Mint évezredes kultúra, Japán ezekben az években megmutatta művészetét, tanuljon velünk ebből az érdekes cikkből, mindent a millenniumról Művészet japán, az idők során, különböző időszakokban és stílusokban alakult ki. Ne hagyd ki!
Japán művészet
Amikor a japán művészetről beszélünk, arról beszélünk, amit ez a civilizáció az idők során különböző fázisokban és stílusokban értesített, amelyek átmenetileg kibontakoztak a japán nép társadalmi és kulturális fejlődésével.
A művészet Japánban tapasztalható változatai a technológiai fejlődés következményei, ahol az ország nyersanyagának felhasználását művészi kifejezésmódjaiban valósíthatjuk meg. Az úgynevezett nyugati művészet mellett legemblematikusabb megnyilvánulásait a vallás és a politikai hatalom befolyásolta.
A japán művészet egyik fő jellemzője az eklektika, amely az idők során a partjaira érkezett különböző népektől és kultúráktól származik: a Japánban letelepedett első telepesek - ismert nevén ainu - egy észak-kaukázusi ághoz és Kelet-Ázsiához tartoztak, valószínűleg akkor érkezett, amikor Japán még a szárazföldhöz volt csatolva.
E telepesek származása bizonytalan, és a történészek különféle hipotéziseket fontolgatnak, az urál-altáji fajtól a lehetséges indonéz vagy mongol származásig. Mindenesetre úgy tűnt, hogy kultúrájuk megfelel a felső paleolitikumnak vagy a mezolitikumnak.
Ezt követően a maláj faj különböző csoportjai Délkelet-Ázsiából vagy a csendes-óceáni szigetekről érkeztek Japán partjaira, valamint Koreába és Kína különböző részeire, fokozatosan behurcolva délről, kiszorítva az ainukat. Japántól északra, míg egy későbbi hullámban különböző azonos etnikai csoportok Kínából és Koreából érkeztek Japánba.
Ehhez a faji keverékhez hozzá kell adni más kultúrák befolyását is: szigetszerűsége miatt Japán történelmének nagy részében elszigetelt volt, de időnként a szárazföldi civilizációk, különösen Kína és Korea, különösen az V. századtól befolyásolták.
Így az egymást követő bevándorlási előőrsökből kibontakozó japán ősi kultúra idegen hatást fejtett ki, és eklektikus művészetet alakított ki, amely nyitott az innovációra és a stilisztikai fejlődésre.
Szintén érdekes megjegyezni, hogy a Japánban előállított művészet nagy része vallási alapokon nyugszik: a régió tipikus sinto vallásához, amely az XNUMX. század körül alakult ki, az XNUMX. század körül a buddhizmussal egészült ki, amely egy olyan vallási fúziót kovácsolt össze, amely ma is fennáll. a művészetben is megnyilvánult.
A japán művészet ezeknek a különböző kultúráknak és hagyományoknak a következménye, a maga módján értelmezi a más országokból importált művészeti formákat, amelyeket élet- és művészetfelfogása szerint valósít meg, változtatásokat végrehajtva, leegyszerűsítve sajátos jellemzőit.
A kidolgozott kínai buddhista templomokhoz hasonlóan, amelyek Japánban olyan metamorfózison mentek keresztül, hogy művészetük bizonyos elemeit el kellett hagyniuk, és másokkal kell összekapcsolniuk, ez is kifejezi ennek a művészetnek az egyesülési jellegét, így természetesen mindig átvett valamit egy másik kultúrából. más országoké.
A japán művészet a japán kultúrában nagyszerűen érzékeli a meditációt, valamint az ember és a természet közötti kölcsönhatást, amely a körülötte lévő tárgyakban is megjelenik, a legdíszesebbtől és a leghangsúlyosabbtól a legegyszerűbb és leghétköznapibbig.
Ez meglátszik a tökéletlenségek értékén, a dolgok mulandóságán, a humanitárius érzéken, amelyet a japánok a környezetükkel alakítanak ki. Csakúgy, mint a teaszertartáson, nagyra értékelik ennek a szemlélődési állapotnak a nyugalmát és nyugalmát, amelyet egy egyszerű rituáléval érnek el, amely egyszerű összetevőkön és az aszimmetrikus és befejezetlen tér harmóniáján alapul.
Számukra a béke és a kiegyensúlyozottság melegséggel és kényelemmel társul, olyan tulajdonságokkal, amelyek viszont a szépségről alkotott elképzelésük valódi tükre. Már étkezéskor sem az étel mennyisége vagy annak bemutatása számít, hanem az étel érzékszervi felfogása, és az, hogy milyen esztétikai értelmet ad bármilyen cselekedetnek.
Ugyanígy az ország művészei és kézművesei is nagymértékben kötődnek munkájukhoz, az anyagokat életük és az őket körülvevő környezettel való kommunikációjuk elengedhetetlen részének érzik.
A japán művészet alapjai
A japán művészet, akárcsak filozófiájának többi része – vagy egyszerűen csak életszemlélete – ki van téve az intuíciónak, a racionalitás hiányának, az érzelmi kifejezésnek, valamint a cselekvések és gondolatok egyszerűségének. gyakran szimbolikusan fejezik ki.
A japán művészet két megkülönböztető vonása az egyszerűség és a természetesség: a művészi kifejezések a természet tükrei, így nem igényelnek kidolgozott gyártást, mindez oda vezet, hogy a művészek azt akarják, hogy ami körvonalazódik, sugallják, azt később megfejtsék. a néző által.
Ez az egyszerűség a festészetben a lineáris, perspektíva nélküli rajzolás tendenciáját váltotta ki, rengeteg üres terekkel, amelyek mégis harmonikusan integrálódnak az egészbe. Az építészetben lineáris kialakításokban, aszimmetrikus síkokkal, dinamikus és statikus elemek kombinációjában valósul meg.
A japán művészetben ez az egyszerűség viszont összefügg a művészet és a természet kapcsolatának veleszületett egyszerűségével, amely része sajátosságuknak, ami visszatükröződik az életükben, és ezt a melankólia, szinte szomorúság finom érzésével élik meg.
Hogy az évszakok múlása milyen múlékonyságot ad bennük, ahol láthatjuk a természetben az élet mulandóságából adódó evolúciót. Ez az egyszerűség mindenekelőtt az építészetben tükröződik, amely harmonikusan beilleszkedik környezetébe, amit a természetes anyagok felhasználása jelez, munka nélkül, megmutatva durva, befejezetlen megjelenését. Japánban a természet, az élet és a művészet elválaszthatatlanul összekapcsolódik, és a művészi teljesítmény az egész univerzum szimbóluma.
A japán művészet az egyetemes harmónia elérésére törekszik, túllépve az anyagon, hogy megtalálja az élet generáló elvét. A japán ornamentika a művészeten keresztül igyekszik megtalálni az élet értelmét: A japán művészet szépsége a harmónia, a kreativitás szinonimája; költői impulzus, érzéki út, amely a mű megvalósulásához vezet, amelynek nincs öncélja, hanem túlmutat.
Amit szépségnek nevezünk, az egy filozófiai kategória, amely a létezésre utal: az egésszel való jelentés elérésében lakozik. Suzuki Daisetsu megfogalmazása szerint: "a szépség nem a külső formában van, hanem abban az értelemben, ahogyan kifejeződik."
A művészet nem értelmes karakterével kezdődik, hanem szuggesztív tulajdonságaival; Nem kell pontosnak lennie, de mutasson egy ajándékot, amely a teljességhez vezet. Célja, hogy a lényeget azon a részen keresztül ragadja meg, amely az egészet sugallja: az üresség a meglévő japánok kiegészítése.
A keleti gondolkodásban egység van az anyag és a szellem között, amely a szemlélődésben és a természettel való közösségben, a belső ragaszkodáson, az intuíción keresztül érvényesül. A japán művészet (gei) transzcendensebb, megfoghatatlanabb jelentéssel bír, mint a nyugati iparművészet fogalma: ez az elme bármely megnyilvánulása, amelyet életenergiaként értelmezünk, mint testünket életet adó esszenciát, amely valójában fejlődik, fejlődik, megvalósítva a test, az elme és a szellem egységét.
A japán művészet érzéke az idők során fejlődött: a kezdetektől fogva, ahol a művészet és a szépség első nyomai megvoltak, egészen az ősi időkig nyúlnak vissza, amikor a japán kultúra alkotói alapelvei megkovácsolódtak, és azok, amelyek a legfontosabb irodalmi művekben fejeződtek ki. az országból:
Kojiki, Nihonshoki és Man 'yōshū, a fentiek publikációk, az első kettő Japán történetének első műveiről, az utolsó pedig az első évezredben írt versekről szól, ekkor a Sayashi gondolat érvényesült ("tiszta, természetesen friss"), utalva egyfajta szépségre, amelyet az egyszerűség, frissesség, bizonyos naivitás jellemez, ami a könnyű és természetes anyagok, például a Haniwa Figure Land vagy a fa építészetben történő felhasználásával jár.
Ennek a stílusnak a legjobb képviselőjeként sorolhatjuk az Ise-szentélyt, amely ciprusfából készült, amelyet a XNUMX. század óta húszévente felújítanak, hogy megőrizze őszinteségét és frissességét. Ebből a felfogásból fakad a japán művészet egyik állandója: az idővel kialakuló mulandó, mulandó, mulandó szépségnek tulajdonított érték.
