El Francis Bacon peintre Il est connu pour ses peintures de l'après-Seconde Guerre mondiale, dans lesquelles il dépeint le visage et la figure humaine dans un style expressif et souvent flamboyant. Découvrez avec nous qui il était et ce qui a motivé les peintures qui émerveillent le monde.
Qui était le peintre Francis Bacon ?
Cet artiste emblématique de la capitale irlandaise est un descendant du capitaine Anthony Edward Mortimer et de sa très jeune épouse, Christina Winifred Firth.
Il a vécu des années très dures sous l'autorité d'une figure paternelle dominatrice et brusque. Francis a été ridiculisé et maltraité parce qu'il était faible et maladif, de nombreux souvenirs et histoires prétendent que son père l'a beaucoup fouetté et puni pendant sa jeunesse.
C'était un garçon à la santé délicate en raison de son problème d'asthme chronique et a été éduqué à la maison, conservant un caractère réservé, très timide et silencieux dans son enfance. À 17 ans, il a été expulsé définitivement de la maison familiale lorsqu'il a été surpris en train d'essayer les sous-vêtements de sa mère.
Après avoir voyagé en Allemagne et en France dans sa jeunesse, Francis Bacon s'installe à Londres et entame une carrière d'artiste autodidacte. La plupart de ses peintures des années 40 aux années 60 représentent la figure humaine dans des scènes qui reflètent l'aliénation, la violence et la souffrance, étant considérée comme l'une des œuvres d'art les plus importantes de l'après-guerre.
Mais malgré ses crises d'asthme constantes et les mauvais traitements qu'il a subis, Francis Bacon était volontaire et résistant. Il buvait, mangeait, jouait, aimait et peignait avec une telle passion que le temps pour dormir était de moins en moins long, environ deux ou trois heures par nuit était la norme. À travers cette brume de débauche, de vie dure, d'amitiés profondes et d'obsessions esthétiques, Bacon a produit une collection de peintures non seulement d'une beauté envoûtante, mais aussi audacieuses et originales pour leur époque.
Son travail saisissant a réuni et animé le groupe de peintres qui l'entourait dans l'Angleterre du milieu du siècle, connue sous le nom de London School, et a également influencé plusieurs générations d'artistes à venir, dont Damien Hirst, Jenny Saville et Jake et Dinos Chapman, parmi lesquels un grand nombre.
Enfance, jeunesse et débuts artistiques
Le peintre Francis Bacon est né d'un couple anglais vivant à Dublin, en Irlande, le 28 octobre 1909. Il est de la lignée du célèbre philosophe Francis Bacon des XVIe et XVIIe siècles. Il a grandi en Irlande et en Angleterre et était incapable de maintenir une éducation comme n'importe quel enfant de son âge, il a donc été scolarisé à la maison pour des raisons de santé.
Son père, le capitaine Anthony Edward Mortimer Bacon, surnommé Eddy, était australien, né dans la ville d'Adélaïde, dans le sud du pays, d'un père anglais et d'une mère australienne. Eddy était un vétéran de la guerre des Boers, entraîneur de chevaux et petit-fils d'Anthony Bacon, qui prétendait appartenir à la famille de Sir Nicholas Bacon, demi-frère de l'homme d'État, philosophe et essayiste élisabéthain, Sir Francis Bacon.
La mère du petit Francis, Christina Winifred Firth, surnommée Winnie, était l'héritière d'une entreprise sidérurgique et d'une mine de charbon de Sheffield, sa situation financière était donc assez confortable. Bacon avait une famille nombreuse, un frère aîné, Harley, deux sœurs cadettes, Ianthe et Winifred, et enfin un frère cadet, Edward.
La famille a souvent déménagé, basculant plusieurs fois entre l'Irlande et l'Angleterre, provoquant un sentiment d'instabilité et de déplacement qui est resté avec François tout au long de sa vie.
La famille a vécu à Canny Court House dans le comté de Kildare à partir de 1911, puis à Westbourne Terrace à Londres, tout près du Land Force Records Office où le père était employé et a ensuite émigré en Irlande à la fin de la Première Guerre mondiale..
Bacon vivait avec ses parents, mais aussi ses grands-parents maternels, Winifred et Kerry Supple, à Farmleigh, Abbeyleix, mais il était toujours sous la garde de la nounou de la famille, Jessie Lightfoot, de Cornwall, affectueusement connue sous le nom de Nounou Lightfoot, une figure chaleureuse et maternelle qui restera proche de lui jusqu'à sa mort.
Bacon était un garçon timide, qui aimait les vêtements et bien s'habiller, avait également des manières excessivement délicates et quelque peu féminines, des choses qui ensemble exaspèrent souvent son père, qui, selon certaines histoires ultérieures, le maltraita.
