovo, olio o resina, per darle colore precedentemente si utilizzava calce e pietra pomice, oltre a terra ocra. Dipende dal materiale utilizzato, questo ha definito l'aspetto dell'effetto visivo dell'opera d'arte. Anche il colore di sfondo che veniva usato come supporto gli dava una tonalità diversa.
Per questo motivo, gli artisti cercavano uno sfondo bianco per riflettere i diversi strati di pittura che utilizzavano, ma se il colore di sfondo era scuro tendeva ad abbassare la tonalità della pittura, rendendola più scura.
L'architetto italiano Giorgio Vasari affermò addirittura che i fondi oleosi avevano il vantaggio di preservare la flessibilità delle tele, che erano realizzate in grandi dimensioni e potevano essere arrotolate per essere spostate in luoghi diversi.
Ma lo svantaggio che avevano era che era necessario un tempo di asciugatura più lungo. Tra il XVI e il XVII secolo i fondi più utilizzati erano quelli dipinti con terra rossastra, con questo si potevano lasciare non dipinti alcuni spazi ma l'opera acquisiva una totale uniformità. Attualmente, i fondi che vengono preparati nelle società commerciali sono realizzati industrialmente con piombo bianco e assorbente.
Pigmenti: i pigmenti che sono una caratteristica fondamentale della pittura tendono a dividersi in inorganici e questo a sua volta deriva da minerali, terre, sali e ossidi e con questi si ottengono i colori dell'ocra e della terra di Siena. Vengono utilizzati anche pigmenti organici che derivano da piante e alcuni animali che si ottengono dalla cottura di alcuni semi o perché alcune parti degli animali vengono calcinate.
Ce ne sono altri che si ottengono per via sintetica, come le aniline e anche i composti organici. I pigmenti organici sono generalmente meno pericolosi dei pigmenti inorganici. Il pigmento utilizzato insieme ai leganti forma ciò che chiamiamo vernice e il legante è ciò che consente al pigmento di essere fluido e quindi ottenere l'adesione della superficie pittorica allo sfondo.
Anche se a volte può diventare acquoso e può anche essere untuoso, tutto dipende da come viene preparato, il solvente è un fattore importante nelle caratteristiche della vernice poiché ha la missione di diluire o sciogliere il tipo di legante utilizzato per realizzarla .il gioco.
Si usa anche un liquido solvente chiamato trementina, è un solvente molto volatile e incolore che si mescola e si diluisce con l'olio e con la resina tende a dissolversi, allo stesso modo fa con l'acqua poiché si scioglie anche, nello stesso modo viene utilizzato con la gomma che si scioglie e può diluire ulteriormente le caratteristiche della vernice in questo modo.
Bisogna essere consapevoli degli indici di opacità della pittura da utilizzare, poiché nel corso degli anni si riesce a cogliere meglio lo sfondo del dipinto e i rimpianti dell'artista durante l'esecuzione dell'opera d'arte.
Nei dipinti realizzati prima del XNUMX° secolo, le particelle dei pigmenti utilizzati possono essere osservate al microscopio, e ciò ha portato alla conclusione che più grossolana è la grana del pigmento, minore è la qualità della pittura.
Nel diciannovesimo secolo, gli scienziati iniziarono a sintetizzare coloranti che venivano usati come pigmenti, tra cui il blu cobalto, il giallo di zinco e l'ossido di cromo come i più usati dagli artisti. E al giorno d'oggi il numero di pigmenti è cresciuto molto rapidamente, c'è una grande varietà di colori e tutti i pigmenti hanno una qualità eccellente.
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