A Man 'yōshū-ban a sayakeshi a hűség és a próbák iránti vonzalmakban nyilvánul meg, valamint annak leírásában, hogy az olyan összetevők, mint az ég és a tenger, a nagyság érzését keltették benne, amely elhatalmasodik az emberben.
A Sayakeshi a Naru („vésés”) fogalmához kapcsolódik, amelyben az időt létfontosságú energiaként értékelik, amely a válásban konvergál, minden cselekvés és élet csúcspontjában.
A Nara és Heian korszakba helyezve a művészet művészi oldala gyorsan fejlődött a kínai kultúrával való első érintkezésnek, valamint a buddhizmus érkezésének köszönhetően. Ennek a korszaknak a fő fogalma a lelkiismeret volt, egy érzelmi érzés, amely elhatalmasodik a nézőn, és mély empátiához vagy szánalomhoz vezet.
Más kifejezésekkel rokon, mint például az okashi, amely örömével és kellemes karakterével vonz; omoshiroi, a sugárzó dolgok tulajdonsága, amelyek ragyogásukkal és tisztaságukkal felkeltik a figyelmet; a yūbi, a kegyelem, az elegancia fogalma; a yūga, a szépség finomításának minősége; az en, a báj vonzása; a király, a nyugalom szépsége; yasashi, a diszkréció szépsége; és az ushin, a művészi mély érzése.
Murasaki Shikibu Genji története, amely a mono-no-awareness nevű új esztétikai koncepciót testesíti meg – ezt a kifejezést Motōri Norinaga vezette be –, amely a melankólia, a dolgok mulandóságából fakadó szemlélődő szomorúság érzését, a pillanatig tartó múló szépséget és emlékezetben marad.
De mindenekelőtt a finom melankólia érzése, amely mély szomorúsághoz vezethet, amikor mélyen átérezzük a természet összes lényének kilélegzett szépségét.
A szépség "ideális törekvésének", a meditatív állapotnak a filozófiája, ahol a gondolat és az érzékek világa találkozik, jellemző a szépség iránti veleszületett japán finomságra, és nyilvánvaló a Hanami fesztiválon, a cseresznyefa ünnepén. kivirul.
A japán középkorban, a Kamakura, Muromachi és Momoyama korszakban, ahol a katonai uralom volt a jellemző az ország feudális társadalmának egészében, megjelent a dō („út”) fogalma, amely az akkori művészet fejlődését generálta. , a társadalmi rítusok szertartásos gyakorlatában mutatkozik meg, amit a shodō (kalligráfia), a chadō (teaszertartás), a kadō vagy ikebana (a virágkötészet művészete) és a kōdō (tömjénező szertartás) bizonyít.
A gyakorlatok nem az eredményt számítanak, hanem az evolúciós folyamat, az időbeni evolúció - ismét a naru -, valamint a rítusok tökéletes lebonyolításában megmutatkozó tehetség, ami a hozzáértést, valamint a szellemi elkötelezettséget jelzi. a tökéletességre való törekvés.
Ezekre az új fogalmakra döntő befolyást gyakorolt a buddhizmus zen nevű változata, amely bizonyos meditáción alapuló "életszabályokat" hangsúlyoz, ahol az ember elveszti öntudatát. Így minden napi munka túlmutat az anyagi lényegén, és spirituális megnyilvánulást jelöl, amely az idő mozgásában és rituális múlásában tükröződik.
Ez a koncepció a kertészetben is megjelenik, amely olyan fontossági fokot ér el, hogy a kert a kozmosz víziója, nagy űrrel (tengerrel), amelyet homokban és sziklákban megtestesülő tárgyak (szigetek) töltenek meg. , és ahol a növényzet az idő múlását idézi.
A transzcendens élet egyszerűsége és mélysége közötti zen ambivalencia az "egyszerű elegancia" (wabi) szellemét hatja át nemcsak a művészetben, hanem a viselkedésben, a társadalmi kapcsolatokban és az élet mindennapibb vonatkozásaiban is. . Sesshū mester azt mondta, hogy "a zen és a művészet egy."
Ezt a zent hét díszítő tény mutatja be: fukinsei, a természetben jelenlévő egyensúly elérése érdekében történő optimalizálás megtagadásának módja; kanso , vedd ki, ami megmaradt, és amit kiszedsz, azzal felfedezheted a természet egyszerűségét.
Kokó (magányos méltóság), egy olyan tulajdonság, amelyet az emberek és a tárgyak idővel elsajátítanak, és lényegük nagyobb tisztaságát adják nekik; shizen (természetesség), amely az őszinteséghez kapcsolódik, a természetes valódi és megvesztegethetetlen; yūgen (mélység), a dolgok valódi lényege, amely túlmutat egyszerű anyagiságukon, felületes megjelenésükön.
Datsuzoku (leválás), szabadság a művészetek gyakorlásában, melynek küldetése az elme felszabadítása, nem pedig irányítása – így a művészet mindenféle paramétertől és szabálytól eltekint -; seiyaku (belső nyugalom), a mozdulatlanság, nyugalom szituációjában, szükséges ahhoz, hogy a hat előző elv folyjon.
Különösen a teaszertartás, ahol a japán művészet és szépség fogalmát mesterien szintetizálják, létrehozva egy autentikus esztétikai vallást: a "teizmust". Ez a szertartás a szépség kultuszát képviseli, szemben a mindennapi lét hitványságával. Etikai és esztétikai filozófiája az embernek a természettel való integrált felfogását fejezi ki.
Egyszerűsége összekapcsolja az apró dolgokat a kozmikus renddel: az élet kifejezés, a tettek pedig mindig gondolatot tükröznek. Az időbeli egyenlő a szellemivel, a kicsi a nagy Ez a fogalom megtalálható a teázóban (sukiya) is, amely egy költői impulzus efemer, ornamentikától mentes építési terméke, ahol a tökéletlent tisztelik, és mindig hagy valamit. befejezetlen, ami teljessé teszi a képzeletet.
Jellemző a szimmetria hiánya, ami a zen gondolkodásból adódik, hogy a tökéletességre való törekvés fontosabb, mint önmaga. A szépséget csak az fedezheti fel, aki érvelésével kiegészíti azt, ami hiányzik.
Végül a modern korban - amely az Edo-korszakkal kezdődött - bár a korábbi elképzelések továbbra is fennállnak, új művészeti osztályok kerülnek bevezetésre, amelyek más társadalmi rendek kialakulásához kapcsolódnak, amelyek Japán modernizálódásával jönnek létre: a sui egy bizonyos spirituális csemege. főleg az oszakai irodalomban.
Az Iki gondolat méltóságteljes és közvetlen kegyelem, különösen a kabukiban van jelen; A karumi egy olyan fogalom, amely a könnyedséget mint valami ősiséget védi, ami alatt a dolgok "mélysége" érhető el, ami különösen a haiku költészetében tükröződik, ahol Shiori egy nosztalgikus szépség.
"Semmi sem tart, semmi sem teljes és semmi sem tökéletes." Ez lenne az a három kulcs, amelyen a „Wabi sabi” alapul, egy japán kifejezés (vagy egyfajta esztétikai látásmód), amely a tökéletlen, a hiányos és a változó szépségére utal, bár utal a tökéletlenség szépségére. szerény és szerény, a szokatlan. A "wabi sabi" filozófiája az, hogy élvezzük a jelent, békét és harmóniát találjunk a természetben és a kis dolgokban, és békésen fogadjuk el a növekedés és hanyatlás természetes ciklusát.
Mindezen elemek mögött a művészet, mint kreatív folyamat, nem pedig mint anyagi megvalósítás az elképzelés áll. Okakura Kakuzō azt írta, hogy "csak azok a művészek képesek valódi szépséget generálni, akik hisznek lelkük veleszületett elvetemülésében".
A japán művészet periodizálása
Ebben a cikkben a figyelemre méltó művészeti változások és politikai mozgalmak szempontjából nagy időszakokra való felosztást alkalmazunk. A válogatás általában a szerző szempontjai szerint változik, és sok közülük felosztható is. Vannak azonban eltérések ezen időszakok kezdete és vége tekintetében is. A Charles T. Kelly régész által készített példányt vesszük, amely a következő:
Japán művészet a plasztikai művészetben
A mezolitikumban és a neolitikumban a kontinenstől elszigetelten maradt, így minden termelése saját volt, bár csekély jelentőséggel bírt. Félig ülő társadalmak voltak, kis falvakban éltek, földbe ásott házakkal, táplálékforrásaikat főleg az erdőből (szarvas, vaddisznó, dió) és a tengerből (halak, rákfélék, tengeri emlősök) nyerték.
Ezek a társaságok bonyolult munkaszervezéssel rendelkeztek, és az idő mérésével foglalkoztak, amint azt Oyu és Komakino körkörös kőelrendezéseinek számos maradványa bizonyítja, amelyek napóraként működtek. Nyilván szabványos mértékegységekkel rendelkeztek, amint azt több, bizonyos modellekre épített épület is bizonyítja.
Az e korszaknak megfelelő helyszíneken csiszolt kő- és csontleleteket, kerámiákat és antropomorf figurákat találtak. Megjegyzendő, hogy a Jōmon kerámia a legrégebbi mesterséges kerámia: a kezdetleges kerámia legkorábbi nyomai Kr.e. 11.000-ből származnak, kis, kézzel készített edényekben, csiszolt oldalakkal és nagy belsővel. , funkcionális érzékkel és szigorú díszítéssel.