C'était en 1924, alors qu'il était encore adolescent, ses parents continuaient de changer de résidence et la personnalité de Francis commençait à changer, il aimait dessiner des figures féminines, avec des robes et des chapeaux audacieux. Lors d'une soirée déguisée chez un ami de la famille à Cavendish Hall, Francis s'est habillé en clapet, avec une robe en strass, du rouge à lèvres, des talons hauts et un long fume-cigarette.
En 1926, la famille retourna à Straffan Lodge et sa sœur, Ianthe, de douze ans sa cadette, se souvint toujours de ces dessins et des goûts différents de son frère. Cette année est décisive pour Francis, expulsé de chez ses parents après que son père l'a trouvé en train de s'admirer devant un grand miroir, en sous-vêtement de sa mère.
En 1927, à seulement 17 ans, sans abri et avec des parents qui n'acceptaient pas sa sexualité, Francis Bacon se rend à Berlin, en Allemagne, où il participe à la vie nocturne gay de la ville, ainsi qu'à ses cercles intellectuels. Il a ensuite déménagé à Paris, en France, où il s'est encore plus intéressé à l'art grâce à des visites constantes dans des galeries. Le futur peintre revient à Londres à la fin des années XNUMX et entame une courte carrière de décorateur d'intérieur, concevant également des meubles et des tapis dans un style moderne influencé par l'Art déco.
Lorsque la guerre a éclaté, il a tenté de s'enrôler mais a été refusé en raison d'un asthme sévère, mais a rejoint l'équipe de secours en ambulance.
Il commence alors à peindre, d'abord dans un style cubiste influencé par Pablo Picasso et plus tard dans un style plus surréaliste. Le travail autodidacte de Bacon a suscité l'intérêt et en 1937, il a été inclus dans une exposition de groupe à Londres intitulée "Young British Painters".
Œuvres exceptionnelles entre les années 40 et 50
Francis Bacon a partagé à un moment donné que le véritable début de sa carrière artistique était en 1944, car c'était la période pendant laquelle il se consacrait pleinement à la peinture et créait les œuvres qui l'ont rendu célèbre et pour lesquelles on se souvient encore de lui.
Trois études de personnages au pied d'une crucifixion, est considéré comme un tournant important. Ses toiles présentent des figures humaines, fréquemment il s'agissait d'une seule figure, totalement isolée dans une pièce, une cage ou un fond noir.
Il réalise une série de tableaux, inspirés du portrait du pape Innocent X par Diego Velázquez réalisé en 1650, mais en donnant à chacun son propre style, avec les couleurs sombres qui le caractérisent, les coups de pinceau rugueux et les visages déformés. Ces œuvres sont souvent appelées Screaming Pope Paintings de Francis Bacon.
C'étaient des thèmes très variés, sur une toile on peut voir un personnage peint debout et à côté un morceau de viande écorchée, tandis que sur d'autres ils s'inspiraient de thèmes religieux traditionnels. Mais toutes ses peintures avaient une chose en commun, l'insistance du peintre Francis Bacon sur les expériences universelles de souffrance et d'aliénation.
Sa vie et son art après 1960
Même si c'était une époque où l'art moderne était dominé par l'abstraction, ce peintre hors pair a continué à peindre le visage et la figure des gens, sans succomber à la tendance. Son utilisation très émotionnelle des couleurs et des coups de pinceau, l'exagération des formes et des gestes lui ont valu l'étiquette d'artiste expressionniste, bien qu'il ait rejeté ce terme.
Les œuvres de Bacon des années 1960 dépeignent souvent des personnages masculins comme solitaires, en costumes d'affaires formels, d'autres comme des personnages nus avec des parties et des traits considérablement modifiés. Il y a eu des années où il a utilisé des tons clairs à certains moments, cependant, les thèmes de la violence et de la mortalité étaient toujours sa principale inspiration et les tons sombres et froids très courants.
Il a également fréquemment peint des portraits de connaissances, de pairs, d'artistes et de certains rivaux de la région, dont George Dyer, qui a rencontré Francis alors qu'il tentait de cambrioler sa maison.
Le peintre Francis Bacon a rencontré George Dyer, l'un des modèles qu'il peignait et désirait le plus, lorsque Dyer, qui était un jeune petit criminel vivant dans l'est de Londres, est tombé à travers la lucarne de la maison de l'artiste une nuit de 1963, avec l'intention de commettre un vol.
On raconte que Bacon lui aurait dit qu'il était très maladroit pour un voleur, mais ce jeune homme a définitivement attiré l'attention du pinto, qui avait 25 ans de plus que lui. La relation non conventionnelle de Bacon avec Dyer a duré huit ans, jusqu'à ce que le jeune homme décède d'une overdose d'alcool et de barbituriques dans sa chambre d'hôtel parisienne.
Cet événement survient deux jours avant l'ouverture de la rétrospective Bacon au Grand Palais, en octobre 1971. L'artiste est alors mondialement connu et les prix de ses œuvres rivalisent avec ceux de Picasso. Cette exposition individuelle au Grand Palais à Paris était un honneur exceptionnel pour un artiste vivant et la mort de son amant a été passée sous silence, pour ne pas occulter cette grande réalisation.
George Dyer était une romance passionnée et tumultueuse, marquée par des hauts et des bas et de la folie, à tel point que Dyer, entre autres, l'a accusé de possession de drogue. Beaucoup de ses expériences ont été représentées dans le film L'amour est le diable: étude pour un portrait de Francis Bacon, de l'année 1998 et avec Derek Jacobi, Daniel Craig et Tilda Swinton. Bacon, connu pour ses réjouissances, son amour de la boisson et sa passion pour l'art, a gardé une maison et un studio notoirement surpeuplés à Londres et a continué à peindre jusqu'à la fin de sa vie.
Il est décédé lors de vacances à Madrid, en Espagne, le 28 avril 1992, victime d'une maladie cardiaque à l'âge de 82 ans, n'ayant jamais cessé d'être le gentleman britannique au visage juvénile et bien soigné malgré une vie de réjouissances et de quelques heures. du sommeil, qui s'habillait avec élégance et subtilité. Mais surtout, il n'a jamais cessé de peindre, de manger, de boire, d'aimer et de lire. Ce lecteur vorace a laissé une bibliothèque d'environ XNUMX XNUMX livres, presque tous avec des notes et des commentaires.
Héritage du peintre Francis Bacon
Bacon est considéré comme l'un des principaux peintres britanniques de la génération de l'après-Seconde Guerre mondiale, ainsi qu'une influence majeure sur une nouvelle génération d'artistes figuratifs dans les années XNUMX.
Son travail est détenu par les principaux musées du monde et a été exposé dans diverses rétrospectives. Après sa mort, sa salle de travail a été achetée par la Hugh Lane Gallery, où ils ont organisé une salle pour que les visiteurs puissent l'apprécier.
Trois études de Lucian Freud du peintre Francis Bacon a battu le record de l'œuvre la plus chère acquise aux enchères, en 2013. Le prix final était de 142,4 millions de dollars et la vente aux enchères a été réalisée par Christie's aux États-Unis.
Ce peintre, qui a vécu 82 ans, était très controversé parmi les groupes artistiques traditionnels, car les œuvres puissantes qu'il a exécutées avec des coups de pinceau magistraux couvrent souvent des sujets très controversés tels que le sexe, la douleur, la souffrance et la mort, considérés par beaucoup comme des peintures obscènes.
Dans son travail, Bacon a rompu avec toutes les normes et règles sérieuses de l'art traditionnel anglais, se penchant vers une tradition et un style plus européens. Autodidacte et plein de génie, sans formation artistique formelle, il peint parfois avec ses doigts, à l'aide de pinceaux ou de chiffons, combinant des images de différents supports pour produire des compositions saisissantes.
Qu'est-ce qui vous a inspiré ?
Après que Bacon ait été expulsé de sa maison familiale, il s'est lancé dans une série d'escapades européennes qui lui ont ouvert les yeux sur l'art et le design, sans parler d'autres plaisirs terrestres, comme le sexe et le vin.
Diverses œuvres qu'il rencontre et admire au cours de ses voyages marqueront durablement son œuvre et ne quitteront son esprit qu'à sa mort en 1992. Par exemple, alors qu'il étudie le français près de Chantilly en 1927, il tombe sur le grand Massacre des Innocents de Poussin (1628–29), impressionné par l'agonie exposée dans la scène.
L'émotion incarnée avec une grande intensité dans la figure d'une mère, dont le petit fils est sur le point d'être tué par une figure sans aucune pitié, a choqué l'artiste.
Plus tard cette année-là, il a rencontré et visionné des documents qui ont eu une grande influence sur sa carrière: un livre détaillant les maladies de la bouche, le film Battleship Potemkin de Sergei Eisenstein de 1925 et la scène où une infirmière ensanglantée hurle. Des images inoubliables pour lui, restant comme une image tatouée en permanence dans son esprit.
Un autre événement décisif pour le peintre est un voyage à Paris juste à cette époque, qui lui permet de voir les premiers dessins figuratifs de Picasso. Tout ce matériel et son impact ont représenté la formation artistique précoce de Francis Bacon et une influence permanente sur toutes ses œuvres ultérieures, qui témoignent de son approche unique et originale.
Il convient de noter que le peintre Francis Bacon n'a jamais reçu de formation formelle, ce qui ne l'a pas empêché de créer des œuvres où le corps humain était un récipient malléable et grotesque rempli de sentiments crus. La bouche grande ouverte se matérialisera plus tard dans certaines des grandes toiles du peintre : sa série des Pommes de terre pleureuses, sur laquelle il travailla de 1949 à 1971, montrant des hommes flous et intronisés pris en flagrant délit d'un cri intense et apparemment éternel.