Ezek a maradványok a "prejōmon" (Kr. e. 11000 7500-7500 2500) korszaknak felelnek meg, ezt követi az "archaikus" vagy "korai" Jōmon (Kr. e. XNUMX XNUMX-XNUMX XNUMX), ahol a legtipikusabb Jōmon kerámiák készülnek, kézzel készítik és díszítik. bemetszéssel vagy kötélnyomokkal, egyfajta mély, korsó alakú edények alapján. Az alapdíszítést növényi rostszálakból készült zsinórral készült nyomatok alkották, amelyeket az edényre rápréseltek az edényre, mielőtt kiégetést végeztek volna.
Több területen ezek a bemetszések magas kidolgozottságot értek el, tökéletesen cizellált élekkel, nagyon bonyolult absztrakt vonalakat rajzolva. Ritka esetekben figurális jelenetek maradványait találták, általában antropomorf és zoomorf rajzokat (békák, kígyók), amelyek egy vadászjelenetet emelnek ki a Honsútól északra található Hirakubóban talált vázában.
Végül a „késői Jōmon”-ban (Kr. e. 2500-400) az edények természetesebb, kevésbé kidolgozott formába tértek vissza, kerek fenekű tálakkal és edényekkel, keskenynyakú amforákkal és fogantyús tálakkal, amelyek gyakran rudak voltak. vagy emelt alap. A Jōmon kerámia tereptárgyai: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo és Okinohara a Honshū-szigeten; Sobata Kyūshū szigetén; valamint Hamanasuno és Tokoro Hokkaidō szigetén.
A vázákon kívül kerámiából készültek különféle ember vagy állat alakú figurák, több részből állva, így kevés egész darab maradványa került elő. Az antropomorf formájúaknak lehetnek férfias vagy nőies tulajdonságai, és az androgün jelek egy részét is megtalálták.
Némelyiknek megdagadt a hasa, így összefüggésbe hozható a termékenységi imádattal. Érdemes megjegyezni az egyes ábrák által mutatott részletek pontosságát, mint például a gondos frizurák, tetoválások és dekoratív ruhák.
Úgy tűnik, ezekben a társadalmakban igen jelentős volt a test díszítése, főleg a fülben, különféle gyártmányú kerámia fülbevalókkal, amelyeket vöröses festékekkel díszítettek. Chiamigaitóban (Honshū-sziget) több mint 1000 ilyen dísztárgyat találtak, ami azt sugallja, hogy egy helyi műhely van e termékek kidolgozására.
Ebből az időszakból származnak különböző maszkok is, amelyek az arcokon végzett egyénre szabott munkát jelzik. Ugyanígy készültek különböző típusú zöld jadeit gyöngyök, és jól ismerték a lakkozási munkákat, amint azt több Torihamában talált rögzítőelem is bizonyítja. Kardok, csontok vagy elefántcsont agancs maradványai is előkerültek.
Yayoi-korszak (i.e. 500-300)
Ez az időszak az agrártársadalom végleges megalakulását jelentette, ami a terület nagy kiterjedésű erdőirtását okozta.
Ez az átalakulás a japán társadalom fejlődéséhez vezetett technológiai, kulturális és társadalmi téren, a társadalmi rétegződés és a munka specializálódása terén, és a fegyveres konfliktusok számának növekedéséhez vezetett.
A japán szigetvilágot a klánok (uji) körül kialakult kis államok tarkították, amelyek között a Yamato dominált, amiből a császári család jött létre. Aztán megjelent a sintoizmus, egy mitológiai vallás, amely megbuktatta Amaterasu császárt, a napistennőt.
Ez a vallás a japán művészet valódi tisztaságának és frissességének érzetét hirdette, a tiszta anyagokat preferálva, dekoráció nélkül, a természettel való integráció érzésével (kami vagy tudatfeletti tudat). A Kr.e. XNUMX. századtól. C. megkezdte a kontinentális civilizáció meghonosítását, a Kínával és Koreával fenntartott kapcsolatok miatt.
A yayoi kultúra Kyūshū szigetén i.e. 400-300 körül jelent meg. C., és Honsúba költözött, ahol fokozatosan felváltotta a Jōmon kultúrát. Ebben az idõszakban kibõvült egyfajta nagy temetkezés kamrával és terrakotta hengerekkel díszített halomban ember- és állatfigurákkal.
A falvakat árkokkal vették körül, és megjelentek a különféle mezőgazdasági eszközök (köztük az aratáshoz használt, félhold alakú kőszerszám), valamint különféle fegyverek, például íjak, csiszolt kőhegyű nyilak.
A fazekasságban speciálisan a következő tárgyakat gyártották: üvegek, vázák, tányérok, csészék és palackok bizonyos sajátosságokkal. Csiszolt felületűek, egyszerű díszítéssel, többnyire bemetszéssel, pontozott és cikkcakkos szalagokkal, a leggyakrabban használt tárgy a Tsubo nevű pohár volt.
Kiemelte a fémekkel, főleg bronzzal készült alkotásokat, mint például az úgynevezett dotaku harangokat, amelyek szertartási tárgyként szolgáltak, spirálokkal (ryusui) díszítettek folyóvíz formájában, vagy domborműves állatokat (főleg szarvasokat, madarakat, rovarokat, ill. kétéltűek), valamint a vadászat, halászat és mezőgazdasági munkák jelenetei, különösen a rizzsel kapcsolatosak.
Úgy tűnik, hogy a szarvasnak különleges jelentése volt, talán egy bizonyos istenséghez köthető: sok helyen szarvas lapockáinak sokaságát találták tűzzel készített bemetszésekkel vagy jelekkel, amelyek állítólag egyfajta rituáléhoz kapcsolódnak.
A Yayoi helyeken található egyéb díszítőelemek közé tartoznak a következők: tükrök, kardok, különféle gyöngyök és magatama (kesudió alakú jáde és achát darabok, amelyek termékenységi gyöngyszemként szolgáltak).
Kofun-korszak (300-552)
Ez a korszak jelentette a birodalmi központi állam megszilárdulását, amely olyan fontos erőforrásokat irányított, mint a vas és az arany. Az építészet lehetőleg a temetőben alakult ki, jellegzetes kofun ("régi sír") nevű kamrás- és átjárósírokkal, amelyekre nagy földkupacokat emeltek.
Feltűnőek Ōjin (346-395) és Nintoku (395-427) császárok temetkezései, ahol sokféle tárgyat találtak, köztük voltak; ékszerek, különféle anyagokból készült figurák, különösen terrakotta figurák.
Ezek a szobrocskák körülbelül hatvan centiméter magasak voltak, gyakorlatilag kifejezéstelenek, csak néhány rés a szemen és a szájon, pedig nagyon is releváns példái a korabeli művészetnek.
Ruházatuk és használati tárgyaik szerint ezekben a szereplőkben különféle szakmák tűnnek ki, mint a földművesek, a milicisták, a szerzetesek, a tartományi nők, a papnövendékek stb.
Ennek az időszaknak a végén megjelentek az állatfigurák is, köztük szarvasok, kutyák, lovak, vaddisznók, macskák, csirkék, birkák és halak, jelezve a korabeli katonai település jelentőségét, amelynek stílusjegyei a sillai kultúrához kötődnek. Koreából, valamint egy Sueki nevű kerámiafajtát, amely sötét és nagyon finom, csilingelő kiegészítőkkel.
A társadalmi differenciálódás az uralkodó osztályok elszigetelődéséhez vezetett a városok exkluzív negyedeiben, mint például Yoshinogari, és végleg elszigetelődött olyan elszigetelt negyedekben, mint a Mitsudera vagy a Kansai, Ikaruga és Asuka-Itabuki palotakomplexum.
Ami a vallási építészetet illeti, a korai sintó templomok (dzsindzsa) fából készültek, megemelt alapon és szabad falakon vagy eltolható válaszfalakon, a lejtős tetőt alátámasztó alappal.
Egyik jellegzetes alkotóeleme a torii, egy bejárati ív, amely egy szent hely bejáratát jelzi. Megjegyzés: Ise szentély, amelyet a XNUMX. század óta húszévente újjáépítenek.
A főépület (Shoden) emelt padlós, nyeregtetős, kilenc alapból álló, külső lépcsőn közelíthető meg. A shinmei zukuri stílusban készült, amely a késő sintó stílust tükrözi, még a buddhizmus Japánba érkezése előtt.
Egy másik bizonytalan eredetű mitikus templom a Matsue közelében található Izumo Taisha, az Amaterasu által alapított legendás templom. Taisha zukuri stílusú, a szentélyek közül a legrégebbiként tartják számon, fő látványossága az épület pilaszteres emelése, főbejárata lépcsővel, egyszerű, festés nélküli faburkolat.
A talált kéziratok szerint az eredeti szentély magassága 50 méter volt, de tűzvész miatt 25 méteres magassággal újjáépítették. Az épületek a Honden ("belső szentély") és a Hayden ("külső szentély") voltak. A Kinpusen-ji, a shugendō fő temploma, egy aszketikus vallás, amely ötvözi a sintót, a buddhizmust és az animista hitet, szintén ehhez az időszakhoz tartozik.
Ebben az időszakban találjuk az első festménymintákat, mint például az Ōtsuka királyi temetésben és Kyūshū dolmen alakú sírjain (XNUMX-XNUMX. század), amelyeket csapdába esett prédák, csaták, lovak, madarak és hajók jeleneteivel vagy spirálokkal díszítettek. és koncentrikus körök.
Falfestmények voltak, hematitvörösből, koromból, okkersárgából, kaolinfehérből és kloritzöldből. Ennek az időszaknak az egyik jellegzetes mintája az úgynevezett chokomon, amely átlókra vagy keresztekre rajzolt egyenes vonalakból és ívekből áll, és megtalálható a sírok falán, szarkofágokon, Haniwa-szobrokon és bronztükrökön.
Asuka-korszak (552-710)
Yamato egy központosított királyságot képzelt el kínai mintára, amelyet Shōtoku-Taishi (604) és Taika 646-os törvényei testesítettek meg. A buddhizmus bevezetése nagy művészi és esztétikai hatást gyakorolt Japánra, és nagy hatással volt a kínai művészetre.
Aztán jött Shōtoku herceg (573-621) uralkodása, aki a buddhizmust és általában a kultúrát kedvelte, és termékeny volt a művészet számára. Az építészet a templomokban és kolostorokban szerepelt, többnyire elveszett, feltételezve az egyszerű sintó vonalak felváltását a szárazföldről érkező pompával.
Ennek az időszaknak a legkiemelkedőbb épületeként a kudarai stílust képviselő Horyū-ji (607) templomát kell megnevezni (Koreában Paekche). A Wakakusadera templom területén készült, Shōtoku emelte, és ellenfelei felégették 670-ben.
Axiális planimetriával épült, és egy sor épületből áll, ahol a pagoda (Tō), a Yumedono ("álmok csarnoka")) és a Kondō ("arany csarnok") található. Kínai stílusban készült, először használ kerámia cseréptetőt.
Ennek a rendkívüli példának az egyik jellegzetessége a szetói vízen készült Itsukushima szentély (593), ahol a Gojūnotō, a Tahōtō és különféle hondenek találhatók. Szépsége miatt 1996-ban az ENSZ a Világörökség részévé nyilvánította.
A buddhista témájú szobrok fából vagy bronzból készültek: az első Buddha-figurákat a szárazföldről importálták, de később nagyszámú kínai és koreai művész telepedett le Japánban.
A Kannon képe, az Avalokiteśvara bodhiszattva (kínaiul Guan Yin) japán neve Bodhisattva Kannon néven, a koreai Tori munkája alatt terjedt el; a Kannon a Hōryū-ji Yumedono templomában található; és Kudarai Kannon (623. század), egy ismeretlen művésztől. Egy másik fontos alkotás a Sâkyamuni Triád (XNUMX), bronzból, Tori Busshi alkotása, amelyet a Hōryū-ji templomba szereltek fel.
Általában szigorú, szögletes és archaikus stílusú alkotások voltak, amelyeket a koreai Koguryŏ stílus ihletett, ahogyan ez Shiba Tori munkájában is látható, amely az Asuka-korszak "hivatalos stílusát" jelölte: a Nagy Asuka Buddhát (Hoko templom - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Egy másik művész, aki ezt a stílust követte, Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi volt, A négy égi őrző (shitenno) a Hōryū-ji Arany Csarnokban (645) szerzője, amely a nagyon régi stílus ellenére kerekebb térfogati evolúciót mutat be. kifejező arcok.
A kínai motívumokra ható festmény tintával vagy ásványi festékkel, selyemre vagy papírra, pergamentekercsre vagy falra akasztva készült. Nagyszerű rajzérzéket jelez, olyan nagy eredeti alkotásokkal, mint a Tamamushi ereklyetartó (Hōryū-ji), kámfor és ciprusfából, bronz filigrán sávokkal, különböző jeleneteket ábrázolva olajban lakkozott fán, a mitsuda nevű technikával -i Perzsiából, és a Wei-dinasztia kínai festészetéhez kapcsolódik.
Az ereklyetartó tövében egy dzsataka (Buddha elmúlt életeinek beszámolója) látható, amint a Mahászattva herceg saját testét egy éhes tigrisnek szenteli. Ekkortájt kezdett elterjedni a kalligráfia, amely ugyanolyan művészi színvonalat kapott, mint a figuratív képek.
Selyem kárpitokat is feljegyeztek, mint például a Shōtokunak készített Mandala Tenkoku (622). A kerámiát, amely lehet mázas is, vagy nem, kevés helyi gyártású volt, mivel ez a legértékesebb kínai import.
Nara-korszak (710-794)
Ebben az időszakban alapították a fővárost Narában (710), a mikádó első állótőkéjében. Ebben az időben a buddhista művészet a csúcson volt, és nagy intenzitással folytatta a kínai hatást: a japánok a kínai művészetben a klasszikus görög-római művészet európai ízléséhez hasonló harmóniát és tökéletességet láttak.
Az építészet néhány példája a korszakból a monumentális épületek, mint például a Keleti Yakushi-ji pagoda, a Tōshōdai-ji, Tōdai-ji és Kōfuku-ji templomok, valamint a narai Shōso-in császári raktár, amely számos műtárgyat őriz. Shōmu császár (724-749) korabeli művészetből, Kínából, Perzsiából és Közép-Ázsiából származó alkotásokkal. Nara városa a Tang-dinasztia fővárosa, Chang'an mintájára rácsos elrendezés szerint épült.
A császári palotának ugyanolyan jelentőséget tulajdonítottak, mint a fő kolostornak, a Tōdai-ji-nek (745-752), amely szimmetrikus terv szerint épült egy nagy, ikerpagodákkal ellátott zárt térben, és a Daibutsudennel, a "Buddha nagy termével". «. egy nagy, 15 méteres bronz Buddha Vairocana (japánul Dainichi) szoborral, amelyet Shōmu császár adományozott 743-ban. Az 1700-ban átépített Daibutsuden a világ legnagyobb faépülete.
Egy másik fontos templom a Hokkedō, amely egy másik csodálatos szoborral büszkélkedhet, Kannon Fukukenjakuval, egy nyolckarú lakkozott bodhiszattvával, amely négy méter magas. magas és Tang hatás, ami észrevehető az arcvonások derűjében és nyugodtságában.
Ezzel szemben a Keleti Yakushi-ji Pagoda a japán építészek kísérlete volt, hogy megtalálják saját stílusukat, távolodva a kínai befolyástól. Függőlegességével tűnik ki, különböző méretű, váltakozó borítókkal, ami kalligrafikus jel megjelenését kelti.
Szerkezetében kiemelkedik az eresz és az erkélyek, egymásba illeszkedő farudak alkotják, fehér és barna színben. Belsejében Yakushi Nyorai ("Orvos Buddha") képe található. Az ókori Nara történelmi emlékművei néven a Világörökség része.
A Tōshōdai-ji (759) azonos mértékű nemzeti asszimilációval rendelkezett, egyértelmű kontrasztot mutatva a Kondō ("arany terem") kínai hatású szilárdságával, szimmetriájával és vertikálisságával és a Kodó ("előadóterem") között. ).
Egy másik kiállító volt a Kiyomizu-dera (778), melynek főépülete hatalmas, több száz oszlopra támasztott korlátjával tűnik ki, amely a dombon kiemelkedik, és lenyűgöző kilátást nyújt Kiotó városára. Ez a templom volt az egyik jelölt a világ hét új csodája listájára, bár nem választották.
Rinnō-ji a maga részéről a Sanbutsudōról híres, ahol három szobor található Amida, Senjūkannon és Batōkannon. Sinto szentélyként kiemelkedik a Fushimi Inari-taisha (711), amelyet Inari szellemének szenteltek, és különösen a több ezer vörös toriikról kapta a nevét, amelyek jelzik az utat a dombon, amelyen a szentély áll.
A Buddha ábrázolása nagy fejlődést ért el a szobrászatban, gyönyörű szobrokkal: Sho Kannon, Tachibana Buddha, Bodhisattva Gakko Tōdai-ji. A Hakuhō-korszakban (645-710) a Soga klán elnyomása és a birodalmi megszilárdulás a koreai befolyás végét és a kínai (Tang-dinasztia) felváltásához vezetett, ami egy sor nagyobb pompát és valósághű alkotást hozott létre, kerekebb és kecsesebb formák.
Ez a változás észrevehető a Yakushi-ji aranyozott bronzszobrok egy részén, amelyeket az ülő Buddha (Yakushi) alkotott Nikko ("Napfény") és Gakko ("Holdfény") bodhiszattvák kíséretében, akik nagyobb dinamizmust mutatnak contrapposto pozíciójában. és nagyobb arckifejezést.
A Hōryū-ji-nál a koreai eredetű tori stílus folytatódott, akárcsak a Kannon Yumegatari és a Lady Tachibana medál Amida Triádja. A Tōshōdai-ji templomban egy sor üreges szárított lakkból készült nagy szobor található, amelyek kiemelik a központi Buddha Rushanát (759), amely 3,4 méter magas. Vannak védőszellemek (Meikira Taisho), királyok (Komokuten) stb. Fából, bronzból, nyers agyagból vagy szárazlakkból készült munkák, nagy valósághűek.
A festményt egy Hōryū-ji faldísz (XNUMX. század vége), például a Kondō freskói képviselik, amelyek hasonlóságot mutatnak az indiai Ajantā freskóival. Különféle tipológiák is megjelentek, mint például a kakemono ("függő festmény") és az emakimono ("görgős festmény"), papírtekercsre vagy selyemre festett történetek, a különböző jeleneteket magyarázó szövegekkel, amelyeket szútráknak neveznek.