Beaucoup présument qu'ils reflètent simultanément les ordres militaristes du père de Bacon, les disputes furieuses entre le peintre et son amant torturé Peter Lacy, un simple cri de peur ou l'apogée d'un orgasme frissonnant. C'était la force de l'œuvre de ce peintre, rare et unique, il pouvait fusionner une variété de références, un monstre ou une bête qui tremblait sous l'effet d'émotions diverses et subtiles, pleines de frustration, de tension ou de peur.
La série des papes de Bacon est le produit d'une autre grande influence : le Portrait du pape Innocent X de Velázquez de 1650, une œuvre dont Bacon est tombé amoureux, et il n'a pas hésité à l'admettre.
À de nombreuses reprises, François a retravaillé sa propre version de ce chef-d'œuvre, bien qu'il ait refusé de voir le tableau en personne lors de son voyage à Rome. Il a déclaré qu'il avait honte d'avoir si bêtement manipulé cette pièce impressionnante, tant de fois. Bacon a affirmé que le travail de nombreux grands artistes tels que Giacometti, van Gogh et Matisse étaient influents dans ses œuvres, mais il n'a jamais cessé de se tourner vers des écrivains et des poètes tels que Racine, Baudelaire et Proust pour l'inspiration et les conseils créatifs.
Soulignant toujours que ce qui l'attirait le plus vers la littérature était la capacité de résumer les complexités de l'existence de l'individu en quelques lignes et phrases concises. Quelque chose qu'il a essayé de faire avec les figures diverses et fascinantes qui se trouvaient dans ses toiles.
À un moment donné, il a précisé qu'il ne mettait pas l'accent sur la mort, il l'acceptait simplement comme faisant partie de l'existence, car on est toujours conscient de la mortalité dans la vie, simplement une rose qui fleurit, puis meurt.
Quelle était votre façon de travailler ?
Les reproductions qui ont inspiré Bacon, comme Le massacre des innocentss, photographies usées d'animaux sauvages, talismans égyptiens, livres et autres, étaient regroupés sur les sols des studios où il travaillait, toujours comme un grand pêle-mêle qui l'a accompagné tout au long de sa carrière.
Le désordre luxuriant était toujours épicé avec de la peinture et des traces des fêtes qu'il organisait occasionnellement, après des soirées dans les clubs et les tripots de Londres.
Beaucoup ont décrit leur lieu de travail comme chaotique, où tout imprévu pouvait survenir. Cependant, malgré tout son désordre et toute sa décadence, le peintre Francis Bacon était aussi extrêmement dévoué à son travail et avait ses propres règles très particulières.
Il affirmait qu'il fallait être discipliné en tout, mais surtout dans la frivolité. Son intérêt passionné pour la socialisation semblait nourrir son inspiration et son travail, puisqu'il affirmait lui-même qu'après une sortie nocturne, il pouvait se réveiller très tôt le matin et peindre pendant plusieurs heures avec la meilleure lumière du jour, celle des premières heures. après l'aube.
Par la suite, il pouvait manger et boire ivre, visiter la ville et se mêler à ses nombreux amis et connaissances, qui comprenaient souvent ses collègues peintres Lucian Freud et Frank Auerbach. Également des collectionneurs londoniens renommés, tels que Sainsbury's, certains de ses nombreux amants, tels que Lacy ou Eric Hall, entre autres personnalités.
C'était un artiste extravagant, qui prétendait mieux travailler après une nuit de beuverie, car il répétait que son esprit s'animait et se remplissait d'énergie après ces interminables nuits de fête, il sentait que boire le rendait plus libre. Cependant, comme on le sait, ce type de routine génère certains risques, voire de nombreux risques dangereux. A plusieurs reprises, après les fêtes, il rentrait tard et très ivre, à tel point qu'il décida de "perfectionner" une peinture achevée ce jour-là.
Puis il se réveillait et découvrait que ce qu'il avait perfectionné était tout simplement ruiné. Après plusieurs épisodes de ce type, sa galerie commence à collectionner les œuvres et peintures de son atelier une fois achevées.
Cela a également été pris en charge par la nounou qui l'a élevé et accompagné au cours de sa vie, sa nounou Jessie Lightfoot, qui a vécu avec le peintre jusqu'à sa mort en 1951 et les deux principaux distributeurs de son œuvre, Erica Brausen à la Hanover Gallery et plus tard Valerie Beston à la Marlborough Gallery, qui a également joué un rôle crucial dans l'organisation et le développement de sa vie et de sa carrière.
L'artiste irrévérencieux qui a eu des problèmes financiers pendant sa jeunesse, a eu le soutien de Lightfoot, qui l'a aidé à démarrer des entreprises ou à trouver des amants qui lui apporteraient un soutien financier. Brausen est devenue une amie proche et une confidente, liée par l'art, leur homosexualité commune et leur goût pour la prise de risques, celle de Bacon sur la toile et la sienne sur les murs de sa galerie.