A Nara Shōso-inben számos világi témájú festmény található, különböző típusú és témájú: növények, állatok, tájak és fémtárgyak. A korszak közepén a Tang-dinasztia festőiskolája jött divatba, amint az a 700 körüli Takamatsuzuka sírfalfestményeken is látható.
A 701. évi Taiho-ryo rendelet szabályozza a festő szakmáját a kézműves társaságokban. a Belügyminisztérium alá tartozó Festők Osztálya (takumi-no-tuskasa). Ezek az egyesületek a paloták és templomok díszítéséért feleltek, és szerkezetük egészen a Meiji-korszakig fennmaradt. A fazekasság figyelemreméltóan fejlődött a Kínából importált különféle technikák révén, mint például az agyagra felvitt élénk színek használata.
Heian-korszak (794-1185)
Ebben az időszakban zajlott a Fujiwara klán kormánya, amely a kínai kormány ihlette központosított kormányt hozott létre Heian (ma Kiotó) fővárosával. Felkeltek a nagy feudális urak (daimyō), és megjelent a szamuráj alakja.
Ekkortájt jelent meg a hiraganának nevezett grafológia, amely a kínai kalligráfiát a Japánban használt többszólamú nyelvhez igazította, kínai karaktereket használva a szótagok fonetikai értékére. A Kínával fennálló kapcsolatok felbomlása határozottabb japán művészetet hozott létre, a vallásos művészet mellett kialakult egy világi művészet is, amely hűen tükrözné a császári udvar nacionalizmusát.
A buddhista ikonográfia új fejlődésen ment keresztül, amikor két új szektát importáltak a szárazföldről, a Tendai és a Shingon, amelyek a tibeti tantrikus buddhizmuson alapultak, és amelyek sintó elemeket tartalmaztak, és az erre az időre jellemző vallási szinkretizmust eredményeztek.
Az elszigetelt helyen épült, meditációra szánt kolostorok építészete tervváltozáson ment keresztül. A legfontosabb templomok az Enryaku-ji (788), a Kongōbu-ji (816) és a Murō-ji pagoda-szentély. A Hiei-hegy közelében található Enryaku-ji az ókori Kiotó egyik történelmi emlékműve, amelyet 1994-ben a Világörökség részévé nyilvánítottak.
788-ban alapította Saichō, aki bevezette Japánba a Tendai buddhista szektát. Enryaku-jinek körülbelül 3.000 temploma volt, és a maga korában a hatalom nagy központja volt, épületeinek nagy részét Oda Nobunaga 1571-ben rombolta le.
A fennmaradt rész közül ma kiemelkedik a Saitō („nyugati terem”) és a Tōdō („keleti terem”), ahol a Konpon chūdō található, az Enryaku ji legreprezentatívabb építménye, ahol Buddha szobrát őrzik. maga Saichō, a Yakushi Nyorai faragta.
A szobor enyhe hanyatlást szenvedett a korábbi időkhöz képest. Ismét a Buddha ábrázolásai (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai a kiotói Jingo-ji templomból; Amida Nyorai a Byōdō-in kolostorból), valamint bizonyos sintó istennők (Kichijoten, a boldogság istennője, Lakshmī India megfelelője) .
A buddhista vallás túlzott merevsége korlátozza a művész spontaneitását, aki olyan merev művészi kánonokra szorítkozik, amelyek aláássák alkotói szabadságát. 859-ben és 877-ben születik meg a Jogan-stílus, amelyet szinte félelmetes gravitációs képekkel különböztetnek meg, bizonyos introspektív és titokzatos légkörrel, mint például a Shaka Nyorai of Murō-ji.
A Fujiwara korszakban a Jōchō által Byōdō-inben alapított iskola vált híressé, elegánsabb és karcsúbb stílusban, mint Jogan szobra, tökéletes testformákat és nagyszerű mozgásérzéket fejez ki.
Jōchō műhelyében bemutatták a yosegi és warihagi technikákat, amelyek abból álltak, hogy a figurát két tömbre osztották, amelyeket aztán összeillesztettek, hogy kifaragják őket, így elkerülhető a későbbi repedés, ami a nagy figurák egyik fő problémája. Ezek a technikák soros szerelést is lehetővé tesznek, és nagy sikerrel fejlesztették ki a Kamakura-korszak Kei iskolájában.
A Yamato-e festészete különösen az emaki nevű, kézzel írott tekercseken virágzik, amelyek a képi jeleneteket elegáns katakana kalligráfiával kombinálják. Ezek a tekercsek történelmi vagy irodalmi részeket idéztek fel, például a Genji meséjét, Murasaki Shikibu XNUMX. század végi regényét.
Bár a szöveg neves írnokok munkája volt, a képeket jellemzően az udvar udvarhölgyei készítették, mint például Ki no Tsubone és Nagato no Tsubone, feltételezve a női esztétika mintáját, amely nagy jelentőséggel bírna a kortárs japán művészetben.
Ekkor indult meg a festmények nemek szerinti osztályozása, amely érzékelhető különbséget tett a közönség között, ahol a férfiasság kínai befolyás alatt állt, a nőies és esztétikusabb pedig művészileg japán.
Az onna-e-ben a Genji története mellett kiemelkedik a Heike Nogyo (Lotus Sutra), amelyet a Taira klán rendelt meg az itsukusimai szentély számára, ahol különféle tekercsekben testesülnek meg a buddhizmus által hirdetett lelkek üdvösségéről.
Másrészt ez az The otoko-e narratívabb és energikusabb volt, mint az ona-e, cselekményekkel telibb, több realizmussal és mozgással, mint a Shigisan Engi tekercsekben, Myoren szerzetes csodáiról; a Danigon E-kotoba bán, a rivális klánok közötti háborúról a XNUMX. században; és a Chōjugiga, állatjelenetek karikatúrával és szatirikus hangvétellel, az arisztokráciát kritizálva.
Kamakura-korszak (1185-1392)
A feudális klánok közötti többszöri vita után bevezették a Minamotót, amely létrehozta a sógunátust, egy katonai bírósággal rendelkező államformát. Ebben az időben a zen szektát bevezették Japánba, amely nagy hatással volt a figuratív művészetre. Az építészet egyszerűbb, funkcionálisabb, kevésbé fényűző és díszes volt.
A zen uralom meghozta az úgynevezett Kara-yo stílust: a zen kultuszhelyek a kínai axiális planimetriás technikát követték, bár a főépület nem a templom, hanem az olvasóterem volt, és a díszhelyet nem foglalta el szobor. Buddha, hanem egy kis trón mellett, ahol az apát tanította a tanítványait.
A kiotói Sanjūsangen-dō öt nagy templomegyüttese (1266), valamint a kiotói Kennin-ji (1202) és Tōfuku-ji (1243), valamint Kencso-ji (1253) és Engaku-ji (1282) ) Kamakurában.
A Kōtoku-in (1252) híres Amida Buddha nagy és nehéz bronzszobráról, így a Tōdai-ji után a második legnagyobb Buddha Japánban.
1234-ben felépült a Chion-in templom, a Jōdo shū buddhizmus székhelye, amelyet kolosszális főkapujával (Sanmon) jellemez, amely a legnagyobb ilyen jellegű építmény Japánban.
Ennek az időszaknak az egyik utolsó képviselője a Hongan-ji (1321), amely két fő templomból áll: a Nishi Hongan-ji-ből, amely magában foglalja a Goei-dō-t és az Amida-dō-t, valamint egy teapavilont és két színpadot. a Noh színház, amelyik közül az egyik a legrégebbi még élőnek vallja magát; és Higashi Hongan-ji, a híres Shosei-en otthona.
A szobor nagy realizmust kapott, nagyobb alkotási szabadságot kapott a művész számára, amit a nemesek és katonák portréi is tanúsítanak, mint például Uesugi Shigusa (egy névtelen művész), a tizennegyedik századi katona portréi.
A zen művek középpontjában mestereik ábrázolása áll, egyfajta shinzó-szoborban, mint például Muji Ichien mesteré (1312, egy névtelen szerzőtől), polikróm fából, amely a trónon ülő zen mestert ábrázolja egy ellazult meditációs attitűd.
Munkái minősége szempontjából különösen fontos volt a Kei Nara Iskola, a Heian-kori Jōchō Iskola örököse, ahol Unkei szobrász, Muchaku és Sesshin szerzetesek (Nara Kōfuku-ji) szobrainak szerzője is. Kongo Rikishi (őrszellemek) képeiként, például a 8 méter magas Tōdai-ji templom bejáratánál található két kolosszális szobor (1199).
Unkei stílusa, amelyet a Song-dinasztia kínai szobrászata befolyásolt, rendkívül valósághű volt, miközben a legrészletesebb fiziognómiai tanulmányt örökítette meg az ábrázolt egyén érzelmi kifejezésével és belső spiritualitásával.
Sötét kristályokat is beágyaztak a szemekbe, hogy nagyobb kifejezésmódot adjanak. Unkei munkássága a japán portréművészet kezdetét jelentette. Fia, Tankei, a Kannon Senju szerzője a Sanjūsangen-dō számára folytatta munkáját.
A festményt fokozott realizmus és pszichológiai önvizsgálat jellemezte. Tereprendezés (Nachi-vízesés) és Monk Myoe portréja a szemlélődésben, Enichi-bo Jonin; portrékészlet a kiotói Jingo-ji templomból, Fujiwara Takanobu; Goshin Hanazono császár portréját főként kidolgozták.