À partir de 1958, Mlle Beston, comme on l'appelait affectueusement, organisa presque toute la logistique quotidienne de Bacon pendant ses années les plus réussies, s'occupant de payer ses factures, d'organiser son emploi du temps, de s'assurer que son appartement était propre et de le garder. dans les délais, travaux dédiés à la peinture. De plus, il prenait soin de garder ses toiles hors de la poubelle, car à certaines occasions il les détruisait.
Pourquoi votre travail est-il important ?
Cet artiste incroyable a apporté une nouvelle intensité émotionnelle aux personnages qu'il a peints, dépeignant ses sujets, qu'ils soient ses amis, des modèles ou des personnages mythologiques, comme une masse tordue, charnue, grotesque et émotionnellement exposée.
Il a essayé de révéler la complexité derrière la façade de l'être humain, l'énergie, la souffrance et l'extase. Figures qui, avec leurs membres flous et déformés, révèlent les pulsions les plus primaires, peut-être pour cette raison dans ses productions des années XNUMX, les représentations de singes et d'hommes ont souvent une forte ressemblance entre elles.
Dans sa vie et son art, le peintre Francis Bacon a incarné et nourri les extrêmes, les traduisant en images reconnaissables dont la tension montre qu'elle est le produit d'une vie vécue à la marge.
Thèmes de ses oeuvres
Le peintre Francis Bacon était novateur et avait un style de travail puissant, mais comme nous l'avons vu précédemment, il avait une certaine prédilection pour certains thèmes spécifiques pour réaliser ses œuvres, ce qui lui a sans doute donné un grand succès. Ceux-ci inclus:
La crucifixion
Les images de la crucifixion pèsent lourd dans l'œuvre de Francis Bacon, puisque quantité d'émotions et de sensations peuvent s'y accrocher et s'y refléter. C'est un espace dans lequel des lésions corporelles sont infligées à une personne et d'autres se rassemblent pour regarder, explorant certains domaines du comportement de l'individu.
Ce thème est récurrent dans ses premières œuvres, lorsqu'il commence à peindre sérieusement, vers l'âge de 30 ans. Vers 1933, Eric Hall lui commande une série de trois peintures basées sur le thème, les premières peintures étant influencées par les premiers représentants tels que Matthias Grünewald, Diego Velázquez et Rembrandt. Aussi pour les œuvres de Picasso de la fin des années vingt et du début des années trente.
Papas
Citant une grande partie du célèbre portrait de Velázquez de 1650 du pape Innocent X, maintenant dans la galerie Doria Pamphili à Rome, la série de papes de Bacon sont des images saisissantes qui développent des motifs déjà trouvés dans ses œuvres antérieures, telles que le Etude de trois personnages au pied d'une crucifixion et comme la bouche ouverte qui crie.
Les figures des papes, picturales isolées par des lignes parallèles partiellement courbes qui indiquent les forces et l'énergie intérieure, sont différentes et semblent aliénées de leur représentation d'origine, elles sont dans l'œuvre dépouillées de leur pouvoir et c'est une métaphore de l'humanité souffrante.
chiffres couchés
De nombreux tableaux de Bacon comptent parmi leurs habitants des personnages allongés, seuls ou en triptyques, où ils se répètent avec certaines variations. La composition des figures particulièrement nues est influencée par le travail sculptural de Michel-Ange et les multiples phases de son interprétation qui peuvent également être appliquées aux modèles dans les portraits, est une référence à la chronophotographie d'Eadweard Muybridge.
la bouche qui crie
Principalement inspiré par la photo du film muet de Sergei Eisenstein de 1925, Le cuirassé Potemkine est un motif récurrent dans de nombreuses œuvres de Bacon de la fin des années 1940 et du début des années 1950. Cependant, certains modèles de bouches hurlantes ont également été inspirés par diverses sources, notamment des manuels médicaux et le œuvres de Matthias Grünewald, en plus des alambics de l'infirmière dans les marches d'Odessa.
Bacon a vu le film Le cuirassé Potemkine en 1935 et l'a regardé fréquemment depuis lors, gardant une photo de la scène dans son studio, qui montrait un gros plan de la tête de l'infirmière hurlant de panique et de terreur, avec les lunettes cassées suspendues à son visage ensanglanté. Une image à laquelle il s'est référé tout au long de sa carrière, l'utilisant comme source d'inspiration.
Francis Bacon a décrit la bouche hurlante comme un catalyseur pour son travail et a incorporé sa forme lors de la peinture de la chimère. L'utilisation du motif peut être vue dans l'une de ses premières œuvres survivantes, Abstraction of the Human Form.
On voit qu'au début des années 1950 c'est devenu une préoccupation obsessionnelle et peut-être que si le spectateur pouvait vraiment expliquer les origines et les implications de ce cri, il serait plus près de comprendre tout l'art de ce peintre.
Oeuvres importantes du peintre Francis Bacon
Depuis son petit studio londonien, où abondaient les matériaux de base, les bouteilles de champagne et les peintures partout, le peintre Francis Bacon a donné vie à une série de peintures révolutionnaires et influentes du XXe siècle. Ses toiles abritent une série de figures tordues, aux gestes dramatiques et contorsionnés, représentant des personnalités du monde religieux et artistique à des amis et amants débridés.
Son travail incarne une série de malaises culturels et d'angoisses de l'après-guerre, ainsi que les démons et les obsessions de l'artiste lui-même.
Francis Bacon a donné vie à des images et des personnages emblématiques qui ont montré à quel point la société était incroyablement blessée et traumatisée après la guerre. Inspiré par le surréalisme et des sources telles que le cinéma, la photographie et d'autres artistes, l'artiste a réussi à se forger un style distinctif qui a fait de lui l'un des représentants les plus célèbres et les plus admirés de l'art figuratif dans les années XNUMX et XNUMX.
Bacon a concentré ses énergies sur le portrait, dépeignant les clients réguliers des bars et des clubs de Soho comme des sujets violemment déformés, presque des morceaux de viande, des âmes isolées emprisonnées et tourmentées par des dilemmes existentiels.
Mais, beaucoup de gens se demandent encore quel était son secret pour créer ces images et figures énigmatiques ? Qu'est-ce qui l'a rendu si fascinant et surprenant ? Avec des peintures bouleversantes, une puissance sulfureuse qui perdure et des œuvres vendues aux enchères pour des sommes exorbitantes, son influence n'est décidément pas près de s'estomper.
Le peintre Francis Bacon était un homme très complexe, dont le travail reflète l'enchevêtrement de relations intenses, de fixations historico-artistiques et d'un bon nombre de vices qu'il possédait, créant des échantillons artistiques vraiment fascinants :
Crucifixion (1933)
La Crucifixion est l'œuvre qui a mis l'artiste sous les projecteurs du public et a été suivie de bien plus grands succès dans les années d'après-guerre.
Ce triptyque a peut-être été inspiré par l'œuvre bien connue de Rembrandt de 1655, Le Bœuf écorché, mais influencé par le style surréaliste de Picasso. Il recrée trois formes de mort violente, des personnages vaincus, massacrés allongés sur des lits et pendus la tête en bas.
La blancheur translucide de la carrosserie de cette œuvre donne un certain air fantomatique, générant une composition assez dérangeante, où la douleur et la peur sont exposées comme l'une des idées fixes et obsessionnelles du peintre.
La Crucifixion, réalisée en 1933, mesure environ 197,5 x 147 centimètres et a été exposée pour la première fois à une époque où la tristesse, les brutalités et les horreurs de la Première Guerre mondiale étaient encore latentes, reflétant ce que tout le monde savait, comment la cruauté et l'atrocité ont changé le monde pour toujours.
Je sais que pour les religieux, pour les chrétiens, la crucifixion a un tout autre sens. Mais en tant que non-croyant, c'était juste un acte du comportement d'un homme envers un autre.
La figure dans le paysage (1945)
Figure in a Landscape est une œuvre réalisée à l'huile sur toile à armure toile, présumée inspirée d'une photographie de l'amant de Bacon à l'époque, Eric Hall, vêtu d'un costume en flanelle, à moitié endormi sur un siège à Hyde Park.
Une partie substantielle du corps a été peinte en noir, suggérant un vide, avec une bouche ouverte perceptible, rappelant un peu un leader prononçant un discours et qui aurait été inspiré par des photographies de nazis s'adressant à leurs partisans. Cette image entourée d'un décor bucolique révèle un grand contraste entre la violence et l'agressivité et la réalité quotidienne de l'artiste.
Peinture (1946)
Les images en couches de cette peinture énigmatique se fondent les unes dans les autres, lui donnant un aspect cauchemardesque. Il est impressionnant d'apprécier d'en haut, les ailes déployées d'un squelette d'oiseau qui semblent se percher sur un cadavre suspendu, ce dernier motif influencé, comme la Crucifixion en 1933, par les œuvres de Rembrandt.
Au premier plan, un homme bien habillé sous un parapluie est assis dans une enceinte circulaire qui pourrait être décorée avec plus d'ossements et un autre cadavre. L'étrange composition de cette œuvre, qui ressemble à un collage, révèle la méthode de Bacon pour ce tableau. C'était simplement un accident, car il voulait seulement recréer l'image d'un oiseau perché sur un champ, dira le peintre un peu plus tard.
Cette huile et pastel sur lin, a été cataloguée par son créateur comme une série d'accidents qui se sont accumulés les uns après les autres et bien qu'elle ait pu être liée d'une manière ou d'une autre aux trois formes précédentes, les lignes qu'il a dessinées suggéraient quelque chose de totalement différent et en tant que tel l'image a été soulevée d'une manière totalement différente.
Le peintre a déclaré que son intention n'était pas de faire ce film étrange, il ne l'avait jamais imaginé comme ça, c'est juste arrivé. La vérité est qu'intentionnelle ou non, c'était un travail qui, comme beaucoup d'autres de Bacon, a créé beaucoup d'attentes et d'excitation.