A yamato-e mód folytatódott, és a képeket tekercsekben magyarázták, sok közülük több méter hosszú. Ezek a kéziratok a mindennapi élet részleteit, városi vagy vidéki jeleneteket ábrázoltak, vagy történelmi eseményeket illusztráltak, például az 1159-es kiotói háborút a birodalmi család rivális ágai között.
Folyamatos jelenetekben, narratív rendet követve, emelt panorámával, egyenes vonalban kerültek bemutatásra. A Heiji-kor eseményeinek illusztrált tekercsei (Heiji monogatari) és Enichi-bo Jonin Kegon Engi-tekercsei kiemelkednek.
A zen szervezethez kapcsolódó festmény közvetlenebbül kínai hatású volt, a technika inkább az egyszerű kínai tintavonalak követte a zen diktátumot, amely szerint "túl sok szín elvakítja a szemet".
Muromachi-korszak (1392-1573)
A sógunátus az Ashikaga kezében van, akiknek belső harcai kedveznek a földet felosztó daimjó növekvő erejének. Az építészet elegánsabb és lényegében japán volt, impozáns kúriákkal, kolostorokkal, mint a Zuihoji, és templomokkal, mint a Shōkoku-ji (1382), a Kinkaku-ji vagy az Aranypavilon (1397) és a Ginkaku-ji. o Ezüst pavilon (1489), Kiotóban.
Kinkaku-ji Shogun Ashikaga Yoshimitsu pihenőfalujaként épült, Kitayama nevű tartományának részeként. Fia az épületet a rinzai szekta templomává alakította át. Ez egy háromemeletes épület, az első kettőt tiszta aranylevél borítja. A pavilon sheridenként működik, amely Buddha ereklyéit védi.
Különféle Buddha és Bodhiszattva szobrokat is tartalmaz, a tetőn pedig egy arany fenghuang áll. Van egy gyönyörű szomszédos kertje is, a Kyōko-chi nevű tóval, sok szigettel és kövekkel, amelyek a buddhista teremtéstörténetet képviselik.
A Ginkaku-jit a maga részéről Ashikaga Yoshimasa sógun építette, aki az őse, Yoshimitsu által épített Kinkaku-jit igyekezett utánozni, de sajnos nem tudta a terv szerint ezüsttel lefedni az épületet.
Ennek a korszaknak az építészetére is jellemző a tokonoma megjelenése, a zen esztétikához illően egy festmény vagy virágkötészeti szemlélődésre fenntartott helyiség. Szintén bemutatásra került a tatami, egy rizsszalmából készült szőnyeg, amely kellemesebbé tette a japán ház belsejét.
Ebben az időben különösen a kertészet művészete fejlődött, lerakva a japánkert művészi és esztétikai alapjait. Két fő mód jelent meg: tsukiyama, egy domb és egy tó körül; és Hiraniwa, egy lapos kert gereblyézett homokkal, kövekkel, fákkal és kutakkal.
A legelterjedtebb növényzetet bambusz és különféle virágok és fák alkotják, akár örökzöldek, mint a japán feketefenyő, vagy lombhullatóak, mint a japán juhar, olyan elemeket is értékelnek, mint a páfrányok és a habok.
A bonsai a kertészet és a belsőépítészet másik jellegzetes eleme. A kertek gyakran tartalmaznak tavat vagy tavat, különféle pavilonokat (általában a teaszertartáshoz) és kőlámpásokat. A japánkert egyik jellemző tulajdonsága, akárcsak a többi művészetében, tökéletlen, befejezetlen és aszimmetrikus megjelenése.
Különböző típusú kertek léteznek: „sétáló”, amely egy ösvényen vagy egy tó körül sétálva látható; a «nappali», amely egy fix helyről látható, általában egy pavilonból vagy egy machiya típusú kunyhóból.
Te (rōji), a teázóba vezető ösvény körül, bakdosin csempével vagy kövekkel jelölve az utat; és a „szemlélődés” (karesansui, „hegyi és vízi táj”), amely a legtipikusabb zen kert, a zen kolostorokban található emelvényről nézve.
Jó példa erre a kiotói Ryōan-ji kert úgynevezett víztelen tája, Sōami festő és költő által (1480), amely tengert ábrázol, gereblyézett homokból, tele szigetekkel, amelyek sziklák. , olyan egészet alkotva, amely egyesíti a valóságot és az illúziót, és nyugalmat és elgondolkodást invitál.
A festészet újjáéledését a zen esztétika keretezte, amely a Yuan- és Ming-dinasztiák kínai hatását kapta, amely főleg a dekoratív művészetben tükröződik.
Bevezették a gouache technikát, amely a zen doktrína tökéletes átírása, amely arra törekszik, hogy a tájon tükrözze azt, amit jelentenek, nem pedig azt, hogy mit ábrázolnak.
Felbukkant a bunjinso alakja, az "értelmi szerzetes", aki saját műveit alkotta, a kínai technikák tudósai és követői monokróm tintával, rövid és szórt ecsetvonásokkal, aki alkotásaiban olyan természetes elemeket tükrözött, mint a fenyők, nád, orchidea, bambusz. , sziklák, fák, madarak és emberi alakok elmerülve a természetben, meditációs attitűdben.
Japánban ezt a kínai tintatechnikát sumi-e-nek hívták. A zen hét esztétikai alapelve alapján a sumi-e a legintenzívebb belső érzelmeket igyekezett tükrözni az egyszerűség és az elegancia révén, egyszerű és szerény vonalakban, amelyek túlmutatnak külső megjelenésükön, és a természettel való közösség állapotát jelzik.
A Sumi-e a belső spiritualitás megtalálásának eszköze (dō) volt, ezt használták a szerzetesek. A tinta finom és diffúz sajátosságai lehetővé tették a művész számára, hogy a dolgok lényegét egyszerű és természetes benyomásban ragadja meg, ugyanakkor mély és transzcendens.
Ez a gyors végrehajtás ösztönös művészete, nem retusálható, egy tény, amely egyesíti az élettel, ahol lehetetlen visszatérni ahhoz, ami megtörtént. Minden rajz életenergiát (ki) hordoz, hiszen ez egy teremtés, ahol az elme működésbe lép, és a folyamat többet számít, mint az eredmény.
A sumi-e legfontosabb képviselői: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei és mindenekelőtt Sesshū Tōyō, portrék és tájképek szerzője, az első művész, aki életében festett. Sesshū Gaso szerzetes festő volt, aki 1467 és 1469 között Kínába utazott, ahol művészetet és természeti tájat tanult.
Tájképei lineáris struktúrákból állnak, amelyeket hirtelen fény világít meg, amely a transzcendens pillanat zen-koncepcióját tükrözi. Ezek a tájak anekdotikus elemekkel, például templomokkal a távolban vagy kis emberi alakokkal, távoli helyeken, például sziklákban keretezve.
A költői festészetnek egy új műfaja is megjelent, a shinjuku, ahol a táj egy naturalista ihletésű verset illusztrál. Említést érdemel még a Kanō Masanobu által alapított Kanō Iskola, amely a gouache technikát alkalmazza a hagyományos tantárgyakra, szakrális, nemzeti és táji témákat illusztrálva.
A lemosást a fusuma tolóajtók festett paravánjaira és paneljeire is felvitték, amelyek a japán belsőépítészet jellegzetességei. A kerámiában a szeto iskola kiemelkedik, a legnépszerűbb tipológia a tenmoku. A lakk és fémtárgyak is figyelemre méltó példák ebből az időszakból.
Azuchi–Momoyama időszak (1573–1603)
Ekkorra Japánt ismét egyesítette Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi és Tokugawa Ieyasu, akik felszámolták a daimjót és hatalomra kerültek.
Mandátuma egybeesett a portugál kereskedők és jezsuita misszionáriusok érkezésével, akik bevezették az országba a kereszténységet, bár csak kisebbséget értek el.
Az akkori művészi produkció kirobbanó stílussal távolodott el a buddhista esztétikától, a hagyományos japán értékeket hangsúlyozta. Korea inváziója 1592-ben sok koreai művész kényszerű áttelepülését idézte elő Japánba, akik a többiektől elszigetelt kerámiagyártó központokban éltek.
Ebben az időszakban is megérkeztek az első nyugati hatások, amelyek a Namban stílusban tükröződnek, miniatürista szobrászatban, világi témájú, dekoratív porcelán tárgyakkal és Yamato-e stílusban díszített összecsukható paravánokkal, élénk színekkel és aranylevéllel, jelenetekben, amelyek az európaiak japán tengerpartra érkezésének történetét mesélik el.
A perspektivikus technikáknak, valamint az európai festészet más változatainak, például az olajfestménynek, Japánban nem volt támasza a művészetben.
Az építészetben kiemelkedik a nagy kastélyok (shiro) építése, amelyet a nyugati eredetű lőfegyverek Japánban történő bevezetése erősít meg. Jó példa erre a Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō és Fushimi-Momoyama kastély.
A Himeji-kastély, a kor egyik legnagyobb építménye, a hatalmas erődítményeket egy függőleges kinézetű szerkezet eleganciájával ötvözi, öt emeleten fából és vakolatból, a hagyományos japán templomokhoz hasonló finoman ívelő tetőformákkal.
Megszaporodtak a kis villákból vagy palotákból és nagy kertekből álló rusztikus teaszertartásos falvak is, és egyes városokban faszínházakat is építettek a kabuki előadásokhoz.