Trois études de personnages au pied d'une crucifixion (1944)
Cette œuvre donne simplement à Bacon une réputation au milieu des années 1940 et montre l'importance du surréalisme biomorphique dans la forge de son style précoce. Il s'agit d'un triptyque de style surréaliste, mesurant 74 x 94 centimètres pour chaque panneau.
Il a peut-être eu l'intention à l'origine d'incorporer les personnages dans une crucifixion, mais sa référence à la base d'une telle composition suggère qu'il les envisageait comme faisant partie d'une prédelle. Les corps tordus et déformés sont rendus un peu plus terrifiants par leurs formes humaines vaguement familières, qui semblent tendre la main vers le spectateur avec douleur et un air d'agonie et de supplication.
Les personnages sont basés sur les Furies, déesses de la vengeance de la mythologie grecque qui jouent un rôle important dans l'Orestie, une tragédie en trois parties d'Eschyle, et il est possible que Bacon ait été attiré par les thèmes de culpabilité et d'obsession de la pièce. . Cette pièce incroyable a profondément et radicalement influencé les images du corps dans l'art britannique d'après-guerre.
Étude du portrait du pape Innocent X par Velázquez (1953)
Bien que la figure de cette image dérive d'un portrait de 1650 du pape Innocent X par l'artiste Diego Velázquez, le peintre Francis Bacon a évité de voir la peinture originale, préférant travailler à partir de reproductions. Il déploie un cadre en forme de cage qui entoure l'image qui personnifie le pape, introduisant également un brossage vertical à la surface du tableau, un élément qu'il décrit comme un rideau, reliant la figure à un objet précieux qui nécessite un espace protégé.
Cependant, les traits linéaires sont destructeurs pour l'image et ressemblent plus aux barreaux d'une cellule de prison qu'à un rideau. Les lignes semblent presque vibrer et les nuances complémentaires de violet et de jaune ajoutent à la tension de la composition.
Le peintre Francis Bacon n'était pas un homme lié au christianisme, il ne s'est jamais considéré comme religieux, cependant, son travail montre une attirance pour des symboles tels que la Crucifixion et le Pape, s'en inspirant pour afficher un large éventail d'émotions et de sentiments.
Avec un visage décousu et le fameux cri, le peintre assure que ce n'était pas comme il le voulait, il a plutôt pensé à quelque chose qui ressemblait à un coucher de soleil de Monet. Cependant, son geste énigmatique plein de brutalité démontre quelque chose d'indéniablement beau et serein.
Cette peinture de Bacon a ce style captivant particulier d'afficher des sujets hideux d'une manière qui les rend compatibles avec les salons luxueux dans lesquels beaucoup d'entre eux étaient suspendus. Cette peinture à l'huile de 153 x 118 centimètres, dont le nom original est Étude d'après le Portrait du pape Innocent X de Velázquez, actuellement exposée au musée Des Moines Art Center, Iowa (États-Unis).
Portrait de George Dyer dans un miroir (1968)
Le peintre Francis Bacon avait 60 ans lorsqu'il rencontra le jeune George Dyer, la relation, bien que romantique, eut toujours plus un style père-fils, car Dyer avait constamment besoin d'attention et d'être rassuré.
Inspiré des portraits de Picasso du milieu du XXe siècle, le peintre irlandais parvient à capter de façon surprenante le conflit intérieur de cet être humain, qui fut son partenaire sentimental pendant de longues années. L'œuvre présente George Dyer, assis dans une chaise pivotante, qui à son tour fait face à un miroir sur un meuble d'une manière très particulière.
L'image avec son corps et son visage déformés reflétés dans le miroir est séparée en deux parties par un espace de lumière, mais celui-ci ne subit toujours pas les mêmes distorsions, puisque les deux morceaux du reflet ensemble donneraient un portrait assez réaliste de l'homme. Cette huile sur toile d'environ 200 cm × 150 centimètres, dont le titre original est Portrait de George Dyer dans un miroir Ils appartiennent actuellement à une collection privée.
Portrait de George Dyer parlant (1968)
Portrait de George Dyer Talking a des couleurs tamisées par rapport à d'autres œuvres, bien que les reflets rouges et verts suggèrent une lutte intérieure, reflétant peut-être la dépendance de George Dyer à la drogue et à l'alcool. Ajoutée aux couleurs, la figure peinte plongeant dans un abîme central est peut-être la meilleure expression de ce tourment.
L'œuvre abrite un George Dyer assis sur un tabouret pivotant, semblable à ceux d'un bureau dans une pièce colorée, exhibant le corps et le visage tordus, comme une sorte de contorsionniste. Les membres inférieurs sont étroitement croisés et la tête semble être dans un cadre. Cette figure humaine se tient sous une ampoule solitaire pendante, et des feuilles apparemment jetées sont éparpillées autour de lui à ses pieds. Le corps de la figure est positionné au premier plan et à l'arrière-plan,
Deux personnages (1953)
En raison de ses connotations homosexuelles, l'exposition inaugurale de Two Figures a fait grand bruit. Inspiré des dessins anatomiques et de la photographie de mouvement d'Eadweard Muybridge, le tableau est une exploration du corps en action, à travers une représentation de l'acte physique d'amour. Les deux personnages entrelacés sur le lit sont recouverts par le "rideau" aux lignes striées créé par le peintre Francis Bacon, qui obstrue quelque peu la vue et accentue le mouvement des personnages.