A festészet területén a Kanō iskola rögzíti a hivatalos megbízások többségét, a fő japán kastélyok falfestményeinek kidolgozásával, Kanō Eitoku és Kanō Sanraku néven fontos alakok voltak.
A szűk védőnyílásokkal rosszul megvilágított kastélyokhoz egyfajta arany hátterű válaszfalakat hoztak létre, amelyek visszaverték a fényt és szétszórták azt a helyiségben, hősi jelenetekkel, például állatokkal díszített, nagy falfestményekkel. például a tigrisek és a sárkányok, vagy a kertek, tavak és hidak jelenlétét mutató tájak, vagy a négy évszak, ami akkoriban meglehetősen gyakori téma.
A szitanyomás is figyelemreméltóan fejlődött, általában kopott tintákkal, a sumi-e stílust követve, amint ez Hasegawa Tōhaku (fenyves) és Kaihō Yūshō (fenyő és szilvafa a holdfényben) munkáin is látható. Kiemelték Tawaraya Sōtatsu, a nagy lendületű művek szerzőjének alakját is a kéziratok tekercseiben, képernyőkön és legyezőkön.
Lírai és dekoratív stílust alkotott a Heian korszak waka forgatókönyve ihlette, amit rinpa-nak hívtak, és olyan nagyszerű vizuális szépségű és érzelmi intenzitású műveket hozott létre, mint a Genji története, A borostyán ösvénye, a mennydörgés és a szél istenei. stb.
A kerámiagyártás nagy fellendülés pillanatát érte el, a teaszertartáshoz olyan termékeket fejlesztettek ki, amelyeket a koreai kerámiák ihlettek, amelyek rusztikussága és befejezetlen megjelenése tökéletesen tükrözi a tearítust átható zen esztétikát.
Új formatervezési minták jelentek meg, például nezumi tányérok és kogan vizeskancsók, általában földpátrétegben fürdő fehér testtel, amelyeket vaskampóból készült egyszerű mintákkal díszítettek. Mázas megjelenésű vastag kerámia volt, befejezetlen kezeléssel, ami a tökéletlenség és a sebezhetőség érzetét keltette.
Seto maradt a fő termelő, míg Mino városában két fontos iskola született: a Shino és az Oribe. A Karatsu iskolát és két eredeti kerámiafajtát is feljegyezték:
Iga, durva szerkezetű, vastag mázréteggel, mély repedésekkel; és Bizen, vörösesbarna, mázatlan cserép, még mindig puha, eltávolítva a kerékről, hogy apró természetes repedések és bemetszések keletkezzenek, amelyek rideg megjelenést kölcsönöztek neki, még mindig összhangban van a zen tökéletlenség esztétikájával.
Az idők egyik legjobb művésze Honami Kōetsu volt, aki festészetben, költészetben, kertészkedésben, lakkozásban stb. jeleskedett. A Heian-korszak művészeti hagyományaiban és a Shorenin kalligráfiai iskolában képzett kézműves kolóniát alapított a Kiotó melletti Takagamine-ban, Tokugawa Ieyasu által adományozott földön.
A települést a Nichiren Buddhista Iskola kézművesei tartották fenn, és számos magas színvonalú alkotást készítettek. Arany- és gyöngyházbetétekkel díszített lakkárukra, elsősorban irodai kiegészítőkre specializálódtak, valamint a teaszertartáshoz különféle edények és étkészletek, kiemelve a testes fujisan tálat. vöröses, fekete bugyi borítja, és a tetején egy átlátszatlan jégfehér, amely a hóesés hatását kelti.
Edo-korszak (1603-1868)
Ez a művészeti időszak a Tokugawa történelmi korszaknak felel meg, amikor Japán zárva volt minden külső kapcsolat elől. A fővárost Edóban, a jövőbeni Tokióban alapították. A keresztényeket üldözték, az európai kereskedőket pedig elűzték.
A vazallusrendszer ellenére a kereskedelem és a kézművesség elszaporodott, ami egy polgári osztály kialakulását eredményezte, amely hatalmában és befolyásában növekedett, és a művészetek, különösen a nyomatok, kerámiák, lakkáruk és árucikkek népszerűsítésének szentelte magát. textíliák.
A legreprezentatívabb alkotások a kiotói Katsura palota és a nikkói Tōshō-gū mauzóleum (1636), amely a „Nikkó szentélyek és templomok” része, mindkettőt az UNESCO 1999-ben a világörökség részévé nyilvánította.
Valami műfaj a sintó-buddhisták uniója, a Tokugawa Ieyasu sógun mauzóleuma. A templom egy mereven szimmetrikus szerkezet, színes domborművekkel, amelyek a teljes látható felületet beborítják. Színes konstrukciói, túlterhelt díszítései kiemelkednek, amelyek eltérnek az akkori templomok stílusától.
A belső tereket élénk színekben pompázó lakkfaragások és mesterien festett panelek díszítik. A Katsura-palota (1615-1662) Zen-ihlette aszimmetrikus alaprajzra épült, ahol a külső homlokzaton az egyenes vonalak használata ellentétben áll a környező kert kanyargósságával.
A császári család székhelyeként a villa egy főépületből, több melléképületből, teázókból és egy 70000 XNUMX méteres parkból állt. A főpalota, amelynek csak egy emelete van, négy melléképületre oszlik, amelyek a sarkokon találkoznak.
Az egész épület bizonyos jellemzőkkel rendelkezik, hogy pillérekre épült, és fölöttük falakkal és ajtókkal ellátott szobák sora található, némelyik Kanō Tan'yū festményeivel.
Szintén erre az időszakra jellemzőek a teaházak (chashitsu), általában kisméretű, nádtetős faépületek, amelyeket látszólag elhagyatott állapotú kertek vesznek körül, zuzmókkal, mohákkal és lehullott levelekkel, a zen koncepciót követve. a transzcendens tökéletlenségé.
A művészi és szellemi fejlődés kezdete
Ebben az időszakban Japán fokozatosan tanulmányozta a nyugati technikákat és tudományos vívmányokat (az úgynevezett rangaku-t) a Dejimából származó holland kereskedőktől kapott információk és könyvek segítségével.
A legtöbbet tanulmányozott területek a földrajz, az orvostudomány, a természettudományok, a csillagászat, a művészet, a nyelvek, a fizikai fogalmak, például az elektromos és mechanikai jelenségek tanulmányozása voltak. A matematika is nagy fejlődésen ment keresztül, a nyugati világtól teljesen független áramlatban. Ezt az erős áramlatot wasannak nevezték.
A neokonfucianizmus virágzása a korszak legnagyobb szellemi fejlődése volt. A konfucianizmus tanulmányozása már régóta aktív volt a buddhista papok körében, de ebben az időszakban ez a hitrendszer nagy figyelmet fordított az ember- és társadalomfelfogásra.
Az etikai humanizmust, a racionalizmust és a konfucianizmus történelmi perspektíváját társadalmi modellnek tekintették. A XNUMX. század közepén a konfucianizmus vált az uralkodó jogfilozófiává, és közvetlenül hozzájárult a nemzeti tanulási rendszer, a kokugaku kialakulásához.
Fő erénye a sógunális rezsim számára a hierarchikus kapcsolatok hangsúlyozása, az alávetettség volt. a csúcsra. valamint az egész társadalomra kiterjedő, a feudális rendszer megőrzését elősegítő engedelmesség.
A textilművészet nagy jelentőséget kapott, főleg a selyemben, amely a legmagasabb minőséget érte el, ezért a szobákban gyakran akasztottak fel élénk színű, igényes kivitelű selyemruhákat (kimonót). elválasztva, mintha képernyők lennének.
Különféle technikákat alkalmaztak, például festést, hímzést, brokátot, dombornyomást, rátétet és kézi festést. A selyem csak a felsőbb osztályok számára volt elérhető, míg az indonéz ikat technikával készült pamutba öltözött emberek szakaszonként sodorták és fehérrel váltakozó indigót festettek.
Egy másik gyengébb minőségű technika a különböző színű pamutszálak szövése volt, házi készítésű, batikolt festékkel, rizspaszta és főtt és agglomerált rizskorpa felhasználásával.
Megjegyzendő, hogy ahogy a XNUMX. században a japán művészetet a nyugati művészet hatotta át, úgy a japán művészet egzotikuma és természetessége is hatott rá. Így született meg nyugaton az úgynevezett japonizmus, amely főleg a XNUMX. század második felében, különösen Franciaországban és Nagy-Britanniában alakult ki.
Ez derült ki az úgynevezett Japoneries-ben, a japán nyomatok, porcelán, lakk, legyezők és bambusz tárgyak által ihletett tárgyakban, amelyek mind a lakberendezésben, mind pedig számos, a japán kultúra fantáziáját és dekorációját tükröző személyes ruhadarabban váltak divatossá Japán esztétika. .
A festészetben az ukiyo-e iskola stílusát lelkesen fogadták, Utamaro, Hiroshige és Hokusai munkáit pedig nagyra értékelték. A nyugati művészek a japán festészet leegyszerűsített térkonstrukcióját, egyszerű kontúrjait, kalligrafikus stílusát és naturalista érzékenységét utánozták.
A mai idők (1868 óta)
A Meidzsi-korszakban (1868-1912) Japánban mély kulturális, társadalmi és technológiai reneszánsz kezdődött, amely jobban megnyílt a külvilág felé, és elkezdte beépíteni a Nyugaton elért új fejleményeket. Az 1868-as Charta megszüntette a feudális kiváltságokat és az osztálykülönbségeket, ami nem vezetett az elszegényedett proletárosztályok javulásához.