Cependant, malgré la représentation de l'acte physique d'amour, c'est une œuvre qui n'évoque pas exactement la romance qui peut survenir lors d'un rendez-vous amoureux, les couleurs un peu sombres nous font penser à un moment sinistre.
Beaucoup interprètent l'œuvre comme une expression des supposés goûts masochistes de l'artiste, qui pourraient être dus à la cruauté dans laquelle il a grandi. Il était courant que certaines peintures montrent les abus auxquels il était exposé dans ses relations agressives. Cette huile sur toile fait partie d'une collection privée à Londres.
Têtes Série (1948 -1949)
Entre les années 1948 et 1949, le peintre Francis Bacon étudie intensivement et crée un groupe de six tableaux connu sous le nom de série chefs (Heads), plaçant certaines d'entre elles en particulier parmi les œuvres les plus importantes et les plus rares de l'artiste, étant la série qui a jeté les bases de nombre de ses explorations du portrait pour les décennies à venir.
Toutes de taille identique et présentant une palette de couleurs équilibrée similaire de gris et de blancs froids, ces œuvres ont fait sensation, au point que Head III, créé en 1949, a été vendu aux enchères pour 10,442,500 2013 XNUMX £ en XNUMX, le record mondial actuel pour une œuvre de Bacon des années XNUMX.
La seconde moitié de cette décennie représente un changement important dans la reconnaissance internationale de l'artiste, entamant une collaboration fructueuse avec Erica Brausen, propriétaire de la Hanover Gallery. La galeriste londonienne a fait don d'une œuvre de l'artiste à Alfred Barr pour le Museum of Modern Art de New York en 1948, ce qui peut être considéré comme un excellent début de carrière mondiale.
La première exposition personnelle a eu lieu à la Hannover Gallery un an plus tard, en novembre 1949, avec cette importante série de six têtes. Gagnant de très bonnes critiques de l'artiste, qui le considérait comme l'un des artistes les plus puissants d'Europe.
Étude pour nu accroupi (1952)
Étude pour nu accroupi C'est une œuvre réalisée à l'huile et au sable sur toile, qui mesure 198,1 x 137,2 centimètres et se trouve actuellement dans eL'Institut des Arts de Détroit.
Un effet de barre sépare le sujet emprisonné du spectateur curieux, une scène qui semble être exposée dans des murs de verre imaginaires qui créent une aura de suffocation, peut-être liée par beaucoup à l'état asthmatique de l'artiste.
Les sources qui ont inspiré les images de Bacon sont étonnamment diverses, notamment les images fixes d'Eisenstein, les scènes de cour de Velázquez et les écrits sinueux de Joyce, ainsi que des manuels médicaux.
Mais pour Study for Crouching Nude réalisé au printemps 1952, il s'est peut-être inspiré des tabloïds et des expériences de photographie de mouvement du photographe et chercheur britannique Eadweard Muybridge. L'œuvre montrant un personnage perché sur quelque chose peut être dérivée de The Man Jumping Up, de ce Britannique.
Le tableau a été présenté pour la première fois en Tendances récentes de la peinture réaliste, organisée par Robert Melville et David Sylvester, à l'Institute of Contemporary Art de Londres, en 1952.
Trois personnages dans une pièce (1964)
Il s'agit d'une œuvre composée de trois panneaux peints à l'huile d'environ 198 × 147 centimètres, formant l'un de ses célèbres triptyques. Dans cette œuvre, elle montre pour la première fois son amant George Dyer comme modèle, mais ce ne sera pas la dernière. Dyer que le peintre Francis Bacon a rencontré en 1963 a fait l'objet de plusieurs de ses toiles.
En Trois personnages dans une pièce montre à nouveau son intérêt constant à montrer un sujet sous des angles différents, car même lorsqu'il est réalisé en trois toiles distinctes, chaque tableau a la même taille, mettant en évidence un sol brun elliptique, des murs dans un ton jaune et la présence d'un modèle unique qui est répété dans chaque panneau, avec des positions tordues.
L'œuvre est présumée s'être inspirée de diverses sources, dont le dessin d'Edgar Degas, le Femme s'assèche après le bain (Après le bain, femme s'essuyant), dans le Torse de Belvédère. Les sculptures de Michel-Ange dans la chapelle des Médicis et Baigneurs avec une tortue par Henri Matisse.
Trois personnages dans une pièce, a été acheté par le gouvernement français à la fin des années 1976 et fait partie de la collection du Centre Georges Pompidou depuis XNUMX.
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