Megkezdődött az erős imperialista expanzionizmus időszaka, amely a második világháborúhoz vezetett. A háború után Japán demokratizálódási és gazdasági fejlődési folyamaton ment keresztül, amely a világ egyik vezető gazdasági hatalmává, valamint az ipari termelés és a technológiai innováció vezető központjává tette. A Meiji korszakot a Taishō (1912-1926), a Shōwa (1926-1989) és a Heisei (1989-) korszak követte.
1930 óta Kínában és Dél-Ázsiában a fokozatos militarizálás és terjeszkedés, valamint a katonai költségvetéshez juttatott források ebből következően megnövekedése a művészi mecenatúra csökkenéséhez vezetett. A háború utáni gazdasági fellendüléssel és az ország iparosodásával elért új fellendüléssel azonban újjászületett a művészet, amely a kulturális globalizáció folyamata miatt már teljesen belemerült a nemzetközi művészeti mozgalmakba.
Hasonlóképpen, a gazdasági jólét ösztönzi a gyűjtést, számos múzeum és kiállítási központ létrehozását, amelyek elősegítették a japán és a nemzetközi művészet terjesztését és megőrzését. Vallási téren a meidzsi korszakban a sintoizmus, mint az egyetlen hivatalos vallás (Shinbutsu bunri) meghonosodása a buddhista templomok és műalkotások elhagyásához és elpusztításához vezetett, ami helyrehozhatatlan lett volna Ernest Fenollosa professzor beavatkozása nélkül. filozófia. a Tokiói Birodalmi Egyetemről.
William Bigelow mágnással és mecénásszal együtt számos olyan alkotást mentett meg, amelyek a bostoni Szépművészeti Múzeum és a washingtoni Freer Gallery of Art buddhista művészeti gyűjteményét ápolták, amelyek az ázsiai művészet két legjobb gyűjteménye a világon. világ..
Az építészetnek kettős iránya van: a hagyományos (Yasukuni szentély, Heian Jingu és Meiji templomok, Tokióban) és az európai hatású, amely új technológiákat integrál (Yamato Bunkakan Múzeum, Iso Hachi Yoshida, Narában).
A nyugatiasodás új épületek, például bankok, gyárak, vasútállomások és középületek építéséhez vezetett, amelyeket nyugati anyagokkal és technikákkal építettek, kezdetben az angol viktoriánus építészetet utánozva. Néhány külföldi építész is dolgozott Japánban, mint például Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokió).
Az építészet és az urbanisztika a második világháború után nagy lendületet kapott, az ország újjáépítésének szükségessége miatt. Aztán megjelent az építészek új generációja.
Kenzō Tange vezetésével olyan művek szerzője, mint a hirosimai békeemlékmúzeum, a tokiói Szent Mária-székesegyház, az 1964-es tokiói olimpiai játékok olimpiai stadionja stb.
Tange tanítványai és követői megalkották az építészet fogalmát, amelyet „anyagcsereként” értelmeznek, az épületeket szerves formáknak tekintve, amelyeket a funkcionális igényekhez kell igazítani.
Az 1959-ben alapított mozgalom népesedési központ létrehozásán gondolkodott, melynek alapelve egy olyan épületsorozat létrehozása volt, amely a külső változásoknak megfelelően változott, mintha egy organizmus lenne.
Tagjai voltak Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe és Kiyonori Kikutake. Egy másik képviselő Maekawa Kunio volt, aki Tange-vel együtt régi japán esztétikai ötleteket vezetett be merev, kortárs épületekbe.
Ismét hagyományos technikákat és anyagokat használ, mint például a tatami szőnyeg és a pillérek használata, amely a japán templomok hagyományos építőeleme, vagy a kertek és szobrok integrálása alkotásaiba. Nem felejtem el a vákuumtechnikát sem, ezt Fumihiko Maki vizsgálta az épület és környezete közötti térbeli viszonyban.
Az 1980-as évektől a posztmodern művészet erősen megvetette lábát Japánban, hiszen ősidők óta jellemző a populáris elem és a formák kifinomultságának fúziója.
Ezt a stílust elsősorban Arata Isozaki, a Kitakyushu Művészeti Múzeum és a Kiotói Hangversenyterem szerzője képviselte. Isozaki Tange-nél tanult, és munkájában a nyugati koncepciókat szintetizálta a Japánra jellemző térbeli, funkcionális és dekorációs elképzelésekkel.
Tadao Andō a maga részéről egy egyszerűbb stílust alakított ki, nagy gondot fordítva a fénynek és a szabad tereknek a külső levegőhöz való hozzájárulására (Kápolna a vízen, Tomanu, Hokkaidō; Fénytemplom, Ibaraki, Osaka; Múzeum Gyerekek, Himeji).
Shigeru Bant a nem szokványos anyagok, például papír vagy műanyag felhasználása jellemezte: az 1995-ös kobei földrengés után, amely sok embert hajléktalanná tett, Ban hozzájárult a Delo megtervezéséhez, amely Papírházként és Papírtemplomként vált ismertté, végül a Toyō Az Itō feltárta a város fizikai képét a digitális korszakban.
A szobrászatban is megjelenik a tradíció-avantgárd kettősség, kiemelve Yoshi Kimuchi és Romorini Toyofuku nevét, az absztrakt Masakazu Horiuchi és Yasuo Mizui mellett, utóbbi Franciaországban él. Isamu Noguchi és Nagare Masayuki hazájuk gazdag szobrászati hagyományait egyesítette olyan művekben, amelyek az anyag érdessége és csiszoltsága közötti kontrasztot tanulmányozzák.
A festészet is két irányzatot követett: a tradicionális (nihonga) és a nyugati (yōga), mindkettő létezése ellenére Tomioka Tessai alakja a 20. század elején megmaradt, míg a nihonga stílus a végén a XX. századi művészetkritikus Okakura Kakuzō és Ernest Fenollosa oktató által.
A tradicionális művészetet keresi a japán érzékenység archetipikus kifejezési formájára, bár ez a stílus is kapott némi nyugati hatást, különösen a preraffaelitától és a romantikától. Főleg Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison és Kobayashi Kokei képviselte.
Az európai stílusú festészetet először a XNUMX. század végén Európában alkalmazott technikák és témák táplálták, elsősorban az akadémizmushoz kötődően, mint például Kuroda Seiki esetében, aki több évig Párizsban tanult, majd folytatta. a nyugati művészetben előforduló különböző áramlatok:
A Hakuba Kai csoport felvette az impresszionista befolyást; az absztrakt festészetben Takeo Yamaguchi és Masanari Munay voltak a főszereplők; A figuratív művészek közé tartozott Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen és Higashiyama Kaii. Egyes művészek hazájukon kívül telepedtek le, mint például Genichiro Inokuma az Egyesült Államokban és Tsuguharu Foujita Franciaországban.
A Taishō-ban a yōga stílus volt a legnagyobb hatással a nihongára, bár a fény növekvő használata és az európai perspektíva csökkentette a két áramlat közötti különbségeket.
Ahogyan a nihonga nagyrészt átvette a posztimpresszionizmus újításait, a yōga az eklektika iránti hajlamot mutatta, amely a különféle művészeti irányzatok széles skálájából fakadt.
Erre a szakaszra hozták létre a Japán Képzőművészeti Akadémiát (Nihon Bijutsu In). A Shōwa korszak festészetét Yasuri Sotaro és Umehara Ryuzaburo munkái fémjelezték, akik a tiszta művészet és az absztrakt festészet fogalmát vezették be a Nihonga hagyományba.
1931-ben megalakult a Független Művészeti Egyesület (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) az avantgárd művészet népszerűsítésére.
A kormány jogi szabályozása már a második világháborúban egyértelműen a hazafias témákat hangsúlyozta. A háború után a művészek újra felbukkantak a nagyvárosokban, különösen Tokióban.
Városi és kozmopolita művészet létrehozása, amely elkötelezetten követte a nemzetközileg, különösen Párizsban és New Yorkban megszületett stilisztikai újításokat. A hatvanas évek absztrakt stílusai után a hetvenes évek visszatértek a pop-art által kedvelt realizmushoz, amit Shinohara Ushio alkotásai jellemeznek.
Feltűnő, hogy az 1970-es évek vége felé valami érdekes dolog történt, az, hogy visszatért a hagyományos japán művészethez, amelyben nagyobb kifejezőerőt és érzelmi erőt láttak.
A grafikai hagyomány a XNUMX. században is folytatódott a "kreatív nyomatok" (sosaku hanga) stílusában, amelyeket olyan művészek rajzoltak és faragtak, lehetőleg nihonga stílusban, mint például Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi és Munakata Shiko.
A legújabb irányzatok közül az úgynevezett akcióművészeten belül jó hírnévnek örvendett a Gutai-csoport, amely az iróniával töltött akciókon keresztül a második világháború élményét a nagy feszültségérzettel és lappangó agresszivitással tette egyenlővé.
A Gutai csoport a következőkből állt: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto és Katsuō Shiraga. A posztmodern művészethez több művész is kapcsolódik a globalizáció közelmúltbeli jelenségéhez, amelyet a művészeti kifejezések multikulturalizmusa jellemez.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. További kiemelkedő kortárs japán művészek: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 és Takashi Murakami.
Ha érdekesnek találta ezt a cikket, kérjük, tekintse meg a többit